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#NuevosRuidos: Dreamwave desde Chetumal con Aladin Fox

Los chicos de Aladin Fox, joven banda de Chetumal, Quintana Roo, saben lo confuso que es enamorarse de dos personas al mismo tiempo. Si eres fan de la nostalgia ochentera pero siempre estás en busca de #NuevosRuidos el dreamwave de esta banda es ideal para ti. La prueba es “Some Girls”, primer sencillo de lo que será su primer álbum de estudio: Dancing on the Lights.

Escuchalo aquí y mientras bailas entre colores neón, checa lo que les preguntamos: 

¿Nos pueden describir cómo se formó la banda?
En octubre de 2017, Vicente (guitarra) empezó haciendo unas maquetas que subía a Facebook, luego yo (César-bajo) las escuché y me parecieron muy buenas, le hablé para decirle que estaban bien cools y al día siguiente nos reunimos en mi casa a tocar y ahí salieron dos rolitas (“Room on Fire” e “Introduction”) que hoy forman parte de nuestro primer EP, Movies Night. Recuerdo que ese mismo día las grabamos.

Después de unas semanas, Jorgito habló con Vincents, quien le mandó las rolas que habíamos hecho, le latieron y lo jalamos en la batería, y primero empezamos a ensayar nosotros tres y con secuencias de segunda guitarra.

Pasamos por varias cosillas en lo que buscábamos guitarristas, tuvimos algunas diferencias con algunos que se ofrecieron para la segunda guitarra, y por azares del destino llegó José (guitarra) quien toca igual con Jorge en una banda que se llama Malibú Club, cayó como anillo al dedo y desde eso seguimos tocando juntos.

¿Qué planes tienen este 2018?
Primero, publicar el álbum este mes de febrero y que llegue a muchos oídos. Estamos trabajando en la búsqueda de fechas fuera de Quintana Roo y concretarlas, también nos encantaría llegar a festivales, queremos estar por todas partes presentado nuestra música, compartiéndola con toda la gente, que se sientan identificados. Sobre todo hacerlos pasar un rato agradable, bailar y dar mucho amor.

¿Cómo son sus shows?
Aquí en el estado actualmente hay muchas bandas con propuestas diferentes y muy buenas. Está Malibú Club, Poux y Alice Whisper, por ejemplo, son tres bandas que admiramos mucho de aquí. En los shows en vivo, tratamos de que la gente lo disfrute y que se la pase muy bien, que bailen y se diviertan; y por nuestra parte nos encanta repartir besos volados y buenas vibras a todos.

Las chicas que enamoran a los Aladin Fox escuchan desde reggaeton hasta banda. Falta poco para conocer más historias sobre amor que inspiraron su álbum debut. Mientras llega el día, estén pendientes a sus redes: @aladinfoxmusic en FB, Twitter e Instagram.

#NuevosRuidos: Bailen al ritmo del math rock de FRDZ

Aguascalientes ha destacado últimamente por las propuestas musicales que están saliendo de este pequeño estado. Una de las mejores sorpresas del 2017 fue el Fernández EP, que con sólo siete canciones sorprendió a los seguidores de los compases irregulares.

El cuarteto hidrocálido aprovechó estos ritmos para crear su primer video oficial, “Habanero”, por lo que platicamos con Nestor Alonso, director del video y guitarrista de la banda sobre este proyecto audiovisual:

“La idea nace del concepto de querer experimentar con los movimientos de cámara, como un experimento visual para nosotros como realizadores de video. Estábamos interesados en plasmar una secuencia visual que concordara con la música pero que no precisamente tuviera una historia como tal. Una vez que fijamos los movimientos de cámara que queríamos, decidimos tomar un tema que nos interesa: el Día de muertos.

No queríamos usar una catrina como tal, sino una representación o guiño a esta, de forma que nos preguntamos ¿qué se vería bien en cámara? Después de meditarlo tomamos la decisión de investigar acerca de bailes folclóricos mexicanos y nos interesó los movimientos que producía la falda, notamos que había patrones no sólo de baile sino visuales que podíamos y queríamos usar para “Habanero”.

Fue entonces que comenzó el proceso de creación y estructura del video, queríamos proyectar un “balance” entre la música y la bailarina, de manera que nosotros como músicos apareciendo en el video, no le quitáramos espacio a estos dos elementos que consideramos más importantes”.

Por acá pueden notar los movimientos de cámara y el balance del que habla Néstor.

“Lo más complicado al momento de producir y filmar el video fueron, por un lado los permisos, pasamos por bastantes frenos burocráticos que no nos permitieron llegar a hacer todo lo que teníamos en mente y al final optamos por ajustar la idea que teníamos y usar otros ambientes/paisajes/lugares. (Al final tuvimos más de 10 locaciones).

Por otro lado fue demandante para nosotros la estructura en la realización del video, tanto la filmación como el proceso de edición fueron complicados debido a esto. El guión por ejemplo, estaba estructurado por secuencias que debían de medir cierta cantidad de tiempo, casi cronometrado, y además los giros de cámara que se ven en el video debían de concordar el uno con el otro, es decir, si una toma terminaba hacia la derecha o arriba, la siguiente debía de comenzar por la izquierda o abajo.

Esto nos forzó a planear el recorrido de la cámara, el tiempo, la acción en la secuencia y los encuadres, todo en sincronía. En la edición se invirtieron bastantes horas de trabajo para crear la sensación de fluidez que tiene el video, además de crear loops visuales y resaltar otros aspectos importantes del video, hay mucho trabajo de edición”.

El encargado de la cinematografía y la edición del video fue Juan Carlos Carreón, el otro guitarrista de la banda. La bailarina y coreógrafa se trata de la maestra Paola Carolina López.

Para 2018 la banda planea su primera gira por el país y también espera poder presentar este proyecto fuera de México. Con suerte nos sorprenderán con un nuevo EP y otro video. Con la calidad que demostraron en “Habanero” nos  mantendrán con altas expectativas.

No olviden seguir a la banda en redes para no perderse ni un detalle: FRDZ.

El Mundo de Tim Burton: La última exposición del año que no te puedes perder

Por Berenice Espíndola
Una serie de bocetos que fueron elaborados a lo largo de su carrera, en alternados materiales, tan sencillos como una servilleta de alguna cafetería, hasta un pedazo de terciopelo trabajado al óleo son los que nos dan la bienvenida al Mundo de Tim Burton. El museo Franz Mayer trae para nosotros la exposición que detalla cada uno de los bloques esenciales del escritor, director, productor y diseñador: Tim Burton. El californiano creció con el gusto por dibujar y esque desde una edad muy temprana empezó a dar vida a personas que hoy vemos como Frankenweenie, Skellington, Oyster Boy, entre otros; la mayoría de estos personajes mantienen una relación personal con la vida del autor, protagonistas con cualidades solitarias, incomprensibles pero a su vez auténticas.
Ilustraciones, pinturas, storyboards, maquetaciones, libros e ilustraciones inéditas de obras no realizadas, nos muestran el proceso creativo de este director y también sobre todo la retroalimentación que hay en cada una de sus obras maestras, la captura de la esencia de los personajes que bajo la línea de tiempo del los diferentes proyectos cambian de formato: de la ilustración al stopmotion o de ilustración a la captura de personajes reales como en Alicia en el País de las maravillas, El Joven Manos de Tijera, entre otros títulos. Burton creció en un pueblo pequeño en donde no había mucho alcance para fomentar su gusto por el arte, así que todo su estilo para ilustrar fue inspirado en filmes expresionistas de directores como George Melies, Ray Harryhausen y Vicent Price, entre otros, sin embargo también menciona que muchos de los personajes en esta muestra tienen a su familia como protagonista, personas que esperan en la fila de cines, entre otras cosas que parecieran muy ordinarias.
Las salas de esta exposición en total muestran 400 elementos de la carrera del director, piezas que se han exhibido desde el principio de esta en el 2009 expuesta por primera vez en Museo de Arte Moderno de New York y que hoy en día llegan para nosotros con elementos específicamente seleccionados para exhibirse en México. La exposición cuenta con 9 secciones que podrás disfrutar en un recorrido de alrededor de dos horas de duración.
Pocas veces tenemos la oportunidad de poder conocer tan de cerca el proceso creativo de un artista tan reconocido como lo es Burton, la exposición simula la experiencia de visitar la mente de este director y entender más a fondo que hay detrás de las piezas terminadas, pero sobre todo la intimidad que hay en el trabajo de alguien que ha puesto su vida en historias con las que nos hemos sentido identificados o que simplemente disfrutamos por su brillante originalidad, así que si tienes curiosidad por asistir a esta exhibición tienes hasta el 8 de abril del 2018 para disfrutarla, puedes comprar tus boletos desde la siguiente página: www.timburton.mx/el-mundo-de-tim-burton/es.
Y si aún no estás convencido de asistir podrás observar más adelante de manera gratuita 20 piezas de Burton que serán intervenidas por artistas locales y algunos huicholes, mismas que estarán montadas sobre Paseo de la Reforma.

#WMPGigs: Siddhartha grabó su primer material en vivo

Texto: Alejandra Salcedo Fotos: @monceymrh

El extenso tour Únicos está por concluir y Jorge Siddhartha cerró con broche de oro su antepenúltima presentación del año. La cita fue el pasado 14 de diciembre en un íntimo recinto de la colonia Condesa. Ahí, el músico compartió con alrededor de dos mil personas las distintas etapas de su carrera. La cual ya está más que
consolidada en la escena indie de nuestro país.

