#StaffPick: mejores 5 álbumes del 2K16 – de Basement a Soft Hair

Por: @KevinFripp

Llega el final de este loquísimo 2K16, lleno de memes, la candidatura de Trump, las pérdidas repentinas de Bowie a Fidel Castro, la imparable corrupción y mal manejo del gobierno de EPN, en fin, un incontable número de sucesos que marcaron a este año como uno de los más inesperados de la última década. Pero no todo es negativo, a nivel artístico siempre se agradece que entre tanta mierda siempre hay cosas muy buenas sucediendo para usarlos como vía de escape. Aquí les comparto los álbumes que para mi gusto marcaron este año y sobre todo lo hicieron más llevadero.

BasementPromise Everything (Run For Cover Records)

Antes, al menos para los music diggers, era común entrar a Bandcamp, Soundcloud, Youtube o mucho antes Last FM o MySpace a buscar qué de nuevo había en relación a tus gustos musicales. Hoy en día, quizá porque la chamba y demás actividades no nos dejan tiempo para dedicarle horas en la madrugada a buscar música, al menos para mí “la vieja confiable” que en realidad es nueva, es la recomendación semanal de Spotify. Sencillo, en base a lo que escuchaste la última semana, el servicio más completo de streaming te presenta una lista de 30 canciones con bandas similares a tus gustos y reproducciones. Fue así como llegué a Basement, unos ingleses que desde 2010 se dedican a hacer un revival del sonido punk melódico de los 90, con canciones originales, obviamente.

Después de un hiato que tuvieron poco después de lanzar su segundo ábum Colourmeinkindness, regresaron a tocar en 2014 y para 2015 ya estaban grabando este material que para este año fue lanzado el 19 de octubre. Promise Everything,  es un álbum maduro, directo, conciso, agresivo, enfadado y con mucho poder que a momentos se da pequeños respiros, sólo para volver un par de minutos después con más trancazos y guitarrazos.  Con una clara evolución en la producción del álbum, Basement regresa para dejar claro que si bien no es un álbum perfecto, muestra buena parte de su potencial para llegar a nuevas audiencias.

Tracks favoritos: “Brother’s Keeper”, “Oversized”, “For You The Moon”.

TTNGDisappointment Island (Sargent House)

Con la noticia de que al fin Ttng viene a México después de 12 años en activo, cambios de alineación, un cambio de nombre (antes This Town Need Guns), 4 álbumes de estudio y giras por todo el mundo, los fans de la banda salieron de sus guaridas para dejar claro que el math-rock tiene sus buenos seguidores en el país.

Ya desde 2015 nos habían estado adelantando que este año tendríamos nuevo material, que sería el sucesor del muy bien logrado 13.0.0.0.0 lanzado en 2013. Disappointment Island es un álbum hermoso, en toda la extensión de la palabra, por más que el math esté considerado como un género donde la complejidad y los ritmos sincopados den para algo lleno de ruido, la ejecución de Ttng es sublime y precisa, lo que da como resultado estructuras bastante digeribles, por más complicadas que sean. Aunado a esto, las líricas siguen ese estilo emo que juegan muy bien con los compases musicales.

Tracks favoritos: “Consoling Ghosts”, “Coconut Crab” y “Sponkulus Nodge”.

DIIVIs The Is Are (Captured Tracks)

Al recibir el nuevo material de DIIV no imaginábamos tenerlos tan pronto por el país. Pero vaya sorpresa que nos dio PLOP Radio al incluirlos junto a Beach Fossils en su festival Verano PLOP, en los cuales disfrutamos tanto tracks de este nuevo material, así como del Oshin. 

En Is The Is Are, Zachary Cole Smith sigue hablando sobre sus problemas con las drogas y ese estado de hastío en el que se encuentra su vida y la de sus amigos. Sin embargo, logran amalgamar una serie de 17 tracks (muy inusual para la duración de los álbumes actuales) que nos llevan por muchas atmósferas de soledad, pero que se disfrutan como todo lo contrario. Más de una hora de tracks desenfadados que van del shoegaze al noise-pop, es lo que encontramos en este álbum que da muestra de lo que esta banda es capaz no solo de lograr sino de transmitir a su audiencia.

Tracks favoritos: “Bent (Roi’s Song)”, “Take Your Time” y “Dust”.

Soft HairSoft Hair (Domino)

Después del lanzamiento de Inji en 2015 nos quedamos con ganas de tener más música por parte de Sam Dust a.k.a LA Priest, de quien recordaremos por su increíble y extinto proyecto Late of The Pier. No tardamos mucho en enterarnos a principios de año que él junto a Connan Mockasin (quienes se conocieron cuando LOTP abrió una gira de Connan) estaban planeando lanzar algo juntos, y ya para agosto nos soltaron el video de “Lying Has To Stop”, donde los vemos bailar lo mismo que chisotoso que sensual. Ya para el 28 de octubre lanzaron este álbum bajo el nombre de Soft Hair, con título homónimo.

No puedo dejar de comparar lo que estos dos personajes han hecho juntos a nivel concepto y musical con lo que Juan Son hizo en su momento con Mermaid Sashimi o en AEIOU. Por su parte la música, formada por distintos sonidos de sintetizadores, guitarras y algunas otras herramientas más orgánicas, nos recuerdan a esos tracks como “Goldfish” o “Captain Whirpool” en el Mermaid Sashimi de 2010. A su vez, el concepto de utilizar su propia imagen con maquillaje y semi desnudos por parte de los intérpretes también tiene cierta similitud, para nada mala, quizá ellos ni enterados están de siquiera la existencia de Juan, pero es curioso relacionar ambas producciones por su contenido.

Tracks favoritos: “Relaxed Lizard”, “Lying Has To Stop” e “In Love”.

FEWSMeans (Play It Again Sam)

Otra banda descubierta en el bendito Spotify. Formados desde distintas latitudes por los gustos musicales en común de sus intérpretes y catalogados por algunos medios como los sucesores de Interpol, FEWS es una banda basada en Suiza con un miembro en Estados Unidos y que operan en Reino Unido. Su debut es un potente material de post-punk y kraut rock que me dejó anonadado por su increíble producción y estructura, algo en buena parte como un enooorme inicio, pero que se puede quedar en el gran debut y no poder pasar de ahí con sus siguientes materiales.

Con referencias musicales que van desde los ya mencionados DIIV, pasando por Interpol o Neu!, el disco se siente bastante warmy y juguetón con líricas inteligentes y estructuras musicales que van más allá de un solo género, auspiciadas tanto en la producción como en el lanzamiento por el productor Dan Carey, quien a trabajado con bandas como TOY o Bat For Lashes. Resta ver qué tiene la banda para ofrecer en directo, pero por los shows que le han abierto a Pixiers en Reino Unido se ve que tienen bastante potencial. De ahí nos queda seguirles la pista para ver si lograron pasar la barrera del gran comienzo.

Tracks favoritos: “The Zoo”, “Drinking Games” y “III”.

#NuevosRuidos: El adiós a la playa y el nuevo camino para LAWALL

Por Uriel Delgado (@olalloyo)

Fue hace ya dos años que las camisas hawaiianas y las guitarras melosas invadieron la escena musical mexicana. Entre el surf, el jangle pop y el repentino amor por Mac DeMarco, muchos proyectos con estas características comenzaron a surgir en nuestro país y parecía que así iba a seguir por un buen rato. Sin embargo, poco a poco se empezó a diluir ese entusiasmo y sólo unos cuantos grupos que en verdad se afianzaron en su proyecto pudieron salir adelante, y no sólo eso, sino verdaderamente comenzaron a hacer despegar su carrera. Entre ellos, están los chicos de LAWALL.

Y no podemos decir que sean los supervivientes de esa corriente, sino todo lo contrario. Fueron ellos los que le dieron vida a un movimiento que parecía no encontrar su camino más allá de una moda y comenzaron a crear una escena propia que los hiciera crecer no solamente a ellos, sino a su estado natal, Colima, y las ambiciones de muchos músicos jóvenes que creen que no se puede hacer música en nuestro país.

Ahora, dejando atrás el proceso de Playa de los 90 Vol. 1, su álbum debut, la banda formada por Tavo, Enzo, Alberto, Xavier y Oscar comienza a forjar su propio camino en busca de esa esencia que sólo el tiempo y los golpes de la vida te pueden dar. Nos sentamos a platicar con Enzo y Alberto sobre lo que ha sido su crecimiento hasta ahora y qué es lo que se viene para estos chicos de Colima, para los que muy pronto el estado más chico del país les quedará muy corto.

¿Qué es LAWALL y qué los hace diferentes a otros proyectos que existen en la actualidad?

Enzo Borja: Somos de Colima y hace tres años que estamos trabajando en este proyecto. Empezamos grabando una serie de demos que después salieron en nuestro álbum debut, La playa de los 90s, y todo empezó como un proyecto de amigos. De esta forma LAWALL fue como nuestro respiro para deshacernos de nuestros problemas, del ritmo de esta mini ciudad en la que tienes que estar estudiando, trabajando y haciendo mil cosas todo el tiempo. Entonces el entrar a un cuarto de ensayo era entrar a un mundo creativo donde el tiempo volaba y eso es lo que nos terminó uniendo. Y ese es el concepto de LAWALL, la pared que divide tu mundo creativo de tu mundo cotidiano.

Esto se tradujo a grabar el Vol. 1 de La playa con Aldo Muñoz, que fue el productor de Siddhartha, Caloncho, entre otros, y lo que hizo que comenzara a haber un poco más de ruido en torno a la banda, que los medios comenzaran a buscarnos, que pudiéramos poco a poco salir de gira y eso es lo que nos tiene aquí. Ahorita ya vamos cerrando ese proceso, que va a terminar con el video de “Años 90”, el último que nos faltaba, y empezaremos a promover el nuevo material que estamos preparando. Hasta ahora, eso es LAWALL.

¿En qué influyó el que sean de Colima con la perspectiva que tienen de las cosas? Más allá de reflejar la tranquilidad de la playa, con todo lo que han hecho pareciera que eso mismo los motivó a hacer más, tanto con LAWALL como otros proyectos que han llevado por allá, como el Artney Festival.

Alberto Herrera: Tiene congruencia que tengamos un disco que se llama La playa de los 90’s con el lugar en el que vivimos, porque realmente es un paraíso en el que nos podemos concentrar para componer. Y también es un punto de oportunidad ya que el que no haya mucho movimiento o una escena musical definida nos permite, en este caso a Enzo que es quien organiza el Artney Festival, llevar nuevos sonidos a Colima y también hacer amistad con otras agrupaciones para nosotros también poder movernos a otros lados. Bandas que difícilmente podrías encontrarte en Colima por casualidad. Por eso Enzo empezó a desarrollar este festival para poder llevar estas bandas para allá y empezar a crecer una escena que en realidad no existía. Entonces nunca lo vimos como algo negativo, sino como un punto de oportunidad para crecer.

