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¡Sony Music te lleva al concierto de Sofi Tukker!

¡Gana un pase doble y M&G para el concierto de Sofi Tukker en SALA Corona este viernes 25 de agosto!

Sólo tienes que replicar con alguna prenda el graffiti que sale en el video del single “Fuck They”.  

¡Miren el video aquí!

Las prendas más originales y con el mayor número de likes, podrán ganar un pase doble y un M&G con Sofi Tukker.

*Comparte tu respuesta en el perfil de Facebook @TheWMP con el hashtag #WMPInvita. (Dile a tus amigos que le den like).

PD: Tienes hasta el viernes a las 3:00pm  para participar.

¡Suerte!

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¿Vas a viajar al Hellow en Monterrey? Acá unas recomendaciones

La ciudad de las montañas no es como la pintan, ¿o sí?

Pareciera que la raza es muy exagerada y que en Monterrey no hace tanto calor, ni los regios son tan codos, y las quesadillas sí llevan queso, pero hay cosas que deberías saber antes de planear tu viaje al Hellow Festival 2017 este finde. De entrada Monterrey es una ciudad extremista, y no, no porque la gente de allá lo sea —bueno, quizá sí un leve—, pero esto más bien se refiere al clima en el estado, cuando hace calor ¡hace un chingo de calor! y cuando hace frío ¡hace un chingo de frío! Entonces, acá te van estas recomendaciones para que tu experiencia en el Hellow no te mate de insolación o cáncer de piel.

  • De entrada el pronóstico nos marca una temperatura de 31 grados con 40% de probabilidad de lluvia, así que preparen ropa cómoda, bloqueador solar, lentes oscuros, gorra o sombrero (í’ñor), y un impermeable por si las moscas.
  • En Monterrey necesitas sí o sí estar bien hidratado. No sabemos a ciencia cierta si nos van a querer vender el agua como la poción de los dioses (Hellow, si estás leyendo esto no te pases), pero ya sea con cerveza o con agua, hay que mantenerse bien hidratado, sobre todo si van a estar hasta adelante, ya que ahí se va a sentir calor de 50 grados, 100% real no fake.
  • Una ventaja es que, a pesar de que no puedes llevar cámaras semi o profesionales, siempre está la vieja confiable GoPro, pero porfa, no abusen con sus sticks y anden estorbando a la banda, neta es súper incómodo.
  • Las mentadas drogas. El punto aquí es que si ya te las ingeniaste para pasar la sustancia de tu preferencia, nomás no se pasen. Está bien triste ver a la bandita ya bien trincada a apenas unas horas de haber iniciado el festival, vamos a divertirnos, ¿o no?
  • Si van a llevar mochilas, para su comodidad y la de los demás asistentes, procuren que no abarque mucho espacio y si sí, y se encuentran en la multitud, así como en el metro, pónganla entre sus pies. La mejor recomendación es que se lleven una tote-bag (morralito), neta no pueden llevar tantas cosas como pa’que no les quepan ahí. Aparte se ve cool, está cómoda y no estorba a nadie. 😉
  • Algo que pocos procuran y que es indispensable tanto en conciertos cerrados como abiertos, es que protejan sus oídos, está científicamente comprobado que si pasas una larga jornada escuchando música a fuerte volumen te puede causar sordera. ¿Han escuchado ese zumbidito después de algún concierto? ¡Aguas! Entonces cuiden sus oídos y ármense unos taponcitos, los encuentran en todas las farmacias por menos de 50 varitos y ya si no, pues compren un poco de algodón y pónganselo, sus tímpanos se los van a agradecer.
  • Ya pa’finalizar y no hacerles el cuento más largo, échense una vuelta por el sitio del Hellow pa’que vean los do’s and dont’s o sino, échenle un ojito a este par de imágenes:

A 15 años del Bright Lights, lo celebramos con 7 de sus mejores momentos

Qué no se ha dicho de esta joya de la música a quince años de haber sido publicada; de los mejores debuts de la historia, el revival elegante de lo que en su momento fue Closer de Joy Division, un álbum a la fecha insuperable tras 4 intentos (sólo dos de ellos bien logrados), una pieza maestra de pies a cabeza. En fin, a Interpol le ha costado cargar con esta cruz, pero no por eso deja de sorprendernos o decepcionarnos con cada nuevo lanzamiento que sacan.

Este año Interpol al fin decidió celebrar un aniversario de dichoso álbum, pudo haber sido el quinto, o el décimo, pero no, ellos decidieron que fuese el quinceavo. Para muchos fanáticos algo que se veía difícil de cumplir, de realizar, pero al fin los tendremos en buena parte del mundo disfrutando de estas piezas que nos han hecho vibrar, gritar, llorar, enamorarnos o desenamorarnos ¡en vivo!

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#StaffPick: Hellow con sabor latino con Neon Indian y Helado Negro

Por: @Uriel Delgado

A diferencia de otros festivales que han optado por centrar su cartel en actos internacionales, anglosajones para ser más exactos, el Hellow Festival es uno de los pocos que ha buscado un equilibrio entre actos de renombre, propuestas locales, así como actos consolidados que ponen el orgullo latino en lo más alto de la industria musical.

Y con esto no nos referimos a aquellos talentos latinoamericanos que nos han metido hasta en la sopa en cuanto festival nuevo que aparece, dígase Caloncho, Siddhartha, Mon Laferte y un largo etcétera, sino propuestas que han explorado los límites de lo que es sentirse latino y lo han llevado a fronteras que originalmente ni ellos se habrían imaginado.

Tal es el caso de Neon Indian y Helado Negro, quienes se estarán presentando este 26 de agosto en el Hellow Festival para llenar de baile y orgullo latino la Sultana del Norte. Alejándose de los sonidos tradicionales, cada uno forjó su propio camino en la música en Estados Unidos sin olvidar sus raíces, haciendo de esta combinación de culturas el lienzo ideal para generar propuestas que han dejado una marca indeleble del otro lado del río.

Por un lado, Alan Palomo, mejor conocido como Neon Indian, regresará a su ciudad natal para compartir con el público los ritmos que lo han visto triunfar en donde se ha parado. Tras el éxito que fue Vega Intl. Night School, su última producción de estudio, Palomo se tomó un descanso para enfocarse a su otra pasión, el cine, participando en la más reciente película de Terrence Malick. Sin embargo, llega a Monterrey listo para demostrar por qué es considerado una de las piezas fundamentales, si no es que el creador, del chillwave y así llenar Monterrey de vibras bailables aderezadas con sus influencias latinas presentes incluso en los samples que hizo de las canciones de su padre.