El Auditorio Blackberry fue testigo de la grabación del primer en vivo del compositor, estreno que promete ser una edición muy especial para los presentes que experimentaron diversas atmósferas a lo largo del show. Sobretodo para aquellos que se están adentrando a su sonido por vez primera gracias al acercamiento que
hay en redes sociales, y que permitió a varios afortunados conocer al intérprete en una convivencia previa al concierto.

Siddhartha junto a su sobresaliente banda y equipo: Erick en el sintetizador, Chubaka en el bajo, Raúl en la guitarra y Orlando en la batería; emitieron buena vibra y emoción para transportar al público a un viaje lleno de nostalgia y emotividad. Se percibió la satisfacción y felicidad del grupo en relación a la favorable reacción de sus fans, que coreaban sin excepción las más de veinte canciones del afable
concierto. Así como la notable calidad de audio que tendrá su próximo material.

El recorrido musical inició de una forma envolvente con los primeros acordes de “Ser parte” en conjunto con la iluminación y audiovisuales que acompañaron las melodías. De manera planeada Siddhartha configuró varios cambios de guitarra entre canciones, para darle un guiño diferente a cada rola, sin perder la esencia
original. Además de tocar algunas de forma continua, sin cortes entre una y otra, creando curiosidad en los oyentes ya expectantes.

La piel de muchos se erizó al escuchar temas como;  “Control”, “Tonight” o “Why you”?  y recordar la época en que disfrutamos y solicitamos estas composiciones en la radio pública o al reproducir el CD. Tras sonar varios de los éxitos de discos como: El vuelo del pez y Náufrago, llegaron nuevos clásicos como “Fuma” y “Loco”. Temas que en su versión de estudio son colaboraciones con amigos, como Technicolor Fabrics y Caloncho.

La fase final del evento fue dedicada al último álbum, complaciendo la petición de ejecutar “El chico”, la canción más solicitada por los fans desde un principio. Llegando así el momento climax de despedida, con una versión inédita de su próximo sencillo a lanzar “Únicos”.

Para finalizar la velada Siddhartha pidió a la concurrencia desbordar toda su energía y dentro de varios años siendo más viejos, reconocerse en el video con cariño como lo harían ellos. Asimismo no se bajaron del escenario, sin antes tomarse la ya tradicional selfie con la audiencia, retrato capturado por Toni Francois. La
reconocida fotógrafa ha contribuido a construir la historia del rock nacional con noches memorables como ésta.

Te compartimos el setlist de la noche.
Ser Parte
El aire
Tus pupilas
Domingo
Tonight
Extraños
Infinitos
Why you?
El poema y la caja
Nunca es nunca
El día
Ecos de miel
Control
Bacalar
Fuma
Náufrago
A la distancia
Loco
Una noche tranquila
Tarde
Volver a ver
El chico
Únicos

Juan Atkins oscilando entre los verdaderos sonidos de Detroit

Texto: Ergar Chávez  Fotos: Cortesía Distrito Global

Para romper el frío que ha invadido la ciudad se necesitaba de una buena sesión de beats, algo fuera de lo cotidiano y que mejor excusa para ello que ir a bailar con la música de Juan Atkins. 

Pasadas las 12, White Visitation se encontraba calentando el lugar con una sesión totalmente apegada al techno en su forma más industrial y veloz que tal vez para el horario era un tanto agresivo. 


Mientras el lugar acumulaba mayor audiencia la espera se hacía fatídica, pero alrededor de las 2 y media de la mañana por fin podíamos ver a Juan Atkins un tanto serio detrás de las tornamesas.

A partir del primer track el DJ conectó a público con autoridad, pasando por momentos entre el house y el techno.

Sacando la artillería pesada en formato vinil, Atkins demostró que su experiencia lo hacía capaz de llevar al público por diferentes ritmos y sonidos, siempre respetando su indiscutible estilo. 


Entre rostros conocidos y sobre todo un público muy dispuesto, se demostró una vez más que la escena de música dance en la ciudad ha tomado un auge y comprensión cada vez mayor, no solo por los actos mayormente demandados, si no por propuestas emergentes y sonidos clásicos de cada género del dance como lo es la música de Juan Atkins. 

 

Siddhartha estrena emotivo video para el tema  “A la distancia”

Por:Alejandra Salcedo

Este ha sido un año de mucho dinamismo para el músico y compositor tapatío Siddhartha. Dentro y fuera del país, una vez más mostró un reflejo de sí mismo presentando su último álbum Únicos.

Como ya es costumbre, nos ofrece un disco cocinado “a fuego lento” en la intimidad, sin pensar en complacer a un público o una disquera. El material esta lleno de detalles, donde cuida cada elemento tanto musical como gráfico. Por lo que nuevamente colaboró con Unlimited Films para crear el videoclip de su tercer sencillo “A la distancia”, grabado en los paisajes tropicales de Baja California.

 El emotivo video ya disponible, dirigido por Cristóbal González Camarena tuvo la producción de Marisol Sahagun,  y la impecable fotografía de Taylor Campos. Para Siddhartha como para muchos de sus seguidores la música es un medio de sanación y una manera de liberar energía negativa. A través del viaje que es la balada con aires setenteros “A la distancia” nos da un mensaje de esperanza tras una dolorosa ruptura entre el lazo que une a dos personas, al ser capaces de soltar y seguir su vida en paz. Manteniendo los recuerdos y los momentos Únicos dentro.

¡Disfruten del visual!

El autor menciona que la percepción cambia al ver esos hermosos y paradisiacos panoramas coloridos del norte de México convertidos en blanco y negro, volviéndolos desérticos y llenos de añoranza. Dándole un sentido más sensible y melancólico al cortometraje. Tras un conmovedor show en la pasada FIL de Guadalajara, el tour despide el año de la mejor manera con un concierto muy particular el 14 de diciembre en el Auditorio Blackberry ubicado en CDMX. Una de las agradables sorpresas de este día se debe a que se documentara el evento en su totalidad para reunirlo posteriormente en un material audiovisual. Sin dejar de lado el setlist que abarca todas las etapas del trayecto que ha consolidado a Siddhartha como un referente del rock actual.

The Neighbourhood, no teníamos idea de los fans mexicanos

Texto: @remxrkxble
Fotos: @YamilethMoncerrat

Eran las 3:50 p.m. Me bajé del Uber para entrar por la puerta trasera del Plaza Condesa. Las manos me temblaban aunque por la chamba acostumbro tratar con personalidades famosas, no obstante esta vez era diferente. Se trataba de la banda que me acompañó por una de las etapas más difíciles de mi vida, su música me hizo capaz de sentir el dolor y pasión y con el tiempo me ayudó a liberarme. Gracias, The Neighbourhood

Llegamos a la recepción y nos encontramos a Julián (su fotógrafo), un mexicano que ha trabajado con ellos desde hace un par de años, platicamos con él. Nos llamaron para entrar a la sala de catering, subimos las escaleras y vi unas piernas vestidas con unos calcetines rojos que llamaron mi atención, se trataba de Mikey, quien estaba sentado a lado de Jeremy y Jesse.

De momento nos llamaron para entrar a una sala pequeña en la que estaban Zach y Brandon, me acerqué a ellos y extendí mi mano, “I‘m Diana, nice to meet you“ le dije a Brandon y él se acercó, besó mi mejilla y se presentó, después me giré hacia Zach quien me dio un pequeño abrazo, “Let‘s get started“ les dije, y nos sentamos.

Dian: ¿Qué los inspiró para hacer su nuevo EP “To Imagine”?
Zach: Honestamente, estábamos en el estudio escuchando música electrónica muy heavy y solo salió.

D: ¿Cuál es su canción favorita del EP?
B: Amigo, ¿cuál es mi canción favorita? [risas] ¡Compass! Hay una canción llamada “Compass” y es un rolón muy bueno.
Z: No lo sé, me gusta “Dust” y hay otra que se llama “Stuck with me”, hay buen contenido.
B: Sí, todo el EP es bueno, sólo cinco canciones, no es mucho.

D: No puedo esperar para escucharlo, y bueno, me gustaría saber ¿con quién les gustaría colaborar la próxima vez?
Brandon: [piensa]
D: Si pudieran elegir a quien sea, ¿quién sería?
Z: Demonios, no lo sé…
B: [interrumpe] Paul Stanley, Gene Simmons [risas]. No, pero ya enserio, somos fans de muchos artistas, como raperos, Kendrick Lamar, Vince Staples… Travis Scott es muy cool y hay bandas como Tame Impala… ¡Kevin Parker es el hombre! Hay muchos artistas muy buenos por ahí con los que nos gustaría trabajar.
D: Creo que Kevin Parker es muy bueno y juntos serían un gran combo.
Z: ¡Sí! Totalmente.
B: Es un productor asombroso.

D: ¿Por qué se tomaron un descanso?, ¿estaban tratando de innovar su música, crear nuevos sonidos?
Z: Sí, estábamos…
B: [interrumpe] ¡Nos odiábamos demasiado! [risas]
D: ¿Ah sí? [risas]
B: Nah, bromeo.
Z: Hemos estado haciendo música en el último año.
B: Necesitábamos tomarnos un tiempo para hacer lo nuestro.

D: Va una pregunta random, ¿Por qué empezaron a postear fotos a color en vez de blanco y negro?
Z: [piensa] ¿por qué hicimos eso? [risas]
B: No, o sea, estábamos mezclando con un montón de cosas para la siguiente campaña. Sólo estamos añadiendo cosas aquí y allá para hacerlo diferente a lo que normalmente hacemos.
Z: Digamos que hicimos una mezcla.

