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Taking Back Sunday por primera vez en México

Toda decepción amorosa tiene un soundtrack, y para muchos “MakeDamnSure” de Taking Back Sunday fue la canción perfecta en 2006. El “emo” era una moda y miles de adolescentes necesitaban un himno para berrear por sus noviecitxs de 3 meses.

La mayoría de las bandas relevantes en aquel año han visitado nuestro país, pero con los originarios de Long Island aún tenemos una cita pendiente, y la deuda por fin será saldada el próximo 26 de abril en el Lunario del Auditorio Nacional.

Pero TBS es mucho más que ese video en MTV, pues cuentan con casi dos décadas de trayectoria. En el 2002 debutaron con Tell All Your Friends, su álbum mejor aceptado entre los “real emos”, al cual aún recurren cada que llega #laurasad.

Cuentan con siete discos de estudio y, ya que es su primera vez con los fans mexicanos, probablemente nos espere un variado setlist con las consentidas de su carrera, dejando un lugar especial para los temas de dos de sus producciones más populares: Tell All Your Friends y Louder Now.

Este será el primer show de la banda en 2018 y aunque tuvieron cambios importantes en la alineación, prometen una increíble y emocional experiencia. Además, el futuro se ve prometedor pues en mayo se van hacia Europa y su tour de verano en Estados Unidos será junto a sus amigos de Coheed and Cambria.

Sin importar en qué etapa de tu vida hayas conocido a Taking Back Sunday, ellos te esperan con un recorrido por su discografía. Así que ve preparando tu garganta para cantar a todo pulmón y quizá sacar alguna lagrimita solitaria.

Oda al amor platónico en “Carmen”, nuevo sencillo de La Era Vulgar

La Era Vulgar es una banda surgida del caos, llevan algunos años en la escena, pero han estado intermitentes en sus períodos de actividad. Apenas el año pasado sacaron su primer LP titulado: El Reino.

Hace unos ayeres en #NuevosRuidos mencionamos que: Alenka Ríos imprime un sello característico a la personalidad del proyecto con su voz, Abel Casillas amplía el quehacer de músico al tomar roles entre los teclados, las secuencias, la guitarra y, por supuesto, coros, mientras que Octavio Franco se dedica exclusivamente a las cuatro cuerdas.

Sus canciones van de lo vulgar a lo impredecible. Fusionan ritmos como el jazz, retro wave y trip-hop sin dejar de lado la parte suave y tierna del pop. Para ellos su mayor influencia es el tiempo,  lo que sucede, sucedió y sucederá.

Carmen es una de los tracks más personales que han hecho, que en palabras de la vocalista está escrita para un amor antiguo y platónico.  Es un mensaje, una pregunta que queda sin respuesta y se repite hasta deformarse en locura. Es un monólogo que va emocional y musicalmente desde la ternura hasta la obsesión, así como el amor es ese soliloquio que nos contamos, a veces al final hay aplausos, a veces sólo silencio.

El Reino, su primer LP, les ha valido para demostrar su capacidad musical, presumiendo sus melodías con guiños a todo, pidiendo prestadas las bases de jazz y haciéndolas propias. Un idioma no es suficiente para transmitir La Era, sus líricas van del español al inglés y siempre con un mensaje melancólico impregnado en la impecable interpretación de Alenka.

Actualmente se encuentran en la producción de su segundo LP, a cargo de su productor y músico Abel Casillas, nuevamente.

Escarabajos mutantes y Evangelion en el nuevo single de DJ Perro

A punta de guitarrazos, es como los poblanos nos han hecho voltear a ver su estado y su música. Así como lo han hecho bandas como Joliette, Aves y en su momento Renoh, hoy en día DJ Perro son los poblanos que nos están haciendo voltear al estado de las cemitas.

Este cuarteto que no se decide si termina en quinteto, empezó a hacer sus pininos aquí y allá de la mano de sus compinches For Dummies de Xalapa, sin embargo hoy en día, sin necesariamente estar peleados ni nada por el estilo, cada quien recorre y busca nuevos horizontes desde su trinchera.

Por su parte, DJ Perro se han esmerado en crear un culto a su nombre haciéndole creer a la gente que lo que verá cuando empiece su presentación es un DJ, pero ahí radica la magia cuando frente a ti se acomodan 5 tipos bien parecidos a darte de guitarrazos con compases complejos, poliritmos y uno que otro gritillo divertido a unisono.

Sin embargo, hasta hace apenas un par de meses que no teníamos absolutamente nada de su música en formato digital o disponible para streamear (otro punto a favor para ese culto al DJ), hasta que llegó “Gecko”, un track de cuatro minutos donde descubrimos que lo que se esconde bajo este nombre es nada más ni nada menos que una banda de una mezcla rara entre prog-gamer-matemático.

Hoy nos presentan un nuevo sencillo que igual se desprende de su primer material de estudio pronto a ser lanzado. “Gregor” es una mezcla entre dos mundos muy distantes ¿o quizá no? entre sí: por un lado tenemos al clásico best selles de Kafka: La Metamorfosis, Gregor Samsa este peculiar personaje que se transforma en escarabajo y por otro lado tenemos al EVA Unit-01, para los clavados y conocedores del famoso anime Evangelion, el primer prototipo de EVAs piloteado por Shinji Ikari y construido con el alma de su madre, weno ya nos perdimos…

Total que a estos sujetos fans de ambos mundos se les ocurrió que para este track sería buena idea mezclarlos en la portada y una pequeña animación. En este video que pueden encontrar en YouTube, podemos apreciar un híbrido entre Gregor y el EVA que termina por parecer un Pokémon o Medabot en versión 8-bits.

Como dato, podemos ver algunos artes (también en 8-bits) como un disco de los ingleses Delta Sleep (con quienes tuvieron la oportunidad de tocar en su ciudad), un flyer de Pretend (con el que ellos consideran su tour más importante y emotivo en su carrera hasta el momento) y la portada del último split de Joliette con Frameworks, bandas a las que admiran mucho.

Musicalmente se nota que han mejorado mucho y para nada dejan de lado la creatividad y divertirse en cada track, se siente una escencia muy genuina y sin pretenciones (por más técnicos que puedan ser) a la hora de componer.

Dense este nuevo track y no les pierdan la pista en sus redes sociales que vienen llenos de sorpresas.

#WMPGigs: ¿Listos para bailar sin parar en The Social Festival?

The Social es el festival boutique creado y dirigido por el DJ Inglés Nic Fanciulli. Este festival fue creado para exponer en cada una de sus ediciones lo mejor de house – tech house y techno del planeta. 

En pocas palabras: Hacerte bailar sin parar prácticamente todo un día. 


Sus primeras ediciones tuvieron lugar en la tierra natal de Nic Fanciulli, donde el festival adquirió renombre gracias a los back to backs que el line up presentaba cada año. 

 

La productora Mexicana Royal House Society liderada por el DJ Carlos Bellati se encargó de abrir la conversación con los organizadores ingleses para expandir el mercado y traer la primera edición latinoamericana, misma que aterrizó en CDMX y Bogotá en 2017 con un line up de primera clase. 

Debido al éxito, el festival anunció que habría una segunda edición pero con un cambio de ubicación.

Este año el Deportivo Lomas altas fue elegido como sede para mejorar la comodidad de los asistentes, ya que no debemos olvidar que en 2017 el escenario más pequeño ofreció una mala producción y logística. 

Lo más rescatable este año es la oferta musical, que comparada a la del 2017 es mucho mas vasta en géneros y nombres. 

Como platillo principal Nic Fanciulli, Sasha y Pete Tong. 

Para los oídos más refinados, Guy Gerber y Thugfucker serán como un postre al escucha. 

Y si tu hambre de beats es incontrolable Ben Klock y Rodhad serán los encargados de llenar tu sistema con ritmos oscuros e industriales. 

Un evento indispensable para la dieta de cualquier aficionado al dance. 

El menú está listo para ser devorado por tus oídos. 

¿Te apuntas? 

La simetría del funk en Jamiroquai

¡¿Estás listo para bailar con Jamiroquai?!

Tuvieron que pasar algunos años para que la banda comandada por el famoso Jay Kay regresara a México. Tomando por segunda ocasión el escenario de la Arena Ciudad de México, Jamiroquai se presentará este 10 de abril en nuestro país.

Su sonido radica en fusionar el jazz y el funk a través de un simple pero bien ejecutado toque electrónico. A lo largo de su carrera los británicos han lanzado ocho álbumes de estudio, siendo Automaton, su disco más reciente en siete años, tras el lanzamiento de Rock Dust Light Star en 2010.

Sin duda, este show será uno de los conciertos esenciales del mes de abril. Esperamos que además de una probada del nuevo álbum, podamos disfrutar de éxitos del dancefloor como: “Virtual Insanity”, “Cosmic Girl”, “You Give Me Something”, “Deeper Underground”, “Love Foolosophy” y “Space Cowboy”.

Sabemos que es complicado llegar a dicho recinto, pero hacer un esfuerzo por lanzarse a la república hermana de Azcapotzalco, por una gran noche de baile, vale todo el trayecto. El precio de los boletos es desde $475.00 hasta los $2,000.00 pesos.