¿Y ustedes han visto que sí ha continuado creciendo después de estos esfuerzos individuales?

Enzo: Definitivamente. Nosotros siempre nos hemos clasificado como una banda amiga, que tenemos conocidos en muchos lados y que procuramos seguir trabajando con la gente que nos apoyó en algún momento. Justo ahorita estamos trabajando con Diego Rangel, el bajista de Porter, para producir nuestro siguiente material, eso siempre es algo que hacemos. Nos volvemos amigos de la gente y después los invitamos a que le caigan a Colima y que ayuden a que crezca. Es el estado más pequeño del país, no sólo en tamaño sino en muchas cosas, entonces para nosotros ha sido un gran reto el hacer eventos, el venir a la Ciudad de México, pero todo nos ha ayudado a crecer. Lo notamos cada que venimos acá, porque cuando nos presentamos y vemos a la gente cantando, sabemos que todo el trabajo finalmente está germinando.

Alberto: Y también ese esfuerzo genera una energía que atrae a otras personas. Por ejemplo, nuestro próximo video, “Años 90”, lo estamos trabajando con un amigo de Colima que está haciendo algo muy parecido a LAWALL pero en la parte de cine independiente. Él hace cortometrajes, el último ha pegado mucho, se llama El ocaso de Juan, y entonces estamos haciendo una sinergia en la que personas de Colima o de otros estados se van sumando. Y creo que para eso es el arte, para compartirlo y poder trabajar en conjunto con otras personas.

Enzo: Y que de alguna forma al final el éxito del artista no es la venta de discos o cuanta gente te va a ver, sino el hecho de poder compartir tu trabajo con personas con las que estás orgulloso de trabajar. Para nosotros antes Porter era uff, inalcanzable, y ahora estamos trabajando directamente con ellos. Entonces creo que esas son justo las cosas que van surgiendo de esas sinergias que fuimos creando.

¿En algún momento les ha llegado a pesar ese papel de ser una especie de estandarte para este movimiento en Colima?

Enzo: Pesar no, porque ha sido muy padre el poder darle un alcance más grande a esto. El secretario de cultura nos ha estado apoyando mucho con viajes, transporte, y vemos que eso hace que mucha gente vea que sí se puede. Entonces más bien para nosotros ha sido una motivación porque llegan muchos chavitos y nos preguntan cosas y les ayudamos. O igual, en Colima nunca había conciertos, hasta la fecha es difícil, pero haciendo los nuestros creo que se han dado cuenta que sí se puede, pero hay que chambearle.

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Estos pasos que ha tomado la carrera de LAWALL, ¿los han hecho querer dejar todo atrás e irse a otro lado a buscar su sueño o más bien quieren seguir haciendo crecer su lugar de origen?

Alberto: Yo creo que de alguna forma sí estamos persiguiendo ese sueño, de algún día poder movernos a otro lado con nuestra música, porque a fin de cuentas siempre vas a querer llegar a más gente. Por eso ahorita estamos trabajando mucho en la parte artística. Enzo ha funcionado mucho como un mentor de la banda y nos motiva mucho a crecer. Todo el tiempo nos está picando las costillas diciéndonos que hay que leer, hay que ser artistas, hay que conocer la escena en la que estamos pero no sólo la música, sino voltear a ver la pintura, la danza, el cine, y eso es un crecimiento personal. Al final, si nos vamos a estar moviendo en el arte creo que tenemos que conocer al menos lo básico de otras disciplinas porque eso al final va a generar que nuestra persona crezca.

Enzo: Y también hay que recordar que estamos en un mundo globalizado en el que el internet y los medios nos hacen pensar que estamos muy lejos de Coachella y no. Realmente yo creo que cualquier banda de cualquier estado, si sabe trabajar un poco, puede lograr cosas muy grandes. Y yo le tengo mucha fe a eso. Mucho tiempo estuvimos pensando en irnos a vivir a Guadalajara o a la CDMX para subirnos a ese ritmo de trabajo, pero al final creo que podemos estar muy tranquilos en la playa sólo sin dejar de tomar en cuenta qué es lo que queremos, que es mejorar nuestra música y nuestra obra. Seguimos trabajando en dominar mejor el escenario, en nuestros visuales, y en general en llevar a LAWALL a una etapa más profesional para comenzar con todo lo que será el Flores y Leones, que es nuestro nuevo disco, y que queremos que refleje todos estos cambios que hemos tenido.

Justo hablando de lo que viene para la banda, ¿por qué línea irá este nuevo disco? ¿Seguirán con el sonido que ya conocíamos o van a explorar nuevos caminos?

Enzo: Creo que este disco sí va a ser mucho más… No quiero decir oscuro, porque no es gótico (risas), pero sí tiene un sentimiento diferente a nuestro trabajo anterior. La banda vivió un suceso medio gacho, o muy importante aunque nos haya afectado, porque un ser querido falleció. Entonces para nosotros Flores y Leones fue un viaje que nos hizo sentir ese proceso de muerte. Al final la muerte te marca, te da una experiencia como persona, te enseña, y creemos que este disco es eso, una enseñanza a nosotros mismos, un disco muy introspectivo, pero a la vez muy ruidoso y lleno de energía. Es rockerote. No es indie pop ni un sonido playerón, sino que sí le metimos más sonidos oscuros, más experimentales. Sí tiene un rollo más grande y más teatral.

Alberto: También hubo esas ganas del grupo de querer comunicar algo más allá de lo que hicimos en La playa. Recuerdo una vez a Tavo, nuestro vocalista, que en un ensayo dijo que el ya no quería seguir cantando uoouoo (risas), porque él no podía decir nada con ello. Que él ya tenía más cosas en la cabeza que quería sacar más allá de un coro de dos letras. Entonces este disco también viene con un nivel de maduración en las letras y en la música. Porque la música de La playa estaba hecha a base de regla prácticamente.

Enzo: Sí, era muy básico. Muy bonito y rítmico, pero en ese sí quisimos dar algo más.

Alberto: Y fue inocente porque se dio en un momento en el que estábamos con nuestra bandita de rock y queríamos tocar y ser cool. Y salió un buen disco. Nunca creímos que fuéramos super musicazos, pero nos dimos cuenta que éramos buenos y podíamos seguir mejorando.

Enzo: Exacto, fue muy inocente la visión hace dos años. Pero ahora ya nos cambió mucho el panorama con todos estos sucesos que nos pasaron como banda, desde el entrar con una disquera, entrar a festivales de música, el hecho de ya nosotros mismos financiarnos, como todos estos procesos de músicos sí nos inspiraron a hacer un nuevo disco pero que este disco ya tenga todo lo que somos. Y creo que va a ser un gran, gran disco en el que vamos a apostarle toda nuestra energía y nuestro tiempo.

Sigan pendientes a todo lo que se viene para los chicos de LAWALL y no le pierdan la pista a Flores y Leones, que se estrenará el próximo año, en sus redes sociales: Facebook y Twitter.

#Covers&Collabs: Bonobo feat Rhye – “Break Apart”

Todavía no nos recuperamos del fin de semana en Festival Trópico y Simon Green a.k.a Bonobo, quien formó parte del line up del festival en la costa de Acapulco nos tiene un nuevo track producido en colaboración con Michael Milosh de Rhye. Se trata de “Break Apart”, segundo sencillo de su próximo álbum que lleva por título Migration y que será estrenado el 13 de enero vía Ninja Tune Records.

Milosh colaboró con la lírica desde Berlín, mientras que Bonobo se encargó en gran parte de la producción del track. Esta y otras colaboraciones de Nick Murphy (Chet Faker), se esperan en Migration, Nicole Miglis de Hundred Waters e Innov Gwana.

Disfruta de los beats de Bonobo feat Michael Milosh de Rhye aquí:

Cineplexx le canta al amor en ‘Espejos’, su nuevo álbum

Originario de Argentina,  llega Cineplexx para presentarnos su más reciente producción Espejos, la cual está compuesta por 12 temas envueltos en historias de amor. Dicho material cuenta con colaboraciones de Linda Mirada, Bairoa, Elsa de Alfonso y Yanara Espinoza.

Como primer sencillo nos mostró “Mimosa”, que sin duda es una canción totalmente bailable y disfrutable.

La producción, composición e interpretación de Espejos corrió a cargo del mismo Sebastian Litmanovich. Fue editado por Nuevahola Records para la parte digital y por Jabalina Música para el formato LP, digital y disco.

¡Escuchen ahora mismo ‘Espejos’ el nuevo disco de Cineplexx!

En esta nueva entrega escuchamos canciones llenas  de sonidos tropicales y paradisíacos, acompañadas de románticas letras como en “Manipulador” o “El Amor”. Cineplexx es una muestra viva del amor al arte, pues sin esperar nada a cambio da lo mejor de sí en cada uno de sus nuevos lanzamientos, lo que impregna de una vibra bastante orgánica a su música.

No olviden seguir a Cineplexx en su Facebook y Twitter para más detalles de está nueva placa discográfica.

#Nuevos Ruidos: los chicos perdidos de Maverick Stn

Son muy pocas las bandas locales que emergen con sonidos alternativos de synth pop o house, acompañados con un estilo bastante definido en cada una de sus canciones dentro del área metropolitana y Maverick Stn es una de ellas.

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Cuatro amigos decidieron darle un flip a su lado rockstar desde el 2012 para encontrar esa nueva aura sonora que les moviera, usando principalmente sintetizadores y lyrics románticos sin caer en lo cheesy, pero sí con una onda muy retro grabada en los estudios Topetitud.

Retro no solamente por la influencia ochentera que tiene su nombre al haberse inspirado en la estación de radio de los chicos perdidos de Mad Max (la película de los ochenta), sino por cómo suena cada beat de su EP “Dejar la Realidad”, el cual fue producido por Bonnz de Hello SeaHorse!

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Estos “chicos perdidos” han compartido escenario con bandas como The Horrors, Technicolor Fabrics, Hercules & Love Affair y las chicas de Ibeyi. Además andan estrenando nuevo sencillo lanzado hace una semana titulado “Contigo y por ti“.

Tuvimos la oportunidad de que nos contaran un poco sobre ellos, sus influencias y lo que viene para Maverick Stn.

¿Cómo se conocieron o decidieron formar la banda?