D: En fin, ¿por qué se tardaron tanto en venir a México?
Z: Lo sé, lo que pasa es que nosotros tenemos gente que se encarga de agendar nuestras presentaciones, sólo nos dicen como “Oye, ve a tal lugar” y México salió.
B: No me había dado cuenta de que teníamos una fanbase aquí.
Z: No así de grande.

D: Es gracioso porque tienen muchos fans aquí, México tiene el segundo lugar con más oyentes en Spotify.
B: Oh sí, México y São Paulo.
D: Sí, São Paulo tiene el primer lugar, ellos siempre  los están invitando, les responden “VENGAN A BRASIL” en cada tweet [risas].
B: ¡Lo sé, lo sé! [risas] es muy divertido.

D: Pero, ¿qué opinan de sus fans mexicanos? ¡El show de ayer estuvo loco!
Z: ¡¿Verdad?!
B: Fue asombroso.
D: Yo estaba ahí, casi me matan.
B: ¡No es cierto! [risas]. Es loco, un lugar adorable, les gusta la música y lo demuestran, es muy cool.
D: Muy apasionante.
Z: ¡Totalmente!
D: Bueno chicos, me alegra que la hayan pasado muy bien, sé que el show de hoy también estará increíble, marquen mis palabras.
Z: ¡Eso espero, gracias!
D: Muchas gracias por venir y por su tiempo, regresen pronto.
B: Absolutamente, ¡lo haremos!

Versión en inglés 

Dian: What inspired you to make the EP “To Imagine“?
Zach: Honestly, at that time we were just listening to super heavy electronic music, we were on the studio and it just came out.

D: What’s your favourite song from “To Imagine”?
Brandon: Dude, what is my favourite song? [laughs] Compass! There’s a song called “Compass” and it’s a jam!
Z: I don’t know, I like “Dust” and there’s another one called “Stuck with me”, there’s good stuff.
B: Yes, the whole EP is cool, just five songs, it’s not too much.

D: I can’t wait to listen it, and I wanna know, next time who would you like to collaborate with?
B: [mmmm]
D: If you could choose whoever you want, who would it be?
Z: Damn, I don’t know
B: [interrupts] Paul Stanley, Gene Simmons [laughs] not really, but we are fans of so many artists, such as rappers, Kendrick Lamar, Vince Staples, Travis Scott is really cool, we also like bands like Tame Impala, Kevin Parker is the man, there are so many good artists out there
D: I think Kevin Parker is really great and it would be an awesome combo.
Z: Yes! Totally.
B: He’s an amazing producer.

D: Why did you take such a long break? Were you guys trying to make new sounds?
Z: Yes, we were…
B: [interrupts] We hated each other so much! [laughs]
D: Oh really? [laughs]
B: Nah, just kidding.
Z: We’ve been making music for the last year.
B: We had to take our time to do bunch of stuff.

D: Here’s a random question, why did you started posting stuff in color instead of b&w?
Z: [thinks] Why did we do that? [laughs]
B: No, like yeah, uh we’re just mixing it up with a bunch of like different stuff for the next campaign and stuff like going forward, we’re just adding new things here and there just to spice up what we normally do.
Z: We kinda mixed it.

D: Why did you take so long to come to Mexico?
Z: Yeah, I know, but we, you know, we have people who book shows for us, and they say  “hey, go there” and then Mexico came out.
B: I didn’t realize we had a huge fanbase.
Z: Yeah, not this amount.
D: That’s funny ‘cause you have a lot of fans right here, Mexico has the second place of listeners on Spotify.
B: Oh sure, Mexico city and Sao Paulo.
D: Yeah, Sao Paulo is the first one and they are always inviting you there, like “COME TO BRAZIL!” on every tweet response [laughs]
B: I know, I know! [laughs] it’s so funny, love that.

D: But well, what do you think about mexican fans? I mean, yesterday the show was sick!
Z: I know right!
B: It was amazing!
D: I was there, they almost killed me!
B: No way! [laughs] it’s crazy, a lovely place, seems like they really like the music [sigh]. They like the music and you can see it, it’s really cool.
D: So passionate.
Z: Totally!

D: Well guys, I’m glad you had a great time and today’s show it’g gonna be incredible, mark my words.
Z: I hope so, thank you!
D: Thank you so much for coming and for your time, come back soon
B: Absolutely, we will!

Momentos Corona Capital 2017

Se mira tan cercana y lejana a la vez nuestra experiencia en la última edición del Corona Capital. En la que personalmente y a nivel team WMP disfrutamos sobremanera. Ya sea por los increíbles actos que vimos por primera vez o repetimos, o simplemente por la fórmula Ocesa que siempre termina por funcionar.

A manera de recuerdos de cómo las personas involucradas en este medio mágico musical vivimos estos dos días de caminatas, chelas, Dulces Vero, frío, experiencias ultra sensoriales y demás, les hicimos un recuento más personal de nuestras vivencias. Seguro alguno de nuestros lectores se identificará con más de una. Los aportes son de Bere, Gisela, Monce y Kevin y los ubican por sus iniciales. 😉

SÁBADO

K: Como podrán notar la puntualidad no es una de nuestras cualidades, y aunque intentamos llegar temprano, el primer acto que tuvimos oportunidad de presenciar fue Joseph, unas morritas muy bien arregladitas de Oregón que se robaron bastantes miradas en su presentación. Nos deleitaron con un folk bastante agradable con el que pudimos darle un buen inicio a nuestra aventura.

En el recinto ya conocido podíamos caminar por las curvas y disfrutar de una exposición de carteles (de mis favoritas) de varios artistas gráficos de todo el mundo, encabezada por los ya conocidos Mercadorama (quienes tuvimos en todo momento presente en el festival ya que no faltaron los que vestían la controversial sudadera de “Mexico Is The Shit”).

Entre activaciones de sponsors (nuestro favorito fue tener Dulces Vero pa’ventar pa’rriba) y las áreas de comida (a mi parecer bastante completas) llegamos a Daugther, un acto sublime y un poco fuera de contexto por la hora y el festival per sé, pero bueno, seamos honestos, ¿de qué otra manera podríamos ver a esta chulada de morra en México? Ojalá Ocesa considere traerlos el próximo año solitos.

Ya entrados en vientos gélidos y una que otra chevechita, fui a toparme a los Mogwai, quienes a pesar de que eran una de las bandas que personalmente más esperaba, su show en vivo dejó mucho que desear. Sí, su sonido muy bonito y bien amarrado y todo, pero dónde dejan el dinamismo, ¿un jueguito de luces? ¿Unos visuales pa’contrarrestar que sean unas tablas? Bueno, de menos si cerrabas los ojos y usabas unos buenos tapones pa’los oídos podías dejarte llevar por la majestuosidad de “Rano Pano”.

B: El metro en hora pico no preparó a la gente para lo que viviría el sábado en el escenario Doritos. Minutos antes de que Metronomy subiera al escenario, las personas ya no podían mantener el equilibrio. Invadían torpe y desesperadamente el espacio personal, se mimetizaban como cardumen en olas que violentamente intentan llegar a la costa “el escenario”.

La falta de espacio no fue excusa para sacudir frenéticamente el piso al ritmo de “Back Together”, “Miami Logic”, “The Bay” y “Love Letters”. La intensidad llegó a tal nivel que Joseph Mount, incrédulo, tuvo que pedirle al público que se tranquilizara un poquito.

El cambio de backline entre los ingleses y Cage The Elephant fue un slam colosal sin música, adornado por los gritos de aquellos que se sentían prensados en la multitud. Matt Schultz salió con una bandera de México en hombros, frenético saltaba, bailaba, se revolcaba en el piso, se desprendía de la ropa, bueno, hacía suya la curva cuatro del Autódromo.

En “Ain’t No Rest for the Wicked” la última canción de su setlist, el guitarrista, Brad Schultz se aventó a la multitud, nadando entre los fanáticos. Papeles grises volaron en el escenario. Se despidieron, pero no sin antes prometer que volverían pronto. La brutalidad y entrega en la tarima reafirmó el amor de sus fans y cautivó a los neófitos del garage.

M: Siendo fan o no de los británicos The XX, el live act que traen se disfruta de principio a fin. Rommy Medley, Oliver Sim y Jamie XX se complementan en el escenario de una forma mágica. Durante su participación conmovieron a sus fans entre un viaje de temas nuevos y éxitos.

