All posts by Kevin Frippson

Músico frustrado; como consecuencia escribe de música, hace podcasts, maneja bandas y crea festivales. Se mete al slam y ama la pizza.

La noche en que Godspeed You! Black Emperor nos hizo creer en Dios

Hacía ya más de 20 años que Efrim Menuck y compañía iniciaron una de las bandas más controversiales y oscuras que Canadá ha podido darle al mundo. Godspeed You! Black Emperor es descrito por la prensa como un colectivo poco social, atípico, con inclinaciones anarquistas y apolítico, un proyecto peleado con los cánones que establece la industria musical como hoy en día la concebimos. Pero sobre todo, que se ha mantenido firme a sus ideales desde su comienzo hasta ahora.

Este año será recordado en México con quizá el primero en que el post-rock hizo una monumental aparición en el país donde, además de tener por primera vez a distintas bandas del género que nunca habían tocado antes o algunas regresaron después de años de haberse presentado, pero lo más increíble (personalmente hablando), Godspeed You! Black Emperor, pilares del género y que lo trascienden al fin visitaron nuestras tierras.

Sus presentaciones estuvieron a punto de ser canceladas por los sucesos que azotaron al país durante el 19s, sin embargo los promotores tanto de Guadalajara y CDMX no quitaron el dedo del renglón y reagendaron sus conciertos en ambas ciudades para la mitad de diciembre.

Fue así como el pasado 13 y 14 de diciembre dieron conciertos que no podemos describir de otra manera que ¡épicos! En el Sala Corona y el C3 Stage, el primero como apertura de las actividades que el Festival Aural presentaría durante ese fin de semana y el segundo un show memorable y acogedor junto a los mexicanos Vyctoria, a quienes el mismísimo Efrim les produjo este año su álbum Ahora veo más claro.

A partir de aquí, debo aclarar, que empieza la reseña del concierto de un muy grande fan de la banda, así que la mayoría sino es que todas las opiniones son completamente personales y con una amor ciego a la banda, dispense usté.

Carlos Marks y Tajak, ambas bandas mexicanas, hicieron bien su chamba para calentar motores la primera noche y darle paso a los canadienses a deleitarnos con tracks de su nuevo álbum Luciferian Towers y un par más de tracks aislados. Por un lado es de celebrar ver que bandas que en algún momento tuviste en tus festivales, le abran a bandas que admiras sobremanera. Hablo precisamente de Tajak, quienes estuvieron en el Friendstival del 2016 y aunque no tuve oportunidad de verlos en este show, los comentarios que se escuchaban entre bandas eran bastante buenos.

La magia de GY!BE comienza desde los primeros sampleos y ruido blanco que suenan antes de que todos suban al escenario, casi cinco minutos o más de sonidos en lo que Sophie Trudeau toma su violín y empieza a agregar más capas. Pronto los demás miembros van tomando su instrumento; es impresionante cómo le van dando forma a sus melodías uno a uno, cómo el bajo, las guitarras, percusiones, violín y batería se van uniendo en una pangea sonora.

Algo que esperas como buen fan, es que toquen alguno de los tracks que más te hacen vibrar, personalmente tenía una tonta expectativa de escuchar algo del Yanqui U.X.O, mi álbum favorito, o “Sleep” o ya mínimo “Storm” del Lift Your Skinny Fists… “East Hastings” era evidentemente la más esperada por todos… tampoco pasó. Pero bueno, no corrimos con tanta suerte, y era de esperarse, ya que los shows que han estado dando durante el año siguen una línea y están estructurados para tocar el nuevo álbum de principio a fin con un par de tracks extras, lo cual se disfrutó bastante y en realidad pudimos prescindir de cualquier “hit”, pues GY!BE no es una banda de hits ni una banda complaciente, es lo que hay y como quiera lo vas a disfrutar.

Dicho esto, lo que presenciamos en ambos shows fue una experiencia religiosa, si pudiese decir que en algún momento estuve tan cerca de dios fue durante la hora y treinta minutos de concierto que nos brindaron estos canadienses. Era como una experiencia religiosa, o un ritual, satánico o religioso, da igual. La forma en que la que están acomodados en el escenario es un círculo, la mayoría sentados y algunos de pie, como si de una secta se tratase y estuviesen llevando a cabo algún rito.

El público sabe qué onda, mantenerse callado es la primicia, y si alguien habla o grita, nomás hazle “shhhh”, que deje disfrutar y agarran el pedo. Algunos no podían contener la excitación y dejaban que las lágrimas recorrieran su rostro, otros se aferraban a su pareja, mientras algunos más levantaban sus puños o manos cual encuentro espiritual. Yo sólo ponía un poco de atención a la ejecución de cada miembro al principio de cada track, veía como la palabra “HOPE” se proyectaba y cerraba mis ojos para que mi cuerpo se dejara llevar por la música a lo largo y ancho de cada canción. Me mecía al ritmo de la batería, a veces de la guitarra, mi cuerpo ya no era mío, le pertenecía a los ocho cabrones que estaban en frente y que lo movían a placer a través de sus instrumentos. No había necesidad de abrir los ojos, sabías que estaban ahí, como un ente, la música traspasaba la barrera sonora y se convertía en algo sensorial, que escuchabas en tus oídos, pero sentías en la piel, retumbaba en tu pecho y te revolvía el estómago.

Los tracks de GY!BE son esencialmente largos, con una estructura bien trabajada, que va en crescendo, desde pequeños sonidos de violín y/o guitarra hasta un estruendoso orquestal donde todos y cada uno de los instrumentos suenan al mismo tiempo, tocando las mismas notas, pero lo más interesante está, en que, por más fuerte, por más estruendoso, puedes apreciar todos y cada uno de los detalles de cada ejecución, aplausos para el ingeniero de sonido.

El segundo día tuve más oportunidad de abrir los ojos y apreciar el discurso político que la banda representa en sus proyecciones en imágenes de guerra, encuentros violentos en la calle, mitines, marchas y una fascinación por los trenes. Todo esto proyectado en dos pantallas y jugando con colores en vivo que le daban una tonalidad al escenario ad hoc para lo que estaba sonando. En algún momento nos sentimos en 28 days later cuando el escenario se tiñó de rojo y la música sonaba tan fuerte que los tapones para los oídos ya no sirvieron de nada.

La oscuridad y misticismo de la banda es igual de sublime, ni una sola maldita palabra, cero, ellos suben y a lo que van: a tocar. No hay necesidad de interactuar, el público sabe a lo que viene y tampoco está a expensas de recibir ni un “gracias”. Por el contrario cada que terminaban un movimiento los elogios no se dejaban esperar, “son unos putos genios”, gritos de júbilo y aplausos acelerados era lo que la banda recibía con exaltación, ellos por su parte a lo mucho asentían con la cabeza.

La ejecución: impecable. Un amigo que tiene una increíble banda llamada The Polar Dream, me decía al final del concierto: “te juro que yo no puedo hacer sonar una guitarra de esa manera, todo suena tan fino, hasta te hace sentir como calientito”. Y es que cada miembro es uno con su instrumento, se dejan llevar, cierran los ojos, se entregan tanto a él como pocos músicos lo hacen y el resultado es un deleite para el oído. El tocar Luciferian Towers de principio a fin también fue un gran acierto, ya a medio concierto sentíamos el cerebro un tanto revuelto, nuestro cuerpo apenas y se mantenía en pie y todavía faltaba lo mejor.

El final no pudo ser mejor, tenemos dos canciones de su primer EP Slow Riot for New Zero Kanada, “Moya” y “BBF3”. Al final de “BBF3”, el estruendo en nuestros oídos nos ponía la piel chinita, éramos uno con Godspeed y su música, ellos nos guíaban por el mar rojo y nosotros como buenos fieles nos dejábamos ir como gorda en tobogán. No había nada que nos impidiera comunicarnos, el lenguaje musical en su máxima expresión, el llanto no cesaba, los rostros fascinados e incrédulos de lo que nuestros ojos y oídos después de tantos años al fin estaban presenciando. Los gritos de júbilo se mezclaban con los sonidos agudos que salían del violín y las guitarras, la batería y el bajo eran una marcha de 100,000 personas peleando por sus derechos en cada país del mundo, era una bomba atómica cayendo en Hiroshima, La planta nuclear de Chernobyl explotando, las Torres Gemelas desplomándose durante el 9/11, eran la guerra fría, los errores humanos representados en sonidos, sin palabras, era tu corazón queriéndose salir del pecho, era tu cabeza explotando, tu conciencia diciéndote que sí existe un ser supremo , que creas, Godspeed You! Black Emperor está ahí y es real.

