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Distopía Fest, catarsis musical en la CDMX

El post-hardcore, post-punk y post-todo serán celebrados en esta primera edición del Distopía Fest.  Creado por Infinite Noises & North City Music, quienes también son responsables de otro evento que conmemora lo mejor del post: Utopía Fest, pero aquí van más allá del post-rock y celebran el lado oscuro de la post-música.

El cartel está liderado por los californianos de Quiet Fear, que pusieron los gritos rudos en el Forever Alone Fest IV el pasado febrero en CDMX. La otra banda estadounidense es Lord Snow, post-punk con un toque emo directo desde Chicago; ellos se encuentran grabando un split con Le•Mat, banda regiomontana que también estará en el evento, por lo que es probable que tengamos interacciones de ellos en el escenario.

Narvol estará representando el black metal mexiquense, pondrán el momento más darks e introspectivo de la noche. De la Ciudad de México está K. post-metal profundo que nos lleva a la catarsis. Y para cerrar con broche de oro tenemos a Arcadhianonstabian, los papás del post-metal/post-hardcore mexicano que marcaron un antes y un después en el medio.

El manifiesto del fest es sobre las contradicciones del ser humano, del ser y no ser, y finalmente, del pertenecer a algún lugar. En este caso pertenecemos a la escena y su hermandad, todos estamos en estos eventos por el mismo motivo: el apoyo al crecimiento de los proyectos locales y nacionales de calidad.

La cita es el Foro Mundano el sábado 4 de agosto a partir de las 6pm, el cover es de $150 en preventa y $200 el mismo día.

#RuidosChidos: FoeMe, sus Incendios y álbumes conceptuales

FoeMe ha crecido con la escena independiente de México. Estos morros llevan ya una trayectoria de 13 años, en los cuales han pisado diferentes escenarios de México e incluso de Europa y están próximos a estrenar su EP Incendios II. En esta entrevista con Arturo Waldo (guitarrista), nos contó de cómo fue que nació este proyecto y del desarrollo de la banda a través de estos años.

¿De dónde nace la idea de formar Foeme?

Formamos FoeMe en la secundaria. Mi amigo Pratt (bajista) y yo decidimos componer canciones a partir de una historia que inventamos, acerca de un niño que encontraba un instrumento musical, hecho de cristal, en forma de espiral que se tocaba con los ojos. Así grabamos nuestro primer EP llamado Félix.

En 2005 apareció Foeme. ¿Cómo ha progresado el sonido de la banda desde hace 13 años a hoy en día?

Nuestro sonido ha progresado mucho. Al inicio no estudiábamos música y éramos un power trio. Conforme pasó el tiempo comenzamos a incluir a más integrantes en la banda, todos somos músicos profesionales, egresados de alguna escuela.

¿Qué diferencia encuentran en la escena actual independiente en México a la que existía en el 2005?

Hay una diferencia importante. Me parece que comienza a haber más estructura. Hay más sellos independientes que promueven a los proyectos emergentes y los músicos comenzamos a ocuparnos de ser más formales.

Ustedes que han tocado en diferentes escenarios de Europa ¿Cómo fue el recibimiento por parte del público europeo? Y por otro lado, ¿existe apertura e interés por parte del medio europeo hacia el rock independiente que se hace en México?

Nuestra experiencia en Europa fue muy afortunada. La gente fue muy receptiva con nuestra música. De entrada, les llamaba mucho la atención ver a 5 greñudos de piel morena con instrumentos musicales. Me parece que salir de contexto nos hizo muy atractivos, en general. Allá todos son güeros. Vendimos alrededor de mil copias de nuestro álbum Buenos días, fuimos a varios medios y a ellos les llamaba la atención que hubiéramos tomado la temeraria decisión de ir para allá, sin un contacto. Les llamaba la atención la historia de nuestro viaje, además de la música. La referencia del rock mexicano para todos los medios en Europa era Molotov.

Rock con corno francés, sintetizadores y glockenspiels, o como lo han catalogado sus fans: rock divertiprogresivo. Esto y más es FoeMe.

El nuevo EP Incendios II, estará disponible muy pronto en todas las plataformas, pero, ya han sacado a la luz su sencillo titulado “Tres”, que se desprende de este material. Dénselo por acá y no les pierdan la pista: 

#WMPGigs: Belle and Sebastian en Frontón México

Un niño y su suave lomito (que primero fueron los protagonistas de una novela francesa y después un exitoso anime) son la inspiración detrás del nombre de la banda escocesa que se presenta este jueves en Frontón México.

Belle and Sebastian no es un dueto, sino seis músicos que desde 1996 nos han deleitado con sus dulces melodías. Íconos del indie pop con guiños al chamber pop, estos británicos regresan a la CDMX a presentar su trilogía de EP’s titulada How to Solve Our Human Problems. Se trata de 15 temas que desde finales de 2017 fueron apareciendo y en febrero de 2018 fueron compilados en un LP gracias a Matador Records.

Después de 3 años sin visitar México, aún podremos gozar de un setlist variadito que si bien centra su atención en el material que vienen a promocionar, no ignora los hits que a lo largo de dos décadas han cosechado. Si quieres pasar una bonita velada que se sienta como un día soleado en el campo, este es tu plan perfecto. Los últimos tickets los consigues por acá.

Pulso GNP, la fórmula festivalera que ya conocemos aplicada en Querétaro

Texto por: @DanielReyes
Fotos de: @_DiegoVigueras
En los últimos años, la escena musical ha crecido exponencialmente, lo que ha fomentado la creación de nuevos espacios y eventos para poder disfrutar de un buen espectáculo musical en vivo. Sin embargo, la falta de logística, los carteles sin pies ni cabeza o la dificultad para acceder, ya sea por la ubicación del venue o por el precio de los accesos, ha ido aniquilando esa bonita intención de crear un nuevo festival.
Este fin de semana, salimos rumbo a Querétaro para presenciar la primera edición del festival Pulso GNP, mismo que contó con un cartel bastante atractivo tanto para las viejas como para las nuevas generaciones, pues MGMT, Café Tacvba, Zoé, The Vaccines, Jarabe de Palo, Porter entre otros, fueron los encargados de encabezar el cartel, logrando un sold out con 40,000 localidades agotadas, gran arranque para una primera edición.
Este festival se llevó a cabo en el Antiguo Aeropuerto de Querétaro, ubicado a un costado de una carretera con difícil acceso, cosa que complicó bastante la llegada, pues los múltiples autobuses y automóviles provenientes de varios estados de la república buscaban estacionamiento para que sus pasajeros descendieran, causando un caos vial que retrasó el ingreso al mismo. Dentro del venue, encontramos amplio espacio para separar los dos escenarios principales, mismo que estaba cubierto por grava en su mayoría, cosa que nos hizo pensar dos veces antes de descansar un poco sobre el piso.
Aunado a los escenarios principales, Pulso GNP dispuso de dos carpas: “Escena Centro” donde algunos DJs pusieron a bailar a los curiosos que pasaban cerca y “Casa Comedy”, carpa ya conocida en pasadas ediciones de Vive Latino, donde Daniel Sosa fue el Standupero principal.
La dinámica del festival fue sencilla pero efectiva, pues a medida que una banda terminaba su presentación en uno de los escenarios principales, el escenario opuesto comenzaba las acciones, sin embargo, a lo largo del día, se fueron presentando diversos problemas técnicos que retrasó el inicio de las presentaciones de 10 a 30 minutos aproximadamente.
Technicolor Fabrics y La Gusana Ciega fueron los primeros actos en unir a las gargantas, mientras que algunos asistentes emprendían la misión de afrontar largas filas para cargar saldo a las pulseras cashless, único método de pago del festival.
Más adelante División Minúscula reunía a gran parte de la multitud que con fervor cantó “Cursi”, “Las Luces de esta ciudad” y “Sismo”. Luego de este show, Zoé nos brindó una mágica presentación, donde ya incluyó los temas de su nuevo álbum Aztlán: “Venus”, “Azul”, “No Hay Mal Que Dure” y “Hielo”, entre otros temas del resto de su discografía.
Porter dio un breve set de 8 canciones, todas bailadas y coreadas contundentemente por los fanáticos, mismos que corrieron inmediatamente al otro escenario en cuanto terminaron, pues Café Tacvba era de los más esperados por miles de personas. Rubén tuvo una gran energía a lo largo del espectáculo y se mantuvo en constante interacción con su público, al cuál buscó darle varios mensajes de impacto social al acercarse la época de elecciones.
The Vaccines fue mi acto favorito en este día, y aunque tuvieron algunas fallas de audio al inicio, las cosas mejoraron a lo largo de su increíble set. “Wreckin’ Bar (Ra Ra Ra)”, “Dream Lover”, “Post Break-Up Sex” y “All In White” se cantaron en todo lo alto.
Vaya sorpresa que nos llevamos al cierre del escenario Vivir es Increíble, pues MGMT sedujo nuestra mente con un conjunto de visuales hipnóticos que nos voló la tapa de los sesos. “She Works Out Too Much” comenzó el sendero al infinito causado por su increíble ejecución, mientras que un curioso emoji poop bailaba y se distorsionaba al ritmo de la música. Pero eso no se comparó con el hermoso cierre del set, pues “Kids” generó un estado de euforia colectiva y “Siberian Breaks” apaciguó nuestra mente y nuestra alma con tan bella pieza de larga duración.
Al final, el escenario AT&T cerró con un DJ Set de The Horrors, mismo que ya no tuvo tanta audiencia, pues mucha gente decidió emprender el camino de regreso una vez concluido MGMT, y quizá fue una decisión algo acertada, pues al igual que a nuestra llegada al festival, salir de la zona fue un completo caos.
Pulso GNP cumplió bastante bien con las expectativas en cuanto al espectáculo y el talento programado, sin embargo aún hay mucho que mejorar a nivel logístico, pues los tiempos muertos al acceso y en las filas de más de 30 minutos por una bebida o algo de comer le restan muchos puntos.