Somos amigos desde hace varios años, todos venimos de otras bandas y nos juntó la idea de querer hacer algo diferente usando sintetizadores, pedales y que sea más bailable.

¿Cuáles creen ustedes son sus influencias?

Nos gusta de todo, pero algunas de nuestras influencias más fuertes son LCD Soundystem, Talking Heads, The XX, Rolling Stones, Holy Ghost, Sonic Youth, etc.

¿Qué grupos o artistas solían escuchar cuando eran teenagers?

Mas que nada rock clásico, Led Zeppelin, Black Sabbath, Guns N’ Roses, Rolling Stones, todo eso nos encanta hasta la fecha y son unas de las grandes razones por las cuales agarramos un instrumento.

¿Por qué Maverick Stn?

Somos muy fans de las películas 80teras, unas de nuestras favoritas son la trilogía de Mad Max. Toda la temática post apocalíptica nos gusta mucho tiene cierta belleza misteriosa. En la de Beyond Thunderdome en la ciudad de los niños perdidos tienen una estación de radio llamada Mavericks Station, de ahí sacamos el nombre y acortamos Station a STN. así es como quedo Maverick Stn.

¿Cómo describirían su estilo musical?

Siempre es difícil describir tu propio sonido, pero creo que es una mezcla de rock con música electrónica dance y synth pop, intentamos juntar lo mejor de estos mundos para hacer algo bailable  y divertido. Nuestras canciones tienen sintetizadores 80teros cubiertos de una mezcla de beats electrónicos y combinado con guitarras pegajosas.

¿El nombre de su álbum y de los sencillos que no podemos perdernos?

Se llama “Dejar La Realidad” contiene 6 canciones y las iremos liberando como sencillos poco a poco, “No Puedo Olvidarte” el primer sencillo, salió hace unos meses y acaba de salir el segundo titulado “Contigo y por Ti”.

¿Dónde grabaron el álbum?

Lo grabamos en Topetitud y fue mezclado por Manuel Calderón (The Chamanas) en Sonic Ranch, después de eso fue masterizado por Harris Newman.

¿Cómo fue trabajar con Bonnz?

Fue un proceso interesante, nunca habíamos trabajado con un productor y aprendimos mucho de este proceso, además de que Bonnz nos ayudó a consolidar el sonido que estábamos buscando como banda y a bajar todas las ideas que teníamos, poco a poco las fuimos puliendo hasta el resultado final. Fue un proyecto de casi 1 año.

¿”No puedo olvidarte” surgió por algún heartbreak o cual es la historia detrás de este primer sencillo? 

Es una historia sobre algo que a todos nos ha pasado, todos tenemos esa persona que se aleja de nosotros y nos provoca tristeza y ansiedad, después de ser tan cercanos nos volvemos extraños, personas desconocidas. Esas personas que dejan una huella en nosotros que no podemos olvidar.

¿Cuál es el escenario en donde más les ha gustado tocar?

Todos los escenarios tienen lo suyo, en todos  nos gusta tocar. En los más chicos logras una conexión más intensa con la gente como en El Imperial o Caradura pero en los grandes es emocionante ver a tanta gente como en el Foro Indie Rocks! entre otros.

¿Con quiénes han compartido escenario y cuál ha sido su favorito?

En el tiempo que lleva la banda hemos tenido la oportunidad de compartir escenario con bandas como Hercules & Love Affair, The Horrors, The Juan Maclean, Ibeyi, Beaty Heart y otras nacionales como Sotomayor, Los Concorde y Technicolor Fabrics entre otras.

Nuestro favorito sin duda ha sido Hercules & Love Affair, nos gusta mucho además de ser una banda muy grande, el evento fue increíble y había mucha gente, se sentía una vibra única.

¿Cuál es el mejor lugar donde la gente pudiera disfrutar su música?

Para nosotros la mejor manera de disfrutar la música es en vivo, que bailen con nosotros y la pasen bien con nosotros, así que si pueden ir a alguno de nuestros shows sentirán la música de una manera totalmente diferente al disco.

¿Cómo consideran se encuentra la escena de música independiente en México estos últimos años?

Creo que hay una escena de bandas muy buenas últimamente y se está armando un grupo interesante de propuestas de todo tipo.

¿En dónde les gustaría presentarse? 

Todavía no hemos tenido la oportunidad de presentarnos en el Vive Latino pero es algo que nos gustaría mucho hacer en el futuro.

Su más reciente sencillo, “Contigo y por Ti”, ¿en qué fue inspirado?

Es la canción más prendida del disco y habla acerca de nuestras motivaciones en la vida y como muchas veces hacemos todo por las personas que queremos sin importar qué.

¿Cuáles son sus planes a futuro?

Seguir tocando y liberar los demás sencillos que nos quedan de “Dejar La Realidad”, ya estamos empezando a planear nuestro siguiente EP y estamos componiendo más canciones para comenzar la pre-producción.

3 sugerencias musicales internacionales:

L’impératriz , Leisure y William Arcane.

3 sugerencias de bandas locales: 

Rey Pila, Mylko y Arial.

Fotografías cortesía de la banda

Devendra Banhart en El Plaza, entre sonrisas y guitarra

Cuando la guitarra se fusiona con una suave voz y ambas son acompañadas de letras llenas de inspiración, el resultado es un momento lleno de paz y goce. Así se vivió el show de Devendra Banhart  en El Plaza Condesa, como parte de la presentación de su reciente álbum  Ape in Pink Marble. 

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Con sold out anunciado poco antes del show, era obvio que la noche sería especial, pues el venue es un lugar en el que los conciertos se disfrutan bastante. Pero para admirar mejor el talento que emana Devendra le hubiera quedado mejor un teatro o algún recinto un poco más intimo.

La mayoría del público eran niñas, las cuales le gritaban lo mucho que lo estimaban con frases como: “Devendra estás bien guapo”, y él les respondía con una gran sonrisa en el rostro.

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El concierto consistió en dos bloques: uno era él y  su banda, la otra sólo era Devendra acompañado de su guitarra. Ambas fueron especiales ya que es una persona bastante sencilla, amable y agradecida.

Para la segunda parte del show el músico consintió a sus fans y se dedicó a tocar canciones que le pedían, al no tener un setlist preparado, se notaba fácilmente la improvisación que hacía, lo cual decepcionó un poco al público. devendra2

Entre los temas que sonaron en la noche fueron: “Wont You Come Over”, “Mi Negrita”, “Never Seen Such Good Things”, “Your Fine Pretty Duck”, “Shabop Shalom” y obviamente no podía faltar “Carmensita”. devendra3

Bastó con una sonrisa de Devendra Banhart para alegrar la noche de los asistentes,  y disfrutar más de hora y media de concierto.

#NuevosRuidos: el math rock de For Dummies

Texto: Abel Casillas
Foto portada: David Barajas @daviddbarajas
Foto en el texto: David Osorio

Una de las propuestas mexicanas que más sorprendió este año fueron For Dummies, cuarteto de músicos veracruzanos formado a finales de 2013 por Alfonso de la Rosa (bajo), Giovanni Pozos (guitarra), José Rodríguez (guitarra) y Orlando Mircea (batería), quienes tienen su centro de operaciones en la hermana ciudad de Xalapa y qué con su “Live Session en Another Planeta” dejaron muy claro que son una de las propuestas más interesantes del país.

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Hace un par de meses tuve el gusto de verlos en el Friendstival 2K16, donde fueron de las bandas más destacadas, próximamente estarán de vuelta en la CDMX para el Forever Alone Fest en febrero de 2017, donde compartirán escenario con bandas como Totorro (FR) Mylets (US) Ttng (UK) The Polar Dream (GDL), entre otras bandas. En lo que promete ser la fiesta más grande de math y post rock que se ha hecho en nuestro país.

Ver tocar a For Dummies en vivo es sorprendente, ya que son músicos muy enérgicos que dominan sus instrumentos mientras saltan y gritan, nos deleitan con figuras rítmicas virtuosas, cambios de compás repentinos, líneas de bajo geniales y “tapping” demencial en las guitarras que van formando contrapuntos y armonías complejas que demuestran un conocimiento teórico de lo que se denomina como “armonía contemporánea”. Por momentos For Dummies suena más a una banda de jazz moderno o progresivo, que a una banda de math rock pero la actitud en el escenario los delata.

Platicamos con ellos acerca del panorama musical en Xalapa, de la influencia del jazz en el math rock, y sobre los planes de la banda para lo que resta del año.

¿Quién fue él que dio el primer paso para formar la banda?

Giovanni y José se juntaban a tocar y hacer música juntos desde hace varios años, ya conocían a Orlando ya que José había tocado con él en un proyecto anteriormente, el cual se disolvió. Cuando Giovanni y José ya estaban componiendo, se juntaron a ensayar con Orlando después de que los escuchó tocar. Una vez ensayando fluyó muy bien y decidimos continuar componiendo música sin querer sonar a algo en especial.

¿De dónde salió el nombre? Y ¿por qué decidieron conservarlo?

El nombre salió por un chiste local de la banda, durante un ensayo. Al principio, cuando apenas ensayabamos por tercera o cuarta vez, Gio había llegado con una idea que sonaba a math rock, un tapping. Creíamos que no sonaba como alguien tocando math de forma experimentada, sino un sonido más “gracioso”, como math para principiantes o inexpertos, haciendo cierta referencia a los libros, también. Nos gustó y decidimos usarlo para el nombre de la banda.

¿Qué onda con sus lanzamientos?

Actualmente el único lanzamiento que tenemos es una Live Session en Another Planeta que grabamos en julio de 2015, con la producción de nuestro baterista Orlando, dirección de David Osorio y arte de Wina Obake. El video puede encontrarse en YouTube y en formato digital a través de Bandcamp. Estamos a punto de grabar nuestro primer LP, el cual verá la luz en el 2017.

¿Que opinan sobre la relación entre el jazz y el math rock y el uso de la armonía contemporánea en bandas como CHON e incluso ustedes?

Es destacable que muchas bandas de math toman prestados elementos del jazz, y es de esperarse puesto que una de las raíces del math rock es el rock progresivo, el cual utiliza más extensivamente estos elementos. Escuchando a CHON podemos notar el uso de las armonías de jazz y el uso de polirritmias muy frecuentes en el jazz, por ejemplo; en nuestro caso podríamos decir que utilizamos elementos muy diversos en nuestra música, puesto que todos estudiamos algo de música contemporánea, así como también escuchamos mucha música de todo tipo, y eso ha sido lo que nos ha ayudado a tener un bagaje más amplio a la hora de componer.

¿Todos estudiaron música? ¿Dónde?

