#NuevosRuidos: el “love millennial” de The Big Moon

Debo admitir que me considero fan de encontrar nuevas bandas y artistas de genero femeninas emergentes que tengan “that something” que las diferencie de las demás, a pesar de llegar a ser para la mayoría solo otra girl band más, sin importar realmente como toquen, la calidad de su música, la frescura de sus canciones o el contenido visual que nos muestran en cada uno de sus videos.

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The Big Moon es un cuarteto de cuatro chicas británicas que traen toda la onda del brit rock como buena banda londinense. Soph Nathan (guitarra y vocales), Celia Archer (bajo y vocales), Juliette Jackson (guitarra y vocales) y Fern Ford (guitarra), llevan más de un año tocando juntas bajo esta atmósfera “grunge” que crean en cada show que dan.

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Se dieron a conocer con “Nothing Without You” y “Sucker” en varios festivales de las islas como Glastonbury, Bushtock, entre otros. Según para NME es una de las bandas que se deben tener bajo la mira esta 2016.  Y justo el pasado 27 de julio lanzaron un nuevo single titulado “Silent Movie Susie”, el cual acompañaron con un video simpático del que nos enamoramos.

Este video te crea una especie de nostalgia al observar a tu muñeca favorita noventera baja una historia de “amor millenial” cómica, que cualquier chica de 20 años puede experimentar en su vida, pero dentro de la doll house por la que siempre morimos de niñas.

Para todos los que son fieles fans de bandas como: Warpaint, Sunflower Bean, Elastica o Hinds, amarían verlas en vivo en México ¿No lo creen?

Puedes escuchar sus otros temas en Bandcamp, Spotify o iTunes.

O seguirlas en su FB e Instagram.

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#Audiovvisual: The Get Down, más que una serie que retrata el nacimiento del hip hop

Por: Cris Winters

Al observar el primer capítulo de The Get Down se nota a leguas la mano de Baz Luhrmann. En dicho capítulo, dirigido por el australiano, hay similitudes narrativas con Moulin Rouge, su obra más emblemática a la fecha. Comienza de lo general a lo particular, es decir, primero nos presenta la ciudad, que en el caso de The Get Down se convertirá en un personaje más de la historia. Luego llegamos a nuestro protagonista y en ambos casos se descubre el desenlace de la trama. En el caso de Moulin Rouge que Satin ha muerto, en la serie sobre hip hop, que uno de los protagonistas será famoso. Ahora sólo falta descubrir su camino hacia un presente aparentemente exitoso. Tampoco hay escasez de diamantina, baile o escenas románticas adornadas por estrellas.

Mucho se ha criticado a Luhrmann por dedicarse a filmar fiestas, si bien a todos nos encantaría bailar en uno de sus coloridos universos, sus tramas suelen pecar de lineales, predecibles y sosas.  Sus personajes suelen ser caricaturas. Además es experto en excederse en los presupuestos (su serie para Netflix costó  120 millones de dólares) Sin embargo en The Get Down su obsesión por lo estridente resulta una fortaleza. En este momento la serie es única en su tipo, por lo que en los próximos días seguramente comenzará a volverse en un fenómeno mediático, tal como ha sucedido con otras producciones de Netflix como Marking a Murder o Stranger Things, con la cual comparte una desbordante pasión por la nostalgia y los homenajes a obras anteriores. Habrá que ver si su alto costo de producción no se traduce en que no pase de la primera temporada, tal como pasó con la tan esperada Vinyl.

The Get Down es una historia de entrada a la madurez. Retrata las historias de los habitantes del South Bronx, que en la década de los setenta tenía un panorama desolador. Hay tres historias principales: la de Ezequiel, un talentoso joven que navega entre sus deseos de salir del Bronx con su amada y sus aventuras musicales con tres amigos; la de Mylene, una dulce chica que sueña con ser estrella de música disco; y la del Bronx, en la cual conviven drogas, arte, violencia, política y más.

Como suele suceder en la actualidad, The Get Down es un collage de muchas otras cosas. Hay un claro homenaje a West Side Story pero también se nota la influencia de Tarantino. Las actuaciones son dispares (Jaden Smith encabeza las malas actuaciones) y las historias están repletas de clichés. Al igual que en otras obras mediocres, su excelente soundtrack ayuda a que la historia parezca mejor de lo que es.

Así como Manhattan de Woody Allen es una oda a Nueva York y Sex and the City es una carta de amor a Manhattan, The Get Down es un homenaje al Nueva York de los setenta. De sus virtudes rescatamos su interés por plasmar la aportación de los latinos al hip hop, su obsesión por documentarse (DJ Kool Herc y Grandmaster Flash trabajaron con la producción para hacerla lo más real posible) y su capacidad de producción. Las canciones originales también son un gran acierto. Éstas fueron posible gracias a que Nas es productor ejecutivo de la serie.

Quizá la segunda parte de la primera temporada (que se estrenará en enero) cuaje mejor. Pero por ahora The Get Down parece una trampa en la que su diseño colorido, excelente soundtrack y rápida edición, pretenden hacer que nos olvidemos de sus malas actuaciones, argumentos débiles y falta de dirección. Sin embargo, para los melómanos es una serie que hay que ver, pues tiene todo lo que extrañamos del MTV de antaño: música, disfraces, baile, drogas y un exceso de pretensión. ¡Perfecta para pasar el rato!

Siddhartha y el legado del pez que voló (entrevista)

El camino para un músico nominado al Grammy podría parecer fácil. Lejos quedó el tiempo en que Siddhartha se separaba de su etapa como baterista para comenzar a forjar su carrera y buscar su propio público. Ahora, después de años de trabajo, podría pensarse que finalmente llega la etapa de descanso en la que uno se puede relajar y sentarse a disfrutar del éxito. Sin embargo, para el músico tapatío el camino nunca ha ido por ahí.

Más allá de dormirse en sus laureles, cada que uno de sus discos termina su etapa, es una nueva oportunidad para volver a ponerse retos creativos que lleven su exploración un paso más allá. El vuelo del pez fue un impacto que no muchos esperaban, y más que quedarse admirando la que podría ser su obra maestra, Siddhartha inmediatamente se puso a pensar en cómo superarlo de la mejor forma posible: no preocupándose en hacerlo, sino trabajando como siempre lo hace.

Con un sencillo estrenado hasta el momento, “Tarde”, su séquito de náufragos se muere de ansias por conocer más de su nuevo material. Mientras tanto, Siddhartha está tranquilo de que el fruto de su trabajo seguirá llegando al público que tenga que llegar, y esperando a que este periodo concluya para volverse a aislar en alguna cabaña nueva y seguir haciendo lo que mejor sabe hacer.

Tras el enorme éxito que fue El Vuelo del Pez, la expectativa por tu nuevo material es enorme. Después de las nominaciones al Grammy, el reconocimiento general del público y todas las grandes cosas que llegaron para ti tras este proceso, ¿sientes que este nuevo material es en el que más presión ha existido por mantener esta racha?

En realidad nunca he puesto demasiada importancia en esto. Más bien la secuela que ha venido dejando cada disco es para mí una forma de también asimilar las experiencias y aprendizajes. Más que una presión, es un motivante para hacer más música que me satisfaga y me haga sentir fresco. Las cosas positivas que han traído cada disco podrían hacer pensar que siempre hay que ir un paso adelante del anterior, pero creo que al final todos se han complementado. El vuelo del pez fue lo que fue porque es un disco que tuvo un antecesor del cual también aprendí, del cual también recogí muchos frutos.

