All posts by Uriel Delgado

#NuevosRuidos: El adiós a la playa y el nuevo camino para LAWALL

Por Uriel Delgado (@olalloyo)

Fue hace ya dos años que las camisas hawaiianas y las guitarras melosas invadieron la escena musical mexicana. Entre el surf, el jangle pop y el repentino amor por Mac DeMarco, muchos proyectos con estas características comenzaron a surgir en nuestro país y parecía que así iba a seguir por un buen rato. Sin embargo, poco a poco se empezó a diluir ese entusiasmo y sólo unos cuantos grupos que en verdad se afianzaron en su proyecto pudieron salir adelante, y no sólo eso, sino verdaderamente comenzaron a hacer despegar su carrera. Entre ellos, están los chicos de LAWALL.

Y no podemos decir que sean los supervivientes de esa corriente, sino todo lo contrario. Fueron ellos los que le dieron vida a un movimiento que parecía no encontrar su camino más allá de una moda y comenzaron a crear una escena propia que los hiciera crecer no solamente a ellos, sino a su estado natal, Colima, y las ambiciones de muchos músicos jóvenes que creen que no se puede hacer música en nuestro país.

Ahora, dejando atrás el proceso de Playa de los 90 Vol. 1, su álbum debut, la banda formada por Tavo, Enzo, Alberto, Xavier y Oscar comienza a forjar su propio camino en busca de esa esencia que sólo el tiempo y los golpes de la vida te pueden dar. Nos sentamos a platicar con Enzo y Alberto sobre lo que ha sido su crecimiento hasta ahora y qué es lo que se viene para estos chicos de Colima, para los que muy pronto el estado más chico del país les quedará muy corto.

¿Qué es LAWALL y qué los hace diferentes a otros proyectos que existen en la actualidad?

Enzo Borja: Somos de Colima y hace tres años que estamos trabajando en este proyecto. Empezamos grabando una serie de demos que después salieron en nuestro álbum debut, La playa de los 90s, y todo empezó como un proyecto de amigos. De esta forma LAWALL fue como nuestro respiro para deshacernos de nuestros problemas, del ritmo de esta mini ciudad en la que tienes que estar estudiando, trabajando y haciendo mil cosas todo el tiempo. Entonces el entrar a un cuarto de ensayo era entrar a un mundo creativo donde el tiempo volaba y eso es lo que nos terminó uniendo. Y ese es el concepto de LAWALL, la pared que divide tu mundo creativo de tu mundo cotidiano.

Esto se tradujo a grabar el Vol. 1 de La playa con Aldo Muñoz, que fue el productor de Siddhartha, Caloncho, entre otros, y lo que hizo que comenzara a haber un poco más de ruido en torno a la banda, que los medios comenzaran a buscarnos, que pudiéramos poco a poco salir de gira y eso es lo que nos tiene aquí. Ahorita ya vamos cerrando ese proceso, que va a terminar con el video de “Años 90”, el último que nos faltaba, y empezaremos a promover el nuevo material que estamos preparando. Hasta ahora, eso es LAWALL.

¿En qué influyó el que sean de Colima con la perspectiva que tienen de las cosas? Más allá de reflejar la tranquilidad de la playa, con todo lo que han hecho pareciera que eso mismo los motivó a hacer más, tanto con LAWALL como otros proyectos que han llevado por allá, como el Artney Festival.

Alberto Herrera: Tiene congruencia que tengamos un disco que se llama La playa de los 90’s con el lugar en el que vivimos, porque realmente es un paraíso en el que nos podemos concentrar para componer. Y también es un punto de oportunidad ya que el que no haya mucho movimiento o una escena musical definida nos permite, en este caso a Enzo que es quien organiza el Artney Festival, llevar nuevos sonidos a Colima y también hacer amistad con otras agrupaciones para nosotros también poder movernos a otros lados. Bandas que difícilmente podrías encontrarte en Colima por casualidad. Por eso Enzo empezó a desarrollar este festival para poder llevar estas bandas para allá y empezar a crecer una escena que en realidad no existía. Entonces nunca lo vimos como algo negativo, sino como un punto de oportunidad para crecer.

¿Y ustedes han visto que sí ha continuado creciendo después de estos esfuerzos individuales?

Enzo: Definitivamente. Nosotros siempre nos hemos clasificado como una banda amiga, que tenemos conocidos en muchos lados y que procuramos seguir trabajando con la gente que nos apoyó en algún momento. Justo ahorita estamos trabajando con Diego Rangel, el bajista de Porter, para producir nuestro siguiente material, eso siempre es algo que hacemos. Nos volvemos amigos de la gente y después los invitamos a que le caigan a Colima y que ayuden a que crezca. Es el estado más pequeño del país, no sólo en tamaño sino en muchas cosas, entonces para nosotros ha sido un gran reto el hacer eventos, el venir a la Ciudad de México, pero todo nos ha ayudado a crecer. Lo notamos cada que venimos acá, porque cuando nos presentamos y vemos a la gente cantando, sabemos que todo el trabajo finalmente está germinando.

Alberto: Y también ese esfuerzo genera una energía que atrae a otras personas. Por ejemplo, nuestro próximo video, “Años 90”, lo estamos trabajando con un amigo de Colima que está haciendo algo muy parecido a LAWALL pero en la parte de cine independiente. Él hace cortometrajes, el último ha pegado mucho, se llama El ocaso de Juan, y entonces estamos haciendo una sinergia en la que personas de Colima o de otros estados se van sumando. Y creo que para eso es el arte, para compartirlo y poder trabajar en conjunto con otras personas.

Enzo: Y que de alguna forma al final el éxito del artista no es la venta de discos o cuanta gente te va a ver, sino el hecho de poder compartir tu trabajo con personas con las que estás orgulloso de trabajar. Para nosotros antes Porter era uff, inalcanzable, y ahora estamos trabajando directamente con ellos. Entonces creo que esas son justo las cosas que van surgiendo de esas sinergias que fuimos creando.

¿En algún momento les ha llegado a pesar ese papel de ser una especie de estandarte para este movimiento en Colima?

Enzo: Pesar no, porque ha sido muy padre el poder darle un alcance más grande a esto. El secretario de cultura nos ha estado apoyando mucho con viajes, transporte, y vemos que eso hace que mucha gente vea que sí se puede. Entonces más bien para nosotros ha sido una motivación porque llegan muchos chavitos y nos preguntan cosas y les ayudamos. O igual, en Colima nunca había conciertos, hasta la fecha es difícil, pero haciendo los nuestros creo que se han dado cuenta que sí se puede, pero hay que chambearle.

13325688_665351843620991_4669039053913833717_n

Estos pasos que ha tomado la carrera de LAWALL, ¿los han hecho querer dejar todo atrás e irse a otro lado a buscar su sueño o más bien quieren seguir haciendo crecer su lugar de origen?