Al mismo tiempo, Roberto Carlos Lange desarrolló su carrera en Brooklyn como Helado Negro, proyecto que fusionó su legado ecuatoriano con las influencias que lo han marcado desde su nacimiento e infancia en Florida, pero que, como el nombre de uno de sus sencillos menciona, siempre se mantuvo “Young, Latin and Proud”. Con Private Energy bajo el brazo, Lange pondrá a bailar el escenario del Parque Fundidora con su synth pop tropical que combina lo mejor de ambos mundos, dejando claro que el ser latino es algo que va mucho más allá de tu apellido.

#ArteQueSuena: Grand Chamaco, la mente detrás del arte del Hellow 2017

Este año —y bueno, con esto no quiero decir que los años anteriores no lo hayan hecho— los del Hellow se preocuparon bastante por la estética de su festival. Para esto invitaron a uno o quizá al artista más representativo del 3D en México: Grand Chamaco (punto extra por seleccionar a un mexa y doble punto porque también es de Monterrey), quien desde hace ya algunos años ha logrado una buena reputación en México y le ha dado la vuelta al mundo con la estética divertida y colorida que le da a sus personajes modelados generalmente en 3D con toques humorísticos.

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Para el Hellow, el Grand Chamaco creó a tres personajes que ahora son la cara del festival: divertida, medio hipster, melómana, amigable, fiestera, rockera, en fin, exactamente algo con lo que el público se puede identificar. 

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Su trabajo ha sido tan aclamado que ha colaborado con marcas como Rayados (sí, el equipo de fútbol), Pictoline o Nickelodeon, así mismo disfruta de hacer algunos remakes muy a su estilo de personajes de la cultura pop como Star Wars, Bob Esponja, Hora de Aventura, Game of Thrones, entre otros.

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¿La mejor manera de seguir su trabajo? Su Instagram, como se pudieron haber dado cuenta. 😉

#NuevosRuidos: D’arcy, la evolución de No somos marineros

Este año comencé a traer a bandas extranjeras con el fin de darlas a conocer en el país o que los pocos o muchos fans que morían por verlos alguna vez en vivo (yo incluído) tuvieran chance de presenciarlos en México. Gracias a esto me he dado cuenta de una extraña tendencia entre ellos: nadie quiere ser taggeado en el género math-rock. La cosa está así: a pesar de que sí, por la naturaleza de la música que hacen se puede encasillar en el math (género musical principalmente caracterizado por complejos ritmos y patrones instrumentales) a bandas como Delta Sleep, Totorro o Pretend, no les encanta el label de dicho género, y aunque ninguno me pudo dar una explicación tajante y completa, el punto es que en su evolución podrían dejar o cambiar algunas cosas que no van tanto con el género.

Esto mismo pasó con una de nuestras bandas favoritas del underground en México: No somos marineros, quienes claramente se hartaron de que tanto público como medios los encasillamos como la banda revelación del math en su momento. Y bueno, lo acaban de demostrar en su más reciente álbum D’arcy, lanzado apenas hace unos días a través de su plataforma de confianza Bandcamp. Donde ya no hay math, en lo absoluto, adiós tapping, adiós compases raros, ahora No somos marineros nos muestra un sonido totalmente distinto, en la misma banda, algo que rara vez hemos visto en las bandas independientes del país.

No somos marineros comenzaron por ahí de 2012 con un EP titulado Demo juvenil en vivo, tres rolas en las que claramente se veían influencias muy marcadas en el género de bandas como American Football, Storm And Stress, Sharks Keep Moving, entre otros. De ahí hubo una serie de canciones (que por cierto la mayoría casi nunca se publicaron y/o grabaron en estudio) que seguían esa misma línea, pero poco a poco, incluso en vivo su sonido fue cambiando. Según ellos me contaron por ahí de 2014 (y si la memoria no me falla tanto) que estaban grabando un álbum que seguía esos patrones, sin embargo algunos de los miembros ya no se sentían identificados con esos tapping de guitarras y compases complejos, que decidieron cambiar el rumbo de la banda.

Esto les costó eliminar todo el material que ya habían compuesto, uno de sus miembros salió para seguir su carrera en el audiovisual y empezar un nuevo álbum desde cero. Esto dio como resultado Lomas Verdes, álbum publicado en diciembre de 2014, grabado en Testa Estudio en una sola toma y en cinta magnética. El álbum fue bastante criticado tanto por los puristas y amantes del género, que porque ya no sonaba a math, que porque la calidad dejaba mucho que desear, en fin, esas cosas que pasan cuando alejas a tu público de su zona de confort. Sin embargo, otros agradecimos bastante el cambio y como opinión personal, LV es su mejor trabajo hasta el momento, mucho más allá de la calidad o el cambio (pues sí, sonaba poquito math, pero había más emo y menos tapping) ya que lo que se sentía en esas canciones era honestidad.

Ahora, tres años después de su primer álbum y totalmente alejados de, por ejemplo, una de sus primeras canciones: “Gisaról Profesales”, nos ponen sobre la mesa D’arcy, del cual Carlos (voz y guitarra) comentó en un post en Facebook: “Tres años cocinando esto; ahora es de quién lo escuche, yo puse la mayoria de mí en su realización junto con mis BBS favos Oscar Rubio, Gustavo Farfán, y Andres Gamiochipi”. Un álbum compuesto por nueve tracks en los que incluso dejaron un 90% atrás el sonido de Lomas Verdes, tanto en ejecución como en producción, esta última a cargo del venezolano Miguel Fraino (productor y guitarrista de Cardiel). No somos marineros no sólo cambió de piel, su música incluso podría dejar detrás el nombre de la banda, pero lo que lo mantiene, quisiera pensar, es la honestidad y las ganas de querer hacer la música que les gusta.

Como de costumbre, las canciones tienen títulos ambiguos a las letras y más bien reflejan situaciones muchas veces sin mucho sentido (al menos para sus seguidores) que viven en su vida diaria. Así nos recibe “Los bajos fondos”, donde nos dicen con una voz bien tenue: “olvídate de los gritos, olvídate de compases complejos, déjate llevar por el delay, y en vez de hacer slam, mejor acuéstate un rato a escuchar”. Esto se mantiene en “Je suis un basiur” nada de complejidad, música mucho más agradable para las masas, sobre todo con el revival del shoegaze, que desde hace un par de años mantiene viva la llama. A momentos suben de tono los instrumentos, pero la voz se mantiene, cómoda, sin esfuerzo, haciéndose notar mucho mejor que en Lomas Verdes, ya que allá el esfuerzo por empatar con el estruendo de los instrumentos era mucho mayor. “Andiamo vía” nos deja claro que una de las influencias quizá más grandes —aunque no lo quieran aceptar— está presente; Title Fight, quienes al igual que ellos fueron de mayor a menor, ¿no me creen? Dense el Floral Green y pasen de ahí al Hyperview y díganme si me equivoco.