Además de ello, el nuevo álbum la verdad es que me dejó un muy buen sabor de boca, me siento muy satisfecho con el resultado. Es un disco que disfruté mucho de principio a fin y que en realidad no lo siento en competencia con ninguno de los otros discos. Sin embargo, por lo menos a nivel personal, sí creo que es un disco que tiene un sabor distinto y que sí es el resultado de los discos anteriores, con el crecimiento que cada trabajo tiene y la experiencia acumulada de los pasados. Entonces no, no me siento amenazado. Por el contrario, más bien me gusta esa sensación de hacer algo distinto. Además creo que este disco, si se tratara de ponerlos en comparativa con los demás, creo que está suficientemente preparado para ser comparado positivamente.

Hace poco leía un artículo, con recomendaciones para músicos nuevos, donde les aconsejaban hacer del proceso de creación parte de la historia que posteriormente iba a vender el trabajo final. Que fuera un proceso fuera de lo común que agregara valor a la historia y eso mismo llamara la atención de los medios. En tu caso, lo has hecho así con tus trabajos, aislándote en cabañas, yéndote a lugares paradisíacos, pero no parece para nada una estrategia de mercadotecnia, sino todo lo contrario. Parece la única forma posible de trabajar para alguien como Siddhartha. ¿A qué crees que se deba este acercamiento tan diferente que tienes con la música?

Yo lo he hecho siempre por tratar de buscar un espacio adecuado e idóneo para la creación. Que al igual que otros trabajos necesitan de una forma, de un lugar, de un estado de ánimo, y en la manera en la que yo mejor reacciono es cuando estoy concentrado o aislado o en un ambiente propicio para poder sacar las ideas y que no haya otros distractores.

En todos los discos lo he hecho y este no ha sido la excepción, también lo hice de distinta manera. Cada uno ha tenido un escenario diferente. Este disco lo hice una gran parte en la playa, otra parte la hice en un pueblito cerca del Lago de Chapala. Como que estos ambientes un poco más relajados y fuera de la tensión citadina a mí generalmente me vienen bien y no ha sido algo premeditado ni mucho menos, sino más bien me he dado cuenta que para un trabajo creativo, o por lo menos en mi caso, es el ambiente que mejor me viene para justo eso, soltar todas las ideas. Y lo he hecho de manera también inconsciente. Empezó como una necesidad porque después de todo el trabajo, los viajes, los shows y demás, como que bajar un poco el ritmo es también necesario a nivel personal.

Un poco sobre esta línea, me llama mucho la atención la perspectiva que tienes del mundo y como lo reflejas en tus letras. Creo que es justo esta temática emocional, espiritual, metafísica incluso, la que te ha hecho tan diferente a muchos otros artistas que no logran una conexión tan real como la tuya con tu público. ¿De dónde surge la necesidad de compartir ese tipo de mensajes?

Yo creo que en realidad tampoco es una cuestión que haga con la intención de transmitir necesariamente lo que creo. Es decir, no estoy tratando de predicar absolutamente nada. Más bien, digamos que yo veo a la música como un instrumento de expresión, y sobre todo a la lírica, y lo que yo hago, e hice incluso desde antes que la gente lo escuchara, es expresar mis ideas, expresar mis pensamientos, las cosas en las que he tenido experiencias, en las que pienso, en las que simplemente intuyo, o muchas veces en las que imagino. Nada de lo que digo aseguro que sea la verdad total, simplemente a través de la música me parece que es un lenguaje de expresión universal y cada quien puede recibirlo e interpretarlo como guste.

En realidad mi motor al hacer música es expresarme, entonces la gente que se ha conectado con esa expresión es libre de aceptarla e interpretarla como quiera o bien de cuestionarla y no hacerle caso también. Agradezco que la gente se conecte con lo que hago, pero no siempre se puede con todos. Habrá quien tenga opiniones distintas y está perfecto.

¿Qué de esto podremos encontrar en tu próximo material y qué detalles podrías compartirnos? ¿De dónde estuviste agarrando para este nuevo disco?

Cada disco ha sido un reflejo de mis etapas personales, y como todas etapas hay un poco de todo. Reflejan tanto temáticas personales que son pensamientos referentes a mi estado de ánimo, a la manera en que estoy viendo las cosas en este ciclo, y abarcan todo tipo de temáticas. Si bien es la primera vez que abundo un poco más en una temática más sentimental, a nivel de compartir con otra persona parte de tu vida, también voy pasando por un montón de cosas diferentes que son en torno a reflexiones del mundo, de la naturaleza, de la vida, de la existencia, y también de mi propia persona. Creo que en ese sentido este disco sí es un poquito más personal en lo que a la lírica se refiere.

Todos han sido muy personales. Siempre han estado narrando autobiográficamente un momento de mi vida pero digamos que ahora soy menos tímido al respecto.

Sabemos que el disco está planeado para estrenarse a finales de septiembre pero, ¿hay algún otro dato del disco y su presentación que podamos conocer?

En esta ocasión vamos a empezar un poco al revés. Vamos a tener presentaciones de la mano de la salida del disco, primero en el extranjero, en Estados Unidos, después en octubre andaremos por Colombia, también en Argentina y Perú, que serán las primeras veces que estaremos por allá. Para noviembre yo creo que ya estaremos presentando el disco por México, por lo pronto en las ciudades más grandes y después nos iremos haciendo todo el recorrido por el país.

Cada que termino un disco hay cierto entusiasmo por saber qué va a pasar con él y suele convertirse en el disco que más has disfrutado y el que más te gusta. Puede parecer una frase repetida por muchos músicos, y por lo mismo procuro no utilizarla, pero sí te puedo decir que este disco, a nivel personal, es el que al terminarlo me he sentido más satisfecho. Con todos los discos he vivido muy en paz y me han gustado, pero creo que este en particular tiene para mí un sabor especial que ya me urge mostrarles.

For Those About to Rock, la historia de Rodrigo y Gabriela (entrevista)

Por:  Abel Casillas

portada del docu

For Those About to Rock es un documental dirigido por Alejandro Franco, éste cuenta la historia de Rodrigo y Gabriela, dos músicos mexicanos que se conocieron tocando en una banda de thrash metal en la Ciudad de México, y que al ver el “árido” panorama musical local, decidieron ir a probar suerte al Viejo Continente, para posteriormente establecerse en Dublín, Irlanda.

Las composiciones de Rodrigo y Gabriela son virtuosas y tienen influencia de géneros como el flamenco o el latin jazz, además utilizan recursos rítmicos y armónicos propios del heavy metal, pero con sonido acústico.

De 2001 a la fecha han editado nueve álbumes (seis de estudio y tres en vivo) y se han presentado con éxito en festivales como Glastonbury y hasta en La Casa Blanca (sí, la de Washington D.C.). Sin duda la historia de este dúo parece una película de esas donde la moraleja es “sigue tus sueños”, pero como sabemos, la realidad es mucho más compleja. Por eso vale mucho ver este documental, más si eres melómano o músico.

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Entrevistamos a Rubén Márquez director de fotografía y editor de For Those About to Rock / la historia de Rodrigo y Gabriela, quien estuvo involucrado en el proyecto desde su gestación.

Aquí lo que nos platico:

¿Cómo surgió la idea de hacer For Those About To Rock?