Delta Sleep les trajo sus taquitos al pastor

La banda de Brighton, Inglaterra ha lanzado un video de su nuevo sencillo “El Pastor”. Este track es parte de su tan esperado nuevo material que llega tres años después de su aclamado debut Twin Galaxies.

Recordemos que en junio del año pasado estuvieron de gira por nuestro país tocando en varias ciudades como: Tijuana, Monterrey, Puebla, Tlaxcala, CDMX etc.

Durante su estancia se hicieron profundamente fanáticos de los tacos al pastor (como caaasi todos) y se inspiran en este patrimonio gastronómico mexicano para darle nombre a su creación.

Devin Yuceil, Glen Hodgson, Dave Jackson y Blake Mostyn nos llevan a la ciudad natal de la banda, donde en una tarde fría  pero en primavera toma forma el video de “El Pastor”. Visto desde una perspectiva que recuerda mucho al gran director Wes Anderson (quien recién estrenó su más reciente film Isle of dogs),  con algunas tomas hermosamente simétricas. Fieles a su estilo audiovisual, en un contexto totalmente urbano y propio de la banda, mientras se observan las guitarras rasgueando y los golpes en la tarola.

Estos cracks de los ritmos rápidos de batería y guitarras complejas que no se quedan solamente en un típico 4/4, hacen uso de math-rock con tintes melódicos y un coro que te envuelve desde la primera vez que lo escuchas.

Los ingleses también han anunciado un tour empezando en este mes de junio donde tocarán en lugares como Reino unido, España y del otro lado del charco, en varios puntos de Estados Unidos que culminan en septiembre.

¿Será que se darán otra vuelta por tierras aztecas pronto?

Telenovelas, drama y ofrendas en lo nuevo de El muchacho de los ojos tristes

“El muchacho de los ojos tristes vive solo y necesita amor”, cantaba Jeanette en 1981. En 2018 hay una banda capitalina que bajo este nombre también escribe unos dramones dignos de telenovela. Prueba de esto es su último sencillo titulado “Ofrenda”, el cual se acompaña de un video que podrías ver con tu abuelita y se quedaría picada.

Dale play ¡AHORA! 

Ya que has visto con tus propios ojos esta producción que no la tiene ni Televisa, te dejamos una breve charla que tuvimos con Abel Bucio, fundador del proyecto, al respecto de esta canción que pronto será parte de un nuevo EP.

¿Cómo se les ocurrió que el video fuera como una telenovela?

La canción en sí es muy dramática. Cuando la escribimos Juan relacionó el sonido del sintetizador como si fuera la máquina de signos vitales. Ese fue el origen de la idea, entonces poco a poco fue evolucionando y tomando forma a lo que se le sumó nuestra fascinación por la estética del cine y televisión mexicana. Tenemos una relación muy estrecha con el audiovisual de este país, entonces vimos una oportunidad para divertirnos y al mismo tiempo hacer una especie de homenaje.

¿Cuál es su telenovela favorita y por qué?

Sonará contradictorio pero no tenemos una telenovela favorita. Afortunada o desafortunadamente crecimos en un hogar en donde Televisa reinaba el televisor la mayor parte del día y debido a ello lo que veíamos eran telenovelas, pero las historias nunca fueron atractivas. Éramos jóvenes de 7 años, el drama telenovelezco no era muy llamativo, pero sí su estética. Eso nos gusta mucho. Pero en fin, si a fuerza tuviera que elegir una sería Cuna de Lobos. Esa estaba muy creepy.    

¿Tienen alguna anécdota divertida de la filmación?

Hay bastantes. Pero la que marcó aquella tarde fue cuando Tavo y Juan fueron por un monitor para detallar el arte del set; se llevaron la camioneta y los paró la federal. Resultó (según el oficial) que la camioneta tenía dos tarjetas de conducir.

¿Qué le espera al muchacho para el próximo EP? ¿Al fin encontrará el amor?

Quien sabe… Esperamos que sí lo encuentre. No estaría mal un disco con rolas un leve más alegres. Aunque por ahora El Muchacho está bien. Este EP es liberador, a comparación del primer EP en donde le cantaba a un amor platónico, en este por fin se ha dado cuenta que ese tipo de amor no es amor del bueno.

Pendientes de sus redes sociales, porque además de unos señores memes, también nos compartirán más sorpresas durante el mes de mayo.

 

#revieW: A dream of Future Islands and me

Texto por: Berenice Espíndola
Fotos: Óscar Villanueva Dorantes (OVD) / Cortesía

La noche comenzaba con los fans ya en filas para ingresar al recinto, las puertas del lugar ya contaban con la fecha y la banda encabezada: Future Islands en El Plaza Condesa, todo se combinaba para crear una presentación deslumbrante.

Al entrar, todo estaba listo para la presentación de Andrés Jaime, con su proyecto: Wet Baes; quien fue encargado de abrir. Canciones con mucho estilo vaporwave inundaban el lugar, en modo full band, dejándonos ver más sobre la estructura melódica, transformando el ambiente e incitando al público a bailar. Fue sorpresa para muchos la presentación de Andrés, pues a su corta edad logra proponer algo fresco. Sin embargo, a su alrededor se encontraban fanáticos de la banda estelar esperando con ansias cada minuto para poder apreciar el gran show del que teníamos expectativa.