“Cutlass (’96)” y “D’arcy “son los momentos más melódicos del disco, las influencias emo en las líricas son notorias, una voz a punto de quebrarse nos dice: “Quédate. Puedes verme cambiar. Quédate”. Mientras en D’arcy, el track más largo del disco es un resumen de todo lo que puedes encontrar en el álbum. La batería de Andrés es incomparable, puedes notar al momento su técnica y ejecución en cualquier rola de NSM, mientras que Farfán se queda un poco corto en el bajo con líneas bastante simples y repetitivas, sin embargo las guitarras traen todo ese filin del que les he estado hablando.

Del track seis al nueve la banda va evolucionando hasta llegar a un estruendo, donde nos encontramos con los marineros de hace tres años, enfadados, agresivos, fulminantes, nadie habría podido pedir o esperar mejor cierre en este álbum como lo hicieron con “Eurosport”, la esencia pura de la banda, un momento estás echado en la cama con tu morra escuchando el disco a todo volumen, llega este track y ya estás en medio de una multitud listo para echar el slam y gritar: “Sálvame, no harás nada mejor. Sé que no estás”.

Queridos No somos marineros, sigan haciendo lo que les gusta, evolucionen y/o cambien su sonido tanto como quieran, pero, por favor, no dejen de hacerlo.

#StaffPick: Kendrick Lamar y Weezer rumbo al Hellow

Se acerca la edición 2017 del Hellow en Monterrey, festival que además de nunca abandonar al público y la ciudad que lo vio nacer, poco a poco fue creciendo hasta llegar a ser el primero en México en tener a Kendrick Lamar en su line up, y vaya que no les salió nada barato. Entre un arte de cartel bastante bien cuidado (hecho ni más ni menos que por el artista visual Gran Chamaco, del cual les hablaré en el siguiente post) y un line up bastante bien curado, el Hellow es el festival más prometedor en México de lo que va del 2017. Y acá les doy dos razones para no perdérselo.

KENDRICK LAMAR
El hype que se ha generado en torno a este rapero es impresionante y ha logrado hacerse de una increíble reputación como el mejor raper contemporáneo. Esto hizo que México rogara(ya saben, nos encanta subirnos al tren del mame aunque no sepamos ni qué pedo) por tenerlo tocando ya sea en un concierto él solito o en cualquier festival dando cátedra de lo que mejor sabe hacer: rapear. Y así son sus presentaciones, si esperan un show muy muy producido, espero no los vaya a decepcionar, pues lo único que veremos en el escenario es a Kendrick con su micrófono y una pantalla a su espalda.

Tras la salida de D.A.M.N. —y ya con muy buena reputación desde To Pimp a ButterflyGood Kid, M.A.A.D. City— el hype en el público mexa ya era evidente, por lo que no dudábamos que su visita a México era inminente, y pues sí, este año el Hellow lo hará realidad.

Aunque este track no es precisamente de Lamar, sino una colaboración que hizo con FlyLo, es una de mis favoritas en su repertorio, tanto por la letra como la dinámica que se da entre beats y líricas, así como la coreografía chingona de los morritos que salen bailando.

WEEZER
Por otro lado tenemos a un clásico del rock alternativo, quienes ya tenían desde 2014 que no visitaban al país. Ya con 10 discos publicados, una trayectoria de 25 años y muchos cambios de alineación, será difícil disfrutar un show completo de estos estadounidenses dentro de un festival —tomando en cuento lo limitados que pueden ser los sets, incluso de un headliner—, pero valdrá la pena poder presenciar algunos de sus mejores éxitos como “Memories”, “Porks And Beans”, “Beverly Hills”, “My Name Is Jonas”, “Island In The Sun”, entre otras.

Jamás he tenido la oportunidad de ver a esta banda en vivo, pero según mis amigos de Delta Sleep —banda de Brigton, Inglaterra que estuvo toureando hace unos meses en México— fans de Weezer, me dijeron que es un acto increíble e  imperdible y pues yo les creo, ¿ustedes qué opinan?

¡No se pueden perder este año de Mutek!

A casi dos meses de que de inicio la edición número 14 de #MUTEK.MX, el día de mañana se llevará el NANO MUTEK 04. Este evento es el primero de la serie 2017, que tendrá como invitados a Lotic, Jlin y Wasted Fates‪, en foro Normandie. ‬ Jerrylin Patton aka Jlin (US) viene presentando su más reciente producción “BLACK ORIGAMI” que salió a la venta el 19 mayo del año en curso (2lp, CD y formatos digitales)editado bajo el místico sello inglés Planet Mu del amo y señor originario de Wibledon Mike Paradinas aka µ-ZIq, sello que auspicia también a artistas tales como; Ventian Snare, FaltyDL, DJ Rashad, Machinedrume.

Este disco también esta inspirado en su reciente colaboracion con el coreógrafo y bailarín Avril Stormy Unger, hace tres años hizo una colaboración con Rick Owens quien eligió a Patton para crear el soundtrack de la pasarela de su colección Otoño/Invierno 2014/2015 en el Fashion Week de París.

El año siguiente, Jlin hizo los beats de la presentación de Primavera/Verano de Adidas Originals en esa ciudad, así como un show de Chanel en Seúl. Su recientemente editado segundo álbum, Black Origami, tiene colaboraciones de todo tipo de mundos, como la políglota de la música por computadora Holly Herndon,sin duda está noche ecléctica al ritmo del footwoork romperá la pista de baile del Normandie. Lotic (US) productor de Techno, este estadounidense quien radica en Berlin desde ya hace algunos años, también estará realizando su presentación en MUTEK Montreal.

También encontraremos Talento nacional que se suma en esta segunda ola de artistas confirmados con performances ingeniosas y composiciones experimentales, podremos apreciar nuevos nombres de la escena local y regional emergente que poco a poco se integran a la programación, tal es el caso de WASTED FATES (MX) productor originario de Monterrey y artista multimedia autodidacta, también conocido como Octavio Kh. Es miembro de N.A.A.F.I. y Extasis Records y se ha presentado en los festivales de música electrónica más importantes de México con su música de club de alta calidad.

Entrevista con El muchacho de los ojos tristes

¿No sabes cómo invitar a la niña que te gusta a un concierto? El nuevo video de El muchacho de los ojos tristes será tu mejor aliado para salir con ella.

Hace tiempo en WMP les presentamos este proyecto compuesto por Eric Del Rey, Juan Maldonado, Karla Briseño, Wa Guerrero y Abel Bucio para nuestra sección #NuevosRuidos. -Leer aquí la entrevista- 

Ahora la banda regresa con el material visual para el track “Santo Remedio (Tu mejor atuendo)” y Abel nos contó todos los detalles sobre está nueva producción.