En el segundo show, en Guadalajara, viví esto pero bajo la influencia del LSD, nomás dense una idea.

Mejores memes en 2017

Meméxico.- Llega el fin de año y con el nuestra necesidad de hacer un conteo de lo mejor que vimos, escuchamos o sentimos durante la jornada anual. Entre ellas y personalmente la favorita es recordar todos esos memazos (ya sea estáticos, gifs y/o videos) que nos hicieron tirar carcajadas brutales a diestra y siniestra, incluso en los momentos menos apropiados.

Sin fijarnos mucho en cuál fue el mejor (eso lo dejaremos a su criterio a través de una votación), aquí les dejamos una serie de imágenes y videos que seguro disfrutaron igual que nosotros.

Joya regiomontana, el crossover con Amar te duele no tiene precedentes.

King Gizzard & The Lizard Wizard ha tenido un año increíble a nivel lanzamientos, mientras Tame Impala sólo lanzó un box set con rarezas de su Currents. Aquí la mejor versión ilustrada. (Ambas bandas nos gustan, no se agüiten.)

 “Yo mero, tu carita toda preciosa”, este memazo terminó en algo inesperado.

Los memes de perritos nunca han faltado en nuestras vidas, pero hubo uno en particular que nos hizo sacar muchas sonrisas de esperanza.

Tenemos un meme de Peña Nieto, no menos, como cinco. 😉

¡¡¡Ahhhhh, me está picando, banda!!!

Aunque el video de Lady Coral Blanco fue publicado a finales de 2016, su mame se dio a lo largo de los primeros meses del año que está por finalizar.

Las investigaciones para encontrar a la persona detrás siguen activas.

Este mexicano promedio es un poeta callejero.

El juego de la manita fue todo un suceso. Lo viste, we. 😛

El año pasado fue un pato con sandalias, este año llegó el gallo con tenis, ¿qué sigue un avestruz con botas?

Acariciar perritos nunca fue tan cagado y divertido. 

Bitácora de un finde en Buenos aires

Texto y fotos por: @Abby Taco

Choripan, empanadas, pizzas, carne, vino, chela y mucha música de jalón.

10:00 p.m. es la hora de salida para ir a disfrutar la noche en Buenos Aires, no es casualidad el apodo Ciudad de la Furia, lo tiene bien acertado. Librerías, transporte público y teatros 24/7, eso me fascinó.

Mi compa el Tonni me pasó la bitácora del tour que debía realizar:

Primero Amor Elefante en Chacarita, este grupo que por cierto tiene poco que acaba de sacar su álbum Oriente el cual puedes encontrar toditito en Youtube subido por ellos; es una banda de pop mágico amoroso, con solitos de guitarra y coritos de toda la banda bien lindos. Su ejecución y sus letras hicieron mi noche bonita.

Amor Elefante
Bautista Viajando

El lugar era acogedor en donde toda la gente estaba sentada en el suelo y ya hasta la última rola se levantaron todos y podías ver a las parejitas como si estuvieran bailando un vals. Lo chido de estas morras es la interacción que tienen con el público, se vuelven íntimos amigos de una noche, te cuentan sus anécdotas de cómo surgieron las rolas y como les fue en la semana.

Después fuimos a un evento llamado “Dark Side of the Party” en Palermo. Música y expo de fotos en un mismo lugar, llegamos cuando estaba tocando Bautista Viajando unos chicos bien tranquis. Fue una transición bien acomodada, ya estaban en su penúltima rola y lo poco que escuché estuvo agradable. Le siguió Super 1 Mundial, tres vatos con guitarra, batería y synthes muy krautrock, psicodélico, experimental con mucho reverb.

Super 1 Mundial

Cerraba los ojos y sentía que estaba en una película de ciencia ficción de los 80, sus letras describen muy bien las escenas ya que hablaban de rayos y naves. Estuvo chido ese trip porque aparte si entre abrías los ojos veías las luces en chinga y decías ¡a huevo!

Se terminó y empezó Ragazzas al parecer eran bien conocidos porque toda la banda se prendió, sonaban demasiado “bien” entonces como que no me gustaron tanto, así que aproveché para ir a darme el rol en la expo y a cargar baterías.

Pyramides

Se escuchó cuando terminaron de tocar, porque todo el ambiente cambió machín. Se habían subido al escenario Pyramides, post punk, coldwave del bueno, del chido, del acá. Sus letras cortas y repetitivas como haikus hicieron darme cuenta de lo bonito que es el español, tan directo y con poco dices mucho. La voz del wey gruesa que hacía contraste con su carita de bebé, me declaré fan.

Para seguir con el flow estruendoso: Temporada de Tormentas, ellos llegaron a reventarla, pocas letras mucho ruido.

Temporada de Tormentas

Nos fuimos a La Plata a una hora y media de Buenos Aires  directo a un bar donde antes de entrar ya se escuchaba “Mi Amigo Invencible” y ahí todo cuajó, combo breaker, genialismo, ni siquiera saqué la cámara. Estaba deleitándome sintiéndome plácida, a gusto, entera. A lo que voy es que en ese momento recorres lo que ha sucedido en una noche y estás agradecido.

Salimos caminando del bar a las 4:30 a.m. está cagado ese lugar, pues después del rock se vuelve un bar reggaetonero. Recorrimos La Plata y sus plazas hasta llegar a la terminal de autobuses. Ya cansados y satisfechos de una noche genial, mi amigo me contaba que así eran todos los días allá. Ya quiero volver y sé que para eso falta mucho.

Lo bueno es que un cachito de Buenos Aires viene a México con Tobogán Andaluz, quienes junto a Bragas Films (productora audiovisual recién nacida), nos hemos animado a organizar un concierto para el 12 de diciembre en la ciudad de Guadalajara.

Así mismo los podrán seguir a lo largo de México en Monterrey (13), CDMX (14) y en Toluca el 15. Ellos traen todo aquello de lo que se habló en la bitácora, esa esencia del sur: nostalgia, ruido y sinceridad.  Están todos invitados a poderla sentir y conocerlos son bien chidos.

 

Galería:

#NuevosRuidos: Maw, los gatos ruidosos de Chihuahua regresan

Cuando ya habíamos casi dado por hecho que dejaron de existir, nos topamos con que Maw, cuarteto ruidoso proveniente de la misma ciudad que los Apolo (sí, Chihuahua), está lanzando un nuevo material después de su bien logrado EP, que justo salió hace ya tres años en estas mismas fechas.

Por ahí de 2014 fue que esta banda comenzó a hacer bastante ruido (literal) con el lanzamiento bastante honesto de su EP, el cual sólo consta de apenas una tercia de tracks, pero que con empeño y un muy buen recibimiento por parte de algunos clavados y medios lograron expandir sus horizontes y, sobre todo, hacernos voltear a la ciudad que en ese entonces tenía una efervescente escena con bandas como Sr AmableET y Coma Pony.

Para irónicamente celebrar que aún no están muertos, MAW nos presenta su primer LP compuesto de ocho tracks que van del garage al shoegaze con altibajos y crescendos, que te mantienen despierto y eufórico hasta el final.

La travesía comienza con “Gallina”, siete minutos donde nos dicen “Ey, aquí estamos, no hemos muerto, siéntate un rato y escucha”. Guitarras exquisitas con una buena reverberación van enramándose con baterías lentas y precisas, mientras la voz te va guiando por este melódico inicio “Tengo el alma llena de ballenas y gallinas”.

De ahí le sigue “Luces”, otro track extenso y contemplativo. Estos muchachos no escatiman en tiempos, así pueden tener un track conciso de tres minutos como “Sinestesia”, a cada uno le dan su espacio ya sea para el debraye o la experimentación, Nos encontramos con crescendos, voces y compases que van mutando conforme avanzan los minutos; sonidos que crecen naturalmente entre acordes, delays y platillazos, hasta transformarse en un monstruo del ruido del que, aunque quieras, no podrás escapar.

Como ya mencionaba anteriormente, hay otros tracks más concisos como “Sinestesia” y “Víctima de las Sombras”, los cuales nos mantienen despiertos con coros y ritmos más neutrales, canciones que no deberían faltar en sus playlists de shoegaze mexa.