 

Las luces empezaron a bajar de intensidad, el momento más esperado de la noche había llegado. Entre la penumbra ingresaban al escenario Gerrit Welmers, William Cashion y Mike Lowry, quien ahora es parte de la alineación de la banda, en la gira de The Far Field. Empezaban a sonar notas aleatorias… aún sin reconocer alguna pista, Samuel Herring hizo su entrada. Los sonidos suaves del bajo comenzaban a resonar una y otra vez, “Back In The Tall Grass” daba comienzo a este gran concierto. Una canción que no contábamos que apareciera como inicio, sin embargo, una entrada infalible para los fanáticos del álbum Singles.

La noche emprendía, Samuel presentó a la banda al terminar la primera canción, entregando desde el primer minuto al frente del público toda la energía posible. Como era de esperarse, el teclado empezó a entonar las primeras notas de “Beauty of the road”, seguido de su primer sencillo del album en gira: “Ran”. De pronto el público enloqueció, se escuchaba corear “Ingest, where it goes, nobody sees but me so perfect and so sweet (…)” Así poco a poco, la experiencia cada vez más íntima empezó a formarse.

Sam no paraba de trasladarse de un lado a otro del escenario; bailando, sintiendo cada palabra de cada una de las canciones que interpretaba. “A Dream Of You And Me”, una de las canciones más esperadas de la noche, puso a saltar, corear y aplaudir a más de una persona. Con “Time On Her Side” no esperábamos menos. Difícil no parar de bailar el incomparable synth-pop de la banda cuando empezó a sonar “Long Flight, no parábamos de bailotear una y otra vez, envueltos en zumbidos nostálgicos pero al mismo tiempo con bastante vivacidad.

El show estaba en su mejor momento, cuando Sam se detuvo un momento a decir que la canción que seguía fue escrita con el objetivo de llegar a la persona que necesitara seguir en el camino, aunque sonaba desesperado por la exigencia de contar con las palabras perfectas en la lírica, sin más que decir comenzó “Balance“. Moviendo las caderas, interactuando con el público, Sam disfrutaba de la presentación señalando a más de una persona. De inmediato todos empezamos a brincar, era el momento culminante. Se podía escuchar a algunos fans cantando con tanto entusiasmo, pues se sabe que esta canción es ya, como un himno en las presentaciones de la banda.

Al terminar cada serie de canciones, los espectadores no dejaban de aplaudir entre largos lapsos de tiempo, con la mirada perdida en algunos momentos, Samuel entró en un estado de emoción inimaginable. Al borde de las lágrimas, no paraba de agradecer que todas las personas en el recinto estuviéramos presentes.

Los éxitos no paraban de sonar, “Before the Bridge” aunque con letra amarga, abrazaba las emociones de cada una de las personas que la coreaban. Escuchamos “A Song Of Our Grandfathers”, con golpes en el pecho, gestos llenos de angustia, ansiedad y conmoción, Samuel seguía otorgando cada vez, un poco más de él en el escenario. Canciones como “Ancient Water” y “North Star” no podían faltar en el setlist.

Seasons (Waiting On You)” comenzó a sonar, el recinto enloqueció, todos cantaban desde el principio hasta el final su más grande hit. La entrega de Sam en el escenario cada vez superaba más las expectativas de la gente, sus exclusivos pasos de baile y el gran manejo vocal alternado de guturales volvieron loco al público, gritos de emoción alternados en toda la canción no dejaban de escucharse.

El aplauso más grande de la noche se presentó. El público ya estaba más que satisfecho, la noche podía terminar si se hubiese querido y habría sido perfecta. Este fue quizá el momento más épico para el auditorio que a hasta ese momento se había vuelto el confidente perfecto de uno de los mejores shows en vivo de la gira. Sam no paraba de llorar; una vez más, hubo un discurso de agradecimiento en el que aseguraba que habíamos hecho su sueño realidad y aunque parecía que la noche no podía ser mejor, el público hizo tal conexión con la banda que una vibra envolvente y placentera se sintió en todos los rincones del lugar.

Tin Man y “Spirit” fueron las canciones encargadas de hacer el primer cierre del que ya era todo un espectáculo. Como ya todos sabíamos, no podían dar por terminada la noche así, por lo que pudimos escuchar aún otras cuatro canciones: “Fall from Grace”, “Inch of Dust”, “Viero’s Eye” y “Little Dreamer”: canción que llevó al límite de intensidad toda la sesión en vivo. Aunque nadie quería que esto acabara, después de esta odisea de emociones, el concierto finalizó, sin embargo, alrededor no podías ver nada más que un montón de personas aún procesando lo que acababan de presenciar, con una enorme sonrisa en el rostro, cada cual viviendo su experiencia personal, más que satisfechos por haber estado en el lugar correcto con la banda correcta; después de esta inigualable noche, sólo esperamos que Future Islands pueda regalarnos más de la experiencia que vivimos en El Plaza Condesa.

#NuevosRuidos: El camino sin atajos de Joaquín García

Los cantautores tienen la difícil tarea de plantear y replantear historias que se sientan honestas y, por lo tanto, conecten con los escuchas.

Géneros como el country y el folk le han dado peso a las historias sobre la música y aunque la industria en este momento esté más interesada en vender hits desechables, aún hay gente que cree en la música como una colección de voces y ritmos alrededor de una fogata.

Uno de ellos es Joaquín García, quien recientemente presentó su álbum The Riverman (vía Pedro y el Lobo). Ocho canciones con letras introspectivas donde también participan Santiago Mijares (Big Big Love) en la batería, Elis Williams en el saxofón y otros amigos de la disquera.

Para acompañar este lanzamiento te invitamos a checar el video de “Tidal”, dirigido por Toño Trillo.

Grabado en Buenavista, Michoacán, este video acompaña a la actriz Victoria Bozo en un viaje con una hermosa fotografía, pues utilizaron luz natural.

Al respecto el director comenta:

“El deseo de estar en otro lugar cuando nos sentimos abrumados por sentimientos profundos es algo que quizá todos conocemos. Podemos intentar huir, pero al final del día, el camino sin atajos y el más amenazante es la única respuesta: voltear a vernos a nosotros mismos y permitirnos sentir la carga. Eso es parte de lo que encuentro en “Tidal” y que quise condensar en el recorrido de Victoria. No sabemos de dónde viene y tampoco a dónde va. La encontramos parsimoniosa en un momento en el que da la impresión de estar huyendo… o a punto de llegar”.

Escucha en su totalidad The Riverman y déjate llevar por su melancolía:

El true power de Future Islands

Por Berenice Spíndola

Antes de que las redes sociales los categorizaran como una banda synthpop de Baltimore, Samuel Herring y Gerrit Welmers estudiaban juntos en Carolina del Norte desde hace veinte años. Empezaron a involucrarse en la música desde los cartorce; por un lado Samuel era seguidor del hip-hop, mientras que Gerrit tenía más intereses en el movimiento punk y el metal. A pesar de sus distintas influencias musicales coinciden en formar una agrupación musical después de estudiar la Universidad. Los principios de la banda surgen informalmente después de que invitaran a Sam a tocar en una tienda de viniles local. A partir de este suceso y de presentarse en varias ocasiones sin alguna expectativa, lograron crear una reputación que los haría llegar a diferentes venues underground de Carolina del Norte.

Estas pequeñas presentaciones fueron el empujón para empezar a pensar en un proyecto más formal, aunque aún no sabían cómo presentar oficialmente a la banda, continuaron con éste, que aunque se vería lejano hace unos años se volvía cada vez más real. Después de combinar las dos propuestas que tenían para nombre de banda, se presentan por primera vez el proyecto con el nombre de Future Islands. En 2006 se formó la primera alineación con Herring como vocal, Welmers en los teclados, Cashion en la batería y Erick Murillo en el bajo. Future Islands grabó el EP Little Advances en marzo del mismo año, el cuál lanzaron al siguiente mes.