Sí, Giovanni estudia actualmente en Jazzuv, Orlando estudia en la Facultad de Música, Alfonso estudia Ingeniería en audio en G Martell y José estuvo un periodo dentro de Jazzuv también, pero decidió salir y dedicarse a la música de forma autodidacta.

¿Cómo definirían su sonido?

Las influencias de cada miembro de la banda son muy distintas, cada quien tiene su enfoque hacia ciertos géneros de música, pero a todos nos gustan ciertas bandas/músicos en común. A todos nos gusta mucho el math rock y el rock/metal progresivo, el post rock, el noise, la música experimental, entre otros. Hay mucho contraste dentro de nuestros gustos, por ejemplo: Alfonso se enfoca más hacia géneros como el funk, progre, metal, rock y bandas como The Flower Kings y Death. Orlando hacía cosas como el djent, metal progresivo, rock y bandas como Deftones, The Smashing Pumpkins y Mastodon. Giovanni hacía el shoegaze, jazz, progre, math y bandas como My Bloody Valentine, Steven Wilson, Miles Davis y José se enfoca más hacia géneros como el emo, post rock, post hardcore, math, punk y bandas como Toe, The Mercury Program, CHON Bad Brains. Mucha gente nos relaciona directamente al math rock, aunque nosotros no nos consideramos meramente math, sino una mezcla de todas las bandas y géneros que representan una influencia grande para nosotros, entre ellos el math.

¿Cómo ven la escena musical en Xalapa?

La escena músical xalapeña tiene una vasta cantidad de bandas y músicos de muchos géneros distintos, desde rock instrumental hasta son jarocho. A pesar de ser una ciudad pequeña, cada fin de semana se puede encontrar shows de todo tipo, una de las cosas que podrían considerarse un contra en la escena musical, es que al ser una ciudad casi completamente de estudiantes (refiriéndonos al sector juvenil), la economía a veces es baja y eso propicia que la gente no esté acostumbrada a pagar por ver shows de bandas independientes nacionales e internacionales. Las facultades de música de la UV afectan de forma muy positiva la escena musical, ya que hacen que llegue gente de muchos estados de la república y exista un nivel musical que no le pide nada a las ciudades metrópolis de nuestro país. Y no solamente los músicos de las escuelas exponen un gran nivel, también existe un sector de músicos independientes xalapeños que desde hace tiempo hacen muy buena música, sin haber estudiado una carrera.

Recomiéndanos unas bandas de Xalapa:

Kyolar, Sistema Sonar, Guacamole, Los Aguas Aguas, Dr. Tótem y Rising Flower son algunas buenas propuestas que vale la pena escuchar.

¿Cómo sostienen el presupuesto de la banda?

Actualmente contamos con el apoyo de nuestras familias para algunos gastos. Fuera de eso, Giovanni y Orlando han estado dando clases particulares y José trabaja en el transcurso de la semana.

¿Qué planes tienen a futuro?

Actualmente estamos a punto de grabar nuestro primer LP y estamos empezando a planear la promoción del mismo. Planeamos hacer un par de tours nacionales en 2017, además de un tour que haremos en Colombia. De 2016 solamente nos quedan una fecha en Puebla y otra en Xalapa, para cerrar con broche de oro.

¿Cómo se sintieron en su actuación en el Friendstival 2K16?

Increíble, la verdad fue una experiencia muy grata, poder compartir escenario con varios artistas nacionales e internacionales que han trabajado mucho para estar ahí, y poder convivir con ellos. El público nos recibió muy bien. El trato por parte de los organizadores súper bien, además de que hicieron un excelente trabajo para realizar el festival.

¿Dónde podemos encontrar su música? Y ¿cómo podemos seguirlos en redes sociales?

Pueden escucharnos en nuestras siguientes redes sociales:
fordummiesmx.bandcamp.com
facebook.com/mathrockfordummies

No queda más que estar al pendiente de estos chavos para escuchar su primer material de estudio, mientras eso pasa les dejamos otro track en vivo de esta ilustre banda xalapeña:

#StaffPick: Trópico 2016, Allah- Las, Devendra Banhar, Grenda y más

Uno de los festivales más cool para las almas empedernidas de la fiesta y adictos a la música en directo, desde recintos en medio de la naturaleza, está por celebrarse nuevamente. Artistas como Little Dragon, Jagwar Ma, David Byrne, Little Jesus, Mac Demarco, Apparat (DJ Set), Connan Mockasin, Rey Pila y más han desfilado por las pasadas ediciones de Trópico, para su cuarto aniversario está elevando las expectativas con actos como Bonobo, Todd Terje, Devendra Banhart, Brian Wilson (Performing Pet Sounds), Mount Kimbie, Elsa y Elmar y más. Aquí les paso el #StaffPick de los imperdibles de este festival en la costa de Guerrero, Acapulco (Hotel Pierre Mundo Imperial) que se llevará a cabo los días 2, 3 y 4 de diciembre.

Mount Kimbie
Los ingleses Dominic Maker y Kai Campos tienen un particular estilo que han proclamado como “post-dubstep”,  mismo que viaja de lo orgánico y electro a lo psicodélico e hipnótico, pero sin dejar que ninguna carga tome el control por completo. Este dúo ha producido dos álbumes de estudio: Crooks & Lovers en 2010 y Cold Spring Fault Less Youth hace tres años. Se preguntarán si traen música nueva, ¿no? La respuesta es fácil, en el mundo de la música electrónica suma muchos puntos hacer remixes a otros artistas, un ejemplo es el que hicieron para “Basic Space” de The XX, ¡ah! también hicieron una collab con King Krule: “You Took Your Time”.

Aunado a esto, el dueto ha editado varios EP’s desde su fundación en 2008. Esta visita a México es incluida en una gira de cuatro fechas, incluidas tres en Estados Unidos. Así que, sintámonos afortunados de tenerlos de visita, pues se dice que sus shows en vivo son alucinantes. Además, aseguran que han estado trabajando en nueva música y están tocando algo de ella en sus recientes shows. Véanlos el viernes en Escenario Trópico a partir de las 22:20 hrs.

Psychemagik:
Expertos en prender la fiesta, este dúo que también proviene de Reino Unido, logra cautivar con sus mezclas y remixes con altas dosis de psychedelic trance. ¿Extrañan esos tiempos de rave? Esta mancuerna hará que tengan delirios bajo el efecto de sus tornamesas. Escuchen un poco de lo que les espera en su set, denominado por ellos como su “hipnodance”. Estarán presentándose el viernes en Escenario Panamérika a partir de las 16:10 hrs.

Jaakko Eino Kalevi:
El finés Jaakko Eino Kalevi regresa a nuestro país; quienes fuimos a Nrmal de este año recordamos su show, mismo que dejó boquiabiertos a varios. Su estilo es muy ambiental y psicodélico, él toca el teclado y canta sus melodías. Espero verlo con una vestimenta más casual y con una actitud menos rígida en el sábado en Escenario Trópico a partir de las 18:00 hrs.

Grenda:
Un joven productor de Tijuana que vi en directo en el FriendstivalGrenda es increíble al mando de sus juguetes, sus leads te elevan y hacen que saltes y explores sonidos electrónicos de la manera más natural y sin pose alguna. No se pierdan su set este sábado en el Escenario Panamérika a partir de las 19:30 hrs.

Allah–Las
Desde Los Ángeles, tocarán por segunda ocasión (la primera fue en Corona Capital) cuatro muchachos especialistas en garage rock y lo-fi: el vocalista y guitarrista Miles Michaud, el bajista y también vocalista Matthew Correia, el guitarrista Pedrum Siadatian y el bajista Spencer Dunham. Su sonido fue conglomerado por allá del 2008 y es tan oldie que seguro les va a encantar, se transmite una rasposidad de lo análogo, una intensidad en lo nostálgico y no hablemos de su experiencia musical, ya que tres de ellos han trabajado en Amoeba Records.

Este año editaron Calico Review, su más reciente material de estudio, el cual contiene una gran virtud del garage rasposo, pero incluso decente y con buenas letras. Yo espero que su show en el Escenario Playa XX sea aún mejor que el del #CC16, por aquello de la escenografía natural: garage-playa, la mejor combinación.

Devendra Banhart:
¿Quién sino Devendra Banhart tiene la facha más hippie? El músico estuvo en México promocionando su libro I Left My Noodle on Ramen Street el pasado mes de abril y hace un par de días confirmó su gira por Norte América para Ape in Pink Marble. Primero se presenta en la CDMX este viernes en El Plaza, pero seamos sinceros, ¿qué puede ser mejor que escuchar al venezolano en directo desde la costa de Acapulco? Ya veremos qué ambiente se adapta más a su nuevo material de estudio, experiméntenlo ustedes mismos en el Escenario Trópico este sábado a partir de las 19:10 hrs.

Estas son nuestras recomendaciones imperdibles de Trópico 2016. #NosUrgeTrópico, ¿y a ustedes?

Adiós, 2016 ¡Ya no más muertos!

Desde los primeros días de este año el mundo de la música estuvo de luto, empezando por el gran David Bowie  seguido por Glenn Frey, Paul Kantner y a esta trágica lista se le suma Prince, Phife DawgGeorge Martin,  Leonard Cohend y entre otros grandes.

Enero

Nicolas Caldwell –  El miembro y fundador de The Whispers dejó de respirar el 5 de enero en su casa de San Francisco.

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David Bowie – Con 69 años de edad y a causa del cáncer se nos fue el  Duque Blanco, justo dos días después de estrenar Blackstar.

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Otis Clay – En la escena del soul y el blues de Chicago resalta Otis, quien sufrió un ataque al corazón a los 73 años y dejó el mundo  el 8 de enero.  fe53369040c77394a3b744b26fb9053c

Glenn Frey –  El músico estadounidense miembro y fundador de The Eagles murió el 18 de enero en Nueva York. f2729e60ac8fd6c63c1abbce8dd1069e

Paul Kantner – El cante y guitarrista legendario de los sesenta y setenta en Jefferson Airplane y Jefferson Starship sufrió un infarto que lo llevó a la muerte el 28 de enero.
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Febrero
Maurice White – Fue conocido por fundar  la banda Earth, Wind & Fire y falleció el 4 de febrero a causa de Parkinson.
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Marzo

George Martin –  Mejor conocido como el quinto Beatle, ya que se encargaba de producir sus discos, partió el 8 de marzo en Londres.

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Ernestine Anderson –  El pasado 10 de marzo de este año la cantante de blues y jazz se nos fue a la edad de 87 años.

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Keith Emerson –  El pianista, tecladista y compositor inglés falleció el 10 de marzo a la edad de 71 años.