Rubén: La idea de hacer este documental surge más o menos a partir de 2010. Cuando Alejandro Franco estaba en Glastonbury haciendo un documental para televisión sobre el festival. Ahí se dio cuenta que Rodrigo y Gabriela iban a tocar en el festival y que cerraban uno de los escenarios. Pensó que eran perfectos para que sirvieran de guía para el docu y ahí comenzó a conocerlos más, y decidió que el docu ya no sería sobre Glastonbury, sino sobre ellos.

¿Cuánto tiempo estuvieron documentando a Rodrigo y Gabriela?

R: Como todos los documentales y proyectos, ha tomado mucho tiempo el proceso. Empezamos a filmar en verano de 2010 y después se filmaron entrevistas y conciertos hasta diciembre de 2011. Después se retomó la filmación de entrevistas, porque vimos que necesitábamos más material para la historia que Alejandro quería contar, seguimos hasta finales de 2013. Hasta que decidimos ya parar de filmar y cerrar la edición. Como se dice, las películas no se terminan, se abandonan.

¿Qué países visitaron durante la filmación del documental?

R: Las filmaciones fueron en Nueva York, Inglaterra, Irlanda, Bélgica, Francia, Cuba, Los Angeles, Ixtapa y CDMX.

¿Cuál fue el mayor reto que encontraron para realizar el documental?

R: Hubo y siguen apareciendo varios retos, pero el mayor reto, que a mi parecer siempre fue el más complicado de vencer, fue la confianza y apertura de la banda. Es muy difícil entrar en el círculo y ganar la confianza de las bandas. Así que lograr cualquier avance, era todo un logro.

Cuéntanos alguna anécdota o algo que recuerdes de la filmación:

R: La anécdota que guardo con más cariño fue cuando filmamos el concierto de “El Plaza” en 2011. Ya habíamos pactado con la banda que íbamos a filmar la primera y la última canción. Así que coloqué mi cámara a la altura del escenario, como tenía planeado, y cuando Rodrigo y Gabriela vieron que la cámara iba a tapar la vista de los fans, me dijeron que no se podía filmar así. Les expliqué que era necesario hacer la toma a esa altura para capturar su performance, y ellos se resistieron. Seguí luchando por que me dejaran. Hasta que por fin Rodrigo me dijo que si convencía a los fans de que me dejaran filmar, no había problema. Bajé corriendo del camerino al escenario, y como si fuera discurso político, le hablé a todos los fans de las primeras filas y les pedí atentamente que me dejaran poner ahí la cámara. Solo una canción y aceptaron. Subí corriendo a decirle a Rodrigo, que ya tenía el permiso de todos. Se rió y me dijo: “está bien, pero solo una canción”. Rodrigo y Gabriela respetan y quieren mucho a sus fans, así que siempre fue un tema de que los fans estuvieran de acuerdo, y agradezco con el alma ese detalle.

¿Qué impresión te dejó Rodrigo y Gabriela?

R: Son el proyecto musical mexicano con mayor proyección en el mundo y el más grande. No hay una banda o proyecto musical mexicano que haya tocado en los escenarios que ellos han tocado. Cerrar escenarios en festivales como Glastonbury es algo que ninguna banda mexicana ha logrado. Su historia creo que solo comprueba que están comprometidos al 100, porque ellos, me queda claro, que son unos obsesos del trabajo. Ensayan diario, como si estuvieran empezando, y todo el tiempo se están preguntando, qué sigue. Es impresionante y algo de verdad inspirador.

¿Que canción o álbum de Rodrigo y Gabriela te gusta más?

R: Después de años de estar escuchando y estudiando su música para la edición del documental, puedo decir que mi canción favorita de ellos es “Savitri”, en su versión en vivo del disco LIVE IN FRANCE. Tiene todo.

¿Con cuántas copias salió?  ¿Cuánto tiempo estará en cartelera? Y ¿donde podemos ver For Those About To Rock?

R: Vamos a salir con 53 copias, a salas en todo el país (somos el documental de música en México con más copias hasta ahora) Estará en Cinepolis del 22 al 25 de agosto, y después, se están buscando opciones como: Cine Tonalá y Cineteca Nacional, pero los mantendremos al tanto.

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Definitivamente la historia de Rodrigo y Gabriela merece ser vista en la pantalla grande, acompañado de un “combo cuates”. Así que, ¡hay que ponerse las pilas!

Pueden seguir a Rubén en Instagram como: @rubenmarquez87. Su trabajo como fotógrafo en la música es impresionante.

 

#Covers&Collabs: M.I.A. ft. Diplo – “Bird Song”

Septiembre llega al tope de estrenos y M.I.A. no es la excepción, ya que AIM, el quinto álbum de la artista británica con ascendencia tamil, será publicado los primeros días de dicho mes. Anteriormente ya habíamos escuchado “Bird Song”, un primer extracto producido por Blaqstarr, quien se sumó a la creatividad del material de estudio con “Go Off”, donde Skrillex también hizo una aportación.

Aunque ya estábamos advertidos por M.I.A. sobre una nueva versión de “Bird Song”, la verdad es que nos agarró por sorpresa, pues se rifó una collab con Thomas Wesley Pentz, mejor conocido por todos como Diplo, misma que nos conduce por atmósferas dance nocturnas. Pero, ¿por qué nos sorprendió tanto? Porque esta versión marca las paces entre ambos artistas, ya que estuvieron saliendo algún tiempo y pues, esa química será bien aprovechada en futuras colaboraciones, ¿no? Bien por ambos.

 

AIM:

  1. Borders
  2. Go Off
  3. Bird Song (prod. Blaqstarr)
  4. Jump In
  5. Freedun (feat. Zayn Malik)
  6. Foreign Friend (feat. Delta Daps)
  7. Finally
  8. A.M.P (All My People)
  9. Ali R U OK?
  10. VISA
  11. Fly Pirate
  12. Survivor
  13. Bird Song (prod. by Diplo)
  14. The New International Sounds Pt. 2
  15. Swords
  16. Talk
  17. Platforms

 

#Audiovvisual: Recuento de los daños de Stranger Things

Hace poco más de un mes se estrenó Strange Things en Netflixy (antes de echarla al olvido) acá retomamos lo que llevó a esta serie a postularse como una de las más exitosas en la historia de esta plataforma que tanto nos gusta.

Verano:

Sol, lluvia, bermudas, libertad y amigos son tópicos que definen al verano, esa bella época en que nos liberamos de responsabilidades de la rutina. Algunos podemos escaparnos unos días del trabajo para ir a la playa y hacer lo que más nos gusta o ver películas y series, salir con los amigos o simplemente perder el tiempo en lo que sea que nos venga en gana, ¿apoco no? Los hermanos Duffer, creadores de Strange Things, hicieron un excelente trabajo al lanzar su serie una noche de verano, con un gran elenco, guion y soundtrack. Winona Ryder actuaría por vez primera en una serie, y qué mejor… de suspenso.

Spoilers:

En redes sociales nos encontramos al amigo, conocido, recién agregado en nuestro timeline que se aventó los ocho capítulos de la serie en una sola noche de desvelo. ¿Qué clase de ñoños son estos? Nos preguntábamos con tonito de odio. Pero esa pregunta sólo aumentaba nuestra curiosidad y así se fue corriendo la voz, empezaron a surgir memes y gifs hasta por donde menos buscáramos, nos los restregaban en la cara (snif, snif) y tuvimos que sacrificarnos viendo la serie… a pesar de los spoilers.

Nostalgia:

Sí, el revival de los ochenta se desató con furia. La historia se ubica en Indiana (1983), un pueblito “alejado” de las grandes orbes, pero que esconde un gran secreto. Tanto la cultura pop como la vestimenta se ven reflejadas en cada escena: sudaderas largas, pantalones deslavados, bicicletas (E.T., el extraterrestre) los cines, reproductores de acetatos, etc.