En 2008 lanzaron su album debut: Wave Like Home grabado limitadamente en Backdoor Skateshop en Greenville. Las giras empezaron en vans que improvisaban para realizar presentaciones al rededor de Carolina del Norte e incluso más lejos de lo que habían pensado al principio. Estas giras son importantes pues son una banda que ha encontrado su ritmo en la carretera.

“Tuvimos cinco años de giras y lanzamos nuestro primer, segundo y tercer álbum durante este tiempo. Cinco años, más de 600 espectáculos, tres álbumes, muchas cosas sucediendo, mucho crecimiento como banda y en nuestra audiencia. Escribimos muy rápido, una canción por día o por la tarde. Siete canciones en siete días fueron más o menos lo que nos propusimos lograr.” dice Herring.

Sin embargo, la presentación que cambiaría todo sería la entretenida actuación en vivo en el programa Late Show de David Letterman. Donde presentarían Singles que resultó ser un disco sólido e impecable, con canciones como “Seasons (Waiting On You)”, con la que se presentaron en el show y más tarde estaría en listas de las mejores canciones del 2014, esto claramente marcó un nuevo capítulo en sus vidas y carreras.

Después de Singles y de que la alineación de la banda cambiara, Samuel, William y Gerrit se mantuvieron escribiendo un nuevo un álbum que debía acercarlos a la originalidad de sus 3 anteriores LP’s y la esencia de Future Islands.

“Habíamos hablado de eso y de cómo habían cambiado las cosas”, dice Cashion. “Pero mucho de este álbum es nuestra manera de procesar lo que ha sucedido en los tres años desde que salió Singles”.

En 2017 obtenemos The Far Field, album que demuestra el gran paso adelante de la banda, cómoda en su esencia principal pero dispuesta a enfrentar los próximos desafíos.

“Fue en enero, rentamos una casa de playa en Outer Banks, no había nadie allí y la mayoría de las tiendas y restaurantes están cerrados. Nos instalamos en una casa y escribimos siete u ocho instrumentales durante una semana. Escribimos Ancient Water el primer día y terminé la letra al día siguiente.” Dice Cashion.

El album se grabó de la manera más limpia que pudieron con la ayuda de John Congleton, aunque extrañando la crudeza de las primeras grabaciones, puesto que estaban acostumbrados a trabajar con el material que lograban tener en aquellos años, The Far Field no perdió en absoluto el rumbo que tenían como objetivo.

“Siempre escribimos desde un sentimiento. Esta vez, estábamos sentados en el tercer piso de la casa de playa. Con vientos que aúllan afuera, clima frío, la casa se balanceaba, mirábamos el mar y escribíamos palabras: el océano, el agua y la naturaleza siempre han sido una gran parte de nuestra música. Todo el disco habla de dirigirse hacia un nuevo horizonte mientras tratas de escapar del pasado”, dice Sam.

Los albumes de Future Islands siempre se han catalogado como nostálgicos y tal vez tengan una gran influencia de desamor, este no podía quedarse atrás. Encontramos canciones como “Shadows”, que Sam interpreta con Debbie Harry, canción que formaría parte de Singles pero que encontró el rumbo correcto al pensar en la posibilidad de cantarla con esta increíble artista. Y por supuesto, Samuel escribió canciones como “Ran”, “Time On Her Side”, “North Star”, “Beauty of the Road” o “Ancient Water”, que tienen como tema principal el amor con un nuevo concepto, la concepción romántica, hablando del sentimiento a lo largo del tiempo, como podría ser el amor en la era de redes sociales y qué tan verdaderas y libres pueden llegar a ser nuestras emociones y sentimientos por alguien hoy en día. Así como el amor hacia alguien que es importante para ti y te ha hecho crecer como persona a lo largo de la vida. El sentimiento repetitivo de empatía sobre distintas situaciones nostálgicas hace que las letras auténticas de la banda no sean una más y aún así, logren un lugar principal en esta nueva etapa de la banda.

Como conclusión obtenemos un álbum con un trabajo de gran intensidad sentimental. Después de la presentación de Future Islands en 2015 en el Nrmal que dejó a bastantes fans satisfechos, esperamos que su regreso este 3 de mayo en El Plaza Condesa sea una fecha épica y nos regalen una vez más una presentación auténtica.

Entrevista: Declan McKenna y el camino correcto para la música actual

Por: Aarón Cortés

Tras el lanzamiento de su álbum debut, What Do You Think About The Car?, Declan McKenna se posicionó como uno de los íconos de la nueva generación. Al hablar de temas como la indiferencia juvenil ante la vida, asuntos políticos y sociales relacionados con la corrupción y todo aquello que le ha generado inquietud en los últimos años.

A sus escasos 18 años, Declan alzó la voz en nombre de tantos adolescentes preocupados por los problemas de nuestro turbio mundo, pues él cree que es importante no guardarse las cosas a pesar de tantos obstáculos.

Aprovechando su primera visita a México, platicamos con el cantante británico sobre la importancia de abordar estos temas, de la influencia literaria y su profunda conexión con los fans.

Me gusta la forma en la que te relacionas con tus fans. De hecho, has explicado a detalle algunas de tus letras en Genius y creo que es un gran detalle, ¿consideras que este tipo de herramientas son importantes para los músicos actuales que quieren mantenerse cerca de su público?

Hay una línea mucho más delgada que siempre ha existido entre los artistas y los fans, porque tenemos internet y tú puedes interactuar de cierta forma sin tener que conocerlos, verlos, o ir a un concierto. Creo que es eso. Yo siempre he intentado ser tan honesto como es posible con mis letras y cómo me presento a mí mismo, creo que eso conecta con mucha gente. Eso es algo que la gente puede identificar; con una especie de grupo pequeño que sigue a la música joven y a ti como artista, que es realmente importante haber compartido esa experiencia y creo que hay una cierta cercanía en ellos. Verás, obviamente es un tipo de relación única.

Así que no hay secretos…

No, hay secretos. No creo que sea un libro completamente abierto, pero también trato de ser tan honesto como es posible. Creo que hay una línea donde estoy muy consciente de que los fans de mi música no necesariamente tienen que saber qué hago día con día, porque es diferente cuando no estás haciendo un performance a cuando no tienes ninguna responsabilidad.

Has cantado las mismas canciones durante algunos años y parece que ya pasó un buen rato desde que las escribiste ¿Aún te sientes como el mismo Declan McKenna que quería hablarle al mundo de esas preocupaciones adolescentes?

 Sí, digo, algunas de las canciones son recientes y otras son más viejas. Depende de la noche. A veces me gusta tocar esta canción otra vez como ya lo he hecho quinientas veces, pero a veces incluso las canciones más viejas se sienten grandiosas de interpretar cuando la gente realmente reacciona a ellas. Por ejemplo: “Brazil”, es una canción que mucha gente ama y se ha apoderado de ella. Mis canciones a veces son muy divertidas incluso aunque las haya escrito hace cuatro o cinco años. Trato de disfrutar los conciertos conforme suceden y definitivamente me emociona más trabajar e interpretar nuevo material porque, ya sabes, siempre es divertido.

Escuché una entrevista donde mencionas que al escribir mucho, a veces te olvidas de leer libros. ¿Crees que el número de libros que lees puede afectar la forma en la que escribes canciones?

Sí, digo, yo no leo muchos libros estos días, he estado leyendo uno recientemente. Pero solía hacerlo cuando era más joven -como de los 13 a los 15 años, algo así-, solía leer todo el tiempo, como todas las noches y mucho de lo que estaba leyendo terminó en una canción. Así que, si había líneas en un libro como de alguna historia o narrativa, viene de leer. Siento que eso ha cambiado desde… no lo sé, no he estado tanto ahí pero creo que la literatura es un gran lugar para conseguir inspiración para letras y palabras porque, ya sabes, si estás leyendo uno de los mejores libros que se han escrito, entonces hay mucha inspiración ahí.