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Phife Dawg – El rapero de origen afroamericano que formó parte de A Tribe Called Quest murió el 22 de marzo, la razón de su muerte fue diabetes mellitus.

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Abril 

Prince –  Marcó la escena del pop, rock, blues, dance, soul y funk como compositor, productor y multinstrumentista, pero el 21 de abril fue encontrado muerto en su residencia.

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Merle Haggard – En el country resaltó él, quien fue guitarrista, violinista y compositor. Murió el 6 de abril justo en su cumpleaños numero 79 a causa de neumonía.

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Nick Menza –  De 1989 a 1998 formo parte de Megadeth, después trabajó en otros proyectos musicales y el 21 de mayo en un show con OHM sufrió un paro cardíaco que lo llevó a la muerte.  

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Agosto

Matt Roberts –  El fundador de la banda de rock 3 Doors Down  falleció a la edad de 38 años en Milwaukee.

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Noviembre 

Leonard Cohen – El pasado 7 de noviembre con 82 años el poeta y cantautor canadiense se quedó dormido eternamente en su casa de Los Angeles.

Leonard Cohen. Went south to make his fortune.

El 2016 se llevó a grandes músicos. Ya acábate, por favor, y no te lleves a nadie más.

#WMDead: álbumes inspirados por la muerte

@olalloyo

Pareciera que todos los álbumes que giran en torno a un tema suelen decantarse por aquellos que mejor nos hacen sentir, el amor, la amistad, el crecimiento personal, etcétera. Es un hecho que aquellos momentos que más nos marcan como personas son justo los que no necesariamente queremos recordar todo el tiempo.

Más allá de ser un tabú, hablar de la muerte es algo que suele evitarse como un simple método de defensa para dejar ir algo que aún nos duele y que seguirá doliendo. Sin embargo, cuando ese dolor es transformado en música, cosas muy interesantes pueden suceder, y el proceso de sanación estará un paso más cerca. Ya sea una muerte física o emocional, estos son algunos de los álbumes que han retratado ese sentimiento y lo han usado para generar obras maestras.

Yoshimi Battles the Pink Robots (2002) de The Flaming Lips

Tras la muerte de un amigo muy cercano de la banda, Wayne Coyne y compañía transformaron los sentimientos de melancolía y pesadumbre en una celebración a la vida, reflejada en el que hasta la fecha es uno de sus lanzamientos más icónicos. En Yoshimi, el personaje central de la historia lucha contra robots rosas, representaciones simbólicas de una enfermedad terminal, a través de una batalla en la que se van tocando temas como el amor, la mortalidad, la emoción artificial y la decepción. A pesar de que el mismo Coyne ha dicho que su intención no era hacer un álbum conceptual, queda claro que la muerte siempre está presente en este disco, hasta el destino final de su heroína, que termina sucumbiendo pero deja en su camino la dicha de luchar hasta el final por la vida.

Hospice de The Antlers

Para muchos (para mí), es el álbum conceptual sobre la muerte por excelencia. Narrando de principio a fin la historia del enfermero de un hospicio que se enamora de una paciente de cáncer terminal. A lo largo del disco, la relación se va desarrollando al tiempo que los miedos, traumas y la misma enfermedad lo va llevando hacia una espiral descendente, que termina en la muerte de ella y la consiguiente fractura emocional en él. Según Peter Silberman, el álbum representa el proceso de una relación amorosa destructiva y es, hasta cierto punto, autobiográfico, lo que lo vuelve aún más difícil de digerir si tienes el corazón roto recientemente.

I Am a Bird Now (2005) de Antony and the Johnsons

No todas las muertes tienen que ser físicas. Antony Hegarty llegó a Nueva York a finales de los ’90, justo cuando estaba pasando por un cambio que para muchos podría significar la muerte de una parte de sí mismo. A través de la analogía de una mujer que se convierte en pájaro, Hegarty cuenta el proceso de transgresión, transformación y vuelo de un hombre decidido a convertirse en mujer. Con desgarradoras interpretaciones que volvieron a Antony and the Johnsons un ícono del movimiento trans, este álbum conceptual narra a la perfección como la muerte de una parte de nosotros nos puede llevar a encontrar nuestro verdadero ser. Finalmente, Antony Hegarty terminó encontrándose en ANOHNI, y este disco queda como un legado de ese proceso.

Young Prayer de Panda Bear

El segundo álbum de Noah Lennox de Animal Collective, mejor conocido como Panda Bear, es una joya de sentimientos encontrados condensada en sólo 28 minutos. Sin títulos en las canciones y pensado como un tema único, Lennox lo escribió en su totalidad durante los últimos días de su padre como una especie de homenaje en vida a todo lo que este le había enseñado. Tras su muerte, el álbum fue grabado en la misma habitación donde su padre falleció, cargándolo de una vibra impresionante que se puede sentir en cada desgarradora nota.

Magic and Loss de Lou Reed

Tras la enfermedad y posterior muerte de dos de sus amigos más cercanos, el compositor Doc Pomus y una mujer no identificada que se cree sería Rita Rotten, el álbum en el que Lou Reed estaba trabajando tomó un giro total, convirtiéndose en uno de sus trabajos más personales. Desarrollándose en torno a la pérdida y la muerte, Reed expresa la  ira y frustración a la que te enfrentas al ver decaer lentamente a tus seres queridos y el horrible peso que tienes que cargar al no poder hacer nada para salvarlos.

#LlamadoBahidorá: comienzan las sorpresas para nuestro carnaval favorito

Los años no pasan en vano y el próximo 2017 el Carnaval de Bahidorá estará celebrando su quinto aniversario. Cinco años que le han bastado para convertirse en uno de los eventos más propositivos del circuito de eventos nacionales y uno de los pocos en agotar sus boletos edición tras edición por la increíble experiencia que monta para sus asistentes en Las Estacas, Morelos.

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La cita para volver a conquistar este paradisíaco lugar es los próximos 18 y 19 de febrero, y las primeras sorpresas del cartel se acaban de revelar. Jessy LanzaJuan Atkins y Princess Nokia fueron las primeras revelaciones del cartel, y terminaron de volarnos la cabeza con el anuncio de que  Mad Professor, quien seguro estará haciéndonos explotar a todos el próximo año.

Si se vieron lentos, los hará sufrir bastante saber que los pases Early Bird ya están agotados, pero ya pueden comprar sus boletos a precio de Fase 1 en BoletiaLes recomendamos ampliamente que corran, porque cuando revelen el cartel completo seguramente el Carnaval de Bahidorá será sold out una vez más.

¿A quién veremos por allá?

 

Bob Moses llega a México con dos fechas

Tras presentarse con gran éxito este año en Ceremonia, Bob Moses regresan a nuestro país para presentar dos fechas. Una el 15 de diciembre en SALA Corona y un día antes en BMLS Show Center en Guadalajara.

El dúo de electrónica originario de Canadá viene a presentar la edición especial de su álbum grabado en vivo Days gone by (never enough).

Tom Howie y Jimmy Vallance estrenaron en el 2015 su primer EP Days gone, mismo que los a llevado a ser parte de Coachella, Lollapalooza, Tomorrowland, entre otros grandes festivales internacionales.

Miren por acá su más reciente video para “Tearing Me Up”.

No olvides seguir su Facebook y Twitter para conocer todos los detalles de sus presentaciones.

Noah Cyrus, sí la carnalita de Miley, lanza un sencillo nuevo

No cabe duda que ya se necesitaba un aire fresco en la familia de Billy Ray Cyrus.

Después de los escándalos de Destiny Hope, mejor conocida como Miley, o las épocas de Trace en la banda Hollywoodense Metro Station, ahora le toca a la hermana más pequeña, Noah, salir a la luz.

Noah Cyrus dio a conocer recientemente su sencillo debut, “Make me cry” feat. Labrinth y ahora ha lanzado un video para acompañarlo. Grabado en Los Ángeles, el emocional clip fue dirigido por la renombrada directora inglesa Sophie Muller, quien ha dirigido videos para Beyoncé, Gwen Stefani y Coldplay.

Es probable que estés pensando: “qué hueva, otra Hannah Montana que twerkea en escenarios y se desnuda para llamar la atención”… pero no, la única similitud que tienen Noah y Miley es la gravedad de la voz, con tonos rasposos, pero muy finos.

En este sencillo debut Noah juega con percusiones, sintetizadores, guitarras y su voz. Fue muy bien recibido en Estados Unidos y en otras partes del mundo. Quizá habría que momentáneamente olvidar su entorno familiar, y enfocarse únicamente en la fuerza de su voz.

Noah oficialmente ha firmado con el sello musical RECORDS/Sony Music, así como con su compañía hermana, SONGS Music Publishing, para su distribución. Actualmente se encuentra escribiendo y grabado canciones para su próximo álbum.

Dale un chance y escucha su sencillo debut “Make me cry” feat. Labrinth aquí:

#Covers&Collabs: Chance The Rapper a Drake – “Feel No Ways”

Chancellor Johnathan Bennett a.k.a Chance The Rapper, visitó hace unos días el estudio de BBC Radio 1Xtra para promocionar su más reciente show, y tuvo a bien interpretar un par de canciones. La primera fue “All We Got” de su álbum Coloring Book y la segunda un cover a Drake, “Feel No Ways” de su álbum Views.

La intención de Rapper es dar aliento a su amigo y colega Kanye West, debido a su reciente hospitalización psiquiátrica. Es curioso que Chance The Rapper haya seleccionado una canción de Coloring Book y una de Views, cuando en realidad la lírica y concepto de ambos álbumes es totalmente distinta, visto desde el amplio mundo del hip-hop, pero lo importante es que le echa porras a Kanye para salir pronto de rehabilitación.

Disfruten la sesión de Chance The Rapper aquí:

Corona Capital, I Love You But You’re Bringing Me Down: de amor y desamor en el #CC16

@olalloyo

Los festivales, en México y en cualquier parte del mundo, siempre tendrán una historia de amor y odio. Nadie puede fingir que disfruta completamente el pasar uno o dos días enteros caminando más de 20 kms (comprobado por el GPS Tracker de mi celular), para ver a bandas con un sonido no tan bueno, entre gente no tan fan, con comida no tan rica, yendo a baños no tan limpios y pagando cervezas no tan baratas. A pesar de esto, los amamos y año con año regresamos.

Sin embargo, la experiencia del Corona Capital de este año fue muy distinta para mí, y podría asegurar que para muchos más también. Y no necesariamente una experiencia mala, de hecho fue increíble, pero sí cambió mi perspectiva sobre lo que uno debería de esperar de un festival. Una experiencia que puede resumirse a través de los títulos de canciones de las bandas que pude presenciar (y que no necesariamente interpretaron, cabe aclarar) y que me dará una panorama distinto sobre la forma de disfrutar la próxima edición de nuestro festival favorito, a la que evidentemente vamos a ir también.