WMP: ¿Cómo fue el proceso de composición y grabación para “Santo remedio (Tu mejor atuendo)” ahora que trabajaste con la banda?

Abel: “Fue muy natural. Eventualmente hemos ido desarrollando una comunicación no verbal; antes de “Santo Remedio” ya habíamos escrito un par de rolas las cuales aún no están grabadas. Lo peculiar con “Santo Remedio” fue que es una canción muy corta; va al grano. Y estuvo lista en una tarde. Llegué con la idea en guitarra y poco a poco fuimos adornándola. Una vez lista la grabamos ahí en el lugar donde ensayamos”.

WMP: ¿Qué historia hay detrás de esta canción?

Abel: “Es algo que muchas veces he querido hacer. “Llenarme de valor y hacer lo que realmente quiero porque tal vez mañana estaré muerto”; en este caso lo ilustré un poco cantando sobre un vato que se quita los miedos e invita a la morra que le gusta a un concierto”.

WMP: ¿Nos puedes platicar alguna anécdota de la grabación del clip?

Abel: “Hubo varias. Pero puedo recordar que camino a la locación hicimos un playlist de cumbia y salsa con nuestras canciones favoritas como ritual previo”.

WMP: ¿Dónde lo grabaron? ¿Cuánto tiempo se tardaron? ¿De quién fue la idea?

Abel: “Fue un lunes muy temprano. La locación se encuentra a unas cuadras de metro Impulsora en Ciudad Nezahualcóyotl; y tuvimos que hacerlo rápido porque fue en la calle y “clandestinamente”. Llegamos al mural, colocamos los instrumentos y grabamos. La idea ya estaba muy clara todo lo teníamos ya en mente. Eso lo agilizó bastante”.

WMP: ¿Qué planes tienen en mente ahora como banda?

Abel: “Entraremos en Octubre a grabar nuevos temas para cerrar el año con nuevo EP”.

WMP: ¿Tienen más rolas bajo la manga?

Abel: “Así es. Hay varias que estarán incluidas en el nuevo EP y  seguimos escribiendo, a ver qué más sale”.

WMP:  ¿Tienen planes de hacer alguna colaboración?

Abel: “Nos encantaría. No hay nada concreto aún pero si está en planes”.

WMP:  Si no fuera a través de la música. ¿De qué otra manera te expresarías?

Abel: “Pintando. Me gusta mucho pintar en óleo.”

¡Denle play a “Santo remedio”!

¿Les gustó?  Dicha canción anuncia una nueva etapa en la banda así que sigan su FB y TW para saber qué otras sorpresas nos preparan.

 

#NuevosRuidos: Sube al tren del rock con Carbonno

Carbonno es una agrupación originaria de Toluca Estado de México, quienes ahora se encuentran promocionando su cuarto material discográfico El Tren, mismo que fue grabado en España y Toluca.

En WMP nos gusta apoyar proyectos independientes y por eso platicamos con ellos para nuestra sección #NuevosRuidos. ¡Pasen a conocerlos!

WMP: ¿Quiénes son, cómo se llama cada uno y qué toca cada quien?

C: “Nosotros somos tres; Ozz Ximenez (voz y guitarra), Kinno Tabares (guitarra y coros) y Jerry Hernandez (batería).

WMP: ¿Quién fue el que dio el primer paso para  formar la banda?

C: “En una plática entre Kinno y Ozz surgió la idea ya que estábamos cansados de participar en proyectos que no eran responsables, después reclutamos a Jerry“.

WMP: ¿Qué onda con el nombre?

C: “Surgió en una sesión de lluvia, decidimos darle un significado de lo que queríamos hacer y llegamos a la conclusión de querer estar presente en todos lados, como el elemento químico Carbón, de ahí decidimos llamarnos Carbonno, agregándole una N”.

WMP: ¿Cuál es la relación del proyecto dentro y fuera de la banda?

C: “Dentro de la banda somos compañeros, somos socios, somos jefes y a la vez somos empleados —risas—. Fuera, somos amigos de casi toda la vida, hay una hermandad entre nosotros, lo que crea una simbiosis que se ve reflejada en nuestra música y en el escenario”.

WMP: ¿De qué hablan en sus canciones?

C: “De las emociones que todos sentimos en algún momento de la vida, tratando siempre de dejar un mensaje positivo en quienes las escuchan”.

WMP: Menciona algo en lo que pienses mientras escuchas tu música:

C: Jerry: “Yo pienso que es perfectible”.

Kinno: “¿En cuántas pedas se escuchará esta rola?”.

Ozz: “Lo primero que pienso es cómo puedo mejorar mi participación en el siguiente disco”.

WMP: Menciona tres puntos por los que invitarías a alguien a escuchar o conocer tu proyecto:

– “Carbonno es una banda real y sincera”

– “Carbonno se preocupa por el show que le brinda al público”

– “Carbonno se integra de pura guapura”

WMP: ¿Cómo describirías a tu banda en 140 caracteres?

C: “Es una propuesta fresca, para todo tipo de público, que permite desinhibirse y siempre dejando un buen mensaje en cada canción”

WMP: ¿Cómo aprovechas las redes sociales para dar a conocer a tu banda?

C: “Tratamos de mantener siempre informados a nuestros seguidores de qué es lo que estamos haciendo, nosotros mismos contestamos los mensajes que nos mandan y utilizamos las herramientas que las redes proporcionan para dar a conocer nuestros lanzamientos o las fotos/reseñas de los eventos”.

WMP: Si tu música fuera un estado de ánimo cuál o cuáles serían.

C: “Felicidad y euforia”.

WMP: ¿Planes a futuro?

C: “Estamos terminando de armar el quinto material, regresar a Europa y dar otra gira y lo más importante seguir rockeando para la gente”.

WMP: Cuéntanos una anécdota sobre tu banda, que hayan vivido en un show o en su cuarto de ensayo/estudio.

C: “En un evento en la ciudad de Toluca a la mitad del concierto y cuándo el público estaba más eufórico, los vecinos del lugar pensaron que se estaba realizando una orgía rockera por lo cual llegó la policía y catearon a todos en el lugar, cosa que enardeció y prendió mucho más al público”.

WMP: Platíquenme sobre su cuarto disco El Tren.

C: “El Tren” es nuestro más reciente material, ha sido la producción más larga y elaborada que hemos realizado, 5 de las 15 canciones las grabamos en Madrid, España, aprovechando nuestra gira por tierras europeas, en el estudio Brasil bajo la producción del Ing. Javier Ortiz.

C: Una vez que regresamos de la gira por España se terminó de grabar en el Estudio Supraural bajo la producción del Ing. Ludo Gómez, poniendo en ejecución los conocimientos y consejos obtenidos de la experiencia de haber grabado en otro país.