La fórmula no falla, y siempre es bueno toparte con discos que se haya planeado o no, te van guiando con la posición en que se acomodaron los tracks, en este caso, justo antes de llegar al climax nos encontramos con un declive en “Zafiro”, un beat un poco más lento y más relajado que nos da un respiro para recibir con fuerza el final.

Llegamos a “Ave María”, punto climático del disco donde el bajo nos abre las puertas a una voz sombría con líricas agresivas: “Dices que vienes de lo alto, que no sabes a dónde ir y que no tienes nada bajo control porque no paras de sufrir”. Sólo para seguir con quizá un homenaje a Cobain en su rola “Kurt”, que a momentos nos recuerda a esas guitarras grunge de Nirvana “¿Sí estás aquí o es un eco que resuena en mi memoria para siempre?”.

Todo muere y Maw están conscientes de ellos, pues se despiden con “Nos vamos a morir”, quizá un presentimiento, una corazonada metafórica del futuro de la banda, por ahora no sabemos qué les depara el destino, si saldrán a tocar este disco en vivo a algunas partes del país o se quedará en las plataformas digitales. Pero de lo que sí estamos seguros es que deberían darle play disfrutarlo, mientras puedan.

Fe de erratas: el autor del texto recibió el material por separado y el orden de las canciones cambiaron en el álbum ya publicado. Sin embargo, el ejercicio puede servir para darle un par de escuchadas con el acomodo anterior. 😉

6 cosas que quizá no habías notado en “TQM”, el nuevo video de Little Jesus

Recién, la consagrada Little Jesus lanzó uno de nuestros videos favoritos en lo que va del año. Nos clavamos tanto con este audiovisual que encontramos varias curiosidades y nos gustaría compartirlas con ustedes. ¡Dense!

1. El presentador
Una fácil, el actor Manuel Bueno, quien además de ser carnal de sangre de Fernando Bueno (guitarra en LJ), nos sacó varias sonrisas con su participación en “Norte”. En esta ocasión caracteriza a un personaje ficticio llamado Pierre Olivier, quien conduce un programa (también ficticio) titulado Quelle Soirée ! Que significa: ¡Qué noche!

2. El “Dragón”
Si alguna vez han tocado o estado involucrado en algún show en El Imperial, este mítico bar/venue de la Roma, se podrán haber topado con este peculiar stage manager, bien conocido por tener un carácter bastante pesado. Lo que no quita que sea uno de los mejores que hay en México, ¿no me creen? Pregúntenle a los LJ, pues también estuvo de stage manager en su concierto en El Plaza en agosto del año pasado en la presentación de su disco Río Salvaje. En el video aparece casi al inicio en un cameo donde le entrega su guitarra a Santi.

Dato curioso, el Dragón ya no trabaja más en El Imperial. #Quésad.

3. One Take
Si pudieron observar con atención, el video (a excepción de cuando todo se oscurece, lo cual no está muy claro, porque quizá la cámara sólo se aleja) está filmado a una sola toma, como lo hizo recientemente Iñárritu en su film Birdman. Quizá, al igual que en Birdman, se usaron algunos trucos para hacer que esto pareciera así, pero está interesante ver el resultado.

4. La Alien de “La Magia”
Gran detalle el cameo de la chica que se transforma en alien en el video de “La Magia” tocando una guitarra bastante espacial.

5. Orquesta de guitarras
Una de nuestras partes favoritas es cuando aparecen un buen de guitarristas tocando en una grada al fondo. Pero ¿quiénes son estos personajes? Traté de investigarlos a todos, ahí les van la mayoría, avisen cuál se me escapó:

Fernando Heftye – Fishlights
Se presentó en el Friendstival de este año.

Andru Martínez – Holbox
Hace poco lanzó con su banda su disco Altamar. También toca la guitarra con los Vaya Futuro.

Daniel Patlán – Fotógrafo
Uno de los cracks de la foto en México, quien también tiene su productora RaRaRa Films. Dato curioso, la cámara con la que saca una foto en el video es una Canon Autoboy Luna de 35mm.

Daniel Patlán @Noisey

Julio Muñóz – RaRaRa Films
También perteneciente a esta otra productora de videos. Julio en su momento participó como guitarrista en Hello Seahorse! y después en No Somos Marineros.

Alanity – ex Vicente Gayo
El antiguo vocal y guitarrista de la extinta banda Vicente Gayo.

Gerber – Románticos de Zacatecas

Wachadafunk – No canta mal las rancheras
Este personaje de la escena ha trabajado como redactor, mánager, y otras vainas de la música independiente. Acá véanlo en el video que le dedicó LNG/SHT:

Daniela Spalla – Ella, pus quién más

Armando Aguilar – Vaya Futuro
El en sí es tecladista de los Vaya, pero también toca la lira y canta en un proyecto que no ha tenido mucha continuidad llamado SWIM. Es zurdo, pero como no encontraron una guitarra zurda, “tocó” con una Stratocaster al revés, gg.

Manuel Bueno – sí, el mismo presentador del video
Él es uno de los únicos dos en el elenco que usan un bajo y no guitarra. Además es el único que caracteriza dos personajes en el video.

Alejandro Archundia – Los Blenders
También ya había participado en el video de “La Magia”.

Alonso Esquinca – Nelson Y Los Filisteos

Mario Bringas – The Plastics Revolution

Daniel Ávila – Frege

Ruy – ex Contra

Set Judi – Pezsol

6. Las playeras de la orquesta de guitarras
Todas las playeras que traían los miembros de la orquesta tienen al frente a la altura del pecho las letras ‘TQM’. Esta playera fue diseñada en colaboración con el artista visual Hola Nico González y así se ve al reverso:

¿Se nos escapó algo?

#NuevosRuidos: Expedición Humboldt está de regreso

Ahhh, la bella Morelia, pequeña ciudad colonial con su arquitectura afrancesada y sus encantos gastronómicos pa’chuparte los dedos. Además de placeres visuales y alimenticios, la antigua Valladolid también es rica en propuestas musicales, entre ellas destacan una camada de músicos muy aferrados a sus raíces compensando el folclor con toques más poperos, psicodélicos y de folk.

Hablamos de Sin Futuro Records (léanse acá una charla con su fundador), quienes albergan a bandas y solistas como Axel Catalán, Negro, Fracaso Hippie y finalmente Expedición Humboldt, quienes acaban de dar un pequeño adelanto de lo que vendrá en su nuevo material, el cual presumen estará listo antes de que termine el 2017.

Recordamos a este proyecto por su participación en el Festival Marvin de 2016 o su épico show en el Lunario como parte de las actividades de la revista Tierra Adentro con sus Mapas Sonoros del mismo año.

“Las brasas siguen vivas en la sangre que evoca este canto. «Todos Regresaremos» una canción que retoma nuestras raíces y las fusiona con el sonido de la expedición”. Así los morelianos le dan la bienvenida a este nuevo track, en el cual no podemos evitar encontrar algunas referencias a los primeros pasos de Café Tacvba, lo cual no precisamente está mal, ya que pocas bandas que realmente valgan la pena han retomado este tipo de sonidos y los fusionan con las facilidades que la amplificación y digitalización hoy en día nos permiten.

Tuba, saxores, tambora, coros y líricas pegajosas acompañados del combo bajo, batería, guitarra y uno que otro sinthe es lo que encontramos en esta odisea de cuatro minutos, en la que visitamos las raíces de una cultura que cada vez se pierde en la modernidad de nuestra vida capitalista, pero que personas o músicos como Expedición Humboldt intentan rescatar en sus creaciones. Si alguna vez desaparecen por completo, quizá podremos usarlas como pequeñas cápsulas del tiempo.

Estén al pendiente a las redes de la Expedición para la salida de este nuevo material y dense de una el track en Spotify:

Hispatricians, memes con sabor a snob

Los memes se han convertido hoy en día en una extensión de nuestro lenguaje, un archivo gráfico que va de la imagen al video, donde a manera de sátira una frase o expresión de alguna persona o personaje con un significado en particular se replica en mil y un versiones, hasta incluso perder totalmente el contexto por el que fue creado.

Internet se ha apoderado de los memes, o mejor dicho: Internet dio vida a los memes. Sea cual fuese el ámbito en el que te encuentres, siempre habrá algún meme con el que te identifiques a ti o a los de tu circulito. Ya incluso los de Consequence Of Sound han adaptado el meme al contenido de sus notas, lo que les ha dado una exposición mayor a la que ya de por sí tenían.