A unos días del show, te compartimos lo que sucedió en Viña del Mar hace un mes con la finalidad de irnos preparando para lo que estamos por ver.

El recuerdo de una noche mágica junto al fino sonido de Bonobo

No hay plazo que no se cumpla ni fecha a la que no se llegue y eso fue lo que sucedió este sábado 10 de marzo de 2018 en Carpa Astros de la Cuidad de México.

Meses atrás se había anunciado que Simon Green ( Bonobo ) vendría por primera vez a la Cuidad de México y como no hacerlo si este hermoso país siempre recibe con los brazos abiertos a proyectos de
tan buena calidad como el de Simon Green, su grupo de increíbles músicos y su #MigrationTour.

Para los que conocemos a este hombre era una tentación absoluta poder presenciar a este talentoso productor, compositor y DJ británico y así fue, sin conocer el número exacto de asistentes al evento, fuimos muchísimas almas las que sucumbimos ante dicha tentación de presenciar en la misma noche el live act y dj set de Simon Green.

Sábado 10 de marzo de 2018, el décimo sábado del año con un amanecer bipolar como a los que estamos acostumbrados en esta bella cuidad con el sol asomándose de a poco pero con un clima fresco- frio, lleno de buena vibra, magnificas sensaciones, la cuidad fluía desde muy temprano, las miles de personas que la habitan empezaban a circular en todas direcciones y muchos de esos miles sabían que al caer la noche había una sola dirección por tomar y esa era el camino a la Carpa Astros.

Como se había anunciado tiempo atrás la dirección ya no era la de Barrio Santa Fe sino Carpa Astros y eso nos daba una buena señal ya que la decisión de cambiar de venue era porque la primera opción
había sobrepasado el cupo de personas, ante tanta incertidumbre lo único cierto era que muchos coincidirían en el dancefloor de la Carpa Astros, las expectativas eran altas y más después del resultado del último álbum de Simon, Migration, al cual le fue de maravilla en el 2017.

La tarde del sábado llegaba a su ocaso y el sol empezaba a esconderse para darle paso a la luna con un atardecer digno de disfrutar con total naturalidad, Carpa Astros abría sus puertas desde las 18:00 horas para empezar a calentar el entarimado y así como la temperatura bajaba de a poco en la Cuidad de México, las muchas personas que arribaban al lugar generaban más y más calor a la espera de ver a Green y a su grupo de músicos en acción.

Sotomayor warmopeaba, la gente empezaba a pedir tragos hidratantes y se acomodaban poco a poco en el lugar, las filas empezaban a ser muy largas y la desesperación en algunos empezaba manifestarse porque el live act estaba por comenzar y todos querían presenciarlo en el mood y punto ideal, todos
volteamos a ver la hora y sin más eran las 21:45 horas adiós luces, todo entro en una obscuridad misteriosa, reacción inmediata gritos llenos de emoción de todos los ahí presentes y así fue como
comenzó.

Tan natural y pleno comenzó todo, con ese sentido de la naturaleza tan presente en la música de Green; los sonidos que usa tienden a provenir de fuentes acústicas y se mantiene al margen del ruido creado digitalmente, prefiriendo crear sus propios sonidos para agregar calidez humana, aunado a un cambio y juego de luces que hipnotizaron todos y cada uno de los 5 sentidos de la gente al sincronizarse con los sonidos provenientes de los músicos.
Influenciado por el hip hop y el jazz, Green se sale un poco de lo conocido en sus primeros 3 álbumes pero mantiene esa cultura de sampleo de “Cut and Paste” lo que le da esencia a su acto.

El live act nos hipnotizo por casi dos horas y la reacción de la gente era espectacular, la Carpa Astros rugía en este acto el cual hacía sentir como si todos y cada uno de los ahí presentes estuviese en el
estudio de Green o a la vez en cual parte a donde tu mente te llevara.

Ante una ovación de aplausos Green y sus músicos agradecieron al público y se retiraron pero advirtiendo que en unos cuantos minutos Green regresaría para la segunda parte de la noche, el dj set.

Sotomayor tomó los controles de nuevo y con sus sonidos atrajo a la gran mayoría al segundo escenario para evitar que los pies se enfriaran y así fue, por un lapso de 30 minutos puso a bailar a la gente hasta que Green volvió a salir, saludo a Sotomayor y todos sabíamos lo que se aproximaba.

Un par de minutos antes de las 12 Green comenzó, tomo el control de las cosas, la temperatura volvió a subir y de ahí todos se dejaron seducir por esas finas y perfectas mezclas que caracterizan a Green
como artista que te llevan desde ambiente de selva tropical como a la pista de baile de un gran club. Por casi 3 horas ese escenario fue una olla hirviendo los distintos ritmos, mezclas y uno que otro éxito de antaño encendieron a todos, la sensación de felicidad era el factor común en ese lugar, Green había cumplido con todas las expectativas y las había sobrepasado, con un adiós breve se retiró del escenario los presentes le dieron un aguacero de aplausos.

Así fue la primera visita de Simon Green a.k.a. BONOBO, que si tuviera que describirla en dos palabras
serian, “COSA FINA”.

Fotos: Steve Solorzano

 

#NuevosRuidos: Los colores neón de Malibú Club

El amor puede estar choteado, pero sigue siendo la principal inspiración para escribir canciones. Cuando la distancia es el enemigo a vencer, muy pocas parejas lo logran. Bajo la premisa de que se puede luchar por mantener una relación a pesar de cualquier obstáculo nos llega lo nuevo de Malibú Club.

Adrián, José, Fredy y Jorge conforman esta fresca banda de Chetumal que hacía rock alternativo, pero después de escuchar a bandas como como Last Dinosaurs y Tame Impala se dieron cuenta que realmente ese era el tipo de música que querían hacer: una guitarra haciendo adornos marcando el ritmo, un bajo muy dinámico y letras con las cuales la gente se pudiera identificar.

Dos años fue el tiempo que se dieron para la elaboración de su EP, Colores de neón. Durante este proceso la banda sufrió muchos cambios de alineación y también musicales. “Se trató de que cada canción tuviera algo que la distinguiera. Cada persona que ha pasado por el proyecto ha aportado algo en ellas”, nos cuentan los de Quintana Roo.

El tema de presentación es “Distancia” y curiosamente fue la última que compusieron. “Es una canción en la cual se le dio prioridad al uso de los sintetizadores para marcar un sonido más retro y con una letra que demuestra los sentimientos de una pareja que, a pesar de la distancia que llegue a existir, luchan por lo que sienten entre ellos”, comentan.

Atentos a Malibú Club pues estrenan EP en abril y buscarán presentarlo en distintas ciudades del país.

Moonatic presentó su álbum en formato de sencillo y es una joya

La banda capitalina Moonatic acaba de estrenar un peculiar sencillo de 48 minutos, que a la vez es su primer LP. A través de su música reflejan la dualidad que experimentamos en la ciudad día con día: el amor incondicional que tenemos hacia la cotidianidad y los edificios y el inminente deseo de huir a un lugar alejado en la naturaleza. Cada uno de los seis integrantes aporta a las canciones algo especial con su instrumento y estilo, trabajando su sonido que se ve reflejado en la evolución de sus melodías.

Conoce más sobre el proceso que los llevó a Another Sky y viaja con ellos.

¿Cómo surgió Moonatic?
Empezamos hace unos 4 años, antes nos llamábamos Gloom. Teníamos una alineación de 5 y ahora somo 6. Permanecemos 3 de los miembros originales.
Conozco a Fernando desde pequeños, empezamos tocando covers y después a construir nuestras propias rolas. Grabamos nuestro primer EP en 2015 llamado Inner y finalmente este año grabamos nuestro LP que lleva por nombre Another Sky, aunque son canciones que tienen 2 o más años y apenas las pusimos juntas.

¿Por qué un single de 48 minutos?
Todo comenzó como una broma, en primera nos gusta mucho ese sentimiento de tener un viaje al escuchar un disco por completo. No es para escucharlo en una fiesta o en una ida al baño, sino cuando te das un tiempo a solas y escuchas un álbum de principio a fin. Entonces en broma les comenté a Diego de Pedro y El Lobo y a Kevin de INTRSTLRS: “estaría chingón que el sencillo fuera todo el disco” y a ellos les emociono mucho la idea.
De ahí surgió, y está súper bien porque gente que solo iba a escuchar 2 o 3 rolas ya se echó todo el disco.

¿Cómo fue la construcción del material?
Una vez que teníamos listos los temas comenzamos a buscar la mejor manera de unirlas, a la hora de trabajar y escucharlas comentábamos “esto suena así y debe seguirle un sentimiento de este tipo” y así decidíamos como encajaba una tras otra. Por el momento solo está el single con todos los tracks unidos, ya después saldrá diseccionado.

¿Qué te provoca a ti personalmente escuchar Another Sky?
Me pasa que con las canciones que yo hago las escucho tantas veces que no las pienso. Lo que hago es apagar mi cerebro y disfrutar lo que viene, aunque ya sepa lo que va a sonar. El álbum te atrapa y te mete en un trance, es como escapar de la realidad.