C: El Tren relata algunas de las historias que vivimos en la gira, queriendo hacer la analogía de que la vida es como el andar de un tren, siempre para adelante tomando todas las experiencias, éxitos y fracasos como estaciones que pasas una vez, pero el rumbo sigue.

¡Escuchen aquí El Tren!

#HotNews: Cage The Elephant – UNPEELED

Si hay algo que amamos y a lo que somos adictos en WMP es a las sesiones y álbumes en vivo, ¿por qué? Muy fácil, el resultado análogo y espontáneo deja una experiencia diferente, crea otras sensaciones. Pues bien, una de nuestras bandas a seguir este 2017, Cage The Elephant, hizo un álbum bajo este formato: UNPEELED, el cual ya está disponible en todas las plataformas digitales a través de RCA Records y, por supuesto, de nuestra casa Sony Music México.

Hace un año, cuando la banda liderada por Matt Shultz ganó un Grammy a Mejor Álbum Rock por el álbum Tell Me I’m Pretty, se sentía un aire de grandeza, en parte por la producción de la mano de Dan Auerbach, por lo que era muy probable que este material tuviera resonancias. Cage The Elephant emprendió una gira por todo el mundo para llevar a nuestros oídos ese bello disco, entonces comenzaron a hacer grabaciones de shows en ciudades como Los Angeles, Washington DC, Knoxville y Nashville donde la agrupación se presentó con arreglos de cuarteto de cuerdas y percusiones adicionales, que son realmente enérgicos en directo.

Además, el resultado fue una serie de 21 videos que, a la par del estreno de UNPEELED el pasado 28 de julio, fueron estrenados uno por uno en medios de música reconocidos como Rolling Stone, Consequence Of Sound, Indie Rocks!, NME, entre otros. Vean todos los videos aquí.

UNPEELED es una joya de principio a fin, incluye 21 tracks: 18 canciones curadas de sus cuatro álbumes pasados, además de tres nuevas versiones distintas, entre ellas “Instant Crush” de Julian Casablancas. Todas las canciones del álbum contienen ese ADN encendido de interpretaciones en directo, a flor de piel a través de la voz y personalidad de Matt Shultz y compañía.

Pero eso no es todo, Cage The Elephant se presentará en Corona Capital el próximo 18 de noviembre en la Ciudad de México. ¡Allá nos vemos! Ah, por poco se me olvida, háganse un favor visual y denle follow a su cuenta de Instagram, yo sé lo que les digo. 😉

Denle play a UNPEELED aquí:

#WMPGigs: La Banda Bastön y Álvaro Díaz en el Teatro de la Ciudad

El Teatro de la Ciudad abrió sus puertas el pasado 21 de julio para recibir a los fanáticos del hip-hop, quienes desde muy temprano hicieron fila para bailar y cantar al ritmo de Álvaro Díaz y ser parte de la presentación de Luces Fantasma, el nuevo disco de  La Banda Bastön. 

El rapero puertorriqueño Álvaro Díaz dio inicio a la noche interpretando temas de su reciente disco San Juan Grand Prix como: “Carro rápido”, “Mantecado de coco”, “Tortura china”, “Todo bien”, etc. También aprovechó su visita a México para presentarnos su nuevo sencillo “Es tarde ya”.

 

Se acercó el turno de ver a La Banda Bastön, pero antes nos mostraron el video oficial para el tema “Haces mal” —véanlo aquí—Dr. Zupreeme y Muelas de Gallo subieron al escenario entre aplausos y gritos, enseguida comenzó a sonar “Quiúbole”, “El país de las maravillas” y1, 2, 3”. 

Las sorpresas de la noche comenzaron cuando Simpson Ahuevo junto con DJ Alan Anaya se hicieron presentes y tocaron su gran éxito “Méxtasis”.

“Señor malo”, “Jazmines”, “I’m in la calle”, “Barriobajeros” continuaron en el setlist, esta última junto a Yoga Fire y Alemán.  Después el team Homegrown; Bobby Bass, Fntxy, Dee,  Yill, Trillhouse y BrunOG se apoderaron del escenario y tocaron el prendido track “HomeGrizzy Boyz”. 

Las sorpresas no pararon y para “Martes 13” Álvaro hizo lo suyo junto a La Bastön. Durante el show tuvimos un pequeño set lleno de energéticos beats por parte de los tornamesistas Zupreeme, Alan Anaya, Aztec 732 y DJ Gross. 

Para tocar “Más de diez” y “Raperos Adultos”,  Gogo Ras, Aztec 732, Sepulturero, MC Luka y más de La Vieja Guardia acompañaron a Zupreeme y Muelas. 

Para “Luces Fantasma” Denise Lo Blondo subió a cantar junto a La Banda Bastön, también el venezolano MCKlopedia se hizo presente para interpretar “Solo como amigos”.

Dos horas de concierto por parte de el dúo bajacaliforniano hicieron una gran noche llena de sorpresas y grandes momentos para todos sus fans, el show terminó con los éxitos: “Chula”, “No me porto bien” y “Me gustas”.

Así fue como La Banda Bastón conquistó la CDMX demostrando que veinte años de trayectoria los han colocado de una de las agrupaciones más importantes del hip-hop mexicano.

Sobre la partida de Chester Bennington (Linkin Park)

Foto cortesía de la fanpage de Linkin Park.

Empezaré contándoles que era un jueves 20 de julio de 2017, estaba trabajando en la agencia, el día parecía muy normal, mis compañeros y yo estábamos en llamas. Comenzaron a llegarme notificaciones de grandes medios de música internacionales, después nacionales y… ya no pude más, les dije a los demás lo que estaba pasando, casi en todos lados leía el mismo encabezado: Chester Bennington de Linkin Park se suicidó a los 41 años de edad. ¡Me quedé en shock! Porque, aunque no lo crean, apenas dos días antes me encontraba en mi apartamento, haciendo labores domésticas y me dispuse a darle play al Meteora completito, de la nada, ni lo pensé, solo lo hice, fue muy random y extraño; vinieron a mi mente todos los flashbacks de mi adolescencia, cuando la voz de Chester me acompañaba en mis tardes de bicicleta, en mis retas de básquetbol durante la secundaria, en mis momentos de depresión (típica en la adolescencia) y aislamiento en casa de mi madre, a quien le infundí el gusto por Linkin Park después de casi rayar el disco de Hybrid Theory, era mi favorito.

Las primeras letras en inglés que me aprendí fueron las de esos primeros álbumes, las cantaba por toda la casa, gritando. Ya desde entonces no era un secreto que había sufrido de abuso cuando niña y, de cierta manera, escucharlo aliviaba el dolor de esa etapa de mi vida, también fue quién me inspiró a cantar y a escribir, en la preparatoria estuve en una banda.