Por otro lado, el snobismo es otra situación que se da en la chaviza que cree que por leer Wikipedia ya son los amos del saber y el conocimiento absoluto.

Pero para esto también están los que aprovechan el mame de los snobs y los llevan a lugares bastante cómicos y divertidos. Es aquí donde llegamos a Hispatricians, página de memes que se dedica a recopilar comentarios de expertos en teoría e historia musical en todas sus ramas y exponerlos a manera de memes en su página de Facebook.

Ya sea que te creas experto del shoegaze, tus papás te hayan instruido en las piezas de Mozart, profeses la palabra de King Crimson, defiendas los derechos de ser fan de Radiohead, creas fielmente que el indie es un género o defiendas a capa y espada a Coldplay como la banda más grande del mundo, ningún snob queda fuera del radar de los Hispatricians.

En una entrevista anónima que les armé me dijeron respecto a su necesidad de crear esta página:

“Pues llevábamos mucho tiempo en grupos de discusión musical y la neta en esos te topas a mucho pseudointelectual. La idea era burlarnos de su complejo de superioridad mostrando lo pendejos que se veían los comentarios que hacían, y también para subir cosas que nos parecieran graciosas. Estuvimos subiendo los memes de comentarios un buen rato, hasta que nos animamos a hacer otro tipo de memes. Ahora subimos un poco de todo, también la idea ya no es necesariamente la misma del inicio, aunque los memes musicales y el sentido de autocrítica (y a veces namás tirar un poco de kk) se mantiene”.

Acá se pueden dar una selección de nuestros favoritos:

 

 

Cómo In Rainbows le partió su madre a EMI

Y cambió las reglas del juego en la industria musical.

Hablar de la pauta que marcó el In Rainbows en la industria musical es un tema complejo que podría llevarnos unas varias cuartillas o un debate con varias chelas o tazas de café. Sin embargo, es importante recalcar, a diez años de su lanzamiento, por qué Radiohead le dio la vuelta a una industria que creyó tener bien cimentado su modelo de negocio (y trataré de ser lo más breve y conciso).

Hoy en día la industria musical se encuentra en un punto bastante raro, por no decir sin pies ni cabeza, específicamente hablando del consumo de la música física y digital. Uno que está más clavado en el music business a pequeña y gran escala entiende un poco mejor esta situación y cuando puede, incluso en versión digital, se compra un álbum que en verdad vale la pena. Sin embargo, hay quienes prefieren pagar sus 99 pesos por mes en Spotify (o su plataforma de streaming de confianza), otros puristas se arman sus versiones en vinil aunque ni siquiera alcancen a escuchar esas frecuencias que te da el formato; hay quienes prefieren a que Tenemos un papá pirata los suba a su grupo en Facebook, en fin las opciones sobran.

Así mismo, las opciones sobran cuando una banda decide lanzar un nuevo álbum. Dependiendo del género y cómo tu público consume tu música, tienes desde Soundcloud (¿neta, aún existe?), Bandcamp, Spotify, Deezer, iTunes, casete, CD, vinil, etc. Todo esto llegó en parte por comodidad, en parte nostalgia, en parte economía, en parte los weyes que se atrevieron a darle la vuelta al sistema y arriesgarlo todo por no seguir las reglas establecidas por décadas.

Tenemos por un lado a Napster, quienes con su atractivo sistema de compartir colecciones de música en mp3, en pleno año 2000 revolucionaron el consumo de música y al mismo tiempo las compañías discográficas tuvieron fuertes golpes en su mercado, lo que los llevó a tomar decisiones drásticas y unas cuantas demandas. Más tarde llegó el invaluable y arriesgado “pay what you want” de Radiohead, lanzado hoy hace diez años. Después de un hiato de cuatro años, la banda incluso llegó a preguntarse “¿realmente a alguien le va a interesar?”, “¿neta a alguien le va a importar?”, al final el veredicto lo dio la revista Time: “Sin pedos el lanzamiento más importante en la reciente historia de la industria musical”.

Su premisa era “paga lo que quieras entre 0 y 99.99 dólares”, evidentemente hubo demasiados que no pagaron nada, pero Radiohead estaban seguros que su público le daba un valor real a la música, y así fue. Según cifras de comScore con datos de Rolling Stone, el álbum hizo más ganancias para la banda que lo que hubiesen generado bajo el contrato que ya tenían con EMI en su momento. “¿Por qué querría firmar un contrato de seis álbumes con una empresa que se está derrumbando” dijo Thom Yorke al New York Times justo un año antes de lanzar In Rainbows. Esto puso a todas las major labels vulnerables ante sus artistas consolidados, ya que su modelo viejo, desgastado y explotador no tenía más el valor y la fuerza como único modelo que genera ganancias “para sus artistas”. Esto puso en análisis comparativo las ganancias generadas al lanzar un álbum de manera independiente, así mismo contribuyó a la diversificación de sellos independientes y en parte a la apertura de plataformas de streaming.

Así fue como recordaremos el 10 del 10 como un hito en la distribución de la industria musical. ¡Tomen eso, disqueras!

¿Vas a viajar al Hellow en Monterrey? Acá unas recomendaciones

La ciudad de las montañas no es como la pintan, ¿o sí?

Pareciera que la raza es muy exagerada y que en Monterrey no hace tanto calor, ni los regios son tan codos, y las quesadillas sí llevan queso, pero hay cosas que deberías saber antes de planear tu viaje al Hellow Festival 2017 este finde. De entrada Monterrey es una ciudad extremista, y no, no porque la gente de allá lo sea —bueno, quizá sí un leve—, pero esto más bien se refiere al clima en el estado, cuando hace calor ¡hace un chingo de calor! y cuando hace frío ¡hace un chingo de frío! Entonces, acá te van estas recomendaciones para que tu experiencia en el Hellow no te mate de insolación o cáncer de piel.

  • De entrada el pronóstico nos marca una temperatura de 31 grados con 40% de probabilidad de lluvia, así que preparen ropa cómoda, bloqueador solar, lentes oscuros, gorra o sombrero (í’ñor), y un impermeable por si las moscas.
  • En Monterrey necesitas sí o sí estar bien hidratado. No sabemos a ciencia cierta si nos van a querer vender el agua como la poción de los dioses (Hellow, si estás leyendo esto no te pases), pero ya sea con cerveza o con agua, hay que mantenerse bien hidratado, sobre todo si van a estar hasta adelante, ya que ahí se va a sentir calor de 50 grados, 100% real no fake.
  • Una ventaja es que, a pesar de que no puedes llevar cámaras semi o profesionales, siempre está la vieja confiable GoPro, pero porfa, no abusen con sus sticks y anden estorbando a la banda, neta es súper incómodo.
  • Las mentadas drogas. El punto aquí es que si ya te las ingeniaste para pasar la sustancia de tu preferencia, nomás no se pasen. Está bien triste ver a la bandita ya bien trincada a apenas unas horas de haber iniciado el festival, vamos a divertirnos, ¿o no?
  • Si van a llevar mochilas, para su comodidad y la de los demás asistentes, procuren que no abarque mucho espacio y si sí, y se encuentran en la multitud, así como en el metro, pónganla entre sus pies. La mejor recomendación es que se lleven una tote-bag (morralito), neta no pueden llevar tantas cosas como pa’que no les quepan ahí. Aparte se ve cool, está cómoda y no estorba a nadie. 😉
  • Algo que pocos procuran y que es indispensable tanto en conciertos cerrados como abiertos, es que protejan sus oídos, está científicamente comprobado que si pasas una larga jornada escuchando música a fuerte volumen te puede causar sordera. ¿Han escuchado ese zumbidito después de algún concierto? ¡Aguas! Entonces cuiden sus oídos y ármense unos taponcitos, los encuentran en todas las farmacias por menos de 50 varitos y ya si no, pues compren un poco de algodón y pónganselo, sus tímpanos se los van a agradecer.
  • Ya pa’finalizar y no hacerles el cuento más largo, échense una vuelta por el sitio del Hellow pa’que vean los do’s and dont’s o sino, échenle un ojito a este par de imágenes:

A 15 años del Bright Lights, lo celebramos con 7 de sus mejores momentos

Qué no se ha dicho de esta joya de la música a quince años de haber sido publicada; de los mejores debuts de la historia, el revival elegante de lo que en su momento fue Closer de Joy Division, un álbum a la fecha insuperable tras 4 intentos (sólo dos de ellos bien logrados), una pieza maestra de pies a cabeza. En fin, a Interpol le ha costado cargar con esta cruz, pero no por eso deja de sorprendernos o decepcionarnos con cada nuevo lanzamiento que sacan.