Para personas que son ajenas a su trabajo ¿cómo los animarías a escucharlos?
Simplemente preguntándoles “¿hace cuánto que no te das un disco de principio a fin?”
Es ideal para cuando tienes ganas de ponerte tus audífonos e “irte un rato” por cómo está construido este un álbum. Y también por las referencias, nos gusta Grizly Bear, Explossions In The Sky, Radiohead y mucha gente nos ha dicho que sonamos como Pink Floyd, cosa que nos sorprendió pero que ahora se nos hace muy obvio.

¿Cómo recomendarías escuchar el álbum?
Con audífonos y la luz apagada, si eres alguien que en verdad ama la música es un disco que te encantará. Si eres de los que les gusta tener música nada más de fondo, no se los recomendamos mucho. Por toda la producción y trabajo sonoro no se puede escuchar en la lap porque vas a perder un 50% de todos los matices, por lo menos la primera vez, escúchenlo cómodo y con audífonos.

¿Cómo son los shows en vivo?
Siempre es de tocar rolas y acompañarlas con visuales, en el show del 22 en el Foro del Tejedor tocamos el álbum de principio a fin, pero nos dimos nuestros espacios para hacer jams y alargar o experimentar un poco con las canciones. Estamos acompañado de visuales realizados por Fero, un amigo de la banda, y será cosas muy de células, close ups e imágenes súper abstractas que sentimos que va súper bien con la banda.

¿Tienes alguna experiencia curiosa sobre la grabación?
E track 7 Blank, fue una de las primeras canciones del proyecto y se iba incluir en el primer EP, pero decidimos no hacerlo porque sentíamos que aún le faltaba. Ahora debido a los cambios personales el track evoluciono en algo totalmente diferente: primero era solo una guitarra acústica con líneas de bajo que conforme se fueron ampliando el proyecto le fuimos metiendo sintetizadores, mutó y otras cosas que desembocaron en lo que ahora es en el disco.

¿Qué representa el arte del disco?
El cuadro original se llama “Sueño de una ciudad 3”, hecho por el hermano de Santiago, Diego Narvaes. Cuando lo vi me enamoré por sus pinceladas y el grado de detalle muy cabrón que maneja, además que siempre mete algo como post apocalíptico en sus pinturas. Su arte es una combinación de ciudades que les están creciendo hielo o árboles y es algo que al menos yo veo mucho en nuestra música; la escucho y pienso en ello.

#WMPGigs: Una noche melosa y fría junto a Cigarretes After Sex

Tras una exitosa presentación en Guadalajara, Cigarettes After Sex viajaba a la CDMX para dar un show sold out.
El clima voluble e inesperado de enero se hacía presente en la capital del país, sin embargo eso importo poco al público que hacía una fila extremadamente larga que le daba la vuelta al venue.

Por momentos pasaba por mi mente que el evento estaba sobrevendido y que el recinto quedaría a deber; afortunadamente para el público y la banda todos mis malos pensamientos se quedaron sólo en eso y el Frontón México pasó una prueba de fuego.
El público era como las letras de las canciones de la agrupación, bipolares. Por un lado todo era romántico y meloso, cientos de parejas se abrazaban y daban cariño mientras esperaban el show.

El otro sector del público hacía honor a otras canciones de la banda, almas solitarias y tristes también deambulaban en el recinto.
La banda salía al escenario, los visuales hacían que todo pareciera blanco y negro; Greg Gonzales tomaba su guitarra y con finos rasgueos de cuerda comenzaba a sonar “Sunsetz”, de inmediato la
sensualidad característica de la banda se hacía notar.

El púbico escuchaba atento, las sonrisas y lágrimas salían a flote. La música de Cigarettes daba la mezcla perfecta entre paz y melancolía.
La oda perfecta a la tontería de la adolescencia es “Young & Dumb”, representación musical de lo que muchos han pasado en aquellos buenos pero tormentosos jóvenes años.

El show continuaba con “I´m a firefighter” “K.” y “John Wayne”, canciones que atrapaban los sentimientos de todos los ahí presentes.“Sweet” y “Affection” formaban un momento mágico de la noche. Al ser de las canciones más conocidas de la agrupación, el público elevaba su canto durante estas canciones.

El que parecía el final a tan magnífica presentación era ambientado por “Apocalypse”, esa cercanía del amor y el olvido era plasmado con la voz de Greg. Para fortuna del público mexicano la banda se enamoraba de los mexas y salían a deleitarnos con dos canciones extras que daban el cierre perfecto a una noche vivida en blanco y negro.

 

#NuevosRuidos: Dreamwave desde Chetumal con Aladin Fox

Los chicos de Aladin Fox, joven banda de Chetumal, Quintana Roo, saben lo confuso que es enamorarse de dos personas al mismo tiempo. Si eres fan de la nostalgia ochentera pero siempre estás en busca de #NuevosRuidos el dreamwave de esta banda es ideal para ti. La prueba es “Some Girls”, primer sencillo de lo que será su primer álbum de estudio: Dancing on the Lights.

Escuchalo aquí y mientras bailas entre colores neón, checa lo que les preguntamos: 

¿Nos pueden describir cómo se formó la banda?
En octubre de 2017, Vicente (guitarra) empezó haciendo unas maquetas que subía a Facebook, luego yo (César-bajo) las escuché y me parecieron muy buenas, le hablé para decirle que estaban bien cools y al día siguiente nos reunimos en mi casa a tocar y ahí salieron dos rolitas (“Room on Fire” e “Introduction”) que hoy forman parte de nuestro primer EP, Movies Night. Recuerdo que ese mismo día las grabamos.

Después de unas semanas, Jorgito habló con Vincents, quien le mandó las rolas que habíamos hecho, le latieron y lo jalamos en la batería, y primero empezamos a ensayar nosotros tres y con secuencias de segunda guitarra.

Pasamos por varias cosillas en lo que buscábamos guitarristas, tuvimos algunas diferencias con algunos que se ofrecieron para la segunda guitarra, y por azares del destino llegó José (guitarra) quien toca igual con Jorge en una banda que se llama Malibú Club, cayó como anillo al dedo y desde eso seguimos tocando juntos.

¿Qué planes tienen este 2018?
Primero, publicar el álbum este mes de febrero y que llegue a muchos oídos. Estamos trabajando en la búsqueda de fechas fuera de Quintana Roo y concretarlas, también nos encantaría llegar a festivales, queremos estar por todas partes presentado nuestra música, compartiéndola con toda la gente, que se sientan identificados. Sobre todo hacerlos pasar un rato agradable, bailar y dar mucho amor.

¿Cómo son sus shows?
Aquí en el estado actualmente hay muchas bandas con propuestas diferentes y muy buenas. Está Malibú Club, Poux y Alice Whisper, por ejemplo, son tres bandas que admiramos mucho de aquí. En los shows en vivo, tratamos de que la gente lo disfrute y que se la pase muy bien, que bailen y se diviertan; y por nuestra parte nos encanta repartir besos volados y buenas vibras a todos.

Las chicas que enamoran a los Aladin Fox escuchan desde reggaeton hasta banda. Falta poco para conocer más historias sobre amor que inspiraron su álbum debut. Mientras llega el día, estén pendientes a sus redes: @aladinfoxmusic en FB, Twitter e Instagram.

#NuevosRuidos: Bailen al ritmo del math rock de FRDZ

Aguascalientes ha destacado últimamente por las propuestas musicales que están saliendo de este pequeño estado. Una de las mejores sorpresas del 2017 fue el Fernández EP, que con sólo siete canciones sorprendió a los seguidores de los compases irregulares.

El cuarteto hidrocálido aprovechó estos ritmos para crear su primer video oficial, “Habanero”, por lo que platicamos con Nestor Alonso, director del video y guitarrista de la banda sobre este proyecto audiovisual:

“La idea nace del concepto de querer experimentar con los movimientos de cámara, como un experimento visual para nosotros como realizadores de video. Estábamos interesados en plasmar una secuencia visual que concordara con la música pero que no precisamente tuviera una historia como tal. Una vez que fijamos los movimientos de cámara que queríamos, decidimos tomar un tema que nos interesa: el Día de muertos.

No queríamos usar una catrina como tal, sino una representación o guiño a esta, de forma que nos preguntamos ¿qué se vería bien en cámara? Después de meditarlo tomamos la decisión de investigar acerca de bailes folclóricos mexicanos y nos interesó los movimientos que producía la falda, notamos que había patrones no sólo de baile sino visuales que podíamos y queríamos usar para “Habanero”.

Fue entonces que comenzó el proceso de creación y estructura del video, queríamos proyectar un “balance” entre la música y la bailarina, de manera que nosotros como músicos apareciendo en el video, no le quitáramos espacio a estos dos elementos que consideramos más importantes”.

Por acá pueden notar los movimientos de cámara y el balance del que habla Néstor.