“Did We Ever Really Try” de Delorentos: La banda irlandesa llegó tarde al #CC16. Casi 10 años tarde para ser más exactos. Lanzando su álbum debut en 2007, fue raro ver a uno de los estandartes de Dublín abriendo el escenario Corona Light. Más raro viendo que había gente que realmente iba a verlos a ellos y que lograron prender al siempre escéptico público de los horarios mañaneros. ¿Alguien hará un estudio de mercado para elegir en qué momento traer a las bandas? Muy probablemente no, pero creo que deberían de empezar a hacerlo.

“Something To Believe In” de A Silent Film: Todos queremos seguir creyendo en los festivales. Y a veces lo logramos, pero luego llegan bandas como A Silent Film, que suenan a una copia de Coldplay o cualquier otra banda de piano rock y se nos olvida. Presentación emotiva, sí. Pero muy desangelada para lo que uno esperaría de un festival de este tamaño.

“Could Be You” de Allah-Las: Podrías ser tú, Nrmal. Podrías ser tú, Ceremonia. Pero no, es el Corona Capital intentando disfrazarse de otra cosa que no es. Por mí increíble. Ver a los californianos con el sol cayendo fue uno de los grandes momentos de la tarde, pero algo se sentía raro al estar en el Autódromo y no en el Deportivo Lomas Altas.

Yuck
Yuck

“Hold Me Closer” de Yuck: Una de las grandes sorpresas del día. Desde que cancelaran su participación en la pasada edición del CC como parte del Corona Capital Week, todos sus seguidores se habían quedado con un mal sabor de boca. Algo que finalmente pudimos resolver al disfrutar de una de las presentaciones más frescas y enérgicas del día. Tanto que no queríamos que nos soltaran, sino que no mantuvieran más cerca.

Wild Nothing
Wild Nothing

“Shadow” de Wild Nothing: Díganme nefasto, pero me molesta sobremanera recordar que Jack Tatum y compañía abrieron el mismo escenario hace un año y hubiera 10 personas viéndolo, y ahora tuviera un escenario lleno gritándole que lo amaban cuando probablemente no sea así. Obvio estoy amargado, pero eso fue una pequeña sombra para mí. De ahí en fuera, lo de Wild Nothing fue soberbio.

“I Only Want You” de EODM: “Al fin algo con huevos”, fueron las palabras de uno de los amigos con quien estaba. Y sí, eso es lo que le pone Jesse Hughes al escenario. Pocos momentos tan emotivos como el cover de “Moonage Daydream” de David Bowie se verán en otra edición del festival. Y pocos actos tan explosivos también.

“Flesh Without Blood” de Grimes: Justo eso fue para mí la presentación de Claire Boucher. La carne sin la sangre. Uno de los actos más esperados del festival terminó cumpliendo, pero hasta ahí. No sé si le faltó emoción, fuerza o incluso volumen, un problema en todo el CC, pero la gran producción que tiene sobre el escenario no alcanzó a cumplir las expectativas.

Suede

“Sometimes I Feel I’ll Float Away” de Suede: La presentación más triste que he visto en mi vida y la gran culpable del sentimiento negativo que me quedó tras esta edición del festival. A unas pocas canciones de terminar su set, Brett Anderson anunció que esta sería su última presentación pues Suede se iba a retirar de los escenarios, al menos por un tiempo. Si de por sí la noticia es triste, lo más triste fue que la dio a 2,000 personas. ¡2,000 personas! El resto, evidentemente, se había ido a ver a Lana del Rey. Anderson se entregó como nunca y, sin miedo a equivocarme, Suede dio una de las mejores presentaciones de su vida. Pero nadie la vio porque el CC es un festival en el que la gente va a pasar el rato y no a ver actuaciones legendarias. Ya sé que sueno al tío amargado, pero en verdad dolió presenciar algo así.

“The Model” de Kraftwerk: Así como también dolió ver una presentación con tantos problemas como los tuvo la de los iconos de la música electrónica. Fue una verdadera lástima el no poder disfrutar a Kraftwerk en su máxima expresión, como se pudo hacer hace unos años en El Plaza, pero de cualquier forma los alemanes fueron un modelo a seguir para muchos de los presentes que creen que picar play en tu laptop es hacer música electrónica.

LCD Soundsystem

“New York, I Love You But You’re Bringing Me Down” de LCD Soundsystem: No hay palabras para describir el alucine que fue lo que James Murphy y su séquito hicieron sobre el escenario. Sé que hasta el momento parece que no me gustó nada, pero la verdad es que todo el día estuve esperando que las demás bandas llegaran a este nivel. Es impresionante ver como tantas personas se pueden coordinar sobre el escenario para armar la mejor fiesta en la que he estado. Sí, lo demás no lo logró como me hubiera gustado, pero bailar “Daft Punk is Playing at My House” y llorar con “New York” hizo que todo valiera la pena. Ya sé, tengo que decidirme pero qué quieren. Déjenme seguir pensando que estoy ahí.

Justo la presentación de LCD Soundsystem resume lo que es el Corona Capital para mí. Una presentación que hace que todo lo demás se olvide. El cansancio, el hambre, la vejiga inflamada. No sé si los organizadores estaban tan ciscados con la lluvia que se olvidaron de otros detalles, pero en muchos aspectos la sentí como una edición un poco incompleta. Y para nada digo que haya sido una edición mala, simplemente tienen que mejorar muchísimos factores si no quieren terminar perdiéndonos y que no esté James Murphy para salvarlos. Vamos a regresar, claro, pero algo raro pasó este año. O a lo mejor sólo sigo triste por Suede.

Fotos: @gissunshine

#WMCapital: las aventuras (ilustradas) de una pareja musical en el Corona Capital

Cuando estaba decidiendo sobre qué hacer mi nota de este Corona Capital, y al no encontrar algo que lograra convencerme a mí de querer leer, me topé con una pareja bailando alocadamente en el set de Air. Dejé que disfrutaran el baile y cuando terminaron me les acerqué para pedirles que si el lunes les podría echar una llamada, para que me contaran sus experiencias en el festival. He aquí el resultado.

Ella: todo empezó cuando yo me di cuenta que no tenía varo suficiente para ir al festival. Me había hecho a la idea de que ya no iba a ir, pero el muy listillo de mi novio se guardó el secreto para un día ante. Antes de salir de la oficina me mandó un UBER quesque con una sorpresa: eran los boletos para los dos días en un sobre con una nota que decía “te la kreiste we xD”. ¬¬

Él: aunque tenemos algunos gustos muy similares, nomás no nos pusimos de acuerdo con los actos, así que la decisión fue: yo elijo los del domingo y ella los del sábado.

Ella: yo tuve que llegar el sábado tarde por un compromiso de la escuela, no me quería perder por nada a Courtney porque era la banda que más quería ver, además de que la morra es como de mis musas, jaja. Llegué corriendo al Escenario Corona, faltaban como 20 minutos para su acto y yo venía en chinga desde metro Ciudad Deportiva. Nos quedamos de ver a lado de la consola y ¡lo logré! Llegué y esta morra superó por mucho mis expectativas, no dejé de mover la cabeza ni un minuto, aunque en la noche el cuello fue así de: “ahhh, pero en Courtney”. Valió la pena.

Él: como ella el sábado decidió de Courtney pa’delante, aproveché para llegar temprano y ver a las bandas que a mí me gustaban, gg. Así que me fui a echar a los Parquet Courts, lástima que les tocara un horario prematuro, ojalá vuelvan pa’l próximo año ellos solos o a un festival que los ponga en un mejor horario. Igual medio me decepcioné con Wild Beasts, es una banda a la que le tengo bastante cariño por sus primeros tres discos, evidentemente esperaba escuchar alguito de eso, pero estuvo chafa que sólo se echaran dos rolas de esos discos, me sentí timado.

Después me topé una amiga que metió de manera muy ingeniosa una bolsita con alcohol y que servimos en las Corona Cero que nos regalaron a un lado del escenario. ¿Qué puede ser lo peor que le pueda pasar a una cerveza sin alcohol? Que sepa bien, ¡y sí! Los odié. Ya después encontré a mi morra y nos desgreñamos en Courtney, literal.

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Ella: corrimos a ver a Unknown Mortal Orchestra, ambos los queríamos ver, pero igual no nos pudimos despegar de Courtney hasta que acabó. Llegamos y ya iban como a medio set, nos pusimos atrás de la consola y no se veía tan chido, pero igual coreamos nuestros tracks favoritos “FFunny FFriends” y “Multi-Love”. Yo tenía muchas ganas de ir al baño y él de comer, tonces hicimos unas paradas estratégicas en las filas de los baños y de ahí a conseguir algo de comer en los foodtrucks, como siempre porciones muy pequeñas a precios en extremos caros, ni pedo.

De ahí, en lo que caminábamos rumbo a Haim, pasamos por Band of Horses y nos detuvimos tantito, su presentación fue tan épica que nos quedamos a las últimas rolas, fue todo un deleite escuchar y cantar “The Funeral”, aunque sea de lejitos. Ya después quedé fascinada con Haim, pinches morras traen una actitud muy padre, era algo que realmente no me esperaba y lo hacen muy bien.

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Él: siento que son como esas bandas ochenteras de pop, pero con un toque hipster que le va muy bien a nuestros contemporáneos, no sé, igual en los 2000 no hubieran pegado igual, siento.

Ella: esperamos a una amiga detrás de la consola (como se pueden dar cuenta fue nuestro punto de encuentro por excelencia), en el Escenario Light en lo que empezaban los Pet Shop Boys. Buena fiesta, pero una luz que nos encandilaba no nos dejó quedarnos más de medio set, lo cual fue bueno, pues tuvimos chance de movernos a Air en el escenario Doritos y vaya deleite que nos aventamos.

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Él: como hacía un buen de frío, ella se echó un cigarro y yo me cobijaba con lo que podía (no soy muy de fumar, pero igual me eché medio cigarro, ella se chingó mi otra mitad).

Aquí interrumpo porque fue en el momento que decidí entrevistarlos. Iba llegando a ver a la banda como parte de nuestra cobertura, mi fotógrafa ya estaba en el pit rifando #como100pre, y en eso me topo a un par muy singular jugando luchitas en la alfombra y en eso se pararon a hacer una loca coreografía nada ensayada en “Alpha Beta Gaga”, que me divirtió bastante por lo bien que se veía que la estaban pasando.