Su show comenzó con “Intro” junto con “Crystalised”, adentrándonos en un ambiente que solo ellos logran crear. Siguieron con canciones de su reciente producción On Hold, como “Lips”, “Say Something Loving”, “I Dare You”, entre otras.
Su escenario estuvo acompañado de luces y lasers, mismos que contextualizaban una noche llena de suaves melodías junto a la dulce voz de Rommy y los prendidos sets de Jamie XX. Durante su acto Jamie interpretó el cover para “Loud Places” prendiendo el baile en la pista. The XX nos marcó está edición del #CC17, cautivando a todos con su gran talento.
B: Minutos antes de que dieran las once, algunas personas poco a poco comenzaron a irse al escenario Corona para ver a Foo Fighters, los verdaderos fanáticos, esos aferrados que desde Metronomy intentaban llegar hasta enfrente del escenario Doritos permanecieron hasta los últimos segundos en los que Jamie xx se adueñó de la tarima donde realizó improvisaciones repletas de beats, perfectos para doriloquear.
Domingo
G: Todos los actos tuvieron un común denominador en el escenario: la bandera tricolor de México. ¿La razón? Este año no hubo vasos de cerveza brandeados con el arte del lineup oficial, no, este año contenían la leyenda: “Siempre hemos podido”. Porque ni la gente, ni las marcas, ni el marketing olvidan que fue difícil recuperar la normalidad después de lo sucedido el 19/11/17… Volviendo a la bandera, fue muy reconfortante ver que todos los artistas tenían muy presente ese hecho que, fue digno de celebrarse con palabras de amor, unión y humildad. La vibra entre la gente se sintió más cordial, a diferencia de otros años.
K: Dua Lipa fue entre mame, una morra bien entregada y el fan enamorado de su carita toda preciosa. Una chica que a su corta edad sabe manipular un escenario, llevarse de boca a binarios y no binarios y deleitarnos con un show digno de repetirse en un futuro no muy lejano.
Acto seguido estábamos viendo a un Jonathan Pierce bastante amanerado y majadero con sus nuevos bandmates. Creo que no wa olvidar ese momento que después de terminar “Heart Basel” le gritó “¡No!” en el micrófono a su bajista que trataba de decirle algo. La tensión se comenzó a sentir durante los siguientes temas “Days”, “Money”, “Bloody Under My Belt” y no fue hasta “Best Friend” que Pierce se acercó le dio un beso en la mejilla y con ademanes le pidió disculpas a su bandmate, quien en repetidas ocasiones le hacía caras y señas mientras éste se paseaba frente a él cantando. Aún con todo esto logramos disfrutar de una presentación un tanto forzada de The Drums.
Grouplove fue un acto inesperado: una escenografía grotesca (en el buen sentido), una banda de garage con una visión muy clara de su sonido, su interacción con el público y su acto en vivo. A pesar de que sólo logramos ver el final de su presentación, quedamos bastante satisfechos con el desenfreno de su presentación y el recibimiento del público. Justo nos dejó en el mood para recibir algo más melódico y excéntrico: Grizzly Bear.
Lo de Grizzly fue algo fuera de serie. Pa’empezar logramos irnos hasta casi adelante cosa que nos hizo darnos cuenta de la destreza y el dinamismo de sus miembros, ahondaremos sobre eso un poquito más adelante. Resulta ser que estábamos a unas 20 personas de la valla de contención, delante de mí había un homie que se dio un pasón de ¿algo? Y se nos desmayó, lo ayudamos a llegar hasta en frente para que los de seguridad lo llevaran a enfermería y todo siguiera en orden. Frente a nosotros los osos grizzly ya daban muestras de su increíble acto en vivo.
Un Ed Droste muy casual (con pants y hoodie) se paseaba con bailes agradables de un lado a otro, para finalizar en el micrófono y darnos una dosis de vocales que no podemos definir de otra forma que… sublime. En ese momento comencé a valorar el poder de la voz o de un vocalista per se, algo que siempre había infravalorado. No es como que cualquiera pueda cantar y mucho menos lograr ciertos tonos, sino que tu cuerpo es tu instrumento, lo tienes que cuidar, sobre todo tu garganta, pues de otra manera podría serte imposible pararte frente a un escenario.
Mientras divagaba con la importancia de la voz en una banda, ellos ya nos habían deleitado con tracks como “Losing All Sense”, “Yet Again”, “Fine For Now” y la majestuosa “Ready, Able”. El público, en su mayoría fans de Phoenix (que esperaban su turno para cantar y bailar), dejaban a los verdaderos fans de GB cantar y moverse de un lado a otro al ritmo de estas complejas melodías.
Aún me cuesta digerir al 100% este show, cada personaje metido en sus instrumentos, sí, porque nadie se limitaba a uno. Empezando por Daniel Rossen que con guitarra, teclado y su genuina voz nos deleitó en todo el set. No sé ustedes, y quizá estoy diciendo una barbaridad, pero por la destreza, ejecución, perfección y complejidad de sus guitarras, lo podría poner a nivel de guitarristas como Robert Fripp de King Crimson.
Pero la mención especial es para Chris Taylor que en “Sun In Your Eyes” demostró la destreza y el genial manejo de sus instrumentos intercambiando entre bajo y saxofón en segundos. En ese momento pudimos observar a Ed anonadado quien a su vez observaba con risa sorpresiva los cambios que su bandmate hacía en cada parte de la rola, y es que, créanme, verlo hacer malabares con instrumentos era un deleite a la vista y al oído.
Un acto sin precedentes que fácil llega a nuestro top de los mejores del año.
G: Alt-J se queda en el top de mejores actos en vivo con respecto a producción e iluminación. Cada acorde, coro, cambio de melodía, el escenario cobraba vida de mil maneras posibles, esto gracias al perfect timing de las luces. ¿Quién será la persona encargada de esto? No lo sabemos, pero le aplaudimos. Alt-J en escenario Corona Light fue un show que nuestras pupilas no olvidarán.
K: Phoenix junto a Grizzly Bear era uno de los actos que más esperaba en este Corona. Desde Wolfgang Amadeus me convertí en fiel seguidor suyo, aunque debe confesar que antes del WAP y en el Ti Amo no les sé muy bien. El punto es que Bankrupt! es EL DISCO y Phoenix es LA BANDA. Desde que se suben al escenario comienzas a sentir una vibra súper amigable y entregada.

De entrada el increíbles escenario que se montaron fue algo surreal, una pantalla a sus pies proyectaba unos visuales INCREÍBLES que se reflejaban en un espejo enorme encima de ellos colocado como entre 60 y 70 grados para que el público lo pudiera observar en todo su esplendor. Hubo personas que incluso no entendían cómo funcionaba este “proyector” y pensaban que la pantalla era lo de arriba.

Pero bueno, lo mejor viene después. Número uno, nunca había visto a Phoenix, punto número dos, no sabía realmente qué esperar. Pero ellos ya saben bien qué pedo “A ver, Corona Capital, necesito que me des hora y media de show, me pongas a cerrar un escenario y me pagues mi producción enorme pa’darle un show increíble a los mexas que tanto queremos”. Y así fue. Desde “J Boy” y “Lazo” el frío se nos olvidó y al menos hasta donde mi vista alcanzaba a llegar todo mundo gritaba, cantaba y bailaba frenéticamente. En “Entertainment” de mis tracks favoritos del Bankrupt! la emoción recorría todo el cuerpo, no imaginaba que tocarían tantas canciones de ese disco.

La magia de Thomas reside en que canta y medio rapea, sus canciones son de líricas largas y con una increíble métrica y juegos de palabras, eran una cura ver a la gente washawasheando sus letras y tratando de seguir la letra. El piso/pantalla seguía dando de qué hablar, no sé qué onda con el wey que armó los visuales, pero cada canción tenía un juego de luces que empataba con los sonidos de los instrumentos y la voz de Thomas, una de mis partes favoritas fue cuando empezó “Trying To Be Cool”, todo estaba apagado y empezaron a sonar los primeros acordes hasta que llega el sintetizador y su logo se prende al ritmo de éste, no sé si fue por los psicotrópicos que traía encima, pero se me hizo mágico ese momento. Pero mi sorpresa más grande fue cuando tocaron “Drakkar Noir”, mi rola favorita del mentado disco y que jamás creí que escucharía en vivo.
Les decía, Phoenix es esa banda que se puede dar ciertos lujos, o mejor dicho, los que ellos quieran, pues a medio set se aventaron un medley de sus canciones instrumentales “Love Like a Sunset 1” y “Bankrupt!” es como cuando ves a tu banda clavada y esperas que toquen una de las rolas que menos te imaginas, pero nunca llega. Phoenix lo hizo y aunque la gente estaba medio sacada de onda, los que sabían que pedo se balanceaban al ritmo de estos sonidos más atmosféricos. ¡Qué delite!
La fiesta siguió con varias del Ti Amo para terminar la primera parte del set con un “Rome” un tanto atropellada, pero estos weyes saben manejar bien las crisis, y en todo momento involucraron al público con las fallas de sonido para que fuéramos nosotros quienes les diéramos la última palabra de si la viz de Thomas sonaba bien.

Regresaron con “Telefono”, “Flor Di Latte”, “1901” y cerraron la noche con “Ti Amo Di Piu”, para mí el Corona Capital había terminado en ese momento y no pudo haber tenido mejor cierre.

G: para muchos fue un acto digno de headliner, pero para otros fue una presentación exagerada (dos horas y media de show). Billie Joe Armstrong tiene la actitud, eso no se cuestiona, sin embargo, conforme pasaban los minutos, se le veía agotado, sin voz. Eso sí, lograron que el público explotara, cantara y hasta lagrimeara. Lo interesante: tres fans cantaron y tocaron junto a Billie en el escenario. Lo más importante: las palabras de Billie, habló del poder de las mujeres, que son capaces de conquistar el futuro político y social; mencionó la fuerza que tiene México y, lo último, le tiró mierda a Trump. ¡Medallita de oro a Green Day!

#NuevosRuidos: Malos Modales, la gran familia regia

En 2014 un grupo de amigos decidió que les gustaba el rocknroll, ahí se encontraban integrantes de bandas consolidadas como División Minúscula y She’s a Tease. El resultado se llama Malos Modales y después de dos EPs y presentaciones en importantes festivales como el NRMAL, la banda está de regreso con su primer álbum de estudio, Cosas ocultas (Buen Día Records).

Se trata de un material que como indica el título— esconde referencias, sobre todo de influencias o cosas que disfruta la banda. Además comparte nombre con el primer sencillo, el cual les parece una buena transición de los EPs pasados al disco, pues tiene un poco del sonido anterior y mucho de su nuevo estilo.

La estética noventera es una constante en Cosas ocultas, fue una época que definiría a Scrap (guitarra/voz), Johny (guitarra), Chank (bajo) y Kiko (batería). “Hubo mucho rock y grandes discos, películas y videos que nos marcaron, desde grandes producciones hasta cosas más indies y punk, fue un gran momento para ser adolescente.