¿Hay algún escritor que te haya inspirado cuando comenzaste a escribir?

Hay una línea en “Brazil” que es de un libro de Dr. Seuss, es del Lorax (“for fins something all people needs”). Está esa -creo- así como Tolkien, quien escribió los libros del “Señor de los Anillos” y “El Hobbit”. Solía amarlos cuando era un poco más joven. Estaba muy metido en los libros cuando era más joven y creo que eso me influenció bastante.

Sé que cuando comenzaste a escribir tus propias canciones no era tu intención tocar temas políticos, pero éstas contienen un mensaje poderoso que se ha hecho muy importante para tus fans. ¿Por qué crees que es importante que los músicos jóvenes de nuestra generación hablen de este tipo de cosas?

Creo que puedo ser muy directo con mis letras y eso es algo que se pudo notar en el primer álbum que lancé. Algunas son más directas con observaciones políticas y sociales. Pero creo que la cosa más importante para los artistas jóvenes es que están ahí y que ellos son el presente, ya sabes, tenemos un amplio rango de gente dando cierta clase de experiencias.

Creo que más que un mensaje político, el tener un amplio rango de gente influenciando a los jóvenes y los jóvenes mismos saliendo y compartiendo sus experiencias. Tal vez esa es la cosa más importante para los artistas jóvenes, porque tener una mayor perspectiva y mayor variedad dentro de lo que escuchamos es donde ocurre gran parte de los cambios. Cuando hablamos de política creo que es muy importante considerar a la música y al arte.

¿Crees que las nuevas generaciones puedan acercarse a estos temas a través de la música?

 Sí y no. Creo que hay un montón de artistas cool que más o menos están haciendo eso. Sólo creo que tal vez no existe como tal en mi área musical que es el indie pop y esas cosas. Realmente no tiene mucha escena donde muchos artistas de hip hop actuales han estado muy activos de cierta forma. Creo que siempre hay un lugar allá afuera para más, pero sabes, al mismo tiempo siempre veo a la gente joven haciendo grandes cosas y esparciendo mensajes positivos, veo mucho de eso. Creo que sólo necesita un poco más de exposición.

 ¿Cuál dirías que es la parte más difícil de ser un músico joven tratando de compartir su propio punto de vista? Siempre es difícil ser tomado con seriedad cuando eres un adolescente.

Creo que crecer… y ya sabes, está esta cosa que me inspiró mucho que fue simplemente sentir un poco que a nadie le importaba en realidad tu opinión o que algo de lo que estás diciendo pueda ser válido. Creo que que es el porqué, en su mayoría, lo hice a través de la música porque puede ser traducida a cualquiera. Si la canción es lo suficientemente pegajosa o si es algo que la gente va a disfruta, entonces, creo que tienes una oportunidad más grande de ser escuchado. Esa no es la única razón por la que hago música, pero creo que es una gran parte de mí como crecer. Cuando estás tocando la gente suele prestarle más atención a lo que dices que de otra forma.

Hoy en día tener un buen show en vivo es muy importante, va más allá de sólo subir y tocar tus instrumentos. Tenemos luces, pantallas y vestuarios. ¿Qué dirías que es lo más importante durante un show? ¿cómo es que eliges tus atuendos o el maquillaje antes de salir al escenario?

Creo que lo más importante para un show es siempre estar bien preparado y creo que importa mucho el qué tanto practiques. Tu banda siempre será mejor después de tocar cincuenta o cien shows, incluso más. Así que creo que estar bien preparado y el sonido del concierto siempre serán las cosas más importantes para mí, pero obviamente tener algunos visuales se ha convertido en una gran parte de eso.

Para mí, lo que uso normalmente lo decido en el día, pero tengo temáticas o uso mucho glitter. Sólo trato de ser tan libre y experimental como es posible. Quería tener temáticas y esas cosas que pudiese realizar o usar en cada show, pero a la vez lo dejo a medias porque a veces sólo quiero usar shorts y una playera o tal vez quiero arreglarme mucho y usar algo extravagante y creo que quiero tener la posibilidad de hacer ambas cuando se me antoje. Pero también tengo glitter, maquillaje y cosas que me gusta ponerme que son muy expresivas para mí.

 ¿El vestuario cambia cuando tocas en un festival o un concierto?

Depende. El otro día tocamos en Coachella donde normalmente usarías como un enorme jumpsuit, pero estábamos en Coachella, así que nunca usaría algo tan caluroso como un jumpsuit. Así que, normalmente depende del clima, cambia todo el tiempo. Hay muchas cosas diferentes que influyen en la forma en la que me visto o la forma en la que la banda lo hace. A veces yo soy el único que está muy arreglado y el resto va casual. Nos gusta estar cambiando todo el tiempo.

Finalmente regalamos a Declan la oportunidad de escuchar a su banda favorita por primera vez. No es un secreto su amor por ABBA que constantemente declara en público (aunque desconocía que el grupo sueco tenía versiones alternas de sus hits cantadas en español). Su reacción fue con el mismo carisma; pudo apreciarse en el escenario, donde dejó la puerta abierta para próximos proyectos con una nueva canción antes de partir. ¿Será este el inicio de una nueva etapa en su género?

Taking Back Sunday por primera vez en México

Toda decepción amorosa tiene un soundtrack, y para muchos “MakeDamnSure” de Taking Back Sunday fue la canción perfecta en 2006. El “emo” era una moda y miles de adolescentes necesitaban un himno para berrear por sus noviecitxs de 3 meses.

La mayoría de las bandas relevantes en aquel año han visitado nuestro país, pero con los originarios de Long Island aún tenemos una cita pendiente, y la deuda por fin será saldada el próximo 26 de abril en el Lunario del Auditorio Nacional.

Pero TBS es mucho más que ese video en MTV, pues cuentan con casi dos décadas de trayectoria. En el 2002 debutaron con Tell All Your Friends, su álbum mejor aceptado entre los “real emos”, al cual aún recurren cada que llega #laurasad.

Cuentan con siete discos de estudio y, ya que es su primera vez con los fans mexicanos, probablemente nos espere un variado setlist con las consentidas de su carrera, dejando un lugar especial para los temas de dos de sus producciones más populares: Tell All Your Friends y Louder Now.

Este será el primer show de la banda en 2018 y aunque tuvieron cambios importantes en la alineación, prometen una increíble y emocional experiencia. Además, el futuro se ve prometedor pues en mayo se van hacia Europa y su tour de verano en Estados Unidos será junto a sus amigos de Coheed and Cambria.

Sin importar en qué etapa de tu vida hayas conocido a Taking Back Sunday, ellos te esperan con un recorrido por su discografía. Así que ve preparando tu garganta para cantar a todo pulmón y quizá sacar alguna lagrimita solitaria.

Oda al amor platónico en “Carmen”, nuevo sencillo de La Era Vulgar

La Era Vulgar es una banda surgida del caos, llevan algunos años en la escena, pero han estado intermitentes en sus períodos de actividad. Apenas el año pasado sacaron su primer LP titulado: El Reino.

Hace unos ayeres en #NuevosRuidos mencionamos que: Alenka Ríos imprime un sello característico a la personalidad del proyecto con su voz, Abel Casillas amplía el quehacer de músico al tomar roles entre los teclados, las secuencias, la guitarra y, por supuesto, coros, mientras que Octavio Franco se dedica exclusivamente a las cuatro cuerdas.

Sus canciones van de lo vulgar a lo impredecible. Fusionan ritmos como el jazz, retro wave y trip-hop sin dejar de lado la parte suave y tierna del pop. Para ellos su mayor influencia es el tiempo,  lo que sucede, sucedió y sucederá.