La música nos sedujo desde el principio, tanto como sucedió con Boyhood dirigida por Richard Linklater (¿o no?). A todos nos voló la cabeza escuchar canciones de New Order, Joy Division, The Clash, Echo & The Bunnymen, Moby, Television y más, entre cada capítulo. Pero lo increíblemente sorprendente fue el talento de S.U.R.V.I.V.E., banda de Austin Texas conformada por Kyle Dixon y Michael Stein, la cual participó en la creación del intro y soundtrack oficial de la serie, donde retoman el horror noise de películas de Stephen King y Alien, usando sintetizadores para llegar a un estilo original tan-bien-hecho que hasta parece no pertenecer a este mundo ni época millenial. La banda, por su parte, se impulsó de esta colaboración con los hermanos Duffer para lanzar a finales de septiembre un nuevo LP: RR7349, a través del sello Relaps y estrenaron “Wardenclyffe”, un corte nuevo después de mostrarnos “A.H.B”, además de anunciar una gira que los devuelve a los escenarios.

Memes:

Después de spoilear, era momento de crear contenidos auténticos y con la personalidad de la serie. Los muchachos de Little Jesus nos sacaron una sonrisota al postear un cartel stranger de su concierto en El Plaza. También tuvimos chance de crear nuestros gifs personalizados de Stranger Things, tanto del intro como de la épica escena del alfabeto con luces en la pared. Y qué decir del bullyng entre amigos, habrá quienes se identificaron con algún personaje principal (Eleven, Mike, Dustin, Will Byers, Lucas, Joyce, Jonathan Byers, Nancy, Jim Hopper) o hasta con el monstruo nos íbamos encontrando parecidos (risas). Lo amable de los memes es que reafirmamos la fuerza de la amistad. 

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Word of Mouth:

Lo que pasó con Stranger Things tuvo mucho que ver con el efecto Word of Mouth o publicidad de boca en boca, como comúnmente le llaman. Las redes sociales han tenido el mayor reach de audiencia en donde se venden productos de toda clase, así que esta serie de ciencia ficción no se quedó atrás y ha superado números de series como Orange is the New Black. ¿Cómo lo hicieron? La respuesta es obvia, lo hicimos nosotros, el público, las masas pues.

BURNING MAN: un festival creado desde cero en medio de la nada

No todos los festivales son como Coachella o Lollapalooza, en donde llegas a un venue armado, con cupones para comida y chupe, para ver a renombradas bandas o artistas en grandes escenarios. También existen otras formas de expresión artística y creatividad como el “experimento” llamado Burning Man, en donde se reúnen alrededor de 80,000 personas para crear un festival desde cero, en medio de la nada. Este encuentro anual se lleva a cabo en Black Rock City, una comunidad temporal en medio del Black Rock Desert, en Nevada. Es temporal porque la “ciudad” únicamente dura tres semanas: una para el montaje, otra para en “festival” y una última para el desmontaje. Curiosamente, dicha localidad es la tercera más grande de Nevada, después de Reno y Las Vegas.

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Los 10 principios en los que se basa Burning Man incluyen: inclusión radical, auto-suficiencia y auto-expresión, así como cooperación en comunidad, responsabilidad cívica, participación, inmediatez y no dejar ni un rastro detrás. Chécalos todos aquí.

La llave para entrar a la comunidad es la participación. Hay incontables formas de interactuar, ya sea con escultura, construcción, con algún performance o cualquier otra representación artística, hasta compartir alcohol, comida y más importante, ¡agua! Lo increíble de este encuentro es que la palabra “colectividad” pierde su cliché, ya que aquí, sí o sí, necesitas apoyo del otro para crear el festival. Se desarrolla en medio del desierto, por lo que cada quien debe llevar su propia tienda de campaña, tapetes, ¡regaderas!, camas, comida, alcohol, agua, etc… Piensa en todo lo que podrías necesitar en una semana en medio del desierto… todo eso, lo tienes que llevar tú.

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Para tratar de no perderse dentro del festival (por aquello de las sustancias que alteran los sentidos), el planeamiento urbano se organiza en torno de una plaza principal llamada “La Playa” (el mero espacio de ceremonias), en donde se encuentra la estatua conmemorativa del Burning Man, que funciona a su vez como referencia para orientarse. A su alrededor, las calles se forman como sobras de un reloj, de forma radial. Incluso, las mismas calles tienen nombres de horas y se extienden entre las 2:00 y las 10:00, con una distancia de 30 minutos. 

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Los automóviles no están permitidos, por lo que la gente tiende a moverse en bicicletas. Sin embargo, existen los “art cars”, unidades móviles con alguna manifestación artística en donde también tienden a tocar música. Para llevar un “art car” necesitas un permiso especial que puedes pedir en la página del evento.

La ciudad no tiene edificios. Cada ocupante crea su propia calle peatonal y su camp (donde duermes), las cuales son embellecidas y personalizadas por los artistas locales gracias a grandes piezas artísticas. (El 30% de la ciudad se consagra al arte y a la escultura).

El festival es inusual porque hay 80,000 personas, pero no tiene escenarios como tal. La gente arma sus propios reventones en sus camps y hay unos que ponen desde “Barbie Girl” hasta otros con puro techno. No hay un line-up tampoco. Te enteras de boca en boca, por tus redes de amigos, de quiénes van a tocar. No se anuncia en ningún lado. Es increíble porque vas explorando y encontrando música nueva por todas partes. Claro, hay gente que pasa todo el año ahorrando para armar la mejor fiesta de Burning Man (y el resultado efectivamente es tremendo), o está el clásico magnate de Silicon Valley con su camp elite y sus fiestas de millones de dólares. Hay de todo y para todos.

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Acá unos tips de un mexicano quien participó el año pasado:

 

  • Los supplies que necesitas para toda la semana (incluyendo la regadera portátil) los puedes conseguir en un Wal Mart de allá… Los gringos lo tienen todo.
  • Lleva zapatos cómodos porque NO puedes estar descalzo. Hay que tener cuidado con la arena… vas a la peor ubicación geográfica a echar la mejor fiesta.
  • Siempre lleva un vaso vacío contigo porque todo mundo te va regalando chupe o agua… y ¡cae como anillo al dedo!
  • Hay camps que namás llegas, pagas 1000 dólares y ya tienen todo listo… pero pierde un poco la experiencia de crear todo tú.
  • Es importante que todo lo que lleves se pueda remover, porque tienen una política MUY estricta de “cero huella detrás”. Tiene que quedar todo tal y como estaba antes: impecable.
  • Entiende que es posible que pierdas a tus amigos. De pronto puedes ir andando en bici a un metro de tu cuate, llega una súper tormenta de arena y lo puedes perder hasta por dos días. Pero no importa, en cada esquina haces un amigo nuevo.
  • Lleva distintas capas de ropa porque en el día hace MUCHO calor y en la noche, frío.
  • Prepárate mentalmente antes de ir porque es una semana intensa, pero vale la pena la experiencia.

Acá les dejamos un video para que se den una idea de qué trata esto:

En fin… está claro que dicho festín no es para cualquiera, pero si eres de los que les gusta vivir experiencias inusuales e intensas, échale un ojo a la página oficial de Buning Man aquí. La edición 2016 se llevará a cabo del próximo 28 de agosto al 5 de septiembre.