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Ella: estábamos en un dilema porque yo quería ver a The Killers sí o sí y él no tenía ni tantitas ganas de perderse a Animal Collective, por lo que acordamos que yo me iba a lo mío y él a lo suyo, nadie objetó y nos quedamos de ver pasaditas las 12 en la carpa donde tocarían el colectivo de animales.

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Él: caminé ya medio cansado hacia el Levi’s Tent, llego y oh sorpresa, como menos de 100 personas en el escenario. Supongo los demás andaban en Killers, lo cual me decepcionó un poco, la Netflix, pero bueno, también mi morra andaba allá, así que pues qué le hacía. Conforme llegaba el momento de su show, el escenario se empezó a llenar, hasta que comenzaron las primeras notas y todos quedamos hipnotizados con su presentación.

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Ella: ¡The Killers están bien rifados! Me trajeron muy buenos recuerdos de cuando estaba más chavita. También dijeron que “no importa quién sea nuestro presidente, todos somos americanos”. Su presentación fue muy emotiva, todo mundo se veía que los estaba esperando, creo que toda la gente le cayó ahí.

Así estos tórtolos terminaron su primer día de actividades en el Corona Capital, con una torta de tamal verde para aplastar el hambre en la odisea que se convierte el regreso a casa.

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Él: resulta que a ella le encargaron rifar unas fotos en este día del festival. Nos pusimos de acuerdo para llegar temprano, pero el cansancio del día anterior nos exigió despertanos ya tarde. Fuimos a desayunar, a llenar nuestra mochila de víveres y a correr para alcanzar a ver a Bleached. Intentamos entrar los dos por la puerta 15, que es donde entra la gente de prensa, sin embargo no pude entrar yo porque, en efecto, sólo entra la gente de prensa y los que compraron sus boletos VIP o Plus; yo iba como simple mortal. Así que tuve que echarme una vuelta nivel Dios hasta el otro lado del Autódromo, mientras ella corría hacia el escenario donde estaban tocando estas morras.

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Ella: llegué corriendo a Bleached para poder entrar al pit, había todavía poca gente, pero las morras ya empezaban con toda la actitud. Lo padre es que ya no hacía tanto frío como el día anterior, incluso se sentía tantito calorsito porque el sol se dejaba ver a ratitos, aunque realmente nos duró muy poco el gusto porque para eso de las 5 ya estaba bajando el sol y con él la temperatura.

Él: después de la caminata eterna logré llegar a ver las últimas 3 rolas de las Bleached, una banda con mucha energía y, repito, en un horario que no les hizo justicia. De ahí nos fuimos a encontrar con una amiga de mi novia y en lo que caminábamos nos topamos con Soffi Tucker en el Levi’s, un dúo del cual ya nos habían hablado, pero que realmente no teníamos ni la menor idea de la fiestota que se arman en sus shows en vivo. Pa’empezar nos dimos cuenta que la gente que no estaba en Bleached, andaba bailando, gritando y alzando las manos con este singular dúo. Ya después regresamos al escenario Doritos para ver a Yuck.

Yuck
Yuck

Ella: tenía las expectativas muy altas en Yuck, era una banda que en reviews y recomendaciones me habían vendido muy bien, sin embargo sentía que les faltaba algo, no sé, los sentía muy planos. Igual a él sí le latieron y me pidió quedarnos a verlos un poquito más, pero a mí ya me urgía correr para ver a Wild Nothing.

Wild Nothing
Wild Nothing

Él: llegamos a Wild Nothing, con todo y con que se retrasó su show por unas fallas en el audio, desde la primera rola me engancharon, en ese momento me topé a unos amigos y los vimos juntos. Jamás había topado a la banda, creo que ni en disco, a momentos los confundía con los Wild Nothings, que son una bandota. Pero estos, con su ondita más relax en comparación con los otros, también tienen lo suyo,  aunque no nos quedamos todo el set, porque teníamos que correr a Peter Bjorn & John. Me quedé con un gran descubrimiento para meterle a mi iPod.

Peter Bjorn and John

Ella: Peter era uno de los actos que igual les traía muchas ganas, sobre todo hacerme a la idea de tomarles fotos me emocionaba bastante. Aunque su set en un principio estuvo más enfocado en su reciente álbum, igual los disfruté, pero él no tanto. Esta jornada estuvo mucho más movida, teníamos tantas cosas que ver y todo estaba muy pegado, por lo tanto correr o salir a medio set era la única opción.

Él: ya a la mitad del día y con un hambre que no me podía quitar ni con palanquetas, caímos a ver a Super Furry Animals, que en lo personal se me hizo una banda bastante divertida, eso aunado a que sus rolas tienen un toque como de folk y de psicodelia bien chido. De ahí caminamos de la mano (yo moría de frío) hacia la carpa de medios. Logré colarme con ella sin que se dieran cuenta que mi pulsera no era la que pedían ahí, nos calentamos un ratito, comimos unos jochos y con un amigo que nos encontramos ahí dentro fuimos a ver a lo lejos a Eagles Of Death Metal.

Super Furry Animals

Ella: no fui muy fan de los Eagles Of Death Metal, pero bueno, igual nos sirvió verlos de lejos para tomar un respiro en lo que nos preparábamos física y mentalmente para Warpaint. Nos movimos antes de que acabara su set y llegamos al escenario donde tocarían estas chicas que estaba medio vacío, pues seguro había una buena cantidad de gente bailando en Breakbot y otros esperando a ver a Grimes. Nosotros no nos arrepentimos para nada de ver a Warpaint, su acto en vivo es buenísimo y te dejan en el viaje por un buen ratito.

Él: ¡chulada!

Warpaint

Ella: una vez más correr en chinga para llegar al Escenario Corona, la primera vez que fuimos a ver algo en este segundo día. Me metí al pit para tomarle unas fotos a Suede, banda que al creer que no asistiría al festival me iba a conformar con ver un día antes en El Plaza.

Suede

Él: como que esperaba más de ellos, a como me los habían contado y con todo y que en su descripción dice shoegaze, me imaginaba, no sé, algo como más… “cochino”, ¿sacas? Igual los vimos un ratito, pero de verdad que ya me empezaba a pesar la vida, el cansancio de andar corriendo de un escenario para otro me estaba dejando sin aliento, quizá en eso radicó no poder disfrutarlos como se debía.

Ella: el plan era seguirla en Kraftwerk, pero teníamos que ir a buscar a una amiga que se quedó con mi mochila, nos quedamos de ver en Lana del Rey, que a ninguno de los dos nos prende ni tantito, jaja. Ahí estuvimos buscándola en la consola, ahora sin tanto éxito, por más que gritábamos su nombre nomás no apareció, y de lo cansados que estábamos decidimos volver al media tent por un refrigerio, ya que encima hacía mucho frío. A él ya no lo dejaron pasar porque le descubrieron que su pulsera no era la de ese día. Se quedó afuera, pero le saqué un cafecito de contrabando en lo que se cargaban nuestros celulares.

Mark Ronson VS Kevin Parker

Él: ahí a lado quedaba el Levi’s Tent, donde Mark y Kevin iban a hacer de las suyas. Como nos quedaba muy cerca ella decidió ir a tomarles fotos, para después correr a LCD Soundsystem. Me quedé con un muy mal sabor de boca después de ver este intento de DJ Set, pa’empezar Kevin es un vato que admiro mucho, pero verlo ahí parado, sin saber qué hacer, pidiendo ayuda al stage manager porque no sabía qué ocurría con la mixer, para que nomás llegara y le picara un botón y listo. Y bueno, Mark con su actitud exagerada tirándole a animador de quinceañera, la neta me dio bastante hueva.

Ella: pasamos a ladito de donde estaba tocando Kraftwerk, ya con los ánimos casi en el suelo, pero el verlos ahí con sus increíbles visuales nos alentó para correr y llegar al pit para fotografiar a LCD. Estuvimos un buen rato esperando a que salieran, casi media hora, que para mí fueron como dos horas en las que, literal, ya estaba cabeceando.

LCD Soundsystem

Él: desde el extremo derecho del escenario quedé anonadado con la cámara que estaba en picada tomando al escenario de la banda y se proyectaba en las pantallas laterales. Sólo me imaginaba ¿en qué punto de la carrera de esta banda su set de instrumentos se volvió algo tan complejo? Trataba de imaginar cómo fueron los primeros shows de LCD y suponía que no se acercaba ni tantito a este monstruo ¿o tal vez sí? Su presentación, impecable, con todo y las limitantes de Murphy, este concierto no pudo darle un mejor cierre al festival. Nosotros, ya después de que ella se rifó las fotos, bailamos un ratito, para después caminar una vez más con dirección a la salida, donde ya nos esperaba un UBER para llevarnos de regreso a casa. Estuvo muy cagado que justo antes de salir del mar de gente en LCD, en un punto coincidimos por menos de un minuto tres grupitos de amigos, súper raro, pues entre tantas personas no te imaginas coincidir con tantos amigos a la vez, sin haberlo planeado.

LCD Soundsystem

#WMDead: Artistas que regresaron del más allá

Foto: Thieves Like Us

El mercado-industria de la música cada vez está más saturado y queda menos espacio para muchos artistas que, además de llevar sus vidas personales, les resulta un arduo trabajo seguir a flote editando álbumes y ganarse a su gente con sorpresas, shows, fotos y demás alternativas. Noviembre nos acerca a reflexionar sobre qué pasó durante 2016 en el ámbito que más amamos: #WhatMusicProvides. Así que me metí un rato a la máquina del tiempo para averiguar qué pasó con las bandas y artistas que nos hicieron el día, qué digo el día, ¡el año entero! con sus señales de vida después de algunos años de permanecer en silencio, cautivos o bien, disfrutando sus vidas sin tener que trabajar ni entregar cuentas a nadie, todos quisiéramos eso alguna vez, ¿no? Así que no juzguemos su partida, mejor celebremos su regreso del más allá.

Aquí una lista de los que considero relevantes (el orden no altera la la importancia):

Le Tigre

Una de las más recientes apariciones es la de Le Tigre, cuando en septiembre nos dieron la noticia de que preparaban un track inédito que no formaba parte de ningún álbum, pero ¡Le Tigre! al fin y al cabo. Después de editar This Island en 2014, Kathleen Hanna publicó Hit Reset con su banda Julie Ruin, pero fue muy agradable saber que teníamos música nueva del trío estadounidense… hasta que, bueno, a mediados de octubre nos sorprendieron con “I’m With Her”, un tema en apoyo a Hillary Clinton que no fue precisamente lo que esperábamos, musicalmente hablando, ya que el hecho de apoyar la campaña de Hillary sigue imprimiendo el toque feminista que tiene Hanna desde los inicios de su carrera.