Este año Interpol al fin decidió celebrar un aniversario de dichoso álbum, pudo haber sido el quinto, o el décimo, pero no, ellos decidieron que fuese el quinceavo. Para muchos fanáticos algo que se veía difícil de cumplir, de realizar, pero al fin los tendremos en buena parte del mundo disfrutando de estas piezas que nos han hecho vibrar, gritar, llorar, enamorarnos o desenamorarnos ¡en vivo!

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#ArteQueSuena: Grand Chamaco, la mente detrás del arte del Hellow 2017

Este año —y bueno, con esto no quiero decir que los años anteriores no lo hayan hecho— los del Hellow se preocuparon bastante por la estética de su festival. Para esto invitaron a uno o quizá al artista más representativo del 3D en México: Grand Chamaco (punto extra por seleccionar a un mexa y doble punto porque también es de Monterrey), quien desde hace ya algunos años ha logrado una buena reputación en México y le ha dado la vuelta al mundo con la estética divertida y colorida que le da a sus personajes modelados generalmente en 3D con toques humorísticos.

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Para el Hellow, el Grand Chamaco creó a tres personajes que ahora son la cara del festival: divertida, medio hipster, melómana, amigable, fiestera, rockera, en fin, exactamente algo con lo que el público se puede identificar. 

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Su trabajo ha sido tan aclamado que ha colaborado con marcas como Rayados (sí, el equipo de fútbol), Pictoline o Nickelodeon, así mismo disfruta de hacer algunos remakes muy a su estilo de personajes de la cultura pop como Star Wars, Bob Esponja, Hora de Aventura, Game of Thrones, entre otros.

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¿La mejor manera de seguir su trabajo? Su Instagram, como se pudieron haber dado cuenta. 😉

#NuevosRuidos: D’arcy, la evolución de No somos marineros

Este año comencé a traer a bandas extranjeras con el fin de darlas a conocer en el país o que los pocos o muchos fans que morían por verlos alguna vez en vivo (yo incluído) tuvieran chance de presenciarlos en México. Gracias a esto me he dado cuenta de una extraña tendencia entre ellos: nadie quiere ser taggeado en el género math-rock. La cosa está así: a pesar de que sí, por la naturaleza de la música que hacen se puede encasillar en el math (género musical principalmente caracterizado por complejos ritmos y patrones instrumentales) a bandas como Delta Sleep, Totorro o Pretend, no les encanta el label de dicho género, y aunque ninguno me pudo dar una explicación tajante y completa, el punto es que en su evolución podrían dejar o cambiar algunas cosas que no van tanto con el género.

Esto mismo pasó con una de nuestras bandas favoritas del underground en México: No somos marineros, quienes claramente se hartaron de que tanto público como medios los encasillamos como la banda revelación del math en su momento. Y bueno, lo acaban de demostrar en su más reciente álbum D’arcy, lanzado apenas hace unos días a través de su plataforma de confianza Bandcamp. Donde ya no hay math, en lo absoluto, adiós tapping, adiós compases raros, ahora No somos marineros nos muestra un sonido totalmente distinto, en la misma banda, algo que rara vez hemos visto en las bandas independientes del país.

No somos marineros comenzaron por ahí de 2012 con un EP titulado Demo juvenil en vivo, tres rolas en las que claramente se veían influencias muy marcadas en el género de bandas como American Football, Storm And Stress, Sharks Keep Moving, entre otros. De ahí hubo una serie de canciones (que por cierto la mayoría casi nunca se publicaron y/o grabaron en estudio) que seguían esa misma línea, pero poco a poco, incluso en vivo su sonido fue cambiando. Según ellos me contaron por ahí de 2014 (y si la memoria no me falla tanto) que estaban grabando un álbum que seguía esos patrones, sin embargo algunos de los miembros ya no se sentían identificados con esos tapping de guitarras y compases complejos, que decidieron cambiar el rumbo de la banda.

Esto les costó eliminar todo el material que ya habían compuesto, uno de sus miembros salió para seguir su carrera en el audiovisual y empezar un nuevo álbum desde cero. Esto dio como resultado Lomas Verdes, álbum publicado en diciembre de 2014, grabado en Testa Estudio en una sola toma y en cinta magnética. El álbum fue bastante criticado tanto por los puristas y amantes del género, que porque ya no sonaba a math, que porque la calidad dejaba mucho que desear, en fin, esas cosas que pasan cuando alejas a tu público de su zona de confort. Sin embargo, otros agradecimos bastante el cambio y como opinión personal, LV es su mejor trabajo hasta el momento, mucho más allá de la calidad o el cambio (pues sí, sonaba poquito math, pero había más emo y menos tapping) ya que lo que se sentía en esas canciones era honestidad.

Ahora, tres años después de su primer álbum y totalmente alejados de, por ejemplo, una de sus primeras canciones: “Gisaról Profesales”, nos ponen sobre la mesa D’arcy, del cual Carlos (voz y guitarra) comentó en un post en Facebook: “Tres años cocinando esto; ahora es de quién lo escuche, yo puse la mayoria de mí en su realización junto con mis BBS favos Oscar Rubio, Gustavo Farfán, y Andres Gamiochipi”. Un álbum compuesto por nueve tracks en los que incluso dejaron un 90% atrás el sonido de Lomas Verdes, tanto en ejecución como en producción, esta última a cargo del venezolano Miguel Fraino (productor y guitarrista de Cardiel). No somos marineros no sólo cambió de piel, su música incluso podría dejar detrás el nombre de la banda, pero lo que lo mantiene, quisiera pensar, es la honestidad y las ganas de querer hacer la música que les gusta.

Como de costumbre, las canciones tienen títulos ambiguos a las letras y más bien reflejan situaciones muchas veces sin mucho sentido (al menos para sus seguidores) que viven en su vida diaria. Así nos recibe “Los bajos fondos”, donde nos dicen con una voz bien tenue: “olvídate de los gritos, olvídate de compases complejos, déjate llevar por el delay, y en vez de hacer slam, mejor acuéstate un rato a escuchar”. Esto se mantiene en “Je suis un basiur” nada de complejidad, música mucho más agradable para las masas, sobre todo con el revival del shoegaze, que desde hace un par de años mantiene viva la llama. A momentos suben de tono los instrumentos, pero la voz se mantiene, cómoda, sin esfuerzo, haciéndose notar mucho mejor que en Lomas Verdes, ya que allá el esfuerzo por empatar con el estruendo de los instrumentos era mucho mayor. “Andiamo vía” nos deja claro que una de las influencias quizá más grandes —aunque no lo quieran aceptar— está presente; Title Fight, quienes al igual que ellos fueron de mayor a menor, ¿no me creen? Dense el Floral Green y pasen de ahí al Hyperview y díganme si me equivoco.

“Cutlass (’96)” y “D’arcy “son los momentos más melódicos del disco, las influencias emo en las líricas son notorias, una voz a punto de quebrarse nos dice: “Quédate. Puedes verme cambiar. Quédate”. Mientras en D’arcy, el track más largo del disco es un resumen de todo lo que puedes encontrar en el álbum. La batería de Andrés es incomparable, puedes notar al momento su técnica y ejecución en cualquier rola de NSM, mientras que Farfán se queda un poco corto en el bajo con líneas bastante simples y repetitivas, sin embargo las guitarras traen todo ese filin del que les he estado hablando.

Del track seis al nueve la banda va evolucionando hasta llegar a un estruendo, donde nos encontramos con los marineros de hace tres años, enfadados, agresivos, fulminantes, nadie habría podido pedir o esperar mejor cierre en este álbum como lo hicieron con “Eurosport”, la esencia pura de la banda, un momento estás echado en la cama con tu morra escuchando el disco a todo volumen, llega este track y ya estás en medio de una multitud listo para echar el slam y gritar: “Sálvame, no harás nada mejor. Sé que no estás”.

Queridos No somos marineros, sigan haciendo lo que les gusta, evolucionen y/o cambien su sonido tanto como quieran, pero, por favor, no dejen de hacerlo.