#NuevosRuidos: Acid Waves, chill vibes desde Mérida (entrevista)

Acid Waves es un dúo yucateco formado por Orlando (sintetizadores, guitarra, voz) y Alfredo bajo eléctrico y sintétizador) quienes se unieron por amor a la síntesis.

Actualmente están dando un tour por varios estados del centro de la república, promocionando Acapulco Love su primer material, un EP que se destaca por la calidad en la síntesis, las líneas de bajo concretas, las armonías bien definidas y las buenas canciones como: “Savages”, “Oxigen” y su más reciente corte “Indian Summer”.

Con un sonido fino y fresco, que por momentos evoca a bandas como: AIR o The Radio Dept., seguramente Acid Waves estarán dando mucho de qué hablar.

Platicamos con Orlando y Alfredo quienes están promocionando su música en la CDMX.

¿Como se conocieron?

A: Pues un día entré a una tienda de música en Mérida y escuché unos sintetizadores bien perros, era el Orlando dándole a un “Moog”. Nos hablamos y dimos un click bien sabroso, desde ese momento no dejamos de tirarnos mensajes y ahí empezó.

¿Como surgió su gusto por la música?

A: Pues, como mi papá siempre estuvo escuchando rock y sus derivados, luego andaban ahí en la casa todos los vinilos, y regresando de la escuela me la pasaba viendo y escuchando LP’s.

O: Cuando estaba en la prepa, se hacía una guerra de bandas. Yo escuchaba el típico “rock “. En ese entonces acababan de darme mi primera guitarra, y cuando salió el concurso, yo estaba bien sobres con armar una banda para competir. La armé con algunos amigos, el evento estaba muy chido, escenario grandote y todo eso, mis cuates gritando un buen, jaja. Ahí me di cuenta que estaba en mí mero mole.

¿Como surgió el nombre Acid Waves? ¿Por qué decidieron conservarlo?

O: El nombre lo dio un artista visual de acá, de Mérida, que se llama Juan Diego Chávez, él es cuate nuestro, vivimos súper cerca y nos llevamos súper suave. También hizo el arte para Acapulco Love.

¿Como fue el proceso de composición y producción de Acapulco Love?

A: Las canciones fueron hechas por Orlando, en un pequeño “home studio” compuso todo el material, se armó las maquetas y las produjo a su manera. Muy DIY.

¿De qué hablan las canciones? ¿Que les gusta transmitir?

O: Los temas son variados, pero la mayoría son vivencias o temas de auto reflexión. Queremos transmitir un sentimiento “chill”, pasarla bien y fresco, con mojitos en el balcón.

¿Cómo sostienen el presupuesto de la banda?

O: La banda no tiene presupuesto, jaja, de hecho este tour que estamos dando podría ser uno de esos “realitys” de supervivencia, jaja.

¿A qué se dedican cuando no están haciendo música?

O: Yo estudio mercadotecnia.

A: Yo estudio artes visuales y también hago bastidores y soportes de arte.

¿Qué planes tiene Acid Waves para el futuro?

El plan siempre será llevar nuestra música hasta donde se pueda, que la gente la conozca, pero así pronto, es hacer más fechas por la república para promocionar Acapulco Love, y en 2017 sacar un nuevo EP.

Si les gustó la onda de Acid Waves pueden escucharlos en su plataforma de streaming de confianza. O síganlos en redes sociales como @acidwaves.

#ArteQueSuena: Oasis plasma su historia en un documental

“Wonderwall”, “Don´t Look Back in Anger”, “Champagne Supernova” y más grandes clásicos  marcaron la escena del britpop en los noventa con una de las mejores bandas de la historia, Oasis.

Ahora, toda su trayectoria será plasmada en el documental Supersonic,  que será publicado el 12 de octubre en los cines de Irlanda y Reino Unido, mientras que  el 14 se espera un lanzamiento general y para el 31 del mismo mes llegará en formato DVD y Blu-Ray.

Si te gustó el documental de Amy Winehouse, Amy, éste seguro te va a encantar, pues el mismo equipo de producción que hizo aquel corte, ahora se encarga de la elaboración de este proyecto. En el guión tenemos a Asif Kapadia y en la dirección al cineasta británico Mat Whitecross, quien igual ha trabajado en varios videos de Coldplay.

Supersonic

En esta proyección conoceremos toda la historia de la banda de los hermanos Gallagher, desde sus inicios por allá de 1991,  de cómo Noel llegó a Oasis y de su importancia en el britpop junto a Blur. Por si fuera poco conoceremos el concierto histórico en Inglaterra que los llevó a romper récord de asistencia en Knebworth, y hasta cómo se desencadenó su separación a través de una pelea, al igual que el origen de los proyectos musicales de Liam y Noel.

Pero eso no es todo, este documental tendrá entrevistas del 2009 donde explican el por qué de la ruptura de Oasis y  veremos material visual inédito.

Por el momento, sólo nos queda esperar a que llegue octubre escuchando clásicos cómo este:

 

#NuevosRuidos: todos somos de fuera, entrevista con CAPO

Tuvimos una charla con Vicente Jáurregui, guitarrista de CAPO, un proyecto ecléctico que rockea en la Ciudad de México. Los siete años de -(no) mala suerte- de haberse conocido, han llevado lejos a “Tito”, Adrián y Vicente en el espectro de la música independiente.

En 2010 publicaron Un Corazón Se Quema y en 2013 lanzaron el EP Florecer. Ahora vuelven con su segundo LP de estudio, Navegantes, del cual ya conocemos “Gigantes” y “Laberinto“. Hablamos un poco de qué va esa nueva placa, qué opinan de la psicodelia, la unión de una banda y también sobre cómo hace falta que en México haya más proyectos audiovisuales que impulsen a la música independiente.

CAPO está conformado por Adrián Reyes en la batería, David Vargas “Tito” en la guitarra y voz, y Felipe Fidel (quien recientemente se une a ellos). “Tito” dio el primer paso para formar la banda, buscando a cada uno para materializar el proyecto. Adrián y Vicente tenían un proyecto alterno y un día, de la nada, “Tito” los visitó para hacerlos reclutas.

El nombre ya estaba definido desde que “Tito” los buscó. “Tiene que ver con que todos somos de fuera, de distintos partes de la República. Yo soy de Michoacán, “Tito” es de Tijuana y Adrián es de Veracruz, entonces hay una expresión que dice de a capo, que tiene que ver con ser de fuera”, recuerda Vicente.

Ustedes se conocieron en la Ciudad de México, dentro de esta fusión de lugares, ¿qué los llamó a crear este estilo ecléctico? ¿Les ha funcionado esta fórmula?

El folk y psicodélico se le ocurrió más a “Tito”, y sí nos ha funcionado.

¿Cuál es una banda que te guste mucho y una que digas no me pasa? Digo, siempre hemos tenido una banda muy amada y una muy odiada.

Yo personalmente amo a Radiohead y a Beach House. Y no sé si odiar a alguien, porque realmente no odio a nadie. Realmente no odio a ninguna banda. A lo mejor no me gusta tanto Panda, por ejemplo, es una banda que no me ha gustado nunca.

En ese sentido, ¿crees que todos tienen esas bandas como común denominador?

Todos tenemos gustos distintos.

Cuando ustedes crean música, ¿qué los une?

Nos une llevarnos súper bien, somos súper amigos. Tenemos siete años de conocernos.

¿Existe ese apoyo de hacer las cosas bien?, ¿alguien se ha descarrilado alguna vez?

Ha habido descarrilamientos, pero generalmente no pasa. Para solucionarlo nos tiramos la mejor buena onda que tenemos.