Como les contaba, estaba en la oficina y de inmediato me reuní con mis colegas melómanos; para que nos cayera el 20, indagamos en los copys de las publicaciones, sacando conclusiones, armando un verdadero debate sobre, ¿qué clase de blackmirror estamos viviendo? Me puse a platicar con mi amigo Paco Mancilla sobre lo raro que había sido cuando Chester había sustituido un tiempo a Scott Weiland, vocalista de Stone Temple Pilots, quien también dejó este mundo el 3 de diciembre de 2015 por una sobredosis en carretera durante la gira Scott Weiland & The Wildabouts. Quizá estar en contacto con pérdidas como ésta, el vocalista de Linkin Park tenía algo destinado.

Ches también luchaba contra la adicción y depresión al igual que su gran amigo Chris Cornell, quien se suicidó el 18 de mayo (fecha en que Ian Curtis también se quitó la vida en 1980).

Lo curioso es que el gran Chester haya elegido el día en que Chris cumpliera años para quitarse la vida del mismo modo que su amigo. Su relación era muy cercana, al grado de que Ches era padrino de los hijos de Chris. En la carta pública que Chester escribió para Chris menciona que no podía seguir viviendo en un mundo sin él… realmente es muy triste, más allá de que seamos fanáticos o no de su trayectoria con Linkin Park, la pérdida de seres humanos sensibiliza, sobretodo porque las nuevas generaciones de músicos le deben mucho a ellos o, al menos, respeto y dignidad.

Cada quien toma sus propias decisiones, así como lo hicieron Kurt Cobain, Chris Cornell o Chester Bennington. Las drogas solo son un aperitivo para la depresión o caos mental por el que hayan atravesado, lo preocupante es que estamos en una sociedad insensible ante la muerte no solo de artistas, sino que hablo de vidas humanas; durante el transcurso del día leí mil tonterías, burlas o memes de la muerte de Ches… no pude escribir esto hasta más noche, cuando el timeline estaba casi limpio de esto. Pienso  que la historia se sigue repitiendo y no alcanzamos a comprender que el mundo estaría menos jodido si fuéramos más solidarios los unos con los otros, ¿o no?

Te vamos a extrañar, Ches.

 

La Banda Bastön: “Nunca pensé que nos fuera a enganchar tanto esto del hip-hip” 

La Banda Bastön, dúo originario de Baja California Sur con más de 19 años de trayectoria llega este 21 de julio al Teatro de la Ciudad para presentar su reciente producción discográfica: Luces Fantasma. 

En WMP tuvimos la oportunidad de platicar con Muelas de Gallo y Dr. Zupreeme,  y esto fue lo que nos dijeron:

WMP: Tienen más de 19 años de trayectoria. ¿Cuándo iniciaron el proyecto imaginaron llegar a lo que son hoy?

Muelas: “Cuando yo estaba morro pensaba que iba a ser artista, no sabía si dibujar o algo, ya después se cruzó en mi camino la escritura. Cuando mi mente se iba a divagar me imaginaba a mi mismo dando entrevistas, tocando o haciendo música”.

Dr. Zupreeme: “Nunca pensé que nos fuera a enganchar tanto esto del hip-hip”. 

WMP: ¿Qué ha sido lo más difícil que han vivido en estos años y les hizo darse cuenta que su destino era la música?

Dr. Zupreeme: “Estaba estudiando Artes Plásticas y ya teníamos algunos beats de La Banda Bastón, un día le enseñe un cassette que grabamos a un camarada y recuerdo que él me dijo que ya no me dedicará a la pintura, con esa platica me quedé pensando y al analizarlo, decidí guiar mi camino a la música”.

Muelas:  “Yo me acuerdo que en la Universidad no daba ni una, y mi hermano mayor me dijo que me dedicara a hacer rap, hablé con mi papá y le dije que mi destino era hacer música. Dejé la universidad y nos dedicamos hacer La Banda Bastön.” 

 

Dr. Zupreeme : “La rola “Veneno para las Estrellas” define los roles que tenemos ahora, antes de esa rola los dos escribíamos y hacíamos los beats, a partir de ese track dividimos la chamba; fue la primera que Muelas escribió toda y yo hice la pista”.

¿Qué influencias mexicanas hay en su música; ya sea comida, lugares o bandas?

Dr. Zupreeme y Muelas:  En música: Elote el Bárbaro un rapero de los Monchis, Control Machete, La Maldita Vecindad, Los Tigres del Norte, etc. En comida: los burritos de Sonora y el mole de Morelos. En lugares: San Luis Potosí, Torreón y Querétaro. 

¿Qué mensaje encontramos en sus rimas? ¿Qué quieren expresar en sus canciones?

Muelas: “‘Kilos de rap’ resume nuestra música, hay una rima que dice ‘Nuestro cometido es hacer rap comprometido con el conocimiento adquirido’. De eso se trata La Banda Bastönnuestras canciones son de desmadre, de fiesta de drogas, pero siempre tratamos de meter una rima que hable de conocimiento”.

Dr. Zupreeme:  “Hay una frase que dice ‘Hace más daño alguien que sabe las cosas y se hace pendejo, que alguien que no las sabe’, entonces justo es ese compromiso con el que hacemos música; si sabes algo compartirlo y usarlo”.

¿Porqué tardaron tanto en un nuevo disco? ¿Qué diferencia encontramos en Todo Bien del 2013 a Luces Fantasma ahora en el 2017?

Dr. Zupreeme: “Nos dedicamos a promocionar el otro disco, sacar sencillos, llevarlo a otras ciudades, tocar en festivales, y en el camino íbamos adelantando poco a poco el otro álbum. Hace dos años comenzamos a pre-producir Luces Fantasma y hace como año y medio lo comenzamos a grabar”.

¿Cómo fue trabajar junto a Alemán, Álvaro Díaz, Mariel Mariel, Denisse Lo Blondo y demás colaboradores?

Muelas: “En el caso de Alemán, Álvaro Díaz y Yoga Fire fue fácil pues son compas que conocemos en el jale, confiamos en su trabajo y ellos en el nuestro. Con Denisse Lo Blondo fue más difícil pues lo suyo no es el rap, pero al platicarle del proyecto, le gustó la rola y aceptó”.

Dr. Zupreeme:  “Al final lo que la convenció a Denisse fue la canción, le gustó que no llegáramos a decirle tienes que hacer esto, al contrario ella fue libre en su participación”.

¡Pasen a escuchar Luces Fantasma

WMP: ¿Nos platican acerca del arte del disco?