Carmen es una de los tracks más personales que han hecho, que en palabras de la vocalista está escrita para un amor antiguo y platónico.  Es un mensaje, una pregunta que queda sin respuesta y se repite hasta deformarse en locura. Es un monólogo que va emocional y musicalmente desde la ternura hasta la obsesión, así como el amor es ese soliloquio que nos contamos, a veces al final hay aplausos, a veces sólo silencio.

El Reino, su primer LP, les ha valido para demostrar su capacidad musical, presumiendo sus melodías con guiños a todo, pidiendo prestadas las bases de jazz y haciéndolas propias. Un idioma no es suficiente para transmitir La Era, sus líricas van del español al inglés y siempre con un mensaje melancólico impregnado en la impecable interpretación de Alenka.

Actualmente se encuentran en la producción de su segundo LP, a cargo de su productor y músico Abel Casillas, nuevamente.

Escarabajos mutantes y Evangelion en el nuevo single de DJ Perro

A punta de guitarrazos, es como los poblanos nos han hecho voltear a ver su estado y su música. Así como lo han hecho bandas como Joliette, Aves y en su momento Renoh, hoy en día DJ Perro son los poblanos que nos están haciendo voltear al estado de las cemitas.

Este cuarteto que no se decide si termina en quinteto, empezó a hacer sus pininos aquí y allá de la mano de sus compinches For Dummies de Xalapa, sin embargo hoy en día, sin necesariamente estar peleados ni nada por el estilo, cada quien recorre y busca nuevos horizontes desde su trinchera.

Por su parte, DJ Perro se han esmerado en crear un culto a su nombre haciéndole creer a la gente que lo que verá cuando empiece su presentación es un DJ, pero ahí radica la magia cuando frente a ti se acomodan 5 tipos bien parecidos a darte de guitarrazos con compases complejos, poliritmos y uno que otro gritillo divertido a unisono.

Sin embargo, hasta hace apenas un par de meses que no teníamos absolutamente nada de su música en formato digital o disponible para streamear (otro punto a favor para ese culto al DJ), hasta que llegó “Gecko”, un track de cuatro minutos donde descubrimos que lo que se esconde bajo este nombre es nada más ni nada menos que una banda de una mezcla rara entre prog-gamer-matemático.

Hoy nos presentan un nuevo sencillo que igual se desprende de su primer material de estudio pronto a ser lanzado. “Gregor” es una mezcla entre dos mundos muy distantes ¿o quizá no? entre sí: por un lado tenemos al clásico best selles de Kafka: La Metamorfosis, Gregor Samsa este peculiar personaje que se transforma en escarabajo y por otro lado tenemos al EVA Unit-01, para los clavados y conocedores del famoso anime Evangelion, el primer prototipo de EVAs piloteado por Shinji Ikari y construido con el alma de su madre, weno ya nos perdimos…

Total que a estos sujetos fans de ambos mundos se les ocurrió que para este track sería buena idea mezclarlos en la portada y una pequeña animación. En este video que pueden encontrar en YouTube, podemos apreciar un híbrido entre Gregor y el EVA que termina por parecer un Pokémon o Medabot en versión 8-bits.

Como dato, podemos ver algunos artes (también en 8-bits) como un disco de los ingleses Delta Sleep (con quienes tuvieron la oportunidad de tocar en su ciudad), un flyer de Pretend (con el que ellos consideran su tour más importante y emotivo en su carrera hasta el momento) y la portada del último split de Joliette con Frameworks, bandas a las que admiran mucho.

Musicalmente se nota que han mejorado mucho y para nada dejan de lado la creatividad y divertirse en cada track, se siente una escencia muy genuina y sin pretenciones (por más técnicos que puedan ser) a la hora de componer.

Dense este nuevo track y no les pierdan la pista en sus redes sociales que vienen llenos de sorpresas.

#WMPGigs: ¿Listos para bailar sin parar en The Social Festival?

The Social es el festival boutique creado y dirigido por el DJ Inglés Nic Fanciulli. Este festival fue creado para exponer en cada una de sus ediciones lo mejor de house – tech house y techno del planeta. 

En pocas palabras: Hacerte bailar sin parar prácticamente todo un día. 


Sus primeras ediciones tuvieron lugar en la tierra natal de Nic Fanciulli, donde el festival adquirió renombre gracias a los back to backs que el line up presentaba cada año. 

 

La productora Mexicana Royal House Society liderada por el DJ Carlos Bellati se encargó de abrir la conversación con los organizadores ingleses para expandir el mercado y traer la primera edición latinoamericana, misma que aterrizó en CDMX y Bogotá en 2017 con un line up de primera clase. 

Debido al éxito, el festival anunció que habría una segunda edición pero con un cambio de ubicación.

Este año el Deportivo Lomas altas fue elegido como sede para mejorar la comodidad de los asistentes, ya que no debemos olvidar que en 2017 el escenario más pequeño ofreció una mala producción y logística. 

Lo más rescatable este año es la oferta musical, que comparada a la del 2017 es mucho mas vasta en géneros y nombres. 

Como platillo principal Nic Fanciulli, Sasha y Pete Tong. 

Para los oídos más refinados, Guy Gerber y Thugfucker serán como un postre al escucha. 

Y si tu hambre de beats es incontrolable Ben Klock y Rodhad serán los encargados de llenar tu sistema con ritmos oscuros e industriales. 

Un evento indispensable para la dieta de cualquier aficionado al dance. 

El menú está listo para ser devorado por tus oídos. 

¿Te apuntas? 

La simetría del funk en Jamiroquai

¡¿Estás listo para bailar con Jamiroquai?!

Tuvieron que pasar algunos años para que la banda comandada por el famoso Jay Kay regresara a México. Tomando por segunda ocasión el escenario de la Arena Ciudad de México, Jamiroquai se presentará este 10 de abril en nuestro país.

Su sonido radica en fusionar el jazz y el funk a través de un simple pero bien ejecutado toque electrónico. A lo largo de su carrera los británicos han lanzado ocho álbumes de estudio, siendo Automaton, su disco más reciente en siete años, tras el lanzamiento de Rock Dust Light Star en 2010.

Sin duda, este show será uno de los conciertos esenciales del mes de abril. Esperamos que además de una probada del nuevo álbum, podamos disfrutar de éxitos del dancefloor como: “Virtual Insanity”, “Cosmic Girl”, “You Give Me Something”, “Deeper Underground”, “Love Foolosophy” y “Space Cowboy”.

Sabemos que es complicado llegar a dicho recinto, pero hacer un esfuerzo por lanzarse a la república hermana de Azcapotzalco, por una gran noche de baile, vale todo el trayecto. El precio de los boletos es desde $475.00 hasta los $2,000.00 pesos.

A unos días del show, te compartimos lo que sucedió en Viña del Mar hace un mes con la finalidad de irnos preparando para lo que estamos por ver.

El recuerdo de una noche mágica junto al fino sonido de Bonobo

No hay plazo que no se cumpla ni fecha a la que no se llegue y eso fue lo que sucedió este sábado 10 de marzo de 2018 en Carpa Astros de la Cuidad de México.

Meses atrás se había anunciado que Simon Green ( Bonobo ) vendría por primera vez a la Cuidad de México y como no hacerlo si este hermoso país siempre recibe con los brazos abiertos a proyectos de
tan buena calidad como el de Simon Green, su grupo de increíbles músicos y su #MigrationTour.

Para los que conocemos a este hombre era una tentación absoluta poder presenciar a este talentoso productor, compositor y DJ británico y así fue, sin conocer el número exacto de asistentes al evento, fuimos muchísimas almas las que sucumbimos ante dicha tentación de presenciar en la misma noche el live act y dj set de Simon Green.