Digamos que no existieran las redes sociales para darte a conocer. ¿Cómo convences a una persona de que escuche a CAPO? Dinos tres cualidades de la banda.

CAPO es súper honesta.

CAPO tiene autenticidad.

En CAPO decimos las cosas de frente.

Escuché unas canciones de CAPO en inglés y unas en español. ¿Ustedes están a favor del spanglish?

Preferimos cantar más en español, es más nuestra onda. En inglés no nos late.

Ahora bien, ustedes tienen algunos rasgos de psicodelia. ¿Creen que nos regresa al pasado o que estamos dando un paso al futuro hacia nuevos sonidos?

Buena pregunta. La psicodelia es como una influencia, pero realmente no nos sentimos parte de eso, ¿sabes? Realmente somos parte de muchas cosas, la psicodelia sólo es una pequeña parte de eso.

Estamos en un revival de los sintetizadores de los ochenta. ¿CAPO ha pensado tomar parte de esa escuela o prefieren un estilo más analógico, electrónico?

CAPO tiene un chorro de sintetizadores. Siempre estamos interesados en esa parte de buscar nuevas cosas.

¿Cuál es el concepto que buscan transmitir en su nuevo material?

Navegantes saldrá en octubre, más o menos. Trae buenísimas canciones, es lo que nos interesa compartir.

Grabaron el video de “Déjame solo” con los chicos de Around the World in 80 Music Videos. Un visual a blanco y negro que tuvo como locación el callejón del aguacate en Coyoacán. ¿Cómo fue eso?

Fue una sorpresa, nos escogieron junto a Molotov, 60 Tigres y Los Románticos de Zacatecas. Nos encantó hacer ese súper video.

Sí, me pareció más ad hoc con su estilo. ¿Crees que en México hay malinchismo en la música? Muchas bandas se tiran hate. ¿Crees que hacen falta proyectos como éste que se interesen más por lo que hay aquí, lo independiente?

Prefiero no pensar en odio. Prefiero pensar en buena vibra y no clavarme en la parte negativa de nada. Pero sí, totalmente, creo que hace falta más gente que se dedique a darle apoyo al talento local. Hay veces en que hay más apoyo de bandas extranjeras (o gente) que de bandas mexicanas.

¿Qué viene para CAPO?

Se viene la Semana de las Juventudes el próximo viernes 19 de agosto en la Plaza de Santo Domingo a las 4 de la tarde. Los vemos a todos por allá.

Sigue a CAPO en sus redes: Facebook | Twitter

#Covers&Collabs: Bleached a Misfits – “Skulls”

Hace un par de meses se anunciaron como headliners del Riot Fest en Denver,  nada más y nada menos que los Misfits. Sí, la alineación original se reuniría otra vez después de 30 años de inactividad en un escenario. El vocalista Glenn Danzig, el guitarrista Doyle Wolfgang von Frankenstein y el bajista Jerry Only se están preparando para esa aparición histórica (de eso se ha tratado mucho este 2016).

A este épico retorno a los grandes escenarios había que hacerle algo de honor, ¿no? ¿Se imaginan un cover de Misfits hecho por una banda de poder femenino? Nosotros sí y Bleached también, ellas son una banda de garage punk muy abrasiva y está conformada por las hermanas Jennifer y Jessica Clavin y Micayla Grace.

Hace poco ( muy poco en realidad) Bleached interpretó un cover a “Skulls” en el programa A.V Club y no lo hacen nada mal, en serio. Estas mujeres tienen mucha adrenalina, al menos está comprobado con el slam interminable de más de hora y media que hubo en el show que dieron en junio en el Foro Indie Rocks. Para los que no fueron a ese concierto, no se preocupen que las tendremos de vuelta en noviembre para su participación en el Corona Capital,¿dónde más? 

Bleached es una banda de punk de tres integrantes, Misfits también, ¿coincidencia? Échenle un ojo y una oreja a la interpretación de “Skulls”.

¡Nadie llena ni prende El Plaza como Little Jesus!

Fotos por: @gissunshine

Desde su reapertura como sala de conciertos, El Plaza ha visto desfilar a un número increíble de bandas de todas latitudes, sin importar el género o la nacionalidad. Pero en verdad que pocos, muy muy pocos me atrevo a decir, logran soldoutear el lugar y generar una vibra tan mágica como lo hizo la banda independiente más icónica de nuestro país en recientes fechas, Little Jesus.

Hemos visto crecer a Little Jesus desde el día 1 y nos llena de orgullo ver cómo estos defeños en apenas unos tres/cuatro años, se han consolidado como una de las mejores propuestas que México tiene que ofrecer, no sólo para el país, sino para el mundo. El pasado viernes “La Magia” fue cosa de otro mundo, un Plaza a reventar, un escenario lleno de luces, mobiliaria, aliens, invitados de lujo, confeti, hubo de todo y Little Jesus demostró que sabe cómo dar una buena fiesta, con un show que dio más de lo que ellos quizá podían ofrecer, y de igual manera el público recibió más de lo que podrían esperar.

En este brutal show sucedieron tantas cosas, que hubo algunas  en particular que nos llamaron bastante la atención, por eso decidimos hacer un recuento de éstas aquí, pues quizá son cosas que poniendo un poquito más de atención, se hubiesen dado cuenta, o tal vez sí las vieron, ustedes dirán.

No sabemos qué pasó con su club de fans, “Los Cretinos”, pero hizo falta una mantita de ellos entre el público, ¿o no?

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Foto: Óscar Villanueva, cortesía de El Plaza.

Los personajes que estaban atrás del escenario eran ni más ni menos que Santiago Mijares de Big Big Love en las guitarras y sintetizadores, y Gilberto Hernández de Fuerzas Básicas (la productora de la mayoría de los videos de la banda) también estuvo presente dándole a la guitarra.

Al tener un sold out un día antes del show, la banda se puede dar ciertos lujos, como tener su propio mesero en el escenario para refrescar la garganta, en un show que duró poco más de hora y media.

La banda se cambió tres veces de vestimenta: aparecieron con sus ropas de su video “Mala Onda”, después con el conjunto blanco de “Mal” y finalizaron con las playeras de colores de la portada de su álbum Río Salvaje.

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El cover de Vaya Futuro a “Sur” sonó cabrón, además de que la fusionaron con “Congelar”, el último sencillo que lanzaron en conjunto con Converse Rubber Tracks. De hecho, nos los topamos en La Roma Records unas horas antes del show y estaban ahí como si nada fuera a suceder.

Rosca de Rey Pila estuvo casi el 90% del show arriba del escenario.

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Foto: @gissunshine

Pat Mijares, también de Big Big Love, se subió a tocar la batería en “Truco”, él originalmente toca el bajo en su banda.

El actor que sale en el video de “Norte”, se subió a bailar al escenario durante la interpretación de la canción, estuvo chido ver esos alocados pasos en vivo.

También hubo participación del alien y su pareja de baile en el video de “La Magia”, durante la canción.

Cuando tocaron “Azul”, literal el piso de El Plaza se movía.

Lalo, mánager de Little Jesus y una de las personas clave de esta banda, se estuvo paseando entre el público para captar la mejor foto desde esa vista.

El stage mánager del famoso venue El Imperial, El Dragón, conocido por su fama de carácter duro con las bandas que tocan en este concurrido lugar, estuvo de stage mánager en el escenario. Lo que nos deja en claro, que por más malencarado que se le encuentre, sabe hacer muuuy bien su chamba. Aparte, él y otro stage mánager que andaba por ahí, vestían una de nuestras playeras favoritas de la banda, que es una versión death metal de Little Jesus.