Algo que nos gusta es el hecho de que se usaba sacar discos completos, y que la gente los compraba y escuchaba. Ahora es un poco distinto con toda la cantidad de música que se encuentra disponible. Muchos artistas optan por ir sacando sencillos en vez de producciones completas y todo se vuelve un poco desechable”, mencionan.

Esta es la razón por la que se tomaron muy en serio la grabación, para entregar una producción completa y de calidad. “Darle a la gente que nos escucha, un disco como los que nos gusta escuchar a nosotros”, nos comentan.

“La grabación del álbum fue un momento único en la historia del grupo, que seguro va marcar mucho del futuro de la banda. Fue un proceso largo, desde la composición hasta la producción, pero en el camino conocimos a mucha gente e hicimos muy buenas amistades”, dicen. Entre ellas podemos mencionar a los Buen Día Records, así como a Maurizio Terracina (Zurdok), quien estuvo a cargo de la mezcla del álbum y Memo sobre la luna, músico invitado.

Esta gran familia regia ve un panorama prometedor en la tierra del broncowave. “La escena en Monterrey está muy activa, hay muchas bandas tocando y cada vez salen más venues y festivales donde tocar. Hubo un rato que estuvo medio apagada por cuestiones de la inseguridad que se vivía, pero ahora otra vez está muy activa, todos los fines hay shows que ver y a cada rato salen grupos nuevos”.

Con el 2018 a punto de comenzar, Malos Modales ya sabe sus propósitos: “Promocionar el disco, salir a tocarlo en todas partes, y trabajar en un nuevo material para tenerlo listo lo más pronto posible”.

Mientras llegan a la CDMX, despidan este año al ritmo de Cosas Ocultas.

#WMPGigs: El techno de Juan Atkins en la CDMX

Nadie esperaba que desde la llegada del sintetizador Korg MS10 a manos de Juan Atkins se abriría un nuevo movimiento que conquistaría la escena musical con tanto auge y creatividad como lo ha hecho el techno en la última década. 


La visita a México de una de las mentes que iniciaron esta revolución debe de ser comprendida y festejada, ya que en la actualidad la palabra techno se ha convertido en tendencia y moda que no representa precisamente la esencia del género. 

Para poder hablar y comprender de este género es necesario remontarnos a sus raíces y es ahí donde Juan Atkins junto con Derrick May y Kevin Saunderson aparecen como artífices del género, en una época donde eras un novato si no sabías grabar directo del mixer a cinta y con uso de overdubs.

Lo que caracterizaba ese nuevo movimiento era la profunda pasión por la música y el movimiento, donde el DJ era solo el mensajero y no una figura en primer plano en espera para recibir miles de aplausos.

La música de Juan Atkins inspiró y atrajo a otras mentes brillantes del techno como Richie Hawtin y John Acquaviva que en un futuro llevarían el género bajo su sello Plus8 a Europa para después poder ser reproducido y perfeccionado.

Distrito Global y su propuesta “Cinta Negra” pretende reunir un poco de ese contexto en la CDMX junto con uno de los padres y fundadores del techno. 

El llamado a los verdaderos amantes del techno es el próximo 8 de Diciembre en Mooi Collective”.

Consigue aquí tus tickets

Por: Ergar Chavez

De creatividad y batallas de GIF’s, una crónica sobre el CutOut Fest

Texto: Vania Castaños
Fotos: David Casarrubias

-Es un tema bobo, no sabría cómo explicar. Son cosas que allá, en Venezuela, suceden casi con naturalidad. Algo que ya está bien arraigado. Como el machismo, acá en México.

– Ah, sí, sí, ahora entiendo. ¿Y tu carrera de ilustrador? ¿Allá no iba a suceder?

-Sí, bueno… allá es imposible…

Estamos acostumbrados a los festivales de música; mucha diversión, cervezas de “litro” y cientos de personas mostrando sus mejores outfits. Hasta la misma RAE, en su primera definición especifica que festival es: “fiesta, especialmente musical”. Y todo eso está bien, no tengo 60 años, pero también existen eventos que mezclan algunos de esos elementos con animación y arte digital donde no precisamente sales de ahí con los oídos tapados, la cabeza saturada y/o una cruda mortal.

El CutOut Fest se trata de eso. Pasarla bien, pero también reencontrar tu creatividad, hacer explotar tu cabeza con nuevas ideas. Casi, casi como embriagarse, pero con pura inspiración.

Viernes 10 de noviembre

Hace un calor del demonio. Estoy en Querétaro, una de las ciudades más turísticas del país. La mayoría de sus calles podrían ser la parte más bonita del centro de la CDMX. Es hermoso pero hoy, me está rostizando.

Mi idea, originalmente, era llegar temprano al CutOut, pero el calor me lo impidió. Tuve que pasar por algo que refrescara mi ser y de ahí, un taxi hasta el venue principal del festival: el Museo de la Ciudad.

Llegué justo a tiempo; para formarme un rato y esperar a que empezara la batalla de GIF’s. El foro se llenó. Todos tomamos nuestra fría cerveza Victoria y unas banderitas para elegir al ganador y al perdedor. Debo confesar que aunque el concepto de este concurso siempre me emociona, había asistido a un par de combates así, pero nada muy divertido. Esta vez, fue distinto.

El presentador se lo llevó TO-DO. Qué agradable persona. Sí, hubo varios participantes que rifaron con sus GIF’s, un Guicho –participante– que se los llevó a todos por la calle, pero la buena onda y carisma del presentador nos hizo pasar un rato divertidísimo. Gracias, presentador.

Saliendo de este primer evento, caminé un par de mini-cuadras hasta llegar al Teatro de la Ciudad –que a su vez también es Cineteca–. ¡Qué lugar tan lindo! Espejos, palcos, candiles, terciopelos y azulejos por todos lados. En frente, hay una pantalla y justo están proyectando los cortos experimentales en competencia.

Ahora, frente a mí hay líneas rectas musicalizadas por sintetizadores oscuros, colores neutros. Así fue el primer cortometraje. Después, alcancé a ver otros 2; uno oriental donde cantaban canciones de que alguien que no se quería rasurar (what?) y otro muy lindo de conejos que nacen de plantas con una musicalización excepcional.

Estar en el Teatro de la Ciudad, con toda esa arquitectura de los 40 y ver en una pantalla técnicas experimentales era algo tan inusual que, neta, no se necesitaban drogas para disfrutar.

A las 20:00 horas comenzó una de las conferencias más esperadas. Graham Finley, que ha trabajado en películas como Brave, Monsters University y Coco –de Pixar, evidentemente–. Él nos contó un poco de su vida, sus estudios, nos mostró un par de bocetos y párale de contar. Muy lindas sus experiencias pero, sólo aumentó mis dudas sobre la ilustración digital.

Sábado 11 de noviembre

Qué buen lugar para hacer un festival de creatividad. Ayer me cayó de sorpresa la madrugada mientras caminaba en la Plaza de Armas. La iluminación y las cubas me obligaron a disfrutar lo delicioso que es estar alejada del caos chilango. Querétaro tiene paisajes arquitectónicos fantásticos.

A las 2 de la tarde comenzó una sesión de 9 preguntas random. Esta vez los invitados eran uno de los creativos en Odd Division y Martinus Klemet.

Odd Division es un laboratorio con base en Brooklyn y Barcelona que se dedica a storytelling, y muchas cosas de este tipo: diseño y tecnología, sobre todo. Su representante confesó que le inspiraba Yayoi Kusama, que golpearía en la cara a Donald Trump y que en su mochila nunca pueden faltar unos tapones para los oídos.

Por otro lado, Martinus Klemet, un diseñador que arma spots publicitarios, videoclips y cortos animados –todos súper cool, btw– nos contó que no golpearía a nadie, que le gusta Bonobo y que le tiene miedo al estancamiento creativo.

Mis dudas de ilustración digital seguían ahí.

Y es que, no me mal entiendan “el aprendizaje nunca agota la mente”, como decía Da Vinci y entre más proyectos inventiva y escuchaba, más incertidumbre tenía.

Terminando esa sesión de 9 preguntas fui al foro del Teatro de la Ciudad a ser parte de un happening.

“Ah, va. ¿Qué es un happening?”.

Bueno, es como un performance creado únicamente para hacer reaccionar al espectador. En éste, se busca que el público forme parte y básicamente, no hay que buscarle explicación…sólo hay que formar parte.

ESOC, como se llamaba este happening era algo rarísimo. En el fondo unos videos causaban a veces repudio y a veces nos obligaban a ponerles demasiada atención, una mujer con globos colgando en su cuerpo hacía sonidos con unos sintetizadores y un micrófono con efectos, otro ser que recogía cosas del piso mientras se las pegaba con cinta al cuerpo. Es algo difícil de explicar; tendrían que haber estado ahí para disfrutarlo.

Para cerrar el segundo día del CutOut Fest, a las 19:15 empezó la conferencia de Andy Baker. Uno de los ilustradores de Don’t Hug Me I’m Scared. Antes de mi comentario les voy a recomendar que, si no han visto esa serie rarísima de videos; vayan ahora mismo a Youtube y denle play.

Ahora sí. Tenía muchísimas ganas de escuchar a este vato. Unos días antes del festival, había visto todos los capítulos (de la mencionada serie) y si de por sí tenía entonces muchísimas dudas, ahora, con tanta inspiración me habían surgido más. Tampoco obtuve respuesta.