The Avalanches

Después de una década, este año regresó The Avalanches con un segundo LP llamado Wildflower. Las cosas se complicaron y tuvieron que cancelar algunos shows en Europa debido a problemas de salud de Tony Di Blasi, pero el grupo de Melbourne se recuperó en cuestión de meses, pues en octubre lanzaron el video de “Because I’m Me” donde colabora Sonny Cheeba de Camp Lo, dueto de hip hop del Bronx. Además de esto, The Avalanches pretende re editar su primer álbum Since I Left You en enero.

The XX

Cuando te enamoras de la música de The XX, un par de años de silencio es como morir lentamente. Con algunos videos cortos y fotografías del trío inglés grabando en su estudio nos volvió la ilusión de tenerlos de vuelta. Y sí, nos anunciaron el estreno de su siguiente álbum, I See You (enero 2017) y nos regalaron “Hold On” como primer adelanto, como cuando el ser amado te envía un mensaje de texto, te llama de nuevo o simplemente, te dan noticias de él. Nosotros sentimos bonito al enterarnos y más, nerviosos de escuchar su nuevo track.

The Pretenders

El querido y workaholic Dan Auerbach nos sacudió con la nueva producción de The Pretenders, titulado Alone, por la sencilla razón de que únicamente Chrissie Hynde llevará la batuta en esta nueva faceta. Desde 2008 con Break Up The Concrete no se había retomado la carrera musical de la banda y ahora se siente un poderío femenino en conjunto con el brillante sonido que le imprime el integrante de The Black Keys, banda que, por cierto, tristemente no está incluida en este artículo. *lágrimas*

Thieves Like Us

Algo que nos fascina de Berlín es su música electrónica y pop que te hace bailar, pero definitivamente Thieves Like Us llegó a nuestras vidas para quedarse. ¿No los extrañaban? Después de escuchar su último álbum Bleed Bleed Bleed (2012) quedamos enloquecidos. Año tras año esperamos noticias de ellos, sesiones en vivo, actividad en redes sociales, pero nada daba indicio de música nueva… hasta que a principios de este mes ¡PUM! Nos anunciaron su regreso con 5th, su siguiente álbum, del cual ya podemos escuchar “Jennifer”. ¿Les gustaría verlos pronto? Ojalá que con el estreno de su quinta placa de estudio el próximo 27 de enero vía Seayou Entertainment, se arme un tour y se incluya México en él.

King Krule

El pelirrojo Archy Marshall, a.k.a. King Krule celebró su cumpleaños #22 el 24 de agosto, y la mejor manera de hacerlo fue cambiándose el nombre artístico a Return Of Pimp Shrimp, seudónimo bajo el cual debutó un nuevo track llamado  “Feel Safe 88 (just say no)”, reluciendo un lindo pensamiento: “Una nueva edad, un nuevo nombre para las pisadas”.

Phoenix

Después de tres largos años, Phoenix regresa con fuerza. Su primer show después de este tiempo será en Bilbao BBK Live en España el verano del próximo año. Además, el cuarteto francés nos revela a través de todas sus redes sociales la portada de lo que parece ser sucesor a Bankrupt! No hay nada que nos haga tan felices, que recordar a una de nuestras top bands de los noventa.

Blink 182

Nada como el regreso de Blink 182 después de 5 años. Aún con Matt Skiba en la voz, sustituyendo a Tom Delongue, su nuevo material de estudio, California es lo más cercano a nuestros días de gloria en que andábamos en patineta, nos sentíamos los más rebeldes y empezábamos a imaginar nuestros cuerpos tatuados. Échenle un ojo a su más reciente video para el track “She’s Out Of Her Mind”.

Gorillaz

Damon Albarn y compañía quieren que los fans sepan qué pasó después de Plastic Beach, álbum editado hace ya 6 años. La manera de comunicar de manera visual ha caracterizado a una de las mejores agrupaciones de la historia. Esta vez, se valieron de postear en redes sociales imágenes de la historia de Book of Noodle, con la portada y teasers de una historia que hace referencia a lo que sucedió con los personajes después de Plastic Beach, en uno de ellos se hace referencia a Arcade Fire. Échenle un ojo a la historia completa en las redes sociales de Gorillaz.

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A Tribe Called Quest

Dieciocho años de espera… para que A Tribe Called Quest reviviera de las cenizas, literal, como el ave fénix, aunque no por completo, ya que este año se nos fue Phife Dawg por consecuencias de diabetes, esto después de grabar el álbum que reuniría al cuarteto de Queens, Nueva York (ya que Phife hizo carrera como solista). Por fin podemos escuchar We Got It From Here… Thank You 4 Your Service, su nuevo material de estudio y qué mejor ahora que hay un boom de hip hop in da world. *lágrimas*

Estas fueron mis recomendaciones de bandas que ansiábamos tener de vuelta, que ya creíamos dadas por muertas o que, simplemente creíamos que era un sueño cuando leímos las noticias de su regreso este año que está por llegar a su fin.

#WMCapital: Las del recuerdo (día 2)

Para muchos melómanos, el segundo día de actividades del Corona Capital 2016 en su séptima edición fue una carga eléctrica de nostalgia con actos como Suede, Kraftwerk, Eagles of Death Metal, y por supuesto a LCD Soundsystem, pero también una oportunidad para descubrir a Bleached, Yuck, Wild Nothing, Sofi Tukker y más artistas.

Aquí les compartimos algunas fotos de lo ocurrido:

Fotos: @gissunshine

#WMCapital: Las del recuerdo (día 1)

El frío no impidió que el primer día de actividades en el Corona Capital 2016 se disfrutará al máximo entre amigos, música y mucha diversión. Nos dedicamos a capturar momentos de algunos artistas como Air, Pet Shop Boys, Courtney Barnett, Haim, entre otros, y así poder recordar su participación en la edición número siete de este festival.

Parquet Courts – Escenario Corona Light

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Eryn Allen Kane – Escenario Corona

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Wild Beasts – Escenario Corona Light

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Marian Hill – Escenario Doritos

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Tegan and Sara –  Escenario Light

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Courtney Barnett –  Escenario Corona

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Unknown Mortal Orchestra –  Escenario Doritos

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Haim –  Escenario Corona

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Pet Shop Boys-  Escenario Light

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Air – Escenario Doritos

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Fotos por @monceymrh

#StaffPick: Sofi Tukker se pone como objetivo ponernos a bailar en el Corona Capital

Si eres de los que te gusta encontrar música nueva para bailar, este dúo de Nueva York es para ti. Sofi Tukker ha estado llamando la atención de los medios, prendiendo festivales en todo el mundo y entrando a los charts internacionales en los últimos meses. Fue considerado como “uno de los actos más hot del SXSW 2016” y ahora visitan nuestro país para presentarse bajo el marco del Corona Capital.

El dúo es integrado por Sophie Hawley y Tucker Halpern, ambos estudiantes de la Universidad de Brown, donde comenzaron a hacer música juntos. Actualmente viven en Nueva York y su música se basa en la creación de sonidos influenciados por sus largos viajes alrededor del mundo, especialmente por Brasil.

Tras el lanzamiento de su primer EP, Soft Animals, Sofi Tukker no ha parado de recibir elogios de los medios por su creatividad al hacer música, en donde fusionan culturas que dan como resultado una insaciable colección de dance y jungle-pop.

Previo a su presentación en el Corona, tuvimos oportunidad de charlar con ellos y esto es lo que nos cuentan:

¿Cómo y cuándo nació Sofi Tukker?

En nuestro último año de la carrera en Brown. Sofi tocaba bossa-nova acústica y yo era DJ… Encontramos una enorme química y empezamos a hacer música.

¿Cuál es el concepto inicial detrás de este proyecto?

Diversión, alegría y baile. Amamos jugar con la naturaleza, el movimiento y crear sonidos diferentes.

¿Qué les inspira para crear su música?

Ver a la gente bailar, sonreír e interactuar con la música. Nos gusta la mezcla de culturas, por ejemplo usamos muchos instrumentos brasileños. Ahora que estemos en México, a ver qué instrumentos nos llevamos… ¡Queremos poner a todos a bailar!

¿Cómo definirían su estilo musical?

Nosotros dejamos que la gente lo describa… no nos gusta catalogarnos dentro de un género. Nos inspiramos en música tan variada que no queremos quedarnos con solo un estilo musical… Pero nos encanta escuchar las descripciones de la gente sobre nuestra música.

¿Cuál es la historia detrás de “Drinkee” (su primer sencillo)?

Fue la primera vez que Sophie agarró una guitarra eléctrica. Es un poema de cuatro líneas y un loop de guitarra eléctrica con percusiones africanas que poco a poco te va metiendo a un trance… o al menos eso queremos. ¡Nuestro objetivo es que la gente se pierda en el baile! Es un blend de música house con ritmos brasileños y toques de world music.

¿Con qué artistas les gustaría colaborar?

Jack White

¿Dónde han estado tocando últimamente?

En Birthdays de Londres, Melkweg Theater de Amsterdam, Razzmatazz de Barcelona, Treasure Island de San Francisco, White Oak Music Hall de Houston, One Love Festival en Istambul, Hyde Park en Londres… ¡Entre MUCHOS otros! No hemos parado de tocar alrededor del mundo.

¿En qué parte del mundo los están escuchando más?

La verdad hemos tocado en muchas partes del mundo, como les comentábamos en la pregunta anterior, pero sorprendentemente en Italia hemos tenido MUCHO éxito. Incluso nos tocan en la radio de allá. Nunca pensamos que una canción basada en portugués pegara ahí… hemos firmado con el sello Ego en Italia.

3 recomendaciones musicales de festivales:

GRIMES, Kill J de Suecia y Glass Animals

Video favorito:

“Borders”- MIA

Escucha “Drinkee” aquí:

Para seguir con el mood de Sofi Tukker, te recomendamos también al dúo de electro-pop con R&B británico, AlunaGeorge, quienes también se inspiran en movimientos del cuerpo para hacer música y seguro también te pondrán a bailar.

Hablando sobre la fusión de culturas, Fischerspooner, otro dúo de Nueva York, quienes desde 1998 han combinado tendencias retro de electro-pop, regresa este año a México para presentarse en el Corona Capital.

Warren Fischer y Casey Spooner son característicos por tener una enorme presencia escénica, siempre novedosa, que resalta su muy fino set de vanguardia electrónica o “Electroclash”.

Para irte calentando, checa el video de “Emerge” aquí:

No te pierdas a Sofi Tukker el domingo 20 de noviembre, estarán abriendo las actividades del escenario Levi’s Tent del Corona Capital de 3:30 a 4:20 p.m.