Alberto: Yo creo que de alguna forma sí estamos persiguiendo ese sueño, de algún día poder movernos a otro lado con nuestra música, porque a fin de cuentas siempre vas a querer llegar a más gente. Por eso ahorita estamos trabajando mucho en la parte artística. Enzo ha funcionado mucho como un mentor de la banda y nos motiva mucho a crecer. Todo el tiempo nos está picando las costillas diciéndonos que hay que leer, hay que ser artistas, hay que conocer la escena en la que estamos pero no sólo la música, sino voltear a ver la pintura, la danza, el cine, y eso es un crecimiento personal. Al final, si nos vamos a estar moviendo en el arte creo que tenemos que conocer al menos lo básico de otras disciplinas porque eso al final va a generar que nuestra persona crezca.

Enzo: Y también hay que recordar que estamos en un mundo globalizado en el que el internet y los medios nos hacen pensar que estamos muy lejos de Coachella y no. Realmente yo creo que cualquier banda de cualquier estado, si sabe trabajar un poco, puede lograr cosas muy grandes. Y yo le tengo mucha fe a eso. Mucho tiempo estuvimos pensando en irnos a vivir a Guadalajara o a la CDMX para subirnos a ese ritmo de trabajo, pero al final creo que podemos estar muy tranquilos en la playa sólo sin dejar de tomar en cuenta qué es lo que queremos, que es mejorar nuestra música y nuestra obra. Seguimos trabajando en dominar mejor el escenario, en nuestros visuales, y en general en llevar a LAWALL a una etapa más profesional para comenzar con todo lo que será el Flores y Leones, que es nuestro nuevo disco, y que queremos que refleje todos estos cambios que hemos tenido.

Justo hablando de lo que viene para la banda, ¿por qué línea irá este nuevo disco? ¿Seguirán con el sonido que ya conocíamos o van a explorar nuevos caminos?

Enzo: Creo que este disco sí va a ser mucho más… No quiero decir oscuro, porque no es gótico (risas), pero sí tiene un sentimiento diferente a nuestro trabajo anterior. La banda vivió un suceso medio gacho, o muy importante aunque nos haya afectado, porque un ser querido falleció. Entonces para nosotros Flores y Leones fue un viaje que nos hizo sentir ese proceso de muerte. Al final la muerte te marca, te da una experiencia como persona, te enseña, y creemos que este disco es eso, una enseñanza a nosotros mismos, un disco muy introspectivo, pero a la vez muy ruidoso y lleno de energía. Es rockerote. No es indie pop ni un sonido playerón, sino que sí le metimos más sonidos oscuros, más experimentales. Sí tiene un rollo más grande y más teatral.

Alberto: También hubo esas ganas del grupo de querer comunicar algo más allá de lo que hicimos en La playa. Recuerdo una vez a Tavo, nuestro vocalista, que en un ensayo dijo que el ya no quería seguir cantando uoouoo (risas), porque él no podía decir nada con ello. Que él ya tenía más cosas en la cabeza que quería sacar más allá de un coro de dos letras. Entonces este disco también viene con un nivel de maduración en las letras y en la música. Porque la música de La playa estaba hecha a base de regla prácticamente.

Enzo: Sí, era muy básico. Muy bonito y rítmico, pero en ese sí quisimos dar algo más.

Alberto: Y fue inocente porque se dio en un momento en el que estábamos con nuestra bandita de rock y queríamos tocar y ser cool. Y salió un buen disco. Nunca creímos que fuéramos super musicazos, pero nos dimos cuenta que éramos buenos y podíamos seguir mejorando.

Enzo: Exacto, fue muy inocente la visión hace dos años. Pero ahora ya nos cambió mucho el panorama con todos estos sucesos que nos pasaron como banda, desde el entrar con una disquera, entrar a festivales de música, el hecho de ya nosotros mismos financiarnos, como todos estos procesos de músicos sí nos inspiraron a hacer un nuevo disco pero que este disco ya tenga todo lo que somos. Y creo que va a ser un gran, gran disco en el que vamos a apostarle toda nuestra energía y nuestro tiempo.

Sigan pendientes a todo lo que se viene para los chicos de LAWALL y no le pierdan la pista a Flores y Leones, que se estrenará el próximo año, en sus redes sociales: Facebook y Twitter.

¿Todavía se pueden vender más de 90,000 discos? Si eres Arctic Monkeys, sí.

En una época dominada por el streaming digital, escuchar que un álbum llegó a ser Platino + Oro es cada vez menos reciente. Ahora, escuchar que fue por sus ventas únicamente en México, todavía menos.

Y por sorprendente que sea, tal fue el caso del AM de Arctic Monkeys, que se estrenara en el no tan lejano 2013 y que el día de hoy llegó a las 90,000 unidades vendidas en nuestro país.

Mientras que en julio pasado Alex Turner mencionó que la agrupación no tiene prisa por estrenar nuevo material, su última producción de estudio sigue cosechando éxitos y seguramente lo seguirá haciendo por un buen rato.

¿Qué otros discos creen que podrían llegar a esta cifra próximamente?

#WMDead: álbumes inspirados por la muerte

@olalloyo

Pareciera que todos los álbumes que giran en torno a un tema suelen decantarse por aquellos que mejor nos hacen sentir, el amor, la amistad, el crecimiento personal, etcétera. Es un hecho que aquellos momentos que más nos marcan como personas son justo los que no necesariamente queremos recordar todo el tiempo.

Más allá de ser un tabú, hablar de la muerte es algo que suele evitarse como un simple método de defensa para dejar ir algo que aún nos duele y que seguirá doliendo. Sin embargo, cuando ese dolor es transformado en música, cosas muy interesantes pueden suceder, y el proceso de sanación estará un paso más cerca. Ya sea una muerte física o emocional, estos son algunos de los álbumes que han retratado ese sentimiento y lo han usado para generar obras maestras.

Yoshimi Battles the Pink Robots (2002) de The Flaming Lips

Tras la muerte de un amigo muy cercano de la banda, Wayne Coyne y compañía transformaron los sentimientos de melancolía y pesadumbre en una celebración a la vida, reflejada en el que hasta la fecha es uno de sus lanzamientos más icónicos. En Yoshimi, el personaje central de la historia lucha contra robots rosas, representaciones simbólicas de una enfermedad terminal, a través de una batalla en la que se van tocando temas como el amor, la mortalidad, la emoción artificial y la decepción. A pesar de que el mismo Coyne ha dicho que su intención no era hacer un álbum conceptual, queda claro que la muerte siempre está presente en este disco, hasta el destino final de su heroína, que termina sucumbiendo pero deja en su camino la dicha de luchar hasta el final por la vida.

Hospice de The Antlers

Para muchos (para mí), es el álbum conceptual sobre la muerte por excelencia. Narrando de principio a fin la historia del enfermero de un hospicio que se enamora de una paciente de cáncer terminal. A lo largo del disco, la relación se va desarrollando al tiempo que los miedos, traumas y la misma enfermedad lo va llevando hacia una espiral descendente, que termina en la muerte de ella y la consiguiente fractura emocional en él. Según Peter Silberman, el álbum representa el proceso de una relación amorosa destructiva y es, hasta cierto punto, autobiográfico, lo que lo vuelve aún más difícil de digerir si tienes el corazón roto recientemente.