“Lo más complicado al momento de producir y filmar el video fueron, por un lado los permisos, pasamos por bastantes frenos burocráticos que no nos permitieron llegar a hacer todo lo que teníamos en mente y al final optamos por ajustar la idea que teníamos y usar otros ambientes/paisajes/lugares. (Al final tuvimos más de 10 locaciones).

Por otro lado fue demandante para nosotros la estructura en la realización del video, tanto la filmación como el proceso de edición fueron complicados debido a esto. El guión por ejemplo, estaba estructurado por secuencias que debían de medir cierta cantidad de tiempo, casi cronometrado, y además los giros de cámara que se ven en el video debían de concordar el uno con el otro, es decir, si una toma terminaba hacia la derecha o arriba, la siguiente debía de comenzar por la izquierda o abajo.

Esto nos forzó a planear el recorrido de la cámara, el tiempo, la acción en la secuencia y los encuadres, todo en sincronía. En la edición se invirtieron bastantes horas de trabajo para crear la sensación de fluidez que tiene el video, además de crear loops visuales y resaltar otros aspectos importantes del video, hay mucho trabajo de edición”.

El encargado de la cinematografía y la edición del video fue Juan Carlos Carreón, el otro guitarrista de la banda. La bailarina y coreógrafa se trata de la maestra Paola Carolina López.

Para 2018 la banda planea su primera gira por el país y también espera poder presentar este proyecto fuera de México. Con suerte nos sorprenderán con un nuevo EP y otro video. Con la calidad que demostraron en “Habanero” nos  mantendrán con altas expectativas.

No olviden seguir a la banda en redes para no perderse ni un detalle: FRDZ.

El Mundo de Tim Burton: La última exposición del año que no te puedes perder

Por Berenice Espíndola
Una serie de bocetos que fueron elaborados a lo largo de su carrera, en alternados materiales, tan sencillos como una servilleta de alguna cafetería, hasta un pedazo de terciopelo trabajado al óleo son los que nos dan la bienvenida al Mundo de Tim Burton. El museo Franz Mayer trae para nosotros la exposición que detalla cada uno de los bloques esenciales del escritor, director, productor y diseñador: Tim Burton. El californiano creció con el gusto por dibujar y esque desde una edad muy temprana empezó a dar vida a personas que hoy vemos como Frankenweenie, Skellington, Oyster Boy, entre otros; la mayoría de estos personajes mantienen una relación personal con la vida del autor, protagonistas con cualidades solitarias, incomprensibles pero a su vez auténticas.
Ilustraciones, pinturas, storyboards, maquetaciones, libros e ilustraciones inéditas de obras no realizadas, nos muestran el proceso creativo de este director y también sobre todo la retroalimentación que hay en cada una de sus obras maestras, la captura de la esencia de los personajes que bajo la línea de tiempo del los diferentes proyectos cambian de formato: de la ilustración al stopmotion o de ilustración a la captura de personajes reales como en Alicia en el País de las maravillas, El Joven Manos de Tijera, entre otros títulos. Burton creció en un pueblo pequeño en donde no había mucho alcance para fomentar su gusto por el arte, así que todo su estilo para ilustrar fue inspirado en filmes expresionistas de directores como George Melies, Ray Harryhausen y Vicent Price, entre otros, sin embargo también menciona que muchos de los personajes en esta muestra tienen a su familia como protagonista, personas que esperan en la fila de cines, entre otras cosas que parecieran muy ordinarias.
Las salas de esta exposición en total muestran 400 elementos de la carrera del director, piezas que se han exhibido desde el principio de esta en el 2009 expuesta por primera vez en Museo de Arte Moderno de New York y que hoy en día llegan para nosotros con elementos específicamente seleccionados para exhibirse en México. La exposición cuenta con 9 secciones que podrás disfrutar en un recorrido de alrededor de dos horas de duración.
Pocas veces tenemos la oportunidad de poder conocer tan de cerca el proceso creativo de un artista tan reconocido como lo es Burton, la exposición simula la experiencia de visitar la mente de este director y entender más a fondo que hay detrás de las piezas terminadas, pero sobre todo la intimidad que hay en el trabajo de alguien que ha puesto su vida en historias con las que nos hemos sentido identificados o que simplemente disfrutamos por su brillante originalidad, así que si tienes curiosidad por asistir a esta exhibición tienes hasta el 8 de abril del 2018 para disfrutarla, puedes comprar tus boletos desde la siguiente página: www.timburton.mx/el-mundo-de-tim-burton/es.
Y si aún no estás convencido de asistir podrás observar más adelante de manera gratuita 20 piezas de Burton que serán intervenidas por artistas locales y algunos huicholes, mismas que estarán montadas sobre Paseo de la Reforma.

#WMPGigs: Siddhartha grabó su primer material en vivo

Texto: Alejandra Salcedo Fotos: @monceymrh

El extenso tour Únicos está por concluir y Jorge Siddhartha cerró con broche de oro su antepenúltima presentación del año. La cita fue el pasado 14 de diciembre en un íntimo recinto de la colonia Condesa. Ahí, el músico compartió con alrededor de dos mil personas las distintas etapas de su carrera. La cual ya está más que
consolidada en la escena indie de nuestro país.

El Auditorio Blackberry fue testigo de la grabación del primer en vivo del compositor, estreno que promete ser una edición muy especial para los presentes que experimentaron diversas atmósferas a lo largo del show. Sobretodo para aquellos que se están adentrando a su sonido por vez primera gracias al acercamiento que
hay en redes sociales, y que permitió a varios afortunados conocer al intérprete en una convivencia previa al concierto.

Siddhartha junto a su sobresaliente banda y equipo: Erick en el sintetizador, Chubaka en el bajo, Raúl en la guitarra y Orlando en la batería; emitieron buena vibra y emoción para transportar al público a un viaje lleno de nostalgia y emotividad. Se percibió la satisfacción y felicidad del grupo en relación a la favorable reacción de sus fans, que coreaban sin excepción las más de veinte canciones del afable
concierto. Así como la notable calidad de audio que tendrá su próximo material.

El recorrido musical inició de una forma envolvente con los primeros acordes de “Ser parte” en conjunto con la iluminación y audiovisuales que acompañaron las melodías. De manera planeada Siddhartha configuró varios cambios de guitarra entre canciones, para darle un guiño diferente a cada rola, sin perder la esencia
original. Además de tocar algunas de forma continua, sin cortes entre una y otra, creando curiosidad en los oyentes ya expectantes.

La piel de muchos se erizó al escuchar temas como;  “Control”, “Tonight” o “Why you”?  y recordar la época en que disfrutamos y solicitamos estas composiciones en la radio pública o al reproducir el CD. Tras sonar varios de los éxitos de discos como: El vuelo del pez y Náufrago, llegaron nuevos clásicos como “Fuma” y “Loco”. Temas que en su versión de estudio son colaboraciones con amigos, como Technicolor Fabrics y Caloncho.

La fase final del evento fue dedicada al último álbum, complaciendo la petición de ejecutar “El chico”, la canción más solicitada por los fans desde un principio. Llegando así el momento climax de despedida, con una versión inédita de su próximo sencillo a lanzar “Únicos”.

Para finalizar la velada Siddhartha pidió a la concurrencia desbordar toda su energía y dentro de varios años siendo más viejos, reconocerse en el video con cariño como lo harían ellos. Asimismo no se bajaron del escenario, sin antes tomarse la ya tradicional selfie con la audiencia, retrato capturado por Toni Francois. La
reconocida fotógrafa ha contribuido a construir la historia del rock nacional con noches memorables como ésta.

Te compartimos el setlist de la noche.
Ser Parte
El aire
Tus pupilas
Domingo
Tonight
Extraños
Infinitos
Why you?
El poema y la caja
Nunca es nunca
El día
Ecos de miel
Control
Bacalar
Fuma
Náufrago
A la distancia
Loco
Una noche tranquila
Tarde
Volver a ver
El chico
Únicos

Juan Atkins oscilando entre los verdaderos sonidos de Detroit

Texto: Ergar Chávez  Fotos: Cortesía Distrito Global

Para romper el frío que ha invadido la ciudad se necesitaba de una buena sesión de beats, algo fuera de lo cotidiano y que mejor excusa para ello que ir a bailar con la música de Juan Atkins. 

Pasadas las 12, White Visitation se encontraba calentando el lugar con una sesión totalmente apegada al techno en su forma más industrial y veloz que tal vez para el horario era un tanto agresivo. 


Mientras el lugar acumulaba mayor audiencia la espera se hacía fatídica, pero alrededor de las 2 y media de la mañana por fin podíamos ver a Juan Atkins un tanto serio detrás de las tornamesas.

A partir del primer track el DJ conectó a público con autoridad, pasando por momentos entre el house y el techno.

Sacando la artillería pesada en formato vinil, Atkins demostró que su experiencia lo hacía capaz de llevar al público por diferentes ritmos y sonidos, siempre respetando su indiscutible estilo. 


Entre rostros conocidos y sobre todo un público muy dispuesto, se demostró una vez más que la escena de música dance en la ciudad ha tomado un auge y comprensión cada vez mayor, no solo por los actos mayormente demandados, si no por propuestas emergentes y sonidos clásicos de cada género del dance como lo es la música de Juan Atkins. 