La plática de Andy muy bien. Qué padre trabajar con amigos y todo eso pero ¿CÓMO SE HACE UNA ILUSTRACIÓN DIGITAL?

Después de la conferencia de Baker era momento de la clausura del CutOut pero antes, tuve –lo que considero– mi momento de clímax en el festival.

Resulta ser que, mientras esperaba a que abrieran el venue de la última actividad, decidimos un amigo y yo esperar mientras platicábamos en una incómoda mesa. A la charla se unió Ed Vill, un ilustrador venezolano –que nos presentó otro artista gŕafico, este mexicano: Mike Sandoval–, quien terminó haciendo perfecta mi estancia en el festival.

La plática con Ed surgió, como lo leyeron al principio del texto con los problemas en Venezuela, él me explicaba porqué la recesión en su país parece ser infinita y sus razones para salir. Después de un par de confesiones personales y ya entrados en confianza por fin pude hacerle las preguntas bobas que cualquier newbie en el tema –como yo– haría.

Ed Vill resultó un gran maestro, un instructor (real) del tema. Además de ser influencer, músico, diseñador y más. Tras una hora de plática, una pequeña promoción de un curso que da sobre creación de personajes y la promesa de fumar un porro y ver caricaturas –por mero aprendizaje, no vayan a pensar mal–, entramos al evento de clausura.

Se entregaron los premios, una –súper envidiable– beca del 90% en el SAE Institute (que es patrocinador del festival desde hace ya varias ediciones) y después, nos llevaron al “súper” evento de clausura. Música, fiesta, cubitas (sí, poquitas) y bueno… ¿para qué les cuento? Lo único importante es que terminamos haciendo la viborita como en cualquier boda familiar y el puentecito  clásico de unos XV años.

¿Ven? El CutOut lo tiene todo.

Ésta fue la novena edición del festival y por lo que nos dijo una chica del equipo –mientras íbamos en la van a la fiesta–; el festejo de los 10 años “va a estar con madre”.

Más eventos que impulsen la creatividad y menos momentos de ociosidad, chavxs. Consideren la década del CutOut Fest y nos vemos en 2018.

Fascinoma, de tropiezos y bailes candentes

Texto: Daniela Valero
Fotos: Pancho Borrajo

El pasado sábado 11 de noviembre se llevó a cabo la segunda edición del Fascinoma. Aunque los organizadores tuvieron que hacer cambios de locación no incumplieron con la esencia que nos dejaron en la primera edición.Llegamos el sábado a una reserva natural escondida en la colonia Las Águilas. El lugar tenía lo necesario: aire fresco, árboles, bebidas a precio justo y la carpa principal con un sonido preciso para tenerte alucinado en la zona de baile.En punto de las 8 de la noche Baltra llegó a detonar las tornas y casi con la primera canción ya tenía al público bailando en primera fila.  El techno que eligió provocó que el público se fuera acercando más y más hasta convertir la carpa en la fiesta que prometía.

Le siguió Sassy J, eligió empezar con sonidos experimentales que apuntaban a convertirse en algo más trabado, sin embargo terminó por juntarlos con funky tracks. Esto confundió un poco al público que Baltra ya había calentado con un mood más elevado. A la medianoche llegó Peanut Butter Wolf, quién tocó puro hit y empezó su set con “Everybody Loves The Sunshine” de Roy Ayers. Hip hop y funk fueron de lo mejor para empezar una de esas noches que sabes que no dejarás de bailar. Su actitud sacaba sonrisas en el público y gritos de emoción con cada track, pues le apuntó mucho a los hits que todo asistente conocedor ama.

A pesar del cambio de venue inesperado y contratiempos, Fascinoma cumplió con lo que todos esperábamos, excelentes dioses de las tornas y público conocedor fueron los elementos que seguro perdurarán en próximas ediciones.

¡Larga vida al Fascinoma!

#WMPGigs: Llega el fin de semana Fascinoma

La segunda edición del Festival Fascinoma promete saciar a toda la comunidad electrónica con beats frescos y talentos que son una leyenda. En está ocasión el festival se hará en dos destinos distintos, mismos que prometen ser el ambiente que todo amante del dancefloor necesita.

El primero sucederá en Mooi Collective ubicado en Dr. Vertiz 86, un espacio que nos hará vibrar con las frecuencias de A MADE UP SOUND, LOEFAH, MARIA W HORN, TRR Y DJ FIASCO.
El segundo continúa con el mood de la primera edición, ECTÁGONO- A puente, 2do Parque las Águilas, CDMX. Un poco de bosque y aire fresco en conjunto de beats y frecuencias que crearán la vibra perfecta para un sábado inolvidable.

El sábado será un día de fiesta continua a cargo de BALTRA, CALL SUPER, DJRUM, ETAPP KYLE, SASSY J, PEANUT BUTTER WOLF, KINETIC ELECTRONIX: HASHMAN DEEJAY B2B NEO IMAGE, DJ BRENDAN, MORELOS y TROPICAZA.

Los curadores del line up del Fascinoma son expertos en el tema de las tornas legendarias y por eso que no te puedes perder esta edición.

Si te consideras un sabio del mundo de la electrónica o simplemente esta música te hace vibrar como ninguna en el dancefloor, este festival es para ti.

El Fascinoma tiene boletos disponibles en el siguiente link: https://fascinoma.boletia.com/

Además todas las ganancias de este año se destinarán a un proyecto de reconstrucción de Metepec-Atlixco, Puebla en colaboración con Comunal, un taller de arquitectura.

#NuevosRuidos: Paranormales, un debut entre luz y la oscuridad

Belona es el título del álbum debut de Paranormales, trío de Barcelona que hace pop ochentero. “La riqueza de sonidos y estilos que produjo la eclosión de los sintetizadores populares a comienzos de aquella década es algo que vimos totalmente digno para emularlo en una vertiente pop y así poder recrearnos en ello con cierto detalle, eso sí, sin perder la perspectiva de la actualidad”, nos cuenta la banda integrada por JC Delgado (bajo/sintetizadores/voz), Ana Ruiz (voz/teclados) y David Toro (guitarra).

“Lo más cercano a lo paranormal lo vivimos prácticamente cada vez que nos juntamos para ensayar o cuando nos presentamos ideas en común para crear nuevos temas”, aseguran. Y es que hacer pop nostálgico en un 2017 cuyas tendencias van en dirección opuesta no les parece que sea fácil, a pesar de lo amigable en su sonido.

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#WMPGigs: Tiger Army, un set de ruidosos instrumentos

Fotos: Óscar Villanueva
Texto: Felipe Corrales

La entrada a El Plaza era fluida, el color negro predominaba entre la vestimenta de los asistentes. Tiger Army regresaba al recinto para ofrecer dos show en su breve estadía en la ciudad. Poco a poco, el público se fue adentrando al venue,  ya que todos querían obtener la mejor vista posible.

Entre destellos de luces, el venue lucía especial; adornado desde una manta con el logo de la banda, así como un público “disfrazado” y festejando la celebración de día de muertos.

Todo estaba listo, Frank Turner subió al escenario para acompañar a los estadounidenses. Repasando canciones de su discografía, el músicos tomó su guitarra dejando fluir toda su esencia a través de la intimidad. A lo largo del set, el músico logró captar la atención de la gente que no ubicaba a su música por su actitud y buena vibra.

Óscar Villanueva (OVD) / Cortesía

Un breve pero sólido show de los mexicanos Casanova Club seguidos por Turner fueron la introducción hacia el plato fuerte de la noche. Inmediatamente al bajar del escenario, los gritos y la vibra cambió, pues la llegada del psychobilly de los angelinos regresaba para ofrecer un set de día de muertos.

Alrededor del foro, las voces del lugar comentaban sobre los próximos conciertos de la ciudad, así como del show ofrecido por la banda un año atrás. Las expectativas eran altas, las ganas de ver a los estadounidenses sobresalía, pues en su visita anterior, el concierto logró grandes expresiones musicales.

Óscar Villanueva (OVD) / Cortesía

Puntuales y con mucha tranquilidad, saltaron al escenario. Rápidamente la conexión entre la audiencia y la banda se hizo presente, todo era felicidad. Temas como “Ghostfire”, “Afterworld”, “Pain”, y “Moonlite Dreams” causaban una actitud punk, un slam de emociones que destacaban de una fina guitarra acompañada de un brutal contrabajo.

Óscar Villanueva (OVD) / Cortesía

Conforme avanzaba la noche, la conexión del show, se sentía de manera genuina, entre una mezcla de nuevas y viejas canciones los elogios, la contundencia y toda la estética fúnebre del día resaltaron la música.

El concierto, nos mostró lo importante que es tener una constante renovación musical. Pues a pesar de los cambios de sonidos que ha tenido la agrupación a través de los años, la esencia, naturalidad y comodidad fueron factores decisivos dentro del show, cada integrante hacía del espacio del lugar, una catedral para mostrar su música. En resumen el show volvió a ser contundente.

Óscar Villanueva (OVD) / Cortesía

 

Con agradecimientos, una presentación al estilo punk; rápida y con ráfagas de emociones, el trío de psychobilly agradecen la estadía esperando lograr que las emociones de repitiera en su segunda fecha.

Para culminar el set, la voz en español de “Hechizo de Amor” junto a una melódica y pasiva interpretación de “Under Saturn’s Shadow” dieron el cierre final. Tiger Army lo hizo de nuevo; un show sólido lleno de grandes recuerdos, sonidos influyentes y una gran celebración de muertos.

#WMPGigs: Su playlist rumbo al Soul Tech Festival

Soul Tech Festival reúne a fieles seguidores del techno y tech house cada año en distintas locaciones para poder disfrutar en un ambiente muy hedonista la música de los artistas más trascendentes en la escena dance underground. 