#StaffPick: Kendrick Lamar y Weezer rumbo al Hellow

Se acerca la edición 2017 del Hellow en Monterrey, festival que además de nunca abandonar al público y la ciudad que lo vio nacer, poco a poco fue creciendo hasta llegar a ser el primero en México en tener a Kendrick Lamar en su line up, y vaya que no les salió nada barato. Entre un arte de cartel bastante bien cuidado (hecho ni más ni menos que por el artista visual Gran Chamaco, del cual les hablaré en el siguiente post) y un line up bastante bien curado, el Hellow es el festival más prometedor en México de lo que va del 2017. Y acá les doy dos razones para no perdérselo.

KENDRICK LAMAR
El hype que se ha generado en torno a este rapero es impresionante y ha logrado hacerse de una increíble reputación como el mejor raper contemporáneo. Esto hizo que México rogara(ya saben, nos encanta subirnos al tren del mame aunque no sepamos ni qué pedo) por tenerlo tocando ya sea en un concierto él solito o en cualquier festival dando cátedra de lo que mejor sabe hacer: rapear. Y así son sus presentaciones, si esperan un show muy muy producido, espero no los vaya a decepcionar, pues lo único que veremos en el escenario es a Kendrick con su micrófono y una pantalla a su espalda.

Tras la salida de D.A.M.N. —y ya con muy buena reputación desde To Pimp a ButterflyGood Kid, M.A.A.D. City— el hype en el público mexa ya era evidente, por lo que no dudábamos que su visita a México era inminente, y pues sí, este año el Hellow lo hará realidad.

Aunque este track no es precisamente de Lamar, sino una colaboración que hizo con FlyLo, es una de mis favoritas en su repertorio, tanto por la letra como la dinámica que se da entre beats y líricas, así como la coreografía chingona de los morritos que salen bailando.

WEEZER
Por otro lado tenemos a un clásico del rock alternativo, quienes ya tenían desde 2014 que no visitaban al país. Ya con 10 discos publicados, una trayectoria de 25 años y muchos cambios de alineación, será difícil disfrutar un show completo de estos estadounidenses dentro de un festival —tomando en cuento lo limitados que pueden ser los sets, incluso de un headliner—, pero valdrá la pena poder presenciar algunos de sus mejores éxitos como “Memories”, “Porks And Beans”, “Beverly Hills”, “My Name Is Jonas”, “Island In The Sun”, entre otras.

Jamás he tenido la oportunidad de ver a esta banda en vivo, pero según mis amigos de Delta Sleep —banda de Brigton, Inglaterra que estuvo toureando hace unos meses en México— fans de Weezer, me dijeron que es un acto increíble e  imperdible y pues yo les creo, ¿ustedes qué opinan?

Crunchyroll, el Netflix de los otakus #NetlfixAndchill

De entre tantas ofertas para ver TV o cine On Demand, y tener a la mano todo tipo de películas y series que nos han dado horas de felicidad, desvelo, buena compañía, pizzas, y un sinfín de emociones, hacía falta una para aquellos que gustan de las animaciones niponas. Y no, amigos, de entrada no todo el anime es Naruto, El viaje de Chihiro o Death Note, esta cultura, por más infravalorada y criticada que parezca tiene bastante que ofrecer.

Algo que me parece de suma importancia en el anime es que en la cultura japonesa estas “caricaturas” son como cualquier serie de humanos, hay de todo: dramas, acción, aventura, romance, y un largo etcétera de temas que, sí, en parte, suelen ser exagerados por la naturaleza de una animación —donde se puede explorar más allá de los efectos especiales—, pero fuera de ahí nos muestran mensajes y situaciones que te meten de lleno con la trama, que generalmente está increíblemente elaborado (algo que causa un chingo de admiración son los niveles que alcanzan las animaciones, los paisajes son sumamente fuera de serie), generalmente te sorprende porque puede ser muy incierto o muy inteligente, sales de tu zona de confort, donde crees que ya sabes lo que pasará en seguida. Para entender un poco esto se pueden aventar la película de 1988, AKIRA del director Katsuhiro Otomo; la encuentran en Netflix.

Antes era súper complicado conseguir buen material japonés, por varias razones: tenías que ir a comprar unos DVD’s piratas, of course, que no tenían de entrada ni la mejor calidad, y mucho menos los mejores subtítulos (casi siempre venían en español de España, y pues ugh), en ocasiones te topabas con que el disco no servía o que le faltaban capítulos (se tenía que reducir la calidad de estos para que cupieran más en uno solo). Total, era todo un tema, porque los servicios que ofrecen capítulos online tampoco son los mejores; siempre acompañados de virus, malos subtítulos, mala calidad… en fin.

Crunchyroll es un servicio On Demand con 14 de días de prueba, donde puedes calar tanto la oferta en anime como la calidad y opciones de subtítulos para ver tus series favoritas de este género. Claro, encontramos cosas básicas como Naruto y One Piece, que si bien son las series por las que mucha gente se rehúsa a entrarle al género (con justa razón), para los fanáticos está increíble porque están desde el primer al más reciente capítulo, de hecho cada que en Japón se estrena uno nuevo, nosotros lo tenemos ya en Crunchyroll con una hora de diferencia. Fuera de eso puedes disfrutar por 69 pesos al mes, por ejemplo, las dos temporadas de Shingeki No Kyojin (Attack On Titan) esta serie que ha causado revuelo recientemente por su trama cruel, también encontramos la más reciente saga de Dragon Ball, Super que también se va actualizando conforme salen nuevos episodios en Japón, algunos clásicos como Full Metal Alchemist o Bleach, y otras más de géneros Sci-Fi, cyberpunk (ambientados generalmente en mundos post-apocalípticos), fantasía, mecha como Blue Exorcist, Berserk o Space Brothers. Esta última de mis favoritas, ya que cuenta la historia de dos hermanos que vieron un ovni en la infancia y se prometen ser astronautas de grandes para averiguar qué fue lo que vieron.

Y aunque algunos servicios como Netflix ya ofrecen un catálogo de anime como las películas Ghost In The Shell, Akira, algunas series como One-Punch Man, Fate Stay Night o Robotech, todavía le falta para estar a la altura de contenido que ofrece Crunchyroll.

Acá checan los simples datos que necesitan para registrarse y disfrutar.

#WMPgigs: nos lanzamos a los dos conciertos que MONO y Deafheaven dieron en México

Texto: Kevin Fripp
Fotos: Arnim Aponte (GDL), Daniel Patlán (CDMX)

Como les comentaba hace unos meses, previo al show de Sigur Rós (que estuvo brutal) y el Forever Alone Fest (el cual no tuve la suerte de disfrutar), la comunidad de post-rock y math-rock en México ha tomado suficiente fuerza como para que las grandes productoras (Ocesa) volteen a ver por qué la gente está hablando de estas bandas.

Fue así como este fin de semana logramos tener un combo de ensueño tanto en Guadalajara como en la CDMX, nada más y nada menos que MONO (uno de los más grandes referentes del post-rock de Japón) junto a Deafheaven (pilar y bandera del post-metal en recientes años) se presentaron en ambas ciudades el pasado viernes y sábado. Dos bandas relativamente distintas que en esencia cargan con la misma bandera: géneros raros y clavados para un selecto porcentaje de la población.

El primer show se dio en la ciudad de las tortas ahogadas, dato curioso que mientras estaban en una rueda de prensa por aquellos lares, Shiv Mehra (guitarrista de Deafheaven) dijo que las “araras” le encantaron, acto seguido alguien gritó “¡Tortas ahogadas!” lo cual causó una carcajada colectiva. Ya entrados en varios placeres que ofrece esta ciudad, nos informaron que Deafheaven cerraría en ambos shows, algo que para algunos causó descontento pero que al final, ya cuando veías el formato del concierto —ambas bandas tenían el mismo tiempo de set—, hacía mucho sentido; ir de menor a mayor.

Arnim Aponte
Arnim Aponte
Arnim Aponte
Arnim Aponte
Arnim Aponte

Después de varios intentos fallidos de ver a los japoneses en sus visitas previas al país, estaba listo para al fin dejarme llevar en el mar de emociones que logran transmitir con su música. Abrieron con “Ashes In The Snow”, lo cual nos dejó sin aliento y a varios nos sacó una pequeña lagrimita. Ver a ese cuarteto dejarlo todo en el escenario es de las cosas más sublimes que me ha tocado presenciar, no sólo por la calidad de su ejecución, sino por la entrega hacia sus instrumentos, que son como dioses que cargan consigo para adorarlos durante todo su set.