I Am a Bird Now (2005) de Antony and the Johnsons

No todas las muertes tienen que ser físicas. Antony Hegarty llegó a Nueva York a finales de los ’90, justo cuando estaba pasando por un cambio que para muchos podría significar la muerte de una parte de sí mismo. A través de la analogía de una mujer que se convierte en pájaro, Hegarty cuenta el proceso de transgresión, transformación y vuelo de un hombre decidido a convertirse en mujer. Con desgarradoras interpretaciones que volvieron a Antony and the Johnsons un ícono del movimiento trans, este álbum conceptual narra a la perfección como la muerte de una parte de nosotros nos puede llevar a encontrar nuestro verdadero ser. Finalmente, Antony Hegarty terminó encontrándose en ANOHNI, y este disco queda como un legado de ese proceso.

Young Prayer de Panda Bear

El segundo álbum de Noah Lennox de Animal Collective, mejor conocido como Panda Bear, es una joya de sentimientos encontrados condensada en sólo 28 minutos. Sin títulos en las canciones y pensado como un tema único, Lennox lo escribió en su totalidad durante los últimos días de su padre como una especie de homenaje en vida a todo lo que este le había enseñado. Tras su muerte, el álbum fue grabado en la misma habitación donde su padre falleció, cargándolo de una vibra impresionante que se puede sentir en cada desgarradora nota.

Magic and Loss de Lou Reed

Tras la enfermedad y posterior muerte de dos de sus amigos más cercanos, el compositor Doc Pomus y una mujer no identificada que se cree sería Rita Rotten, el álbum en el que Lou Reed estaba trabajando tomó un giro total, convirtiéndose en uno de sus trabajos más personales. Desarrollándose en torno a la pérdida y la muerte, Reed expresa la  ira y frustración a la que te enfrentas al ver decaer lentamente a tus seres queridos y el horrible peso que tienes que cargar al no poder hacer nada para salvarlos.

#LlamadoBahidorá: nuestro carnaval favorito comienza a tomar forma

Los años no pasan en vano y el próximo 2017 el Carnaval de Bahidorá estará celebrando su quinto aniversario. Cinco años que le han bastado para convertirse en uno de los eventos más propositivos del circuito de eventos nacionales y uno de los pocos en agotar sus boletos edición tras edición por la increíble experiencia que monta para sus asistentes en Las Estacas, Morelos.

15401166_687191341438695_8390534636796287686_n

La cita para volver a conquistar este paradisíaco lugar es los próximos 18 y 19 de febrero, y la primera parte del cartel comienza a tomar forma. Jessy LanzaJuan Atkins  y Princess Nokia fueron las primeras revelaciones del cartel, y terminaron de volarnos la cabeza con el anuncio de que  Mad Professor, quien seguro estará haciéndonos explotar a todos el próximo año. Por si esto fuera poco, se acaba de anunciar que el cartel también contará con la presencia del Frente Cumbiero, Rroxymore, RJD2 y Kali Uchis.

Si se vieron lentos, los hará sufrir bastante saber que los pases Early Bird ya están agotados, pero ya pueden comprar sus boletos a precio de Fase 1 en BoletiaLes recomendamos ampliamente que corran, porque cuando revelen el cartel completo seguramente el Carnaval de Bahidorá será sold out una vez más.

¿A quién veremos por allá?

 

Corona Capital, I Love You But You’re Bringing Me Down: de amor y desamor en el #CC16

@olalloyo

Los festivales, en México y en cualquier parte del mundo, siempre tendrán una historia de amor y odio. Nadie puede fingir que disfruta completamente el pasar uno o dos días enteros caminando más de 20 kms (comprobado por el GPS Tracker de mi celular), para ver a bandas con un sonido no tan bueno, entre gente no tan fan, con comida no tan rica, yendo a baños no tan limpios y pagando cervezas no tan baratas. A pesar de esto, los amamos y año con año regresamos.

Sin embargo, la experiencia del Corona Capital de este año fue muy distinta para mí, y podría asegurar que para muchos más también. Y no necesariamente una experiencia mala, de hecho fue increíble, pero sí cambió mi perspectiva sobre lo que uno debería de esperar de un festival. Una experiencia que puede resumirse a través de los títulos de canciones de las bandas que pude presenciar (y que no necesariamente interpretaron, cabe aclarar) y que me dará una panorama distinto sobre la forma de disfrutar la próxima edición de nuestro festival favorito, a la que evidentemente vamos a ir también.

“Did We Ever Really Try” de Delorentos: La banda irlandesa llegó tarde al #CC16. Casi 10 años tarde para ser más exactos. Lanzando su álbum debut en 2007, fue raro ver a uno de los estandartes de Dublín abriendo el escenario Corona Light. Más raro viendo que había gente que realmente iba a verlos a ellos y que lograron prender al siempre escéptico público de los horarios mañaneros. ¿Alguien hará un estudio de mercado para elegir en qué momento traer a las bandas? Muy probablemente no, pero creo que deberían de empezar a hacerlo.

“Something To Believe In” de A Silent Film: Todos queremos seguir creyendo en los festivales. Y a veces lo logramos, pero luego llegan bandas como A Silent Film, que suenan a una copia de Coldplay o cualquier otra banda de piano rock y se nos olvida. Presentación emotiva, sí. Pero muy desangelada para lo que uno esperaría de un festival de este tamaño.

“Could Be You” de Allah-Las: Podrías ser tú, Nrmal. Podrías ser tú, Ceremonia. Pero no, es el Corona Capital intentando disfrazarse de otra cosa que no es. Por mí increíble. Ver a los californianos con el sol cayendo fue uno de los grandes momentos de la tarde, pero algo se sentía raro al estar en el Autódromo y no en el Deportivo Lomas Altas.

Yuck
Yuck

“Hold Me Closer” de Yuck: Una de las grandes sorpresas del día. Desde que cancelaran su participación en la pasada edición del CC como parte del Corona Capital Week, todos sus seguidores se habían quedado con un mal sabor de boca. Algo que finalmente pudimos resolver al disfrutar de una de las presentaciones más frescas y enérgicas del día. Tanto que no queríamos que nos soltaran, sino que no mantuvieran más cerca.

Wild Nothing
Wild Nothing

“Shadow” de Wild Nothing: Díganme nefasto, pero me molesta sobremanera recordar que Jack Tatum y compañía abrieron el mismo escenario hace un año y hubiera 10 personas viéndolo, y ahora tuviera un escenario lleno gritándole que lo amaban cuando probablemente no sea así. Obvio estoy amargado, pero eso fue una pequeña sombra para mí. De ahí en fuera, lo de Wild Nothing fue soberbio.