El festival que ha traído a la CDMX exponentes de la talla de Marco Carola, curo en esta edición un lineup lleno de nuevos DJ`s que con sus producciones figuran como los talentos más cotizados a nivel mundial.

Es así el caso de Solardo y Santé que han conquistado varios de los festivales y clubes del circuito underground internacional en los últimos años. 

El británico Nic Fanciulli uno de los DJ`s más queridos por el público mexicano que hace unos días lanzó su álbum “My Heart” regresa después de dos años como cabeza de cartel. 

En cada edición del festival, la productora XDC music ha procurado colocar al talento mexicano en sus festivales, por lo que también al inicio del festival se podrán escuchar sesiones como la de Freyre Crisanto y el residente del club “Blue Parrot” – Omar Labastida. 

Si eres un fiel fan de la música a 4 cuartos y cuentas con el ímpetu necesario para bailar por casi 24 horas, te recomendamos asistir a este festival.

Mientras anticipas tu entrada te dejamos una playlist con lo mejor de la música que escucharás este 4 y 5 de noviembre. 

¡Dale play!

Por: Ergar Chavez

#Audiovvisual: OnlyJoke, el arte detrás de la ciencia exacta

Texto: Berenice Spindola
En Mayo de este año Gepe nos sorprendió con un sexto disco: Ciencia Exacta. El álbum tiene varias facetas del cantante, las canciones que lo conforman nos hablan una vez más de situaciones cotidianas que podemos asociar fácilmente, pero siempre desde el lenguaje personal del artista. Sin dejar de lado detalles tan característicos como la pureza de una catarsis romántica y que además se siente natural.
Canciones como “Hablar de ti” con una melódica de reggae suave y lírica romántica; algunas más folclóricas y tradicionales como “La Flor del Canelo” y “Hasta cuando” o incluso sonidos más melancólicos como “Hoy”. Gepe puede mostrarnos diversas formas de interpretación musical, que a pesar de poder tener un estilo marcado en sus primeros álbumes puede ser tan versátil como quiera a lo largo de su carrera y este nuevo proyecto no es ninguna excepción.
Camilo Huinca, mejor conocido como OnlyJoke, fue el encargado de ilustrar la portada de el disco en cuestión. Diseñador gráfico, ilustrador y pintor, son algunas de las virtudes de Camilo en la escena gráfica. Su estilo es considerado como underground y tiene un importante reconocimiento como creador de medio visual. El estilo de Camilo está enfocado en la sociedad, las costumbres de esta, la calle, la representación del cuerpo humano: formas y expresiones.
A pesar de ser un artista que trabaja con outlines monocromáticos, tiene también una paleta de color que nos deja identificar como propia, usando colores muy cálidos como rojo, amarillo, rosa y naranja logra hacer el contraste perfecto con colores fríos como azules y verdes. Basta con ver un poco de su trabajo para saber sobre lo que consta.
Camilo nos muestra personajes de la vida cotidiana: ejerciendo una acción, interactuando con los demás o con ellos mismos, relaciones humanas que forman metáforas y nos hablan de un lenguaje interno, pero que puede ser compartido por los demás; jugando con figuras geométricas representa todas estas ideas aún sin dejar de lado lo orgánico. Nos muestra formas sencillas de digerir con los elementos necesarios para saber a que se refiere y como cargan consigo un discurso que vale la pena observar.
Aquí es donde el trabajo de Camilo y Gepe convergen: artistas haciendo lo que les apasiona, buscando nuevos métodos de representación, pero con la esencia habitual de dos chilenos que muestran su trabajo sin desarraigarse de su contexto y sobretodo la raíz de lo que los llevó a ser quienes son hoy en día.
Este 22 de octubre tendremos la escena completa del proyecto y presentación oficial del album ‘Ciencia Exacta’ en el Teatro Metropolitan de la CDMX.

Sol, baile y uno de los mejores festivales de 2017, Hellow

Hermoso cerro de la silla

quien estuviera en tu horqueta

una pata pa Monterrey

y la otra pa Cadereyta. 

La trascendencia que a partir de hoy tendrá el Hellow Fest entre los festivales de música a nivel nacional es merecedora de quitarse el sombrero. El pasado sábado 26 de agosto un chingo de raza que la sigue cotorreando, tanto de la ciudad de las Montañas como de otras latitudes (entre amigos, colegas y conocidos conté aproximadamente unas 100 personas que fueron de la CDMX a este festival, ahí nomás) se dieron cita en uno de los parques más bonitos del norte del país: El fundidora. Su historia se remonta a 1900 cuando en el mes de mayo fue fundada la compañía de Fierro y Acero de Monterrey, para después de 86 años y diversos cambios ser declarada en bancarrota. Ya para el 88 se decide hacer un parque-museo-tecnológico-centro de exhibiciones con fines recreativos, culturales, económicos y deportivos.

Por un momento te paras en medio de ese inmenso parque, volteas atrás en el tiempo y no dejas de pensar, viendo esos gigantes de acero, lo que en algún tiempo fue; obreros trabajando, sudando, poniendo su vida en riesgo en un horno de metal fundido, donde en la ciudad las temperaturas en verano rebasan los 40 grados. Si en algún momento nuestros papás nos dijeron que no sabemos lo que era ganarse el pan realmente, poniendo atención en esto, les doy la razón. Ahora en el parque sólo queda el recuerdo y la tirada es distinta, recreación, jóvenes sedientos de música, drogas y nuevas experiencias, el calor se mitiga con cerveza, lo más arriesgado es que te dé la pálida o un golpe de insolación, nadie puede morir en una caldera de acero hirviendo a 1510 grados, la fiesta es el eje principal y todos (los que pagamos) estamos invitados.

Nos avisan que hay un ligero retraso en el escenario principal y Neon Indian iniciará su set una hora después, así mismo la entrada para prensa se retrasa y esperamos afuera de la puerta cinco del parque a que decidan abrirnos. Buen momento para pasar a comprar algunas bebidas embriagantes y no resentir el putazo en la cartera ya estando adentro del fest. Ya con el alcohol corriendo por nuestras venas entramos al Fundidora que estaba tapizado por los artes del Grand Chamaco, la decoración ya te sugería diversión y baile. Nos enfrentamos al ahora recurrente doble escenario, que la verdad es que ha funcionado muy bien, pues ahorra tiempo, espacio y largas caminatas, sobre todo en medio de ese solazo. En punto de las 4:30 Neon Indian sale al escenario todos bien bonitos vestidos de blanco y Alan Palomo irradiando energía con pasos sugestivos y miradas retadoras. A pesar de la calors la vibra en el público era genuina, algunos sólo observando, otros charlando y unos más —me incluyo— bailando. Es increíble ver el regreso de Alan a la ciudad que lo vio crecer, me remonto a hace dos  años cuando sacó el Vega Intl. Night School, en ese entonces yo trabajaba de cerca con la gente de Arts&Crafts, sello que lanzó el disco en México. Se me hacía muy chido todo lo que giraba en torno al lanzamiento del álbum, todo un concepto que incluso incluía una hot line, al poco tiempo me di cuenta que era un proyecto de un mexicano y eso lo hizo muy especial. El verlo por primera vez fue una sensación increíble ya que fue más de lo que esperaba, un acto completo, todo tocado y cantado en vivo, una energía como pocos y un set bastante completo, desde las viejitas como “Mind, Drips” y “Deadbeat Summer”, pasando por sólo una del Era Extraña, la ya clásica, la única que se sabían todos, la que nos volvió locos a unos minutos de haber iniciado el festival: “Polish Girl·, una buena selección del Vega Intl. con “Dear Skorpio Magazine”, “Annie”, “The Glitzy Hive”, “Street Level”, “Slumlord” y “Slumlord’s Re-lease”, y dejando tiempo para dos covers: “Cool Cat” de Queen y “Pop Life” de Prince. Así nomá’ quedó.

Terminando este acto en el escenario de junto ya se preparaban los siempre emos The Horrors para ponernos a cantar, gritar y a bailar. La chela estaba bara en comparación con otros festivales, bueno 90 varos tampoco es que le hicieran justicia a una Budlight, pero era lo que había y te chingabas, las áreas verdes y sombritas eran bien aprovechadas para descansar un rato y echarse al pasto para sentir el fresco, eso sí, se aprovecharon de la necesidad de líquidos, en específico agua pues nos dejaban caer una botella de 600 ml en 60 pesos, sí, 10 pesos por cada 100 mililitros de agua, pinche Hellow. Pero regresando a los Horrors después de los horrores del agua, los londinenses para nada decepcionaron en su primera visita a La Sultana del Norte, se notaban todos bastante emocionados, jaja, emo-cionados, ¿cachai? Ok, mal chiste. En el escenario la vibra era única, sin embargo enfrentaron severos problemas con el audio, sobre todo en la última rola que la batería dejó de sonar. 🙁 Fuera de ahí su set estuvo compuesto por temas como “Hologram”, “Mirrors Image”, “Still Life”, “Endless Blue” y la incréible “I See You”.

Al terminar, nos negábamos a que Kinky fuera nuestra única opción, por lo que recorrimos el resto de los escenarios en busca de algo que nos despertara después del viaje que no pusimos con Faris y compañía. Lamentablemente el remedio no fue Jesse Baez, cuya fórmula de R&B sin mucho más que ofrecer ya nos está empezando a cansar (y más después de que lo hemos visto hasta en la sopa este año), por lo que la solución fue, efectivamente, regresar al escenario principal a ver a los oriundos de Monterrey.