 

Siddhartha estrena emotivo video para el tema  “A la distancia”

Por:Alejandra Salcedo

Este ha sido un año de mucho dinamismo para el músico y compositor tapatío Siddhartha. Dentro y fuera del país, una vez más mostró un reflejo de sí mismo presentando su último álbum Únicos.

Como ya es costumbre, nos ofrece un disco cocinado “a fuego lento” en la intimidad, sin pensar en complacer a un público o una disquera. El material esta lleno de detalles, donde cuida cada elemento tanto musical como gráfico. Por lo que nuevamente colaboró con Unlimited Films para crear el videoclip de su tercer sencillo “A la distancia”, grabado en los paisajes tropicales de Baja California.

 El emotivo video ya disponible, dirigido por Cristóbal González Camarena tuvo la producción de Marisol Sahagun,  y la impecable fotografía de Taylor Campos. Para Siddhartha como para muchos de sus seguidores la música es un medio de sanación y una manera de liberar energía negativa. A través del viaje que es la balada con aires setenteros “A la distancia” nos da un mensaje de esperanza tras una dolorosa ruptura entre el lazo que une a dos personas, al ser capaces de soltar y seguir su vida en paz. Manteniendo los recuerdos y los momentos Únicos dentro.

¡Disfruten del visual!

El autor menciona que la percepción cambia al ver esos hermosos y paradisiacos panoramas coloridos del norte de México convertidos en blanco y negro, volviéndolos desérticos y llenos de añoranza. Dándole un sentido más sensible y melancólico al cortometraje. Tras un conmovedor show en la pasada FIL de Guadalajara, el tour despide el año de la mejor manera con un concierto muy particular el 14 de diciembre en el Auditorio Blackberry ubicado en CDMX. Una de las agradables sorpresas de este día se debe a que se documentara el evento en su totalidad para reunirlo posteriormente en un material audiovisual. Sin dejar de lado el setlist que abarca todas las etapas del trayecto que ha consolidado a Siddhartha como un referente del rock actual.

The Neighbourhood, no teníamos idea de los fans mexicanos

Texto: @remxrkxble
Fotos: @YamilethMoncerrat

Eran las 3:50 p.m. Me bajé del Uber para entrar por la puerta trasera del Plaza Condesa. Las manos me temblaban aunque por la chamba acostumbro tratar con personalidades famosas, no obstante esta vez era diferente. Se trataba de la banda que me acompañó por una de las etapas más difíciles de mi vida, su música me hizo capaz de sentir el dolor y pasión y con el tiempo me ayudó a liberarme. Gracias, The Neighbourhood

Llegamos a la recepción y nos encontramos a Julián (su fotógrafo), un mexicano que ha trabajado con ellos desde hace un par de años, platicamos con él. Nos llamaron para entrar a la sala de catering, subimos las escaleras y vi unas piernas vestidas con unos calcetines rojos que llamaron mi atención, se trataba de Mikey, quien estaba sentado a lado de Jeremy y Jesse.

De momento nos llamaron para entrar a una sala pequeña en la que estaban Zach y Brandon, me acerqué a ellos y extendí mi mano, “I‘m Diana, nice to meet you“ le dije a Brandon y él se acercó, besó mi mejilla y se presentó, después me giré hacia Zach quien me dio un pequeño abrazo, “Let‘s get started“ les dije, y nos sentamos.

Dian: ¿Qué los inspiró para hacer su nuevo EP “To Imagine”?
Zach: Honestamente, estábamos en el estudio escuchando música electrónica muy heavy y solo salió.

D: ¿Cuál es su canción favorita del EP?
B: Amigo, ¿cuál es mi canción favorita? [risas] ¡Compass! Hay una canción llamada “Compass” y es un rolón muy bueno.
Z: No lo sé, me gusta “Dust” y hay otra que se llama “Stuck with me”, hay buen contenido.
B: Sí, todo el EP es bueno, sólo cinco canciones, no es mucho.

D: No puedo esperar para escucharlo, y bueno, me gustaría saber ¿con quién les gustaría colaborar la próxima vez?
Brandon: [piensa]
D: Si pudieran elegir a quien sea, ¿quién sería?
Z: Demonios, no lo sé…
B: [interrumpe] Paul Stanley, Gene Simmons [risas]. No, pero ya enserio, somos fans de muchos artistas, como raperos, Kendrick Lamar, Vince Staples… Travis Scott es muy cool y hay bandas como Tame Impala… ¡Kevin Parker es el hombre! Hay muchos artistas muy buenos por ahí con los que nos gustaría trabajar.
D: Creo que Kevin Parker es muy bueno y juntos serían un gran combo.
Z: ¡Sí! Totalmente.
B: Es un productor asombroso.

D: ¿Por qué se tomaron un descanso?, ¿estaban tratando de innovar su música, crear nuevos sonidos?
Z: Sí, estábamos…
B: [interrumpe] ¡Nos odiábamos demasiado! [risas]
D: ¿Ah sí? [risas]
B: Nah, bromeo.
Z: Hemos estado haciendo música en el último año.
B: Necesitábamos tomarnos un tiempo para hacer lo nuestro.

D: Va una pregunta random, ¿Por qué empezaron a postear fotos a color en vez de blanco y negro?
Z: [piensa] ¿por qué hicimos eso? [risas]
B: No, o sea, estábamos mezclando con un montón de cosas para la siguiente campaña. Sólo estamos añadiendo cosas aquí y allá para hacerlo diferente a lo que normalmente hacemos.
Z: Digamos que hicimos una mezcla.

D: En fin, ¿por qué se tardaron tanto en venir a México?
Z: Lo sé, lo que pasa es que nosotros tenemos gente que se encarga de agendar nuestras presentaciones, sólo nos dicen como “Oye, ve a tal lugar” y México salió.
B: No me había dado cuenta de que teníamos una fanbase aquí.
Z: No así de grande.

D: Es gracioso porque tienen muchos fans aquí, México tiene el segundo lugar con más oyentes en Spotify.
B: Oh sí, México y São Paulo.
D: Sí, São Paulo tiene el primer lugar, ellos siempre  los están invitando, les responden “VENGAN A BRASIL” en cada tweet [risas].
B: ¡Lo sé, lo sé! [risas] es muy divertido.

D: Pero, ¿qué opinan de sus fans mexicanos? ¡El show de ayer estuvo loco!
Z: ¡¿Verdad?!
B: Fue asombroso.
D: Yo estaba ahí, casi me matan.
B: ¡No es cierto! [risas]. Es loco, un lugar adorable, les gusta la música y lo demuestran, es muy cool.
D: Muy apasionante.
Z: ¡Totalmente!
D: Bueno chicos, me alegra que la hayan pasado muy bien, sé que el show de hoy también estará increíble, marquen mis palabras.
Z: ¡Eso espero, gracias!
D: Muchas gracias por venir y por su tiempo, regresen pronto.
B: Absolutamente, ¡lo haremos!

Versión en inglés 

Dian: What inspired you to make the EP “To Imagine“?
Zach: Honestly, at that time we were just listening to super heavy electronic music, we were on the studio and it just came out.

D: What’s your favourite song from “To Imagine”?
Brandon: Dude, what is my favourite song? [laughs] Compass! There’s a song called “Compass” and it’s a jam!
Z: I don’t know, I like “Dust” and there’s another one called “Stuck with me”, there’s good stuff.
B: Yes, the whole EP is cool, just five songs, it’s not too much.

D: I can’t wait to listen it, and I wanna know, next time who would you like to collaborate with?
B: [mmmm]
D: If you could choose whoever you want, who would it be?
Z: Damn, I don’t know
B: [interrupts] Paul Stanley, Gene Simmons [laughs] not really, but we are fans of so many artists, such as rappers, Kendrick Lamar, Vince Staples, Travis Scott is really cool, we also like bands like Tame Impala, Kevin Parker is the man, there are so many good artists out there
D: I think Kevin Parker is really great and it would be an awesome combo.
Z: Yes! Totally.
B: He’s an amazing producer.

D: Why did you take such a long break? Were you guys trying to make new sounds?
Z: Yes, we were…
B: [interrupts] We hated each other so much! [laughs]
D: Oh really? [laughs]
B: Nah, just kidding.
Z: We’ve been making music for the last year.
B: We had to take our time to do bunch of stuff.

D: Here’s a random question, why did you started posting stuff in color instead of b&w?
Z: [thinks] Why did we do that? [laughs]
B: No, like yeah, uh we’re just mixing it up with a bunch of like different stuff for the next campaign and stuff like going forward, we’re just adding new things here and there just to spice up what we normally do.
Z: We kinda mixed it.

D: Why did you take so long to come to Mexico?
Z: Yeah, I know, but we, you know, we have people who book shows for us, and they say  “hey, go there” and then Mexico came out.
B: I didn’t realize we had a huge fanbase.
Z: Yeah, not this amount.
D: That’s funny ‘cause you have a lot of fans right here, Mexico has the second place of listeners on Spotify.
B: Oh sure, Mexico city and Sao Paulo.
D: Yeah, Sao Paulo is the first one and they are always inviting you there, like “COME TO BRAZIL!” on every tweet response [laughs]
B: I know, I know! [laughs] it’s so funny, love that.