Sábado 10 de marzo de 2018, el décimo sábado del año con un amanecer bipolar como a los que estamos acostumbrados en esta bella cuidad con el sol asomándose de a poco pero con un clima fresco- frio, lleno de buena vibra, magnificas sensaciones, la cuidad fluía desde muy temprano, las miles de personas que la habitan empezaban a circular en todas direcciones y muchos de esos miles sabían que al caer la noche había una sola dirección por tomar y esa era el camino a la Carpa Astros.

Como se había anunciado tiempo atrás la dirección ya no era la de Barrio Santa Fe sino Carpa Astros y eso nos daba una buena señal ya que la decisión de cambiar de venue era porque la primera opción
había sobrepasado el cupo de personas, ante tanta incertidumbre lo único cierto era que muchos coincidirían en el dancefloor de la Carpa Astros, las expectativas eran altas y más después del resultado del último álbum de Simon, Migration, al cual le fue de maravilla en el 2017.

La tarde del sábado llegaba a su ocaso y el sol empezaba a esconderse para darle paso a la luna con un atardecer digno de disfrutar con total naturalidad, Carpa Astros abría sus puertas desde las 18:00 horas para empezar a calentar el entarimado y así como la temperatura bajaba de a poco en la Cuidad de México, las muchas personas que arribaban al lugar generaban más y más calor a la espera de ver a Green y a su grupo de músicos en acción.

Sotomayor warmopeaba, la gente empezaba a pedir tragos hidratantes y se acomodaban poco a poco en el lugar, las filas empezaban a ser muy largas y la desesperación en algunos empezaba manifestarse porque el live act estaba por comenzar y todos querían presenciarlo en el mood y punto ideal, todos
volteamos a ver la hora y sin más eran las 21:45 horas adiós luces, todo entro en una obscuridad misteriosa, reacción inmediata gritos llenos de emoción de todos los ahí presentes y así fue como
comenzó.

Tan natural y pleno comenzó todo, con ese sentido de la naturaleza tan presente en la música de Green; los sonidos que usa tienden a provenir de fuentes acústicas y se mantiene al margen del ruido creado digitalmente, prefiriendo crear sus propios sonidos para agregar calidez humana, aunado a un cambio y juego de luces que hipnotizaron todos y cada uno de los 5 sentidos de la gente al sincronizarse con los sonidos provenientes de los músicos.
Influenciado por el hip hop y el jazz, Green se sale un poco de lo conocido en sus primeros 3 álbumes pero mantiene esa cultura de sampleo de “Cut and Paste” lo que le da esencia a su acto.

El live act nos hipnotizo por casi dos horas y la reacción de la gente era espectacular, la Carpa Astros rugía en este acto el cual hacía sentir como si todos y cada uno de los ahí presentes estuviese en el
estudio de Green o a la vez en cual parte a donde tu mente te llevara.

Ante una ovación de aplausos Green y sus músicos agradecieron al público y se retiraron pero advirtiendo que en unos cuantos minutos Green regresaría para la segunda parte de la noche, el dj set.

Sotomayor tomó los controles de nuevo y con sus sonidos atrajo a la gran mayoría al segundo escenario para evitar que los pies se enfriaran y así fue, por un lapso de 30 minutos puso a bailar a la gente hasta que Green volvió a salir, saludo a Sotomayor y todos sabíamos lo que se aproximaba.

Un par de minutos antes de las 12 Green comenzó, tomo el control de las cosas, la temperatura volvió a subir y de ahí todos se dejaron seducir por esas finas y perfectas mezclas que caracterizan a Green
como artista que te llevan desde ambiente de selva tropical como a la pista de baile de un gran club. Por casi 3 horas ese escenario fue una olla hirviendo los distintos ritmos, mezclas y uno que otro éxito de antaño encendieron a todos, la sensación de felicidad era el factor común en ese lugar, Green había cumplido con todas las expectativas y las había sobrepasado, con un adiós breve se retiró del escenario los presentes le dieron un aguacero de aplausos.

Así fue la primera visita de Simon Green a.k.a. BONOBO, que si tuviera que describirla en dos palabras
serian, “COSA FINA”.

Fotos: Steve Solorzano

 

#NuevosRuidos: Los colores neón de Malibú Club

El amor puede estar choteado, pero sigue siendo la principal inspiración para escribir canciones. Cuando la distancia es el enemigo a vencer, muy pocas parejas lo logran. Bajo la premisa de que se puede luchar por mantener una relación a pesar de cualquier obstáculo nos llega lo nuevo de Malibú Club.

Adrián, José, Fredy y Jorge conforman esta fresca banda de Chetumal que hacía rock alternativo, pero después de escuchar a bandas como como Last Dinosaurs y Tame Impala se dieron cuenta que realmente ese era el tipo de música que querían hacer: una guitarra haciendo adornos marcando el ritmo, un bajo muy dinámico y letras con las cuales la gente se pudiera identificar.

Dos años fue el tiempo que se dieron para la elaboración de su EP, Colores de neón. Durante este proceso la banda sufrió muchos cambios de alineación y también musicales. “Se trató de que cada canción tuviera algo que la distinguiera. Cada persona que ha pasado por el proyecto ha aportado algo en ellas”, nos cuentan los de Quintana Roo.

El tema de presentación es “Distancia” y curiosamente fue la última que compusieron. “Es una canción en la cual se le dio prioridad al uso de los sintetizadores para marcar un sonido más retro y con una letra que demuestra los sentimientos de una pareja que, a pesar de la distancia que llegue a existir, luchan por lo que sienten entre ellos”, comentan.

Atentos a Malibú Club pues estrenan EP en abril y buscarán presentarlo en distintas ciudades del país.

Moonatic presentó su álbum en formato de sencillo y es una joya

La banda capitalina Moonatic acaba de estrenar un peculiar sencillo de 48 minutos, que a la vez es su primer LP. A través de su música reflejan la dualidad que experimentamos en la ciudad día con día: el amor incondicional que tenemos hacia la cotidianidad y los edificios y el inminente deseo de huir a un lugar alejado en la naturaleza. Cada uno de los seis integrantes aporta a las canciones algo especial con su instrumento y estilo, trabajando su sonido que se ve reflejado en la evolución de sus melodías.

Conoce más sobre el proceso que los llevó a Another Sky y viaja con ellos.

¿Cómo surgió Moonatic?
Empezamos hace unos 4 años, antes nos llamábamos Gloom. Teníamos una alineación de 5 y ahora somo 6. Permanecemos 3 de los miembros originales.
Conozco a Fernando desde pequeños, empezamos tocando covers y después a construir nuestras propias rolas. Grabamos nuestro primer EP en 2015 llamado Inner y finalmente este año grabamos nuestro LP que lleva por nombre Another Sky, aunque son canciones que tienen 2 o más años y apenas las pusimos juntas.

¿Por qué un single de 48 minutos?
Todo comenzó como una broma, en primera nos gusta mucho ese sentimiento de tener un viaje al escuchar un disco por completo. No es para escucharlo en una fiesta o en una ida al baño, sino cuando te das un tiempo a solas y escuchas un álbum de principio a fin. Entonces en broma les comenté a Diego de Pedro y El Lobo y a Kevin de INTRSTLRS: “estaría chingón que el sencillo fuera todo el disco” y a ellos les emociono mucho la idea.
De ahí surgió, y está súper bien porque gente que solo iba a escuchar 2 o 3 rolas ya se echó todo el disco.

¿Cómo fue la construcción del material?
Una vez que teníamos listos los temas comenzamos a buscar la mejor manera de unirlas, a la hora de trabajar y escucharlas comentábamos “esto suena así y debe seguirle un sentimiento de este tipo” y así decidíamos como encajaba una tras otra. Por el momento solo está el single con todos los tracks unidos, ya después saldrá diseccionado.