Dr. Zupreeme: “Fue hecho por Smithe de Copete Cohete, al igual que la música para esto quisimos alguien en quien ya confiáramos , le pasamos el disco y lo dejamos que trabajar. Nos gustó un montón.

¿Qué experiencia le quieren regalar a sus fans el viernes en el Teatro de la Ciudad?

Muelas: “Algo único, será un concierto de dos horas con varios invitados y momentos especiales, estaremos con gente que nunca hemos compartido escenario, rolas que no hemos tocado en vivo, nuevos mixes de canciones viejas y muchas sorpresas. Será muy divertido y un show bien bonito”.

La Banda Bastön fue parte de nuestras sesiones #ROUNDS. ¡Denle play!

¡Adquiere tus tickets aquí!

#NetflixAndChill: Del odio al amor en el soundtrack de Girlboss

En nuestra editorial del mes de julio en WMP decidimos apostarle a #NetflixAndChill, retomando algunas joyas de una de las más importantes fuentes de entretenimiento en la actualidad. Muchos han sido los aciertos de esta plataforma de streaming de paga, por ejemplo Girlboss, que se estrenó en abril de este año, serie de la cual elegí hablarles porque fue todo un fenómeno #GirlPower, a pesar de que Netflix canceló la serie al igual que otras como The Get Down y Sense 8 (aunque después se arrepintieron).

Aunque al principio, la serie hizo mucho ruido por basarse en la autobiografía de Sophia Amoruso, chief de Nasty Gal, tienda de ropa estadounidense, después pasó desapercibida y al fin cobró fuerza gracias a la excelente curaduría del soundtrack y… algo en la historia hizo que me atrapara.

No les voy a mentir, llegué a repudiarla los primeros capítulos, básicamente porque la actriz es muy inmadura y resulta insoportable, pero con el paso de los capítulos te das cuenta que el papel de Britt Robertson es todo un reto, realmente te llegas a poner en sus pies con temas como la amistad, el crecer profesionalmente y de manera independiente, la falta de afecto en la familia y el amor (¿desamor?).

La música juega un papel importantísimo, es el mejor gancho. Desde el primer capítulo encontramos joyas como “Gold Lion” de los queridos Yeah Yeah Yeah’s y “Rebel Girl” de Bikini Kill.

¿Hay drama en esta serie? Sí, pero no el suficiente para despegarnos de Netflix. Sophia es una mujercita independiente que encuentra la manera de hacer dinero fácil a través de la venta de ropa vintage en línea, pero se encuentra una serie de dificultades que la llevan al límite, exposición de su salud y el deterioro de sus relaciones personales. Su amistad con Annie (la bff de Sophia) pende de un hilo debido a su característico narcisismo, sin embargo todo se salva. Si eres fan de los festivales de música, encontrarás un capítulo donde Sophia va a Coachella. Otra joya que debo mencionarles es crédito de Silversun Pickups, que también fue añadida al soundtrack.

¿Qué hay del amor? Obviamente Sophia conoce a alguien en San Francisco, la ciudad donde inicia la aventura de emprender su propio negocio de ropa, al cual llama Nasty Gal. Todo es risas y diversión con temas como “Je veux te voir” de Yelle o “I’m gonna love you too” de Blondie.

La madurez comienza a llegar cuando Sophia ve oportunidades de crecer en el negocio, así que comienza una etapa de seriedad y trabajo duro, en esta etapa aparecen “Light & Day/ Reach for the sun” de The Polyphonic Spree  y ¿por qué no? “Float On” de Modest Mouse. <3

Junto a Annie, Sophia es inmensamente feliz después de casi perder su amistad, incluso se hacen socias en Nasty Gal, todo el #GirlPower que esperábamos se ve reflejado con tracks como “Ice Cream” de New Young Pony Club, “Deceptacon” de Le Tigre y “I’m not Gonna Teach Your Boyfriend How to Dance With You” de Black Kids.

Como el éxito no trae nada en vano, a Sophia le empieza a ir mejor en los negocios, pero algo anda mal en su relación y no se explica qué es, entonces llega “I Come Crashing” de A Giant Dog para descubrir un engaño que no sabe cómo sobrellevar, pero con ayuda del rotundo éxito y planes en Nasty Gal, Sophia logra salir adelante en un abrir y cerrar de ojos.

Al final, esta serie es muy neta y recomendable para todos aquellos(as) que busquen otros horizontes e independencia laboral. Tip: sé que pueden tolerar los primeros capítulos de actitud diva de Sophia, créanme que valdrá la pena ver los 13 capítulos que no rebasan ni los 40 minutos cada uno.

 

#NetflixAndChill: ¿Cómo aprender de hip-hop con The Get Down?

The Get Down es una serie de Netflix producida por el director australiano Baz Luhrmann,  su historia nos involucra a los años setentas, cuando el hip-hop comenzaba a ganar terreno en el sur del Bronx. 

Baile, rimas y drama es lo que vemos en cada capítulo de las dos temporadas disponibles, donde logramos entender cómo el graffiti, el breakdance y el rap surgieron en un lugar en el que parecía que no podía surgir nada bueno, ya que en ese tiempo la ciudad atravesaba una profunda crisis económica.

The Get Down nos habla de cuando la moda eran los peinados esponjosos, la música disco estaba en la cima y el hip-hop comenzaba a sonar.

Luhrman nos muestra en la novela la vida de los años setentas mezclando éxitos clásicos que marcaron la historia del hip-hop con otros nuevos temas. Acompañados de impresionantes coreografías, temas de violencia y sexo desenfrenado, al igual nos enseña un poco del arte de esa época a través del graffiti, que vemos en las calles del Bronx a lo largo de las serie.

#Dato: Grandmaster Flash y el periodista musical Nelson George colaboraron en el guión para la serie.

¡Aquí les compartimos un poco del soundtrack de la serie!

– Welcome to the Get Down – Jaden Smith
– Rule the World (I Came from the City) [feat. Nasir Jones as Mr. Books] – Michael Kiwanuka
– Cadillac –Miguel
– Losing Your Mind – Raury & Jaden Smith
– You Can’t Hide / You Can’t Hide from Yourself (Touch of Class GMF Remix) – ZAYN / Teddy Pendergrass & Grandmaster Flash
– Black Man in a White World (Ghetto Gettysburg Address) [feat. Nasir Jones as Mr. Books] – Michael Kiwanuka
– Shaolin’s Theme / Pray – Malay / 6LACK
– Bad Girls – Donna Summer

Crunchyroll, el Netflix de los otakus #NetlfixAndchill

De entre tantas ofertas para ver TV o cine On Demand, y tener a la mano todo tipo de películas y series que nos han dado horas de felicidad, desvelo, buena compañía, pizzas, y un sinfín de emociones, hacía falta una para aquellos que gustan de las animaciones niponas. Y no, amigos, de entrada no todo el anime es Naruto, El viaje de Chihiro o Death Note, esta cultura, por más infravalorada y criticada que parezca tiene bastante que ofrecer.