Para nuestra sorpresa, a pesar de ser locales no se sentía que la gente estuviera ahí sólo por eso, sino que un deseo verídico de disfrutar la fiesta de Kinky al ritmo del atardecer se sentía en el aire. Presentando bastantes temas de Nada Vale Más Que Tú, su última producción de estudio, los grandes clásicos fueron los más coreados de su presentación. Bailar “¿A dónde van los muertos?” con unas cuantas chelas arriba en plena Sultana del Norte es algo que cualquiera tiene que hacer en algún momento, y Kinky no decepcionó en ese aspecto. Cumpliendo y recibiendo el cariño de su público, pero nada del otro mundo.

Quienes definitivamente sí dieron de qué hablar fueron Sophie Hawley y Tucker Halpern de, amm, sí, SOFI TUKKER, que llegaron con actitud de verdaderos headliners a despabilar a los pocos que aún no estaban bailando. Es raro ver a sólo dos personas en el escenario moviendo de tal manera a un abarrotado escenario. Más cuando esas dos personas sólo tienen una pequeña consola y una guitarra que no pasa de tocar dos acordes, pero la actitud de ambos termina ganándole a cualquier carencia técnica. Con sólo un EP bajo el brazo, fue impresionante ver el nivel de convocatoria que el dueto tiene y cómo no les bastó con el sold out en SALA un día antes, sino que también estaban decididos a conquistar Monterrey. Algo que, a mi parecer, lograron con creces. Sí, a fin de cuentas no pasa de ser la electrónica más sencilla que te puedas encontrar, pero cuando tienes ganas de disfrutar el atardecer y dejar de hacerte el intelectual por un momento, SOFI TUKKER fue el antídoto ideal para el mame festivalero.

Cayó la noche y con ella uno de los actos más esperados: Weezer, quienes también se presentarían por primera vez en Monterrey. La banda liderada por Rivers Cuomo sabe bien cómo llegar a un escenario y como ya es usual en su set “My Name Is Jonas” fue uno de los primeros temas en sonar. Como opinión personal Weezer se siente como esas bandas de estadio que nunca llegaron a serlo (no al menos en México) y siguieron su curso con la versión compacta del estadio, el festival, donde rodeados de fans, curiosos y muchos otros nada familiarizados con la banda, se dan cita para verlos dar cátedra de canciones pegajosas de un rock a veces dummie, a veces contestatario, con su español risible y  riffs de guitarra muy de una época en la que honestamente ya no vivimos. Para mí ver a Weezer fue sentirme muy cerca de esos conciertos de estadio, donde una sola banda reúne al doble o el triple de la gente que había esa tarde en el Hellow, y el 90% de ellos realmente iban a ver a la banda, pero Weezer no llegó ahí y se quedó con los festivales, lo hacen bien, pero quizá al punto que querían alcanzar llegaron un poco tarde.

Y el momento esperado llegó. El único responsable de generar el mayor éxodo chilango, y nacional, que en algún otro festival se hubiera visto. El pinche cabrón en persona. Con un silencio expectante, day one followers, newcomers, curiosos y hasta uno que otro que ni “King Kunta” había escuchado, se mordían las uñas por ver salir al mismísimo Kung Fu Kenny. El build up para su aparición se tornó aún más tenso con los visuales que anticipaban un camino que todos recorreríamos esa noche: el de Kendrick para volverse el único maestro. Humo, luces, un pants morado y camisa blanca. La mejor hora de sus vidas.

Cualquier cosa que se pudiera esperar sobre la primera presentación de Kendrick Lamar en México no alcanzaría a describir lo que explotó en el Fundidora. Con sólo su micrófono y un chingo de energía, Kdot demostró cómo las 76,000 personas que abarrotaron el parque no estaban equivocadas. Siempre pecamos de generalizar al intentar descifrar la emoción de las miles de personas de las que no tienes la más puta idea de cómo se la pasaron, pero sólo Kendrick puede hacer que no haya duda. La “corta” hora que veíamos antes de llegar terminó siendo el ejemplo primigenio de cómo darle en la madre a tu público y hacer que te pidan piedad para que pares. Los dos minutos que coreamos “Humble” a capela mientras el pinche cabrón recibía la ovación del público mexicano, el descanso necesario para comenzar a creer lo que estaba pasando. La sonrisa de Lamar al completar su misión en los visuales que acompañaron todo el tiempo y nos guiaron por peleas ninjas y sensuales contrincantes, la misma que todos teníamos en la cara al descubrir nuestro nuevo tesoro.

Un tesoro que lamentablemente no supimos encontrar en James Murphy y el mejor sonidero sobre la fas de la tierra. Es la segunda vez en menos de un año que veo a LCD Soundsystem y la segunda que termino sintiéndome mal conmigo mismo. No sé si sea México, no sé si sea que el legado de DFA Records tardó en llegar, no sé si haya más gente que piensa lo que la estúpida nota del Times que asevera que la banda se separó para ganar más dinero en su gira de reunión, pero otra vez le quedamos a deber a LCD. Y le quedamos a deber en su mejor momento. Con un James mucho más confiado en el escenario respecto a su set en el pasado Corona Capital, lo que trae LCD es algo cabrón. De época. Si fuéramos un poquito menos ojetes, cerrar la noche con “All My Friends” tendría que ser el momento festivalero que recordemos con nuestros antiguos camaradas en las reuniones de aquí a cuarenta años. Pero no fue así. El ambiente para ese momento ya se estaba apagando. Los destrozos del cuerpo y mente ya estaban haciendo efecto y no tuvimos los huevos para aguantar el ritmo. Aún así, en su inconsciente o donde sea, todos recordarán ver bajar la bola disco y bailar “Home” como si el tipo de al lado al que nunca van a volver a ver fuera su padre y el pedacito de Fundidora en el que estaban parados fuera su verdadera casa.

Así terminó, para nosotros que ya no aguantamos el atasque de DJ Snake, un Hellow más que pone la vara muy, muy alta para cualquiera que quiera apañarse el nombre del “mejor festival de México”. El Hellow no lo es, pero si pudiéramos armar nuestro once ideal y hacernos una chaqueta mental de cómo sería el evento que marque una nueva pauta para el entretenimiento en México, lo vivido aquí sin duda saldría en la conversación. Estamos seguros que esto no fue el tope y nos urge comprobarlo el próximo año. Sorpréndenos, Hellow.

Mira la galería completa en nuestro instagram: @THEWMP

Texto: Kevin Frippson / Uriel Delgado

Fotos: Gisela Terrazas / Yamileth Moncerrat

¡Sony Music te lleva al concierto de Sofi Tukker!

¡Gana un pase doble y M&G para el concierto de Sofi Tukker en SALA Corona este viernes 25 de agosto!

Sólo tienes que replicar con alguna prenda el graffiti que sale en el video del single “Fuck They”.  

¡Miren el video aquí!

Las prendas más originales y con el mayor número de likes, podrán ganar un pase doble y un M&G con Sofi Tukker.

*Comparte tu respuesta en el perfil de Facebook @TheWMP con el hashtag #WMPInvita. (Dile a tus amigos que le den like).

PD: Tienes hasta el viernes a las 3:00pm  para participar.

¡Suerte!

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#StaffPick: Hellow con sabor latino con Neon Indian y Helado Negro

Por: @Uriel Delgado

A diferencia de otros festivales que han optado por centrar su cartel en actos internacionales, anglosajones para ser más exactos, el Hellow Festival es uno de los pocos que ha buscado un equilibrio entre actos de renombre, propuestas locales, así como actos consolidados que ponen el orgullo latino en lo más alto de la industria musical.

Y con esto no nos referimos a aquellos talentos latinoamericanos que nos han metido hasta en la sopa en cuanto festival nuevo que aparece, dígase Caloncho, Siddhartha, Mon Laferte y un largo etcétera, sino propuestas que han explorado los límites de lo que es sentirse latino y lo han llevado a fronteras que originalmente ni ellos se habrían imaginado.

Tal es el caso de Neon Indian y Helado Negro, quienes se estarán presentando este 26 de agosto en el Hellow Festival para llenar de baile y orgullo latino la Sultana del Norte. Alejándose de los sonidos tradicionales, cada uno forjó su propio camino en la música en Estados Unidos sin olvidar sus raíces, haciendo de esta combinación de culturas el lienzo ideal para generar propuestas que han dejado una marca indeleble del otro lado del río.

Por un lado, Alan Palomo, mejor conocido como Neon Indian, regresará a su ciudad natal para compartir con el público los ritmos que lo han visto triunfar en donde se ha parado. Tras el éxito que fue Vega Intl. Night School, su última producción de estudio, Palomo se tomó un descanso para enfocarse a su otra pasión, el cine, participando en la más reciente película de Terrence Malick. Sin embargo, llega a Monterrey listo para demostrar por qué es considerado una de las piezas fundamentales, si no es que el creador, del chillwave y así llenar Monterrey de vibras bailables aderezadas con sus influencias latinas presentes incluso en los samples que hizo de las canciones de su padre.

Al mismo tiempo, Roberto Carlos Lange desarrolló su carrera en Brooklyn como Helado Negro, proyecto que fusionó su legado ecuatoriano con las influencias que lo han marcado desde su nacimiento e infancia en Florida, pero que, como el nombre de uno de sus sencillos menciona, siempre se mantuvo “Young, Latin and Proud”. Con Private Energy bajo el brazo, Lange pondrá a bailar el escenario del Parque Fundidora con su synth pop tropical que combina lo mejor de ambos mundos, dejando claro que el ser latino es algo que va mucho más allá de tu apellido.