D: But well, what do you think about mexican fans? I mean, yesterday the show was sick!
Z: I know right!
B: It was amazing!
D: I was there, they almost killed me!
B: No way! [laughs] it’s crazy, a lovely place, seems like they really like the music [sigh]. They like the music and you can see it, it’s really cool.
D: So passionate.
Z: Totally!

D: Well guys, I’m glad you had a great time and today’s show it’g gonna be incredible, mark my words.
Z: I hope so, thank you!
D: Thank you so much for coming and for your time, come back soon
B: Absolutely, we will!

Momentos Corona Capital 2017

Se mira tan cercana y lejana a la vez nuestra experiencia en la última edición del Corona Capital. En la que personalmente y a nivel team WMP disfrutamos sobremanera. Ya sea por los increíbles actos que vimos por primera vez o repetimos, o simplemente por la fórmula Ocesa que siempre termina por funcionar.

A manera de recuerdos de cómo las personas involucradas en este medio mágico musical vivimos estos dos días de caminatas, chelas, Dulces Vero, frío, experiencias ultra sensoriales y demás, les hicimos un recuento más personal de nuestras vivencias. Seguro alguno de nuestros lectores se identificará con más de una. Los aportes son de Bere, Gisela, Monce y Kevin y los ubican por sus iniciales. 😉

SÁBADO

K: Como podrán notar la puntualidad no es una de nuestras cualidades, y aunque intentamos llegar temprano, el primer acto que tuvimos oportunidad de presenciar fue Joseph, unas morritas muy bien arregladitas de Oregón que se robaron bastantes miradas en su presentación. Nos deleitaron con un folk bastante agradable con el que pudimos darle un buen inicio a nuestra aventura.

En el recinto ya conocido podíamos caminar por las curvas y disfrutar de una exposición de carteles (de mis favoritas) de varios artistas gráficos de todo el mundo, encabezada por los ya conocidos Mercadorama (quienes tuvimos en todo momento presente en el festival ya que no faltaron los que vestían la controversial sudadera de “Mexico Is The Shit”).

Entre activaciones de sponsors (nuestro favorito fue tener Dulces Vero pa’ventar pa’rriba) y las áreas de comida (a mi parecer bastante completas) llegamos a Daugther, un acto sublime y un poco fuera de contexto por la hora y el festival per sé, pero bueno, seamos honestos, ¿de qué otra manera podríamos ver a esta chulada de morra en México? Ojalá Ocesa considere traerlos el próximo año solitos.

Ya entrados en vientos gélidos y una que otra chevechita, fui a toparme a los Mogwai, quienes a pesar de que eran una de las bandas que personalmente más esperaba, su show en vivo dejó mucho que desear. Sí, su sonido muy bonito y bien amarrado y todo, pero dónde dejan el dinamismo, ¿un jueguito de luces? ¿Unos visuales pa’contrarrestar que sean unas tablas? Bueno, de menos si cerrabas los ojos y usabas unos buenos tapones pa’los oídos podías dejarte llevar por la majestuosidad de “Rano Pano”.

B: El metro en hora pico no preparó a la gente para lo que viviría el sábado en el escenario Doritos. Minutos antes de que Metronomy subiera al escenario, las personas ya no podían mantener el equilibrio. Invadían torpe y desesperadamente el espacio personal, se mimetizaban como cardumen en olas que violentamente intentan llegar a la costa “el escenario”.

La falta de espacio no fue excusa para sacudir frenéticamente el piso al ritmo de “Back Together”, “Miami Logic”, “The Bay” y “Love Letters”. La intensidad llegó a tal nivel que Joseph Mount, incrédulo, tuvo que pedirle al público que se tranquilizara un poquito.

El cambio de backline entre los ingleses y Cage The Elephant fue un slam colosal sin música, adornado por los gritos de aquellos que se sentían prensados en la multitud. Matt Schultz salió con una bandera de México en hombros, frenético saltaba, bailaba, se revolcaba en el piso, se desprendía de la ropa, bueno, hacía suya la curva cuatro del Autódromo.

En “Ain’t No Rest for the Wicked” la última canción de su setlist, el guitarrista, Brad Schultz se aventó a la multitud, nadando entre los fanáticos. Papeles grises volaron en el escenario. Se despidieron, pero no sin antes prometer que volverían pronto. La brutalidad y entrega en la tarima reafirmó el amor de sus fans y cautivó a los neófitos del garage.

M: Siendo fan o no de los británicos The XX, el live act que traen se disfruta de principio a fin. Rommy Medley, Oliver Sim y Jamie XX se complementan en el escenario de una forma mágica. Durante su participación conmovieron a sus fans entre un viaje de temas nuevos y éxitos.

Su show comenzó con “Intro” junto con “Crystalised”, adentrándonos en un ambiente que solo ellos logran crear. Siguieron con canciones de su reciente producción On Hold, como “Lips”, “Say Something Loving”, “I Dare You”, entre otras.
Su escenario estuvo acompañado de luces y lasers, mismos que contextualizaban una noche llena de suaves melodías junto a la dulce voz de Rommy y los prendidos sets de Jamie XX. Durante su acto Jamie interpretó el cover para “Loud Places” prendiendo el baile en la pista. The XX nos marcó está edición del #CC17, cautivando a todos con su gran talento.
B: Minutos antes de que dieran las once, algunas personas poco a poco comenzaron a irse al escenario Corona para ver a Foo Fighters, los verdaderos fanáticos, esos aferrados que desde Metronomy intentaban llegar hasta enfrente del escenario Doritos permanecieron hasta los últimos segundos en los que Jamie xx se adueñó de la tarima donde realizó improvisaciones repletas de beats, perfectos para doriloquear.
Domingo
G: Todos los actos tuvieron un común denominador en el escenario: la bandera tricolor de México. ¿La razón? Este año no hubo vasos de cerveza brandeados con el arte del lineup oficial, no, este año contenían la leyenda: “Siempre hemos podido”. Porque ni la gente, ni las marcas, ni el marketing olvidan que fue difícil recuperar la normalidad después de lo sucedido el 19/11/17… Volviendo a la bandera, fue muy reconfortante ver que todos los artistas tenían muy presente ese hecho que, fue digno de celebrarse con palabras de amor, unión y humildad. La vibra entre la gente se sintió más cordial, a diferencia de otros años.
K: Dua Lipa fue entre mame, una morra bien entregada y el fan enamorado de su carita toda preciosa. Una chica que a su corta edad sabe manipular un escenario, llevarse de boca a binarios y no binarios y deleitarnos con un show digno de repetirse en un futuro no muy lejano.
Acto seguido estábamos viendo a un Jonathan Pierce bastante amanerado y majadero con sus nuevos bandmates. Creo que no wa olvidar ese momento que después de terminar “Heart Basel” le gritó “¡No!” en el micrófono a su bajista que trataba de decirle algo. La tensión se comenzó a sentir durante los siguientes temas “Days”, “Money”, “Bloody Under My Belt” y no fue hasta “Best Friend” que Pierce se acercó le dio un beso en la mejilla y con ademanes le pidió disculpas a su bandmate, quien en repetidas ocasiones le hacía caras y señas mientras éste se paseaba frente a él cantando. Aún con todo esto logramos disfrutar de una presentación un tanto forzada de The Drums.
Grouplove fue un acto inesperado: una escenografía grotesca (en el buen sentido), una banda de garage con una visión muy clara de su sonido, su interacción con el público y su acto en vivo. A pesar de que sólo logramos ver el final de su presentación, quedamos bastante satisfechos con el desenfreno de su presentación y el recibimiento del público. Justo nos dejó en el mood para recibir algo más melódico y excéntrico: Grizzly Bear.
Lo de Grizzly fue algo fuera de serie. Pa’empezar logramos irnos hasta casi adelante cosa que nos hizo darnos cuenta de la destreza y el dinamismo de sus miembros, ahondaremos sobre eso un poquito más adelante. Resulta ser que estábamos a unas 20 personas de la valla de contención, delante de mí había un homie que se dio un pasón de ¿algo? Y se nos desmayó, lo ayudamos a llegar hasta en frente para que los de seguridad lo llevaran a enfermería y todo siguiera en orden. Frente a nosotros los osos grizzly ya daban muestras de su increíble acto en vivo.
Un Ed Droste muy casual (con pants y hoodie) se paseaba con bailes agradables de un lado a otro, para finalizar en el micrófono y darnos una dosis de vocales que no podemos definir de otra forma que… sublime. En ese momento comencé a valorar el poder de la voz o de un vocalista per se, algo que siempre había infravalorado. No es como que cualquiera pueda cantar y mucho menos lograr ciertos tonos, sino que tu cuerpo es tu instrumento, lo tienes que cuidar, sobre todo tu garganta, pues de otra manera podría serte imposible pararte frente a un escenario.
Mientras divagaba con la importancia de la voz en una banda, ellos ya nos habían deleitado con tracks como “Losing All Sense”, “Yet Again”, “Fine For Now” y la majestuosa “Ready, Able”. El público, en su mayoría fans de Phoenix (que esperaban su turno para cantar y bailar), dejaban a los verdaderos fans de GB cantar y moverse de un lado a otro al ritmo de estas complejas melodías.
Aún me cuesta digerir al 100% este show, cada personaje metido en sus instrumentos, sí, porque nadie se limitaba a uno. Empezando por Daniel Rossen que con guitarra, teclado y su genuina voz nos deleitó en todo el set. No sé ustedes, y quizá estoy diciendo una barbaridad, pero por la destreza, ejecución, perfección y complejidad de sus guitarras, lo podría poner a nivel de guitarristas como Robert Fripp de King Crimson.
Pero la mención especial es para Chris Taylor que en “Sun In Your Eyes” demostró la destreza y el genial manejo de sus instrumentos intercambiando entre bajo y saxofón en segundos. En ese momento pudimos observar a Ed anonadado quien a su vez observaba con risa sorpresiva los cambios que su bandmate hacía en cada parte de la rola, y es que, créanme, verlo hacer malabares con instrumentos era un deleite a la vista y al oído.
Un acto sin precedentes que fácil llega a nuestro top de los mejores del año.
G: Alt-J se queda en el top de mejores actos en vivo con respecto a producción e iluminación. Cada acorde, coro, cambio de melodía, el escenario cobraba vida de mil maneras posibles, esto gracias al perfect timing de las luces. ¿Quién será la persona encargada de esto? No lo sabemos, pero le aplaudimos. Alt-J en escenario Corona Light fue un show que nuestras pupilas no olvidarán.
K: Phoenix junto a Grizzly Bear era uno de los actos que más esperaba en este Corona. Desde Wolfgang Amadeus me convertí en fiel seguidor suyo, aunque debe confesar que antes del WAP y en el Ti Amo no les sé muy bien. El punto es que Bankrupt! es EL DISCO y Phoenix es LA BANDA. Desde que se suben al escenario comienzas a sentir una vibra súper amigable y entregada.