“I Only Want You” de EODM: “Al fin algo con huevos”, fueron las palabras de uno de los amigos con quien estaba. Y sí, eso es lo que le pone Jesse Hughes al escenario. Pocos momentos tan emotivos como el cover de “Moonage Daydream” de David Bowie se verán en otra edición del festival. Y pocos actos tan explosivos también.

“Flesh Without Blood” de Grimes: Justo eso fue para mí la presentación de Claire Boucher. La carne sin la sangre. Uno de los actos más esperados del festival terminó cumpliendo, pero hasta ahí. No sé si le faltó emoción, fuerza o incluso volumen, un problema en todo el CC, pero la gran producción que tiene sobre el escenario no alcanzó a cumplir las expectativas.

Suede

“Sometimes I Feel I’ll Float Away” de Suede: La presentación más triste que he visto en mi vida y la gran culpable del sentimiento negativo que me quedó tras esta edición del festival. A unas pocas canciones de terminar su set, Brett Anderson anunció que esta sería su última presentación pues Suede se iba a retirar de los escenarios, al menos por un tiempo. Si de por sí la noticia es triste, lo más triste fue que la dio a 2,000 personas. ¡2,000 personas! El resto, evidentemente, se había ido a ver a Lana del Rey. Anderson se entregó como nunca y, sin miedo a equivocarme, Suede dio una de las mejores presentaciones de su vida. Pero nadie la vio porque el CC es un festival en el que la gente va a pasar el rato y no a ver actuaciones legendarias. Ya sé que sueno al tío amargado, pero en verdad dolió presenciar algo así.

“The Model” de Kraftwerk: Así como también dolió ver una presentación con tantos problemas como los tuvo la de los iconos de la música electrónica. Fue una verdadera lástima el no poder disfrutar a Kraftwerk en su máxima expresión, como se pudo hacer hace unos años en El Plaza, pero de cualquier forma los alemanes fueron un modelo a seguir para muchos de los presentes que creen que picar play en tu laptop es hacer música electrónica.

LCD Soundsystem

“New York, I Love You But You’re Bringing Me Down” de LCD Soundsystem: No hay palabras para describir el alucine que fue lo que James Murphy y su séquito hicieron sobre el escenario. Sé que hasta el momento parece que no me gustó nada, pero la verdad es que todo el día estuve esperando que las demás bandas llegaran a este nivel. Es impresionante ver como tantas personas se pueden coordinar sobre el escenario para armar la mejor fiesta en la que he estado. Sí, lo demás no lo logró como me hubiera gustado, pero bailar “Daft Punk is Playing at My House” y llorar con “New York” hizo que todo valiera la pena. Ya sé, tengo que decidirme pero qué quieren. Déjenme seguir pensando que estoy ahí.

Justo la presentación de LCD Soundsystem resume lo que es el Corona Capital para mí. Una presentación que hace que todo lo demás se olvide. El cansancio, el hambre, la vejiga inflamada. No sé si los organizadores estaban tan ciscados con la lluvia que se olvidaron de otros detalles, pero en muchos aspectos la sentí como una edición un poco incompleta. Y para nada digo que haya sido una edición mala, simplemente tienen que mejorar muchísimos factores si no quieren terminar perdiéndonos y que no esté James Murphy para salvarlos. Vamos a regresar, claro, pero algo raro pasó este año. O a lo mejor sólo sigo triste por Suede.

Fotos: @gissunshine

#CC16: Cómo ir al Corona Capital y no morir en el intento

Pasan los años y nuevas y variadas propuestas llegan a nuestra querida #CDMX en cuanto a entretenimiento musical se refiere. Sin embargo, uno de los primeros eventos masivos en robarse nuestro corazón llega a su séptima edición y no podemos evitar caer en sus brazos una vez más, pese a que hemos tenido queveres con otros festivales en los últimos años.

maxresdefault

Por supuesto, estamos hablando del Corona Capital, que para su edición 2016 se encargó de curar una excelente selección que, aunque no nos apantalló tanto como en otras ocasiones, dejó más que contentos a todos los melómanos o simples aficionados que ya han hecho de esta su tradición musical favorita.

Evidentemente, esta tradición implica prepararte lo mejor posible, y para eso te traemos la muy particular guía de supervivencia del WMP (ya sabemos, cómo no se nos ocurrió antes) para que, ya sea que seas un visitante recurrente o un virgen capital, su séptima edición te deje con una grata experiencia y no con ganas de mentarle la madre a OCESA y los de su calaña.

image

El viacrucis

Lo más obvio del asunto (y que por eso damos por sentado y luego sale todo mal) es cómo llegar e irte del lugar. Prácticamente todos sabemos llegar al Autódromo Hermanos Rodríguez, el problema es en qué llegar. Si te freseaste y compraste tus boletos VIP con estacionamiento incluido, lamentamos decirte que vas a tener que esperar un buen rato para entrar y salir. Es matemática básica el saber que no puedes meter a tanta gente a un mismo lugar y esperar que la hora de la salida sea sencilla.

Nuestro consejo es que lleguen en metro (el viejo confiable), que tiene las estaciones Puebla o Velódromo de la línea café a unos cuantos (varios) pasos de la entrada, y para la salida aprovechen el sistema de camiones ofrecido por RTP y el INJUVE, que año con año se tarda en salir pero ha demostrado funcionar bastante bien. Como siempre, también habrá servicio de UBER disponible, con su respectiva promoción para nuevos miembros con viajes de hasta $150 gratis, pero el conflicto para conseguir uno disponible y encontrarlo entre el gentío es el mismo problema que con el estacionamiento, a pesar de sus zonas de ascenso y descenso exclusivo. Pero claro, ahora que la bici está de moda, y si te quieres ahorrar un buen varo y estrés al llegar en transporte público, te puedes rifar misión en tu transporte de dos ruedas y llegar sin complicaciones al lugar, nomás que prepárate físicamente, no vaya a ser que la pedaleada te deje agotadísimo y no puedas librar las caminatas del festival.

festival-corona-capital-2014-clima

La mochila

El qué llevar y qué no es, básicamente, según sus necesidades, verda’. Lo que sí tienen que tomar en cuenta es que lo que sea que lleven, lo tendrán que cargar TODO EL SANTO DÍA. Es por eso que les recomendamos llevar únicamente lo indispensable y lo más cómodo posible.

Para esta ocasión lo que está permitido ingresar incluye gorras, bloqueador solar, encendedores, cigarros, lentes de sol, toallas de playa, cámaras digitales no profesionales (o sea, que no se le cambie el lente, pues), chamarras, impermeables, botas de lluvia, carreolas, binoculares, cangureras y pilas externas para celular.

Lo que no podrán llevar son sus respectivas drogas recreativas, alimentos y bebidas, selfies sticks, go pro poles o todo lo que implique un palo con el que podrían golpear a alguien, botellas, armas, instrumentos musicales, cadenas, cinturones con hebillas grandes, mascotas (ni que fuera el NRMAL), ni tiendas de acampar. No es como que alguien sea tan tonto como para intentarlo pero bueno, no está de más recordarlo, sobre todo lo de los malditos selfi sticks.