¿Qué te provoca a ti personalmente escuchar Another Sky?
Me pasa que con las canciones que yo hago las escucho tantas veces que no las pienso. Lo que hago es apagar mi cerebro y disfrutar lo que viene, aunque ya sepa lo que va a sonar. El álbum te atrapa y te mete en un trance, es como escapar de la realidad.

Para personas que son ajenas a su trabajo ¿cómo los animarías a escucharlos?
Simplemente preguntándoles “¿hace cuánto que no te das un disco de principio a fin?”
Es ideal para cuando tienes ganas de ponerte tus audífonos e “irte un rato” por cómo está construido este un álbum. Y también por las referencias, nos gusta Grizly Bear, Explossions In The Sky, Radiohead y mucha gente nos ha dicho que sonamos como Pink Floyd, cosa que nos sorprendió pero que ahora se nos hace muy obvio.

¿Cómo recomendarías escuchar el álbum?
Con audífonos y la luz apagada, si eres alguien que en verdad ama la música es un disco que te encantará. Si eres de los que les gusta tener música nada más de fondo, no se los recomendamos mucho. Por toda la producción y trabajo sonoro no se puede escuchar en la lap porque vas a perder un 50% de todos los matices, por lo menos la primera vez, escúchenlo cómodo y con audífonos.

¿Cómo son los shows en vivo?
Siempre es de tocar rolas y acompañarlas con visuales, en el show del 22 en el Foro del Tejedor tocamos el álbum de principio a fin, pero nos dimos nuestros espacios para hacer jams y alargar o experimentar un poco con las canciones. Estamos acompañado de visuales realizados por Fero, un amigo de la banda, y será cosas muy de células, close ups e imágenes súper abstractas que sentimos que va súper bien con la banda.

¿Tienes alguna experiencia curiosa sobre la grabación?
E track 7 Blank, fue una de las primeras canciones del proyecto y se iba incluir en el primer EP, pero decidimos no hacerlo porque sentíamos que aún le faltaba. Ahora debido a los cambios personales el track evoluciono en algo totalmente diferente: primero era solo una guitarra acústica con líneas de bajo que conforme se fueron ampliando el proyecto le fuimos metiendo sintetizadores, mutó y otras cosas que desembocaron en lo que ahora es en el disco.

¿Qué representa el arte del disco?
El cuadro original se llama “Sueño de una ciudad 3”, hecho por el hermano de Santiago, Diego Narvaes. Cuando lo vi me enamoré por sus pinceladas y el grado de detalle muy cabrón que maneja, además que siempre mete algo como post apocalíptico en sus pinturas. Su arte es una combinación de ciudades que les están creciendo hielo o árboles y es algo que al menos yo veo mucho en nuestra música; la escucho y pienso en ello.

#WMPGigs: Una noche melosa y fría junto a Cigarretes After Sex

Tras una exitosa presentación en Guadalajara, Cigarettes After Sex viajaba a la CDMX para dar un show sold out.
El clima voluble e inesperado de enero se hacía presente en la capital del país, sin embargo eso importo poco al público que hacía una fila extremadamente larga que le daba la vuelta al venue.

Por momentos pasaba por mi mente que el evento estaba sobrevendido y que el recinto quedaría a deber; afortunadamente para el público y la banda todos mis malos pensamientos se quedaron sólo en eso y el Frontón México pasó una prueba de fuego.
El público era como las letras de las canciones de la agrupación, bipolares. Por un lado todo era romántico y meloso, cientos de parejas se abrazaban y daban cariño mientras esperaban el show.

El otro sector del público hacía honor a otras canciones de la banda, almas solitarias y tristes también deambulaban en el recinto.
La banda salía al escenario, los visuales hacían que todo pareciera blanco y negro; Greg Gonzales tomaba su guitarra y con finos rasgueos de cuerda comenzaba a sonar “Sunsetz”, de inmediato la
sensualidad característica de la banda se hacía notar.

El púbico escuchaba atento, las sonrisas y lágrimas salían a flote. La música de Cigarettes daba la mezcla perfecta entre paz y melancolía.
La oda perfecta a la tontería de la adolescencia es “Young & Dumb”, representación musical de lo que muchos han pasado en aquellos buenos pero tormentosos jóvenes años.

El show continuaba con “I´m a firefighter” “K.” y “John Wayne”, canciones que atrapaban los sentimientos de todos los ahí presentes.“Sweet” y “Affection” formaban un momento mágico de la noche. Al ser de las canciones más conocidas de la agrupación, el público elevaba su canto durante estas canciones.

El que parecía el final a tan magnífica presentación era ambientado por “Apocalypse”, esa cercanía del amor y el olvido era plasmado con la voz de Greg. Para fortuna del público mexicano la banda se enamoraba de los mexas y salían a deleitarnos con dos canciones extras que daban el cierre perfecto a una noche vivida en blanco y negro.

 

#NuevosRuidos: Dreamwave desde Chetumal con Aladin Fox

Los chicos de Aladin Fox, joven banda de Chetumal, Quintana Roo, saben lo confuso que es enamorarse de dos personas al mismo tiempo. Si eres fan de la nostalgia ochentera pero siempre estás en busca de #NuevosRuidos el dreamwave de esta banda es ideal para ti. La prueba es “Some Girls”, primer sencillo de lo que será su primer álbum de estudio: Dancing on the Lights.

Escuchalo aquí y mientras bailas entre colores neón, checa lo que les preguntamos: 

¿Nos pueden describir cómo se formó la banda?
En octubre de 2017, Vicente (guitarra) empezó haciendo unas maquetas que subía a Facebook, luego yo (César-bajo) las escuché y me parecieron muy buenas, le hablé para decirle que estaban bien cools y al día siguiente nos reunimos en mi casa a tocar y ahí salieron dos rolitas (“Room on Fire” e “Introduction”) que hoy forman parte de nuestro primer EP, Movies Night. Recuerdo que ese mismo día las grabamos.

Después de unas semanas, Jorgito habló con Vincents, quien le mandó las rolas que habíamos hecho, le latieron y lo jalamos en la batería, y primero empezamos a ensayar nosotros tres y con secuencias de segunda guitarra.

Pasamos por varias cosillas en lo que buscábamos guitarristas, tuvimos algunas diferencias con algunos que se ofrecieron para la segunda guitarra, y por azares del destino llegó José (guitarra) quien toca igual con Jorge en una banda que se llama Malibú Club, cayó como anillo al dedo y desde eso seguimos tocando juntos.

¿Qué planes tienen este 2018?
Primero, publicar el álbum este mes de febrero y que llegue a muchos oídos. Estamos trabajando en la búsqueda de fechas fuera de Quintana Roo y concretarlas, también nos encantaría llegar a festivales, queremos estar por todas partes presentado nuestra música, compartiéndola con toda la gente, que se sientan identificados. Sobre todo hacerlos pasar un rato agradable, bailar y dar mucho amor.

¿Cómo son sus shows?
Aquí en el estado actualmente hay muchas bandas con propuestas diferentes y muy buenas. Está Malibú Club, Poux y Alice Whisper, por ejemplo, son tres bandas que admiramos mucho de aquí. En los shows en vivo, tratamos de que la gente lo disfrute y que se la pase muy bien, que bailen y se diviertan; y por nuestra parte nos encanta repartir besos volados y buenas vibras a todos.

Las chicas que enamoran a los Aladin Fox escuchan desde reggaeton hasta banda. Falta poco para conocer más historias sobre amor que inspiraron su álbum debut. Mientras llega el día, estén pendientes a sus redes: @aladinfoxmusic en FB, Twitter e Instagram.