De entrada el increíbles escenario que se montaron fue algo surreal, una pantalla a sus pies proyectaba unos visuales INCREÍBLES que se reflejaban en un espejo enorme encima de ellos colocado como entre 60 y 70 grados para que el público lo pudiera observar en todo su esplendor. Hubo personas que incluso no entendían cómo funcionaba este “proyector” y pensaban que la pantalla era lo de arriba.

Pero bueno, lo mejor viene después. Número uno, nunca había visto a Phoenix, punto número dos, no sabía realmente qué esperar. Pero ellos ya saben bien qué pedo “A ver, Corona Capital, necesito que me des hora y media de show, me pongas a cerrar un escenario y me pagues mi producción enorme pa’darle un show increíble a los mexas que tanto queremos”. Y así fue. Desde “J Boy” y “Lazo” el frío se nos olvidó y al menos hasta donde mi vista alcanzaba a llegar todo mundo gritaba, cantaba y bailaba frenéticamente. En “Entertainment” de mis tracks favoritos del Bankrupt! la emoción recorría todo el cuerpo, no imaginaba que tocarían tantas canciones de ese disco.

La magia de Thomas reside en que canta y medio rapea, sus canciones son de líricas largas y con una increíble métrica y juegos de palabras, eran una cura ver a la gente washawasheando sus letras y tratando de seguir la letra. El piso/pantalla seguía dando de qué hablar, no sé qué onda con el wey que armó los visuales, pero cada canción tenía un juego de luces que empataba con los sonidos de los instrumentos y la voz de Thomas, una de mis partes favoritas fue cuando empezó “Trying To Be Cool”, todo estaba apagado y empezaron a sonar los primeros acordes hasta que llega el sintetizador y su logo se prende al ritmo de éste, no sé si fue por los psicotrópicos que traía encima, pero se me hizo mágico ese momento. Pero mi sorpresa más grande fue cuando tocaron “Drakkar Noir”, mi rola favorita del mentado disco y que jamás creí que escucharía en vivo.
Les decía, Phoenix es esa banda que se puede dar ciertos lujos, o mejor dicho, los que ellos quieran, pues a medio set se aventaron un medley de sus canciones instrumentales “Love Like a Sunset 1” y “Bankrupt!” es como cuando ves a tu banda clavada y esperas que toquen una de las rolas que menos te imaginas, pero nunca llega. Phoenix lo hizo y aunque la gente estaba medio sacada de onda, los que sabían que pedo se balanceaban al ritmo de estos sonidos más atmosféricos. ¡Qué delite!
La fiesta siguió con varias del Ti Amo para terminar la primera parte del set con un “Rome” un tanto atropellada, pero estos weyes saben manejar bien las crisis, y en todo momento involucraron al público con las fallas de sonido para que fuéramos nosotros quienes les diéramos la última palabra de si la viz de Thomas sonaba bien.

Regresaron con “Telefono”, “Flor Di Latte”, “1901” y cerraron la noche con “Ti Amo Di Piu”, para mí el Corona Capital había terminado en ese momento y no pudo haber tenido mejor cierre.

G: para muchos fue un acto digno de headliner, pero para otros fue una presentación exagerada (dos horas y media de show). Billie Joe Armstrong tiene la actitud, eso no se cuestiona, sin embargo, conforme pasaban los minutos, se le veía agotado, sin voz. Eso sí, lograron que el público explotara, cantara y hasta lagrimeara. Lo interesante: tres fans cantaron y tocaron junto a Billie en el escenario. Lo más importante: las palabras de Billie, habló del poder de las mujeres, que son capaces de conquistar el futuro político y social; mencionó la fuerza que tiene México y, lo último, le tiró mierda a Trump. ¡Medallita de oro a Green Day!

#NuevosRuidos: Malos Modales, la gran familia regia

En 2014 un grupo de amigos decidió que les gustaba el rocknroll, ahí se encontraban integrantes de bandas consolidadas como División Minúscula y She’s a Tease. El resultado se llama Malos Modales y después de dos EPs y presentaciones en importantes festivales como el NRMAL, la banda está de regreso con su primer álbum de estudio, Cosas ocultas (Buen Día Records).

Se trata de un material que como indica el título— esconde referencias, sobre todo de influencias o cosas que disfruta la banda. Además comparte nombre con el primer sencillo, el cual les parece una buena transición de los EPs pasados al disco, pues tiene un poco del sonido anterior y mucho de su nuevo estilo.

La estética noventera es una constante en Cosas ocultas, fue una época que definiría a Scrap (guitarra/voz), Johny (guitarra), Chank (bajo) y Kiko (batería). “Hubo mucho rock y grandes discos, películas y videos que nos marcaron, desde grandes producciones hasta cosas más indies y punk, fue un gran momento para ser adolescente.

Algo que nos gusta es el hecho de que se usaba sacar discos completos, y que la gente los compraba y escuchaba. Ahora es un poco distinto con toda la cantidad de música que se encuentra disponible. Muchos artistas optan por ir sacando sencillos en vez de producciones completas y todo se vuelve un poco desechable”, mencionan.

Esta es la razón por la que se tomaron muy en serio la grabación, para entregar una producción completa y de calidad. “Darle a la gente que nos escucha, un disco como los que nos gusta escuchar a nosotros”, nos comentan.

“La grabación del álbum fue un momento único en la historia del grupo, que seguro va marcar mucho del futuro de la banda. Fue un proceso largo, desde la composición hasta la producción, pero en el camino conocimos a mucha gente e hicimos muy buenas amistades”, dicen. Entre ellas podemos mencionar a los Buen Día Records, así como a Maurizio Terracina (Zurdok), quien estuvo a cargo de la mezcla del álbum y Memo sobre la luna, músico invitado.

Esta gran familia regia ve un panorama prometedor en la tierra del broncowave. “La escena en Monterrey está muy activa, hay muchas bandas tocando y cada vez salen más venues y festivales donde tocar. Hubo un rato que estuvo medio apagada por cuestiones de la inseguridad que se vivía, pero ahora otra vez está muy activa, todos los fines hay shows que ver y a cada rato salen grupos nuevos”.

Con el 2018 a punto de comenzar, Malos Modales ya sabe sus propósitos: “Promocionar el disco, salir a tocarlo en todas partes, y trabajar en un nuevo material para tenerlo listo lo más pronto posible”.

Mientras llegan a la CDMX, despidan este año al ritmo de Cosas Ocultas.

#WMPGigs: El techno de Juan Atkins en la CDMX

Nadie esperaba que desde la llegada del sintetizador Korg MS10 a manos de Juan Atkins se abriría un nuevo movimiento que conquistaría la escena musical con tanto auge y creatividad como lo ha hecho el techno en la última década. 


La visita a México de una de las mentes que iniciaron esta revolución debe de ser comprendida y festejada, ya que en la actualidad la palabra techno se ha convertido en tendencia y moda que no representa precisamente la esencia del género. 

Para poder hablar y comprender de este género es necesario remontarnos a sus raíces y es ahí donde Juan Atkins junto con Derrick May y Kevin Saunderson aparecen como artífices del género, en una época donde eras un novato si no sabías grabar directo del mixer a cinta y con uso de overdubs.