Nuestra recomendación es que se lleven un morral pequeño con bloqueador, una chamarra que se pueda hacer muy pequeña si la enrollas, un IMPERMEABLE o algo parecido, porque sí, pese al cambio de fecha, la maldición del Corona Lodazal parece que continuará, cartera con identificación y varo (a lo que llegaremos después), y PUNTO. No necesitan absolutamente nada más. Si van a llevar botas de lluvia, llévenselas puestas, qué necesidad de andarlas cargando en una mochila. Pero bueno, hagan lo que quieran.

cc14_hipsterbailador

El varo (ahora sí)

Ir a un festival es caro. MUY caro. Con su respectiva cerveza caliente y cara como ella sola, puedes llegar en plan de “sólo dos chelas” y aún así terminar gastando una fortuna. Los alimentos también son una patada a la cartera por su precio y, sinceramente, de todos modos no vas a comer bien por muchas opciones gourmet que quieran poner.

Lo mejor es hacerte a la idea que vas a sufrir un poco por un par de días y tener prioridades. ¿Comer, beber o regresarte en UBER? Con unos tacos de canasta (5x$60) la armas por un buen rato, dos chelas (mínimo, porque la calor es canija) de a $120 c/u, algún bocadillo conforme se acerca la noche, los refrescos para la caminata de la entrada, y un guardadito de contingencias tendrían que ser más que suficiente para sobrevivir. Y como esta es la guía de supervivencia del WMP y no una lista del buen vivir para los paps del #CC16, diremos que con unos $500 la arman. Si la pasan mal, pueden reclamarme directamente.

pronosticoclimacoronacapital

El lugar

Para todos los que ya han ido, la distribución dentro de la Curva 4 del Autódromo es prácticamente la misma de siempre. Los cuatro escenarios continúan en el mismo lugar y las entradas y salidas tampoco han cambiado. Si no han ido, lo mejor que podemos recomendarles es que, por favor, eviten hacer caminatas innecesarias. Sabemos que puede parecer muy tentador ver a dos bandas en un mismo horario corriendo de un escenario al otro pero, en primera, es imposible, y en segunda, aunque fuera posible, no van a aguantar más de medio día haciendo eso. Organicen sus tiempos y recorran lo menos posible para seguir con energía hacia el final del día.

mapa4

Los horarios

Es muy fantasioso creer que puedes armar un itinerario perfecto y seguirlo paso a paso el gran día. Ya sea que te hayas preparado escuchando a las bandas o no, una de las mejores experiencias de ir a un festival es descubrir a tu próxima banda favorita y dejarte sorprender por lo que tu instinto o tu flojera de cambiar de escenario te vaya trayendo.

Nuestra recomendación es que le echen ojo a nuestros #StaffPick, donde seleccionamos bandas imperdibles para todos los gustos, y lleguen con una mente muy abierta y hechos a la idea de que nunca podrán seguir su itinerario al pie de la letra. De cualquier forma, acá les dejamos los horarios:

horario

La app

Sabemos que las apps oficiales de los festivales generalmente son una porquería, así que nunca la recomendaríamos a menos que en verdad consideráramos que puede serte útil. Más allá de tener el mapa, los horarios e información de las bandas a la mano, en esta ocasión la app ofrece algo que en verdad es muy, MUY útil: ayudarte a encontrar a tus amigos cuando te pierdes en medio del lodazal.

Con la función Friend Finder podrás conectarte a través de Facebook y buscar a tus amigos cada cinco minutos sin necesidad de tener Internet. No sabemos que clase de brujería es esa ni cómo le hacen para que funcione, pero en lo que lo averiguamos vayan descargándola que puede hacerles un paro el mero día.

Dicho esto, ¡que se deje venir el Corona Capital!

#StaffPick Corona Capital: Parquet Courts, Wild Beasts y Band of Horses

Continuando con las recomendaciones del equipo del WMP para hacer de esta edición del Corona Capital todo un éxito en sus itinerarios, es el turno de presentar a tres de las propuestas más interesantes en las que no encontrarán el menor dejo de sensibilidad pop, sino una exploración creativa que los ha vuelto uno de los actos más virtuosos de los últimos años. Bueno, Band of Horses sí es súper pop, pero no podía dejarlos fuera de mis favs.

Parquet Courts

Con sólo seis años de existir y cinco álbumes de estudio bajo la manga, los liderados por Andrew Savage son uno de los estandartes más recientes del garage bien hecho, y la única razón por la que tienen que llegar temprano al festival.

Nacidos en la cuna artística que es Nueva York, comenzaron a hacer ruido de forma discreta como todas las bandas (casi) que estrenan más material del que los medios pueden seguir el ritmo. Sin embargo, con la llegada de su Human Performance a principios de año, el acto logró restituir su relevancia en el medio con un trabajo que refleja crecimiento y un nuevo alcance musical. Su marca indie presume elegancia al llenarse de detalles simples pero creativos, algo que los ha colocado en la cima del art punk que llega a recordar a grandes actos como The Velvet Underground, con sus poéticos sujetos líricos y que será una lástima no ver en un mejor horario.

Top Songs: “Human Performance”, “Outside”,  y “Black and White”.

Horario: Sábado 19 de noviembre en Escenario Corona Light de 2:45 p.m. a 3:25 p.m.

Wild Beasts

Caso similar a nuestra recomendación anterior, los originarios de Kendal, Inglaterra, recibieron un horario que no merecen. Uno de los actos más representativos del art rock, gozan de un seguimiento de culto exponenciado por su nominación al Mercury Prize del 2009, con su segundo álbum de estudio, Two Dancers.

Con Boy King bajo la manga como su quinta producción, y un sonido mucho más cercano a la experimentación electrónica, me basta con su presentación en El Plaza Condesa hace un par de años para saber que estén donde estén, siempre valdrá la pena ver a los comandados por el falsetto de Hayden Thorpe contagiar al público con sus pasajes sonoros y texturas ambientales que te hacen querer ser uno con la música.

Top Songs: “Reach A Bit Further”, “All The King’s Men” y “Sweet Spot”.

Horario: Sábado 19 de noviembre en Escenario Corona Light de 4:05 p.m. a 4:45 p.m.

Band of Horses

Aunque podría parecer una elección obvia y nada objetiva (dado que sí, repito, es una de mis bandas favoritas) el ver a Band of Horses en esta edición del Corona Capital implica dejar de lado un par de presentaciones que también prometían ser épicas, Unknown Mortal Orchestra y Young Fathers.

Sin embargo, el momento que engendrará el festival capitalino al comenzar con las delicadas melodías de Ben Bridwell y compañía, mientras la noche comienza a caer será único. Con el lanzamiento de Why Are You OK  a mediados de este año, y el regreso a la calidad a la que nos tenían acostumbrados que este representó, la presentación de los rockeros más románticos de Seattle es en definitiva un must para mí. Sí son unos cursis sin remedio, esta es la opción.