Es difícil no quedarse con ganas de más cuando ves a una banda con tanta trayectoria y con tantos álbumes, cuando sabes que sus rolas son bastante largas. Su set estuvo compuesto por seis increíbles tracks cargados de muchas emociones encontradas. No faltaron los que comenzaban a platicar a media rola, pero tampoco faltaba el que con un “shhh” los callaba. Ver que el público comienza a entender de qué se tratan estos conciertos —ser atentos, sentir y dejarse llevar, en momentos cerrar los ojos o dejar que las lágrimas fluyan— es una grata satisfacción.

Arnim Aponte

Taka y compañía dejan el escenario muy agradecidos, el público grita “¡otra!” desesperada, pero sin éxito. Nos dimos cuenta que hubo quienes sólo iban a ver a MONO, ya que un pequeña parte del público dejó el recinto en cuanto ellos dejaron de tocar, pero eso para nada hizo un cambio significativo para recibir a Deafheaven. Clarke y compañía se apoderaron del escenario en el primer instante. George llega dando saltos, mirando fijamente al público, haciendo ademanes como diciendo “denme su energía”, la gente grita eufórica.

“Brought to the Water” da inicio a una oleada de “headbangings” con la greña de Clarke a la cabeza, lo que me hacía preguntarme si no se habrá desnucado de darle tantas vueltas a su güera cabellera. Todos quedamos perplejos, la energía que transmiten sobre todo el bajero, el baterista y George es parte fundamental de lo que ha hecho a esta banda llegar a donde está. Le siguieron con “Baby Blue” (no os confundais con el mequetrefe de Bunbury), uno de sus tracks nuevos —de su producción del año pasado, New Bermuda—, de hecho en entrevista Clarke mencionó que es la que actualmente más disfruta cantar. Seguimos en la línea de ¿por qué tienen rolas tan largas y no tocan más de horas? Su set incluyó incluso un cover a Mogwai (“Cody”) que les sale bastante bien. Éste junto a “Language Games” fue punto de quiebre para muchos, donde los gritos no dejaban de cesar y los primeros indicios de un mosh pit se podían apreciar.

Daniel Patlán
Daniel Patlán
Daniel Patlán

Clarke lo tiene todo: elegancia, presencia, energía, locura, estridencia y un toque de maldad, incitaba a todos a corear sus canciones, agradecía por acompañarlos esa noche, sobre todo a MONO, quienes veían desde un costado su presentación. Subía y bajaba del escenario a placer, a momentos nos recuerda al buen Cedric de The Mars Volta, la gente enloquece por tocar su mano o su greña, llega el momento de “Dream House” y el slam está presente justo frente al escenario, las condiciones del venue no eran las óptimas para que la ventilación soportara esa cantidad de gente, por lo que el fervor y sobre todo el sudor se hicieron presentes tanto en el público como en el stage. Se despiden, la gente no para de gritar “¡otra!” pero esta vez con más suerte, regresan, toman sus instrumentos,  George agradece la entrega del público y dice “Please join us if you know the lyrics”, para dar inicio a un brutal cierre con “Sunbather”. Se la pensó un poco, pero al final decidió lanzarse y hacer un brutal crowd surfing, cerrando el show con un climax digno de Deafheaven.

Daniel Patlán
Daniel Patlán

Recapitulando, ya que ambos shows fueron en set-list casi los mismos, voy a tratar de hacer énfasis en las diferencias de cada show. Por un lado el Foro Independencia con un aforo máximo de 600 personas estaba casi a su tope, por su parte el Plaza que aloja a poco más de mil, se veía a la mitad de su capacidad. La entrega del público en ambos shows fue muy similar, sin embargo se sentía mucho más íntimo en Guadalajara, donde la barrera entre público-banda era mínima. En resumen ambos shows marcan un parteaguas de ambas escenas en ambas ciudades, donde podemos apreciar a un público con sed de descubrir y conocer qué es lo que el género tiene que ofrecer en nuestro país.

Sólo espero que la racha de conciertos de este tipo siga creciendo y más bandas que no hemos tenido la oportunidad de ver, al fin tengan una oportunidad de tocar en nuestro país.

#ArteQueSuena: Matt Bailey y Regards Coupables, la simpleza de lo erótico (NSFW)

En una época en que el porno nos entra, literal, hasta por los oídos —¿o qué, nunca han caído en esos videos de gemidos?— hace falta echarle dos pesitos de creatividad cuando se trata de encontrar o “que te lleguen” (ay, ajá) ilustraciones de calidad en materia de erotismo. Aproveché el #ArteQueSuena de este mes, para contarles sobre dos artistas visuales que lograron llamar bastante mi atención, sobre todo porque con trazos simples y minimalistas muestran una cara estéticamente muy atractiva de lo erótico.

Para algunos tabú, para otros fantasías, las siguientes imágenes están cargadas de fuertes referencias sexuales que podrían causarte algún conflicto si andas en la chamba, por lo que te recomiendo que, a menos que le tengas mucha confianza a tu compañ[email protected] de a lado, tengas discreción.

Por un lado tenemos a un anónimo artista francés que se hace llamar Regards Coupables (miradas culpables), quien crea ilustraciones con trazos sencillos y limpios a una sola tinta, aprovechando los espacios vacíos para darles figura y contornos. Sus creaciones van desde simples acciones de pareja como tomarse de la mano, el clásico cuddling, pasando por el cunninlingus y distintas posiciones sexuales. Algo que distingue a este o esta artista —es un mito su identidad— artista es que no sólo se basa en relaciones heterosexuales, también encontramos situaciones lésbicas, aunque siendo honestos se inclina mucho más por lo hetero.

Al darse cuenta de la controversia que generaban sus ilustraciones y que muchos de sus seguidores querían tener a toda costa estas ilustraciones en versiones físicas de cualquier índole, lanzó una tienda en línea con accesorios y ropa que incluye desde pequeños pines metálicos, playeras, stickers y hasta serigrafías, que ya distribuye a nivel mundial.

Por si fuera poco, este misterioso sujeto no para de crear y este año lanzó una serie de tracks de french house (tan minimalista como sus ilustraciones) acá lo pueden escuchar:

Ya entrados en calor, les presento a Matt Bailey ilustrador de Cheltenham, Reino Unido. Este sujeto nos lleva a un punto mucho más elevado de erotismo fantástico, fusionando la muerte con lo erótico, salvaje y crudo. Su trabajo es igual de sencillo que de espectacular e incluso perturbador, pues a una sola tinta y papel nos sumerge en un mundo de placeres sadomasoquistas que quizá para algunos estén fuera de contexto ya que sus personajes principales son la muerte, una serpiente y cuerpos de mujeres en situaciones bastante subidas de tono. Además, les da un toque irónico con frases que acompañan la mayoría de sus ilustraciones.

Este compa aparte es tatuador, por lo que su trabajo vive en la piel de bastantes seguidores alrededor del mundo, lo que también le ha traído una serie de problemas, ya que gente que quizá no vive en su país o no tiene acceso a viajar para allá, consigue algún otro tatuador para que le haga alguna de sus ilustraciones, naturalmente sin su consentimiento. Si entras a su cuenta de Instagram te toparás con el statement: “Don’t tattoo my designs. No exceptions”.

No se olviden de seguirlos en Instagram:
MATT BAILEY

REGARDS COUPABLES

#NuevosRuidos: TOPS – Sugar at the Gate

La primera vez que tuve un acercamiento con estos canadienses (ahora radicados en Los Angeles) fue en el Nrmal de 2015: mi mejor amiga y yo hicimos un recorrido el segundo día que no los incluía, pero veríamos a Meridian Brothers y a Buscabulla, Tops se encontraban justo en medio de ellos, así que decidimos verlos. Su show se redujo a un indie-pop igual de sensual que de tierno, no necesitabas demasiado, era un show minimalista donde tu cuerpo se dejaba llevar por acordes simples y limpios, mientras la hermosa Jane Penny endulzaba tus oídos con su voz.