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No es por nada pero fue uno de los mejores shows en este recinto en lo que va del año, por lo que dudamos bastante que alguien lo supere pronto. ¡Larga vida a Little Jesus!

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#NuevosRuidos: Llénense de paz con el sonido de Sol Flamingo

Si un día no sabes qué música escuchar y tienes ganas de pasar un momento tranquilo y lleno de paz, busca a Sol Flamingo, seguro ellos lo complementarán.

Su historia comenzó en el 2014, cuando Alonso y Josué se conocieron en una tocada, poco tiempo después decidieron comenzar con este proyecto, del cual Jorge y Aarón también formarían parte. El nombre de la banda se lo debemos a su gusto por la estética de los flamingos,  entonces se dieron cuenta que al voltear ‘Los’ quedaría ‘Sol’ y fue así como se creó el nombre de Sol Flamingo. Algo que les gusta disfrutar de la vida, son los viajes a la naturaleza y a la playa,  a veces suelen ocuparlos como lugar de inspiración para crear futuros acordes en sus canciones.

Actualmente es muy difícil sostener a una banda independiente, pero la forma en la que ellos lo hacen es muy entretenida. Viajan a Tepotzotlán, y como Aarón canta muy parecido a Elvis Presley, se ponen a tocar covers en algunos restaurantes y eso les ayuda un poco a los gastos. A su vez, Josué tiene un estudio independiente y ahí graba a nuevos proyectos; entre todos suman sus esfuerzos para continuar con su sueño.

Aunque sus canciones son melosas y bohemias, no todas hablan de amor, por ejemplo en “Caravana” se inspiran sobre el evento social del 2012 ( La caravana por la paz). Por otro lado, cuando conocimos su EP Vientos Eléctricos, los escuchamos más rockeros, ya que fueron producidos por Gordon Raphael, quien igual ha trabajado con The Strokes y The Libertines. Aunque sí les gustaron las canciones de esa producción, ellos no quedaron del todo contentos con el resultado.

Ahora la banda se encuentra en promoción de “Pintura”, su nuevo sencillo, con el cual regresan con ese toque más acústico y bohemio, como a ellos les gusta y como ellos son.

Caminos en la carretera, naturaleza y playa son algunas cosas que piensa la agrupación cuando escuchan sus canciones; se relajan tanto y disfrutan hacer música.

En su nueva etapa, cada uno aporta su talento a la hora de escribir, componer, tocar, producir y grabar, y es por esa razón que el resultado suele gustarles mucho. Sinceridad y naturalidad es lo que encuentras al escuchar a Sol Flamingo, ya que son una banda de amigos que buscan hacerte pasar un buen rato. Paz y felicidad son los estados de ánimo a los cuales te transportan sus sonidos, siempre acompañados de ritmos acústicos y bohemios.

Gracias a las redes sociales, ellos se han dado a conocer, pues cuando comenzaron ningún medio les quería hacer entrevistas. Síguelos aquí: Facebook / Twitter.

Hablamos con Fernanda de Jean Loup sobre la primera temporada de #ROUNDS

A casi dos años del estreno de la primera temporada de los #ROUNDS de WMP, recordamos qué los hizo tan especiales.

 

#ROUNDS son sesiones de música en vivo sin cortes y sin segundas tomas, realizadas en los imponentes estudios  de Sony Music México en Naucalpan, EDOMEX, El audio es grabado en cinta electromagnética, es decir, de manera totalmente análoga, con la calidad y el equipo que sólo un estudio de ese tamaño puede brindar.

Desde el momento en que  se presiona el botón de “REC” hasta que la cinta llega a su fin, pasan aproximadamente dieciséis minutos, tiempo en el que tanto los músicos, como el crew de los #ROUNDS permanecen concentrados en su “magia”, generando una atmósfera indescriptible, que merece verse y escucharse una y otra vez.

La primera temporada de #ROUNDS tiene ocho episodios con las bandas Ventilader, La Banda Bastön, Jean Loup, Big Big Love, Mustang Stelar, Cineplexx, La Era Vulgar y Kashmir. Las sesiones fueron dirigidos por Juan Luis Covarruvias y Gonzalo Ferrari, quienes capturan con maestría la esencia de cada banda.

Platicamos con Fernanda Navarrete (baterista de Jean Loup) sobre su experiencia al participar en los #ROUNDS. Aquí algo de lo que nos comentó:

Fer

 

Fer: El concepto de #ROUNDS se me hace muy chido, porque estás con la adrenalina de que sólo tienes quince minutos para tocar. Nosotros sólo tocamos tres rolas… Big Big Love no alcanzaron a terminar, y así, creo que La Era Vulgar sí, ¿no?… Me parece que nosotros (Jean Loup) fuimos los que inauguramos las sesiones, fue la primera vez que grabamos en un estudio así, súper chido. Pues, de hecho, es el más chido en el que hemos grabado.

“Cuándo vi la sesión, dije, ¡órale! La calidad esta muy, ¡muy chida! Estaba muy emocionada. Todavía cuando la veo me emociono. Estuvo muy cool todo el proceso, desde cómo nos trataron, hasta la grabación. Fue toda una experiencia y pues ojalá se repitiera, jiji”.

No queda más que esperar para la segunda temporada. ¡Los #ROUNDS2 prometen ser aún más épicos!

#Cooltura: Must-to-have de Stranger Things

Los must para ser parte del cast de Stranger Things.

Lo sé, ya alucinamos todos los spoilers que nos llegamos a encontrar en cualquier lado de Stranger Things. También ya dominamos que tiene un increíble sountrack (de hecho, hoy se lanza digitalmente). No se diga de la actuación de Winona Ryder, creo que todos tenemos ese crush con ella actualmente, cuando ni siquiera dominamos bien alguna otra de las películas de la gran trayectoria de esta actriz estadounidense.

¿Pero qué hay de lo que identifica y hace tan icónica a esta serie situada en los ochenta?  Para los amantes del arte y de las ambientaciones de las películas o series ante todo, nos encanta el vestuario de los posibles personajes que asimilamos con alguien durante nuestra secundaria o primaria: geeks, nerds, “the cool kids”o  los “preppy”.  Y la pregunta a la que quiero llegar con toda esta introducción es… Si fueran parte de la serie ¿qué accesorio o prenda básica de los personajes usarían?  

Aquí les dejo unas opciones y dígannos ¿con que personaje se identifican más o cual hubieran sido durante su adolescencia?

Nancy Wheeler

Nancy

La prenda básica muy “preppy” o de niña bien de Nancy creo que puede llegar a ser los high-waist que utiliza en la mayoría de sus outfits con esos suéteres tan confortables.

Eleven

eleven

Un look tomboy pero muy tierno, podemos llegar a observar en Eleven cuando Mike le dona el vestido de Nancy y lo complementa con las calcetas a la rodilla.

Barbs

barbs

Barbs es mi personaje favorito. No sólo por lo buena amiga que es con Nancy Wheeler, a pesar de que le dio la espalda en algún momento. Sino por su estilo tan nerd o geek que le da una vibra súper hípster a casa conjunto en el que la vemos a lo largo de la serie. El uso de prints es básico para Barbs, sobre todo en las camisas que utiliza.

Steven

Steven

Steve tiene la actitud del crush que todas las niñas tuvimos en la secundaria. Ese chico tan cool que llega a ser un poco chico malo y rebelde. Aparte del peinado tan ochentero que podemos ver en este personaje, podemos copiarle el look con algunas calcetas que usa debajo de esos jeans también muy ochenteros.