Lo que caracterizaba ese nuevo movimiento era la profunda pasión por la música y el movimiento, donde el DJ era solo el mensajero y no una figura en primer plano en espera para recibir miles de aplausos.

La música de Juan Atkins inspiró y atrajo a otras mentes brillantes del techno como Richie Hawtin y John Acquaviva que en un futuro llevarían el género bajo su sello Plus8 a Europa para después poder ser reproducido y perfeccionado.

Distrito Global y su propuesta “Cinta Negra” pretende reunir un poco de ese contexto en la CDMX junto con uno de los padres y fundadores del techno. 

El llamado a los verdaderos amantes del techno es el próximo 8 de Diciembre en Mooi Collective”.

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Por: Ergar Chavez

De creatividad y batallas de GIF’s, una crónica sobre el CutOut Fest

Texto: Vania Castaños
Fotos: David Casarrubias

-Es un tema bobo, no sabría cómo explicar. Son cosas que allá, en Venezuela, suceden casi con naturalidad. Algo que ya está bien arraigado. Como el machismo, acá en México.

– Ah, sí, sí, ahora entiendo. ¿Y tu carrera de ilustrador? ¿Allá no iba a suceder?

-Sí, bueno… allá es imposible…

Estamos acostumbrados a los festivales de música; mucha diversión, cervezas de “litro” y cientos de personas mostrando sus mejores outfits. Hasta la misma RAE, en su primera definición especifica que festival es: “fiesta, especialmente musical”. Y todo eso está bien, no tengo 60 años, pero también existen eventos que mezclan algunos de esos elementos con animación y arte digital donde no precisamente sales de ahí con los oídos tapados, la cabeza saturada y/o una cruda mortal.

El CutOut Fest se trata de eso. Pasarla bien, pero también reencontrar tu creatividad, hacer explotar tu cabeza con nuevas ideas. Casi, casi como embriagarse, pero con pura inspiración.

Viernes 10 de noviembre

Hace un calor del demonio. Estoy en Querétaro, una de las ciudades más turísticas del país. La mayoría de sus calles podrían ser la parte más bonita del centro de la CDMX. Es hermoso pero hoy, me está rostizando.

Mi idea, originalmente, era llegar temprano al CutOut, pero el calor me lo impidió. Tuve que pasar por algo que refrescara mi ser y de ahí, un taxi hasta el venue principal del festival: el Museo de la Ciudad.

Llegué justo a tiempo; para formarme un rato y esperar a que empezara la batalla de GIF’s. El foro se llenó. Todos tomamos nuestra fría cerveza Victoria y unas banderitas para elegir al ganador y al perdedor. Debo confesar que aunque el concepto de este concurso siempre me emociona, había asistido a un par de combates así, pero nada muy divertido. Esta vez, fue distinto.

El presentador se lo llevó TO-DO. Qué agradable persona. Sí, hubo varios participantes que rifaron con sus GIF’s, un Guicho –participante– que se los llevó a todos por la calle, pero la buena onda y carisma del presentador nos hizo pasar un rato divertidísimo. Gracias, presentador.

Saliendo de este primer evento, caminé un par de mini-cuadras hasta llegar al Teatro de la Ciudad –que a su vez también es Cineteca–. ¡Qué lugar tan lindo! Espejos, palcos, candiles, terciopelos y azulejos por todos lados. En frente, hay una pantalla y justo están proyectando los cortos experimentales en competencia.

Ahora, frente a mí hay líneas rectas musicalizadas por sintetizadores oscuros, colores neutros. Así fue el primer cortometraje. Después, alcancé a ver otros 2; uno oriental donde cantaban canciones de que alguien que no se quería rasurar (what?) y otro muy lindo de conejos que nacen de plantas con una musicalización excepcional.

Estar en el Teatro de la Ciudad, con toda esa arquitectura de los 40 y ver en una pantalla técnicas experimentales era algo tan inusual que, neta, no se necesitaban drogas para disfrutar.

A las 20:00 horas comenzó una de las conferencias más esperadas. Graham Finley, que ha trabajado en películas como Brave, Monsters University y Coco –de Pixar, evidentemente–. Él nos contó un poco de su vida, sus estudios, nos mostró un par de bocetos y párale de contar. Muy lindas sus experiencias pero, sólo aumentó mis dudas sobre la ilustración digital.

Sábado 11 de noviembre

Qué buen lugar para hacer un festival de creatividad. Ayer me cayó de sorpresa la madrugada mientras caminaba en la Plaza de Armas. La iluminación y las cubas me obligaron a disfrutar lo delicioso que es estar alejada del caos chilango. Querétaro tiene paisajes arquitectónicos fantásticos.

A las 2 de la tarde comenzó una sesión de 9 preguntas random. Esta vez los invitados eran uno de los creativos en Odd Division y Martinus Klemet.

Odd Division es un laboratorio con base en Brooklyn y Barcelona que se dedica a storytelling, y muchas cosas de este tipo: diseño y tecnología, sobre todo. Su representante confesó que le inspiraba Yayoi Kusama, que golpearía en la cara a Donald Trump y que en su mochila nunca pueden faltar unos tapones para los oídos.

Por otro lado, Martinus Klemet, un diseñador que arma spots publicitarios, videoclips y cortos animados –todos súper cool, btw– nos contó que no golpearía a nadie, que le gusta Bonobo y que le tiene miedo al estancamiento creativo.

Mis dudas de ilustración digital seguían ahí.

Y es que, no me mal entiendan “el aprendizaje nunca agota la mente”, como decía Da Vinci y entre más proyectos inventiva y escuchaba, más incertidumbre tenía.

Terminando esa sesión de 9 preguntas fui al foro del Teatro de la Ciudad a ser parte de un happening.

“Ah, va. ¿Qué es un happening?”.

Bueno, es como un performance creado únicamente para hacer reaccionar al espectador. En éste, se busca que el público forme parte y básicamente, no hay que buscarle explicación…sólo hay que formar parte.

ESOC, como se llamaba este happening era algo rarísimo. En el fondo unos videos causaban a veces repudio y a veces nos obligaban a ponerles demasiada atención, una mujer con globos colgando en su cuerpo hacía sonidos con unos sintetizadores y un micrófono con efectos, otro ser que recogía cosas del piso mientras se las pegaba con cinta al cuerpo. Es algo difícil de explicar; tendrían que haber estado ahí para disfrutarlo.

Para cerrar el segundo día del CutOut Fest, a las 19:15 empezó la conferencia de Andy Baker. Uno de los ilustradores de Don’t Hug Me I’m Scared. Antes de mi comentario les voy a recomendar que, si no han visto esa serie rarísima de videos; vayan ahora mismo a Youtube y denle play.

Ahora sí. Tenía muchísimas ganas de escuchar a este vato. Unos días antes del festival, había visto todos los capítulos (de la mencionada serie) y si de por sí tenía entonces muchísimas dudas, ahora, con tanta inspiración me habían surgido más. Tampoco obtuve respuesta.

La plática de Andy muy bien. Qué padre trabajar con amigos y todo eso pero ¿CÓMO SE HACE UNA ILUSTRACIÓN DIGITAL?

Después de la conferencia de Baker era momento de la clausura del CutOut pero antes, tuve –lo que considero– mi momento de clímax en el festival.

Resulta ser que, mientras esperaba a que abrieran el venue de la última actividad, decidimos un amigo y yo esperar mientras platicábamos en una incómoda mesa. A la charla se unió Ed Vill, un ilustrador venezolano –que nos presentó otro artista gŕafico, este mexicano: Mike Sandoval–, quien terminó haciendo perfecta mi estancia en el festival.

La plática con Ed surgió, como lo leyeron al principio del texto con los problemas en Venezuela, él me explicaba porqué la recesión en su país parece ser infinita y sus razones para salir. Después de un par de confesiones personales y ya entrados en confianza por fin pude hacerle las preguntas bobas que cualquier newbie en el tema –como yo– haría.

Ed Vill resultó un gran maestro, un instructor (real) del tema. Además de ser influencer, músico, diseñador y más. Tras una hora de plática, una pequeña promoción de un curso que da sobre creación de personajes y la promesa de fumar un porro y ver caricaturas –por mero aprendizaje, no vayan a pensar mal–, entramos al evento de clausura.

Se entregaron los premios, una –súper envidiable– beca del 90% en el SAE Institute (que es patrocinador del festival desde hace ya varias ediciones) y después, nos llevaron al “súper” evento de clausura. Música, fiesta, cubitas (sí, poquitas) y bueno… ¿para qué les cuento? Lo único importante es que terminamos haciendo la viborita como en cualquier boda familiar y el puentecito  clásico de unos XV años.

¿Ven? El CutOut lo tiene todo.

Ésta fue la novena edición del festival y por lo que nos dijo una chica del equipo –mientras íbamos en la van a la fiesta–; el festejo de los 10 años “va a estar con madre”.

Más eventos que impulsen la creatividad y menos momentos de ociosidad, chavxs. Consideren la década del CutOut Fest y nos vemos en 2018.