Nrmal 2015, ©Kevin Fripp

Llegando a casa me descargué sus únicos dos álbumes hasta entonces Tender Opposites (2012) y Picture You Staring (2014) los cuales traje sonando casi cada mañana durante los siguiente cuatro meses. PYS es un álbum exquisito en cuanto a composición y producción, todo suena súper bien y en su lugar, sin embargo —y a pesar de que TO no tiene la misma calidad— a mi parecer es mucho mejor, pues su mística reside en las vibes y pasión nada presuntuosas que le imprimió la banda, con canciones que comienzan en un dream-pop suave y terminan en un pop-punk súper amoroso.

De ahí sólo había especulaciones de un nuevo álbum, pero nada concreto hasta entrado el 2017 con el lanzamiento de su sencillo “Petals” comenzando marzo, con el que nos demostraron que seguían siendo esa banda de gustos minimalistas, románticos, voces cálidas y ritmos limpios, sin complicaciones. Ahora se complementan la buena producción del PYS y las chill vibes de TO, dando como resultado Sugar at the Gate, un recorrido por las calles de L.A. en pleno verano, unas vacaciones después de la graduación donde lo único que importa es disfrutar y pasarla bien, sin compromisos ni arrepentimientos.

Meloso es el segundo nombre de Jenny, lo cual no precisamente es malo, sino que le ha sabido impregnar ese toque a su banda desde el principio, caracterizándose por su vibra easy going . Canciones como “Further”, “Marigold & Gray” y “I Just Wanna Make You Real” son perfectas para describir esta parte romántica y de dulce nostalgia. Mientras que “Petals” y “Dayglow Bimbo” nos arrastran por un dream-punk que nos recuerda a su primera etapa en TO con tracks como “VII Babies” o “Double Vision”. Basta darle un par de escuchas al álbum para empezar a re-enamorarte de su sonido.

#NuevosRuidos: Tayrell, french house mexa y embriagador

El éxito Tayrell, banda mexa de french house, ha subido como la espuma en un tarro de cerveza. Con un Ep de tres tracks este año han logrado colocarse en carteles de festivales como Vaivén, Ceremonia y Rústico. Además de ser teloneros de Breakbot en Guadalajara.

En 2011 surgió AFFER, banda de soft disco precursora de tres proyectos de sus cuatro ex integrantes: Tayrell, dúo formado por los hermanos Galicia, Girl Ultra proyecto solista de Mariana de MiguelWet Baes, el niño productor Andrés Jaime.

Miguel y Hugo Galicia a.k.a Tayrell inspirados por la música electrónica francesa y la ola de artistas que surgieron con Edbanger Records decidieron hacer sus propios beats, que junto a una cerveza logran refrescar los días más calurosos.

“Nuestra intención es tomar el french house como base, darle un giro y crear atmósferas con sonidos orgánicos. No hacer la misma música electrónica que tiene fórmulas hechas”, indicó Hugo.

“Ayudó mucho para que nuestra música tuviera mayor proyección desde el inicio. Nos comenzaron a llegar comentarios de países como Italia, Francia y Colombia”, señaló Miguel pues Tayrell reconoce que parte de su éxito se debe a Soundcloud, plataforma que hizo que todo fluyera más rápido.

Actualmente se encuentran trabajando en su live act ya que para ellos es importante el mood que quieren transmitir al momento de componer nuevos tracks. “El live lo teníamos contemplado desde el principio, pero creíamos que tendría más sentido ahora que vamos a sacar nuevas rolas por cuestión de duración y el concepto que le queremos dar”, señaló Hugo.

Hoy en Australia y mañana en el resto del mundo se lanza “Sharp Knives” es una colaboración con Jo “Pele” Loewenthal, voz principal de Tora, proyecto australiano de chiliwave. “Llevamos un año sin sacar nada, pero seguro valdrá la pena”, afirmó Miguel.

#NuevosRuidos: Sunset Images, el lado oscuro del shoegaze

Sunset Images desafía las fronteras del sonido y el espacio. Este proyecto se ha caracterizado por no esperar a que alguien les diga qué tocar ni en dónde hacerlo.

En 2014 el aquel entonces cuarteto lanzó su Ep homónimo. Paisajes muy largos que descendían para después subir poco a poco y reventar. Post-rock similar a Explosions in the Sky, banda oriunda de Texas.

Un año después con la salida del bajista y el guitarrista, Sunset Images se convirtió en un dúo conformado por Samuel Osorio (voz) y Alejandro Zuñiga (batería). Se mudaron a Brooklyn, Nueva York, y lanzaron Hajime, palabra japonesa que se traduce como “comienzo”. El Ep conformado por 4 canciones es más ruidoso con distintas capas de guitarras y efectos de pedales.

El shoegaze melancólico evolucionó a un sonido más agresivo y poderoso en Oscure Daze. Juego de palabras que significa “aturdimiento oscuro”, pero también se entiende como ” Oscure Days”, “días oscuros”. El tercer Ep del proyecto que ahora solo encabeza Samuel fue compuesto durante su estancia en Nueva York y grabado en 2016 en su regreso a México.

“Estábamos confundidos no sabíamos que iba a pasar para la banda porque en Estados Unidos nos fue súper bien cada semana tocábamos. Regresamos acá y como que se paró un poquito el movimiento. En todo ese lapso se salió el baterista entonces yo terminé de armarlo. Por eso se llama Oscure Daze, sentí que había mucha oscuridad como que todo estaba muy confuso como que no había una claridad y pues se reflejo también en las canciones que son más oscuras y más pesadas”.

En febrero y marzo de esté año, ya como proyecto solista, realizó un pequeño tour en Japón con la ayuda de una amiga venezolana que contactó a través de facebook, un amigo japonés que conoció cuando vivía en Brooklyn y  Minami Deutsch,  banda originaria de Tokio, Japón, que los contactó con una chica que hace booking para bandas en Estados Unidos y Europa. Por cuestiones de trabajo y dinero el baterista de Tajak, que normalmente lo ayuda en sus presentaciones no pudo acompañarlo, por lo que solicitó en el Craigslist de Japón un baterista y así emprendió su gira de cuatro fechas por el país asiático.

“La gente que fue a los shows estuvo bien receptiva. Yo me sorprendí mucho de que no se ponen a platicar, guardan respeto y siempre están atentos a lo que está pasando”, asegura Samuel que estaba muy emocionado porque Kikagaku Moyo, banda japonesa de psicodelia fue a verlo a una  de las presentaciones.

Para “Roads” Sunset está editando un vídeo con escenas que grabó con su IPhone durante su gira. El clip saldrá a mediados de mayo, mismas fechas para las que se espera la presentación oficial del disco.

#RecordStoreDay – conoce a Perro Negro y Revancha

Como parte de las actividades del #RecordStoreDay de este año, en WMP nos dimos a la tarea de entablar relación con algunas tiendas de discos con más corazón para poder difundir tanto info de la tienda como de los lanzamientos que se harán este 22 de abril a nivel mundial. Estas tiendas son Revancha en la CDMX y Perro Negro, ubicada en Mérida, Yucatán.

PERRO NEGRO

“Somos una tienda local independiente que maneja una selección −curada− de discos usados y nuevos que normalmente no encuentras con la competencia en la ciudad. Un espacio donde los amantes de lo sonoro quieran entrar y no salir. El nombre hace referencia directa a la canción de “Black Dog” de Led Zeppelin. Hace un énfasis también a la pieza clásica del rock popular de México: “Perro Negro y Callejero” de El Tri. De ahí también la idea que nuestro logo sea un xoloitzcuintle o xolo. (Para los criadores de xolos, cada ejemplar es muy preciado y valioso, debido también a su inmenso valor histórico, cultural y biológico, y a su relativa escasez en comparación con otras razas)”. Es lo que nos cuenta Otto sobre su tienda ubicada en Calle 20 de la colonia Chuburná de Hidalgo, Mérida. Siganles la pista en su Facebook y échense una vuelta por sus instalaciones, claro, si viven por aquellos lares.

REVANCHA

“La tienda la fundamos hace más de dos años y está orientada a los ritmos de de la diáspora africana: hip hop, soul, funk, blues, reggae, salsa y los géneros asociados a ellos. El catálogo está orientado a esos géneros porque pensamos que es una opción musical indispensable para el público que compra discos”. Resumió Manuel Carrasco, a.k.a. La Gran M, el mero mero en Revancha, ubicada en Colima 110, en La Roma. Denles follow y visítenla cuando tengan una chancita.