Jonathan

Jonathan

No es el más estiloso, pero algo en él nos llama la atención desde el primer momento en el que sale a cuadro.

Dustin

Dustin

En el amigo más tierno de Will es un must verlo y acordarnos de él por la gorra tipo baseball que usa.

Will

will

Will y su amor por las playeras rayadas.

Mike

Mike

O pensemos en un Mike y las posibles loncheras que usaba cuando se iban a la escuela.

Lucas

Lucas

No dejemos olvidado a Lucas con sus playeras tipo baseball.

¿Para ustedes cuál prenda o accesorio sería básico si fueran parte del cast de Stranger Things?

Tras 8 años, Jack White lanza nuevo material de The White Stripes (y más)

Por @CrisWinters

En los últimos días, Jack White había estado haciendo ruido, no por el lanzamiento de un nuevo disco, sino por lograr su misión de reproducir el primer vinilo en el espacio… ¡en la historia!

Hasta ahora, su más reciente álbum era Dodge and Burn, placa de The Death Weather que vio la luz en 2015. El multi-instrumentista y ganador del Grammy ahora vuelve con 26 pistas acústicas que en conjunto fungen como un delicioso recorrido por su carrera.

El material, titulado Jack White Acoustic Recordings 1998-2016, ya está disponible para realizar pedidos física y digitalmente, y será lanzado el 9 de septiembre por Third Man Records/Columbia Records/Sony Music/XL Recordings, sí, por todos ellos, en todo el mundo.

La buena noticia para los fans es que los pedidos digitales que se hagan con anticipación recibirán instantáneamente la descarga de “City Lights” (primer track de esta colección) a partir del viernes 12 de agosto. Dicha rola es una canción inédita de The White Stripes, banda de culto que no nos cansamos de extrañar y que no publicaba una canción comercialmente desde el 2008. Jack White Acoustic Recordings 1998-2016 está ordenado en orden cronológico y cuenta con versiones alternativas, mezclas y grabaciones inéditas de The White Stripes, The Racounters y de su etapa solista, todas completamente remasterizadas.

Los amantes de los Stripes se deleitarán con versiones acústicas de “Sugar Never Tasted So Good”, “Apple Blossom”, “I´m Bound To Pack It Up”, “Hotel Yorba”, “We´re Going To Be Friends”, “You´ve Got Her In Your Pocket, “Well, It´s True That We Love One Another”, y más. Mientras quienes prefieren a White como solista, apreciarán las nuevas versiones de temas como “Love Interruption” y “Blunderbuss” o las mezclas alternativas que reinterpretan rolas como “I Guess I Should go To Sleep” y “Machine Gun Silhouette”.

El doble LP (o cd doble, según el formate de su preferencia) también guardó un espacio para temas de The Racounters como “Carolina Drama”, que White escribió junto con Brendan Benson. Cabe recalcar que las 26 pistas que aparecen en el álbum fueron remasterizadas a principios de este año por Andrew Mendelson, nominado al Grammy quien ha colaborado con The Rolling StonesKings of Leon y Elton John, por mencionar algunos.

Si quieren escuchar “City Lights”, denle clic aquí:

#ArteQueSuena: miradas que reflejan serenidad con Massive Attack

Esta semana el trip- hop de Massive Attack nos sorprendió con un creativo material visual para el sencillo de “The Spoils“, con voces de Hope Sandoval, donde pudimos admirar la belleza de Cate Blanchett en cada una de las tomas realizadas por Jhon Hillcoat.

Desde los primeros segundos del corte, podemos sentir la respiración de la actriz por las tomas tan detalladas que tiene, con el juego de luces guiado por los ritmos de la canción, vamos admirando los ojos brillantes y  el radiante rostro de Cate. 

Massive Attack

La oscuridad que contextualiza  este clip, va muy con el sentido de la canción, le favorece y hace que se disfrute más, pues Jhon Hillcoat a través de las tomas nos lleva a sentir lo que la banda nos transmite en su música: una gran tranquilidad.

Dicho director de cine igual a trabajado con Depeche Mode, Manic Street Preachers y Bob Dylan. Disfruten los suaves sonidos que va creando Massiv Attack junto con Jhon Hillcoat en su nuevo video.

Sigue al dúo ingles en sus redes: Facebook / Twitter

 

Diviértete con el juego de The Smiths y PETA

Salvemos animalitos de una forma más dinámica, ¿Te atreves? y al mismo tiempo viajemos a 1985 para escuchar  “Meat Is Murder” de The Smiths.

Así es, se trata del nuevo videojuego lanzado por PETA y The Smiths,  llamado This Beautiful Creature Must Die,  que consta de cuatro cuadros en los cuales van saliendo animales y tu trabajo como jugador es no dejar que sean atacados por algunas bombas.

Toda la acción de este nuevo juego es acompañada por la interpretación en 8-bits del track de la banda originaria de Manchester como soundtrack.

No dejes que las vaquitas, los cerditos, los guajolotitos, y y los pollitos mueran por las bombas. ¡Ayúdalos!

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Sí quieres jugar con un increíble soundtrak da clik aquí.

Belle and Sebastian nos sorprende con un video muy atlético

Los Juegos Olímpicos en Río han desatado gran expectativa estos días, sobretodo para los televidentes, así que Belle and Sebastian no quiso dejar la oprtunidad y lanzó una canción ad hoc al furor de los deportes que se vive hoy en día.

Nombraron a este track como “Olympic Village, 6am” y ahora nos entregan un video que contiene archivos fotográficos de momentos cumbre durante algunas ediciones pasadas de las Olimpiadas, todo captado por el lente de la BBC y algunas capturas que hizo el propio Stuart Murdoch, líder de la banda.

El video narra de una forma simultánea y en compás de la música; muestra el desafiante reto de levantarse temprano; participar en una carrera (sudándolo todo); el sentimiento de gloria al llegar a la meta y los increíbles movimientos en cámara lenta que tanto nos gustan.

Dense “Olympic Village, 6am”, remóntense a otras épocas y salgan a correr, ¿no?

#Covers&Collabs: Jake Bugg a Haim – “If I Could Change Your Mind”

¿Qué puede hacer un chico con una guitarra? Esa pregunta se la ha hecho Jake Bugg durante los recientes años en que salió del anonimato en Nottingham, Inglaterra. Ha co-escrito canciones para sus ya tres álbumes de estudio: Jake Bugg (2012), Shangri La (2013) y On My One (2016). Todo esto a sus 22 años de edad. Pero también ha sacado covers interesantes de Oasis y Johhny Cash, no cualquiera toma ese reto, ¿o sí?

Ahora, el morro inglés nos tomó de sorpresa en Like A Version, una sección de la estación de radio australiana Triple J, al tomar su guitarra para interpretar “If I Could Change Your Mind”, canción original de las féminas Haim. Ubicamos este track en nuestro radar, gracias a que forma parte del álbum debut de las californianas, Days Are Gone, publicado hace un par de años. ¿El resultado? Una exquisita pieza con sonido fiel e interpretada, como siempre, con mucho feeling por parte de Jake Bugg.

Este folkrockero estará de gira para llevar a 0n My One a todo el globo. También, por cuarta vez consecutiva, podremos escuchar en México a este chico leyenda en su presentación en el Plaza Condesa, este 3 de octubre.

Escuchen la gran interpretación de Jake y cuéntenos, ¿les gusta más esta versión?