Top Songs: “Evening Kitchen”, “The Funeral”, y “No One’s Gonna Love You”.

Horario: Domingo 20 de noviembre en Escenario Corona de 7:15 p.m. a 8:15 p.m.

Central Modelo: música, comida y muchas risas

Cerveza Modelo cumple 91 años y desde hace tiempo que está celebrándolo, iniciando con la compilación de una guía gastronómica que seleccionó los mejores 91 platillos mexicanos, seleccionados por el público.

Para compartir esta selección y continuar con el festejo, Central Modelo llegará al Forum Corona los próximos 12 y 13 de noviembre, en los que esta lista será reducida a sólo 10 platillos, que serán presentados en un fin de semana de perfecta combinación entre humor, comida y bebida.

Todo esto acompañado de la mejor música, pues en ambos días se podrán disfrutar de las presentaciones de invitados como  Ximena Sariñana, Nortec: Bostic + Fussible, Mylko, Jesse Baez, Teen Flirt, Rey Pila, Sotomayor, Juan Soto, El Día, Caloncho, Andrew Bird y Portugal The Man.

unknown

Además de esto, la cerveza no podía quedar fuera de la celebración, y Central Modelo será el escaparate perfecto para presentan Modelo Trigo, la nueva integrante de la familia, una edición limitada de receta belga tipo witbier perfeccionada por manos mexicanas.

 

Para cerrar con broche de oro, la comedia también se hará presente con los mejores exponentes del stand up nacional, entre los que podrán disfrutar y reírse a carcajadas con las presentaciones de Alexis De Anda, Mau Nieto, Daniel Sosa, Carlos Ballarta y Ricardo O’Farrill, entre otros.

Los boletos ya están disponibles y sus precios se encuentran en $300 por día y en abono $500, y puedes adquirirlos aquí o en las taquillas del Auditorio Blackberry.

10-platiloo

#CasaCorona: porque un fin de semana de Corona Capital no basta

Retomando la tradición iniciada hace un año con el Corona Capital Week, la gente detrás del festival más grande de la Ciudad de México se dio cuenta que a los melómanos no les bastaba con tener un fin de semana lleno de música y para la edición 2016 repiten la dosis de tener presentaciones adicionales algunos días antes del festival, en esta ocasión bajo el nombre de #CasaCorona.

corona-capital

Es por esto que del 16 al 18 de noviembre, #CasaCorona se estará llevando a cabo en la Ciudad de México, en donde podremos disfrutar de una serie de conciertos íntimos con algunas de las bandas presentes en el cartel del Corona Capital 2016, además de una serie de workshops, sesiones de tatuajes y exhibiciones para hacer la experiencia del festival aún más grande.

Para fortuna de todos, estos conciertos serán completamente gratuitos y podrán disfrutar de las presentaciones de Wild Beasts, Band Of Horses, Parquet Courts, Lost Frequencies, Walk The Moon y A Silent Film, mientras que el frente local estará representado por Rey Pila, The Wookies, Pato Watson, Bufi, Rubytates y Simpson Ahuevo.

Si no quieren perderse esta oportunidad de ver a sus bandas favoritas en un formato más íntimo, sigan muy de cerca las cuentas de @Corona_MX ya que esa será la única forma de ser parte de esta edición de #CasaCorona.

¿A quién más les habría gustado ver aquí?

GusGus llega a Guadalajara

Después de anunciar su regreso a la Ciudad de México para el próximo 11 de noviembre, GusGus también se estará presentando un día después en Guadalajara para llevar sus ritmos bailables a tierras tapatías.

El grupo formado por Biggi Veiran, Daníel Ágúst y Högni Egilsson fue fundado en 1995, y aunque sus integrantes han cambiado constantemente, su trabajo sigue siendo un referente de la música electrónica islandesa que ha logrado cruzar fronteras y llegar a los oídos de todo el mundo.

Gus Gus

La cita es el 12 de noviembre en el BMLS Showcenter: Av. Avila Camacho 1657, y los boletos ya están disponibles en Ticketmaster y las taquillas del venue.

¿Se los van a perder?

Escucha “Drum”, lo nuevo de MØ que seguramente estará sonando por un buen rato

Después de haber conquistado todo el año pasado, nuestra danesa favorita regresa con un nuevo track que definitivamente estará sonando en todos sus dispositivos de aquí en adelante.

Co-escrita por con Charli XCX, Noonie Bai y BloodPop, y producido por este último, “Drum” fue estrenada en la BBC Radio 1, como el Annie Mac’s Hottest Record in The World, un título que le viene como anillo al dedo.

“Drum se trata de liberarse”, dice MØ. “Ya sea de un viejo amigo, un amante, un compañero de por vida o incluso de sí mismo, se trata de dejar ir con el fin de perseguir sus sueños, para mejor o peor. A veces tenemos que aceptar que puede que no tengamos un plan, pero que tenemos que averiguarlo por nuestros propios errores – tomar los golpes y hacernos fuertes – y lo mismo pasa con nuestros seres queridos”.

Escuchen lo más reciente de nuestra querida Karen Marie Ørsted y vayan acostumbrándose a él.

Siddhartha y el legado del pez que voló (entrevista)

Fotografía: Edwin Lopez.

El camino para un músico nominado al Grammy podría parecer fácil. Lejos quedó el tiempo en que Siddhartha se separaba de su etapa como baterista para comenzar a forjar su carrera y buscar su propio público. Ahora, después de años de trabajo, podría pensarse que finalmente llega la etapa de descanso en la que uno se puede relajar y sentarse a disfrutar del éxito. Sin embargo, para el músico tapatío el camino nunca ha ido por ahí.

Más allá de dormirse en sus laureles, cada que uno de sus discos termina su etapa, es una nueva oportunidad para volver a ponerse retos creativos que lleven su exploración un paso más allá. El vuelo del pez fue un impacto que no muchos esperaban, y más que quedarse admirando la que podría ser su obra maestra, Siddhartha inmediatamente se puso a pensar en cómo superarlo de la mejor forma posible: no preocupándose en hacerlo, sino trabajando como siempre lo hace.

Con un sencillo estrenado hasta el momento, “Tarde”, su séquito de náufragos se muere de ansias por conocer más de su nuevo material. Mientras tanto, Siddhartha está tranquilo de que el fruto de su trabajo seguirá llegando al público que tenga que llegar, y esperando a que este periodo concluya para volverse a aislar en alguna cabaña nueva y seguir haciendo lo que mejor sabe hacer.

Tras el enorme éxito que fue El Vuelo del Pez, la expectativa por tu nuevo material es enorme. Después de las nominaciones al Grammy, el reconocimiento general del público y todas las grandes cosas que llegaron para ti tras este proceso, ¿sientes que este nuevo material es en el que más presión ha existido por mantener esta racha?

En realidad nunca he puesto demasiada importancia en esto. Más bien la secuela que ha venido dejando cada disco es para mí una forma de también asimilar las experiencias y aprendizajes. Más que una presión, es un motivante para hacer más música que me satisfaga y me haga sentir fresco. Las cosas positivas que han traído cada disco podrían hacer pensar que siempre hay que ir un paso adelante del anterior, pero creo que al final todos se han complementado. El vuelo del pez fue lo que fue porque es un disco que tuvo un antecesor del cual también aprendí, del cual también recogí muchos frutos.

Además de ello, el nuevo álbum la verdad es que me dejó un muy buen sabor de boca, me siento muy satisfecho con el resultado. Es un disco que disfruté mucho de principio a fin y que en realidad no lo siento en competencia con ninguno de los otros discos. Sin embargo, por lo menos a nivel personal, sí creo que es un disco que tiene un sabor distinto y que sí es el resultado de los discos anteriores, con el crecimiento que cada trabajo tiene y la experiencia acumulada de los pasados. Entonces no, no me siento amenazado. Por el contrario, más bien me gusta esa sensación de hacer algo distinto. Además creo que este disco, si se tratara de ponerlos en comparativa con los demás, creo que está suficientemente preparado para ser comparado positivamente.

Hace poco leía un artículo, con recomendaciones para músicos nuevos, donde les aconsejaban hacer del proceso de creación parte de la historia que posteriormente iba a vender el trabajo final. Que fuera un proceso fuera de lo común que agregara valor a la historia y eso mismo llamara la atención de los medios. En tu caso, lo has hecho así con tus trabajos, aislándote en cabañas, yéndote a lugares paradisíacos, pero no parece para nada una estrategia de mercadotecnia, sino todo lo contrario. Parece la única forma posible de trabajar para alguien como Siddhartha. ¿A qué crees que se deba este acercamiento tan diferente que tienes con la música?

Yo lo he hecho siempre por tratar de buscar un espacio adecuado e idóneo para la creación. Que al igual que otros trabajos necesitan de una forma, de un lugar, de un estado de ánimo, y en la manera en la que yo mejor reacciono es cuando estoy concentrado o aislado o en un ambiente propicio para poder sacar las ideas y que no haya otros distractores.

En todos los discos lo he hecho y este no ha sido la excepción, también lo hice de distinta manera. Cada uno ha tenido un escenario diferente. Este disco lo hice una gran parte en la playa, otra parte la hice en un pueblito cerca del Lago de Chapala. Como que estos ambientes un poco más relajados y fuera de la tensión citadina a mí generalmente me vienen bien y no ha sido algo premeditado ni mucho menos, sino más bien me he dado cuenta que para un trabajo creativo, o por lo menos en mi caso, es el ambiente que mejor me viene para justo eso, soltar todas las ideas. Y lo he hecho de manera también inconsciente. Empezó como una necesidad porque después de todo el trabajo, los viajes, los shows y demás, como que bajar un poco el ritmo es también necesario a nivel personal.

Un poco sobre esta línea, me llama mucho la atención la perspectiva que tienes del mundo y como lo reflejas en tus letras. Creo que es justo esta temática emocional, espiritual, metafísica incluso, la que te ha hecho tan diferente a muchos otros artistas que no logran una conexión tan real como la tuya con tu público. ¿De dónde surge la necesidad de compartir ese tipo de mensajes?

Yo creo que en realidad tampoco es una cuestión que haga con la intención de transmitir necesariamente lo que creo. Es decir, no estoy tratando de predicar absolutamente nada. Más bien, digamos que yo veo a la música como un instrumento de expresión, y sobre todo a la lírica, y lo que yo hago, e hice incluso desde antes que la gente lo escuchara, es expresar mis ideas, expresar mis pensamientos, las cosas en las que he tenido experiencias, en las que pienso, en las que simplemente intuyo, o muchas veces en las que imagino. Nada de lo que digo aseguro que sea la verdad total, simplemente a través de la música me parece que es un lenguaje de expresión universal y cada quien puede recibirlo e interpretarlo como guste.

En realidad mi motor al hacer música es expresarme, entonces la gente que se ha conectado con esa expresión es libre de aceptarla e interpretarla como quiera o bien de cuestionarla y no hacerle caso también. Agradezco que la gente se conecte con lo que hago, pero no siempre se puede con todos. Habrá quien tenga opiniones distintas y está perfecto.

¿Qué de esto podremos encontrar en tu próximo material y qué detalles podrías compartirnos? ¿De dónde estuviste agarrando para este nuevo disco?

Cada disco ha sido un reflejo de mis etapas personales, y como todas etapas hay un poco de todo. Reflejan tanto temáticas personales que son pensamientos referentes a mi estado de ánimo, a la manera en que estoy viendo las cosas en este ciclo, y abarcan todo tipo de temáticas. Si bien es la primera vez que abundo un poco más en una temática más sentimental, a nivel de compartir con otra persona parte de tu vida, también voy pasando por un montón de cosas diferentes que son en torno a reflexiones del mundo, de la naturaleza, de la vida, de la existencia, y también de mi propia persona. Creo que en ese sentido este disco sí es un poquito más personal en lo que a la lírica se refiere.

Todos han sido muy personales. Siempre han estado narrando autobiográficamente un momento de mi vida pero digamos que ahora soy menos tímido al respecto.

Sabemos que el disco está planeado para estrenarse a finales de septiembre pero, ¿hay algún otro dato del disco y su presentación que podamos conocer?

En esta ocasión vamos a empezar un poco al revés. Vamos a tener presentaciones de la mano de la salida del disco, primero en el extranjero, en Estados Unidos, después en octubre andaremos por Colombia, también en Argentina y Perú, que serán las primeras veces que estaremos por allá. Para noviembre yo creo que ya estaremos presentando el disco por México, por lo pronto en las ciudades más grandes y después nos iremos haciendo todo el recorrido por el país.

Cada que termino un disco hay cierto entusiasmo por saber qué va a pasar con él y suele convertirse en el disco que más has disfrutado y el que más te gusta. Puede parecer una frase repetida por muchos músicos, y por lo mismo procuro no utilizarla, pero sí te puedo decir que este disco, a nivel personal, es el que al terminarlo me he sentido más satisfecho. Con todos los discos he vivido muy en paz y me han gustado, pero creo que este en particular tiene para mí un sabor especial que ya me urge mostrarles.

#NuevosRuidos: La oscura melancolía de Negrø

Hay personajes que definen el panorama de una ciudad desde su trinchera y con pequeñas labores que van moldeando la esencia de algún lugar en específico. En una época en la que se vive, vivimos, de los likes, es difícil que alguien lo haga por mero gusto o reconocimiento. Sin embargo, hay alguien que así lo ha hecho con Morelia.

Walter Esaú, siendo un crack

Entre las sombras, la figura de Walter Esaú ha dado forma a la creciente escena musical de la capital michoacana. En el camino ha ayudado a que proyectos como Expedición Humboldt o Axel Catalán se fueran convirtiendo en lo que ahora son. Todo esto como el cabecilla de Sin Futuro Records, siempre oculto y poniendo por delante el éxito de sus amigos antes que el propio, con el único objetivo de hacer de Morelia un epicentro de la creatividad a nivel nacional.

Es precisamente de ahí, desde las sombras, que nos llega Negrø, el más reciente proyecto de Walter. Aquí, finalmente se aleja de su labor de padrino y se concentra en darle fuerza a su mensaje, en una atmósfera plagada de amor, desilusión y la esperanza, en una historia ideal para el soundtrack de una película de vampiros.

Walter Esaú ha sido una especie de titiritero del panorama de Morelia durante los últimos años, pero se siente como si tus proyectos personales no hubieran sido tu prioridad, siempre buscando la exposición de otros esfuerzos sin miedo a dejar los tuyos para otro momento. Una impresión que se pierde completamente cuando escuchamos “Vampiro”, el último lanzamiento de tu proyecto Negrø que fue una muy muy grata sorpresa. ¿Tú sientes que haya en esta nueva etapa, algo que te había faltado antes?

Siempre me ha gustado más invitar a mis amigos a comer a casa, cocinar para ellos e intentar que pasen un rato chingón en lugar de yo ir a fiestas a su casas a disfrutar de la fiesta sin ser anfitrión. Yo creo que eso pasa con Sin Futuro Records, todos son mis compas de muchos años y por fin veo que vamos bajando avión de nuestras ideas pendejas de fama de cuando éramos morros.

Yo no había encontrado el lenguaje correcto para expresarlo, pero me parecía que varios de mis compas sí y por eso al principio del Sin Futuro yo me hice para un lado con mi música, pero igual me subí al barco a intentar echarlo a flote. Así anduve mirando desde la banca cómo se iban gestando nuevos proyectos, mientras encontraba la forma de tirar lo mío.

Lo único que cambio con Negrø es que ya sentí por primera vez que no le estaba mintiendo a nadie con mi discurso pero, sobre todo, que no me mentía a mí.

Para los que tal vez no estemos tan acostumbrados a la vida en Morelia, ¿cuáles sientes que fueron las circunstancias que te llevaron a hacer de Negrø, y en específico de “Vampiro”, un viaje tan denso e introspectivo?

De hecho cuando nació Negrø no vivía en Morelia. Andaba viviendo el sueño chilango con otro proyecto. Tenía una vida ya medio establecida, compartía un hogar con una mujer y hasta tenía una chamba no tan puteada. Luego un buen día todo se fue a la chingada y me quedé sin banda, sin chamba, sin morra y sin hogar. Yo creo que ese quiebre me llevó a componer “Vampiro” que, aunque suene medio fúnebre la rola, para mí es una celebración de haberme levantado de algo que creí que no iba a poder hacerlo. La neta, tampoco es nada del otro mundo. Hay gente que la pasa peor. Yo estaba escribiendo esta rola en un departamento bien culero, sin ventanas, pero de una colonia fresona y tenía varios compas que no me dejaron abajo.

Con completo riesgo de equivocarme, podría parecer que la escena independiente en Morelia creció apresuradamente para después volverse a quedar en los mismos tres o cuatro proyectos que ya conocíamos, y que precisamente habían crecido gracias al apoyo de Sin Futuro Records. ¿Qué crees que esté faltando para que más proyectos puedan llegar a tener esa exposición? ¿O yo estoy mal totalmente?

La escena en Morelia y en muchos lados es un loop: se juntan unos morros, hacen una banda, se toman unas fotos, graban con lo que pueden, tocan en todos los bares de la ciudad y cuando la cosa se empieza a poner seria, alguno o algunos abandonan el barco y no pasa nada más. Eso nos tocó a varios de los Sin Futuro con nuestros proyectos anteriores, y eso nos puede pasar todavía porque seguimos en el camino, sólo que ahora veo a toda la banda más enfocada y más consciente de que este pedo es una cosa de todos los perros días.

Tienes toda la razón con el crecimiento y luego estancamiento de la escena pero creo que es algo que ha pasado todo el tiempo y yo lo he vivido con tres proyectos distintos.

Con gente como el buen Artemio Pedraza de Salvajenada cambiando de residencia a la CDMX, no podemos evitar pensar que la cultura sigue centralizada y que de alguna forma la tirada es emigrar a la capital lo más pronto posible. Desde la trinchera de Sin Futuro Records, ¿crees que esta sea la única opción?

Conozco a Artemio (Arte, pa’ los compas), gracias a que tuve el gran placer de tocar en una banda con él. Su cambio de residencia no creo que haya sido causado en aquel momento por el trabajo que venían haciendo con Salvajenada, sino más bien tenía que seguir con sus estudios, y ya estando allá se encontraron con puertas y oportunidades para expandirse. Artemio es el más carita y famoso de Salvajenada, pero son todo un crew muy bello, haciendo cosas bien rifadas y hasta donde tengo entendido la mayoría reside en Morelia.

No voy a venir a negar que la cultura y la música en específico siguen centralizadas porque eso es una realidad, y no sólo dentro del país las bandas se centran en la Ciudad de México, sino también proyectos de todo Sudamérica emigran a la ciudad haciendo de esta su centro de operaciones y comando.

Lo que te puedo decir es que, por otro lado, aunque entendemos las oportunidades que se abren al mudarte a la Ciudad de México, también estamos convencidos que para llegar a mucha gente podemos hacerlo desde aquí. Es importante no perder de vista que hablamos de nuestra realidad y, por ahora, Michoacán es nuestra realidad. Nos gusta mucho proteger esa particularidad en un discurso que se construye a partir de lo que vivimos y que nos permite hablar, probablemente, de otras realidades diferentes a las que comparten las bandas o colectivos que están chingándole en otro lado.

Es eso y que la neta no sabemos andar tan chido en metro y que las tortillas de la CDMX no rifan, por ende sus enchiladas tampoco. Nos da el síndrome del jamaicón cada vez que nos queremos ir para allá.

¿Qué proyectos vienen en el futuro próximo, tanto para ti, para Negrø y Sin Futuro?

Yo me voy con Negrø un mes en septiembre al gabacho y ando buscando fechas por allá. Este proyecto se va construyendo diariamente y procuro no hacer muchos planes pero sí mucha música.

Con el Sin Futuro Records buscamos movernos como bloque con los cuatro proyectos que somos ahora. Ya hicimos un MiniTour todos juntos y estaría bien perrón llevar eso a muchos lados. Todos los días le pedimos a la virgencita que se recupere pronto Axel Catalán, uno de nuestros hijos pródigos que tiene un brazo fracturado, para que pueda pronto volver a los trancazos.

Pueden seguir al pendiente de Negrø y todo lo que viene para este interesante proyecto en su página de Facebook:

https://www.facebook.com/Neeeeeeeeegro/