Algo que me parece de suma importancia en el anime es que en la cultura japonesa estas “caricaturas” son como cualquier serie de humanos, hay de todo: dramas, acción, aventura, romance, y un largo etcétera de temas que, sí, en parte, suelen ser exagerados por la naturaleza de una animación —donde se puede explorar más allá de los efectos especiales—, pero fuera de ahí nos muestran mensajes y situaciones que te meten de lleno con la trama, que generalmente está increíblemente elaborado (algo que causa un chingo de admiración son los niveles que alcanzan las animaciones, los paisajes son sumamente fuera de serie), generalmente te sorprende porque puede ser muy incierto o muy inteligente, sales de tu zona de confort, donde crees que ya sabes lo que pasará en seguida. Para entender un poco esto se pueden aventar la película de 1988, AKIRA del director Katsuhiro Otomo; la encuentran en Netflix.

Antes era súper complicado conseguir buen material japonés, por varias razones: tenías que ir a comprar unos DVD’s piratas, of course, que no tenían de entrada ni la mejor calidad, y mucho menos los mejores subtítulos (casi siempre venían en español de España, y pues ugh), en ocasiones te topabas con que el disco no servía o que le faltaban capítulos (se tenía que reducir la calidad de estos para que cupieran más en uno solo). Total, era todo un tema, porque los servicios que ofrecen capítulos online tampoco son los mejores; siempre acompañados de virus, malos subtítulos, mala calidad… en fin.

Crunchyroll es un servicio On Demand con 14 de días de prueba, donde puedes calar tanto la oferta en anime como la calidad y opciones de subtítulos para ver tus series favoritas de este género. Claro, encontramos cosas básicas como Naruto y One Piece, que si bien son las series por las que mucha gente se rehúsa a entrarle al género (con justa razón), para los fanáticos está increíble porque están desde el primer al más reciente capítulo, de hecho cada que en Japón se estrena uno nuevo, nosotros lo tenemos ya en Crunchyroll con una hora de diferencia. Fuera de eso puedes disfrutar por 69 pesos al mes, por ejemplo, las dos temporadas de Shingeki No Kyojin (Attack On Titan) esta serie que ha causado revuelo recientemente por su trama cruel, también encontramos la más reciente saga de Dragon Ball, Super que también se va actualizando conforme salen nuevos episodios en Japón, algunos clásicos como Full Metal Alchemist o Bleach, y otras más de géneros Sci-Fi, cyberpunk (ambientados generalmente en mundos post-apocalípticos), fantasía, mecha como Blue Exorcist, Berserk o Space Brothers. Esta última de mis favoritas, ya que cuenta la historia de dos hermanos que vieron un ovni en la infancia y se prometen ser astronautas de grandes para averiguar qué fue lo que vieron.

Y aunque algunos servicios como Netflix ya ofrecen un catálogo de anime como las películas Ghost In The Shell, Akira, algunas series como One-Punch Man, Fate Stay Night o Robotech, todavía le falta para estar a la altura de contenido que ofrece Crunchyroll.

Acá checan los simples datos que necesitan para registrarse y disfrutar.

La nueva etapa de Toro y Moi reflejada en Boo Boo

La música de Toro y Moi regresa en su nuevo material Boo Boo, el cual se estrenó el pasado 7 de julio bajo la disquera Carpark Records y cuenta con 12 tracks.

Dicho disco marca una nueva etapa en la vida del cantante californiano, pues ahora cambió su nombre a Chaz Bear. Para este álbum tomó como inspiración a Travis Scott, Daft Punk, Frank Ocean y Oneohtrix Point Never.

Como primer sencillo nos presentó “Girl Like You”. ¿Ya vieron el video? ¡Acá se los dejamos!

Cuando anunció la llegada de este material Toro y Moi comentó:

“Después de siete años de giras y grabaciones, me encontré volviéndome consciente de mi posición en la vida como una persona ‘famosa’, o al menos mi versión de lo que sea eso. Durante este tiempo de confusión personal la música ha sido para mí como una forma de terapia, y me ha ayudado a hacer frente al dolor que sentía”.

A diferencia de What For? del 2015, está nueva producción se escucha con toques más psicodélicos, los beats a los que nos tenía acostumbrados bajaron un poco; de esto nos damos cuenta en “Don’t Try”, “Embarcadero” y “W.I.W.W.T.W”.

La verdad es que Toro y Moi no decepcionó en este nuevo álbum, su estilo lleno de beats suaves aún quedó marcado en tracks como: “Mirage”, “Girl Like You” y “Windows”.

¡Así suena Boo Boo!

¿Te gusto el cambio de Toro y Moi o te quedas con el de antes?

Jumbo y Pastilla se suman al catálogo de #LatinoAméricaenVinil

El próximo viernes 7 de julio salen a la venta dos álbumes en formato vinil que marcaron la escena del rock mexicano; Restaurant de Jumbo y A Marte de Pastilla.

La colección de #LatinoAméricaEnVinil recupera los clásicos del rock latinoamericano en formato vinil, dicho catálogo cuenta con álbumes de Caifanes, Los Fabulosos Cadillacs, Julieta Venegas, La Cuca, Santa Sabina, por mencionar algunos.


Ahora se suma Restaurant el disco debut de Jumbo, mismo que se destaca por ser una de los discos más emblemáticos de la década de los noventa.

Al igual a la catálogo de #LatinoAméricaEnVinil, se agrega otra placa de Pastilla: A Marte. Ahora junto con Vox Electra, ambos álbumes se encuentran a la venta por primera vez en acetato.

Conoce más del catálogo que conforma #LatinoAméricaEnVinil aquí.

#WMPgigs: nos lanzamos a los dos conciertos que MONO y Deafheaven dieron en México

Texto: Kevin Fripp
Fotos: Arnim Aponte (GDL), Daniel Patlán (CDMX)

Como les comentaba hace unos meses, previo al show de Sigur Rós (que estuvo brutal) y el Forever Alone Fest (el cual no tuve la suerte de disfrutar), la comunidad de post-rock y math-rock en México ha tomado suficiente fuerza como para que las grandes productoras (Ocesa) volteen a ver por qué la gente está hablando de estas bandas.

Fue así como este fin de semana logramos tener un combo de ensueño tanto en Guadalajara como en la CDMX, nada más y nada menos que MONO (uno de los más grandes referentes del post-rock de Japón) junto a Deafheaven (pilar y bandera del post-metal en recientes años) se presentaron en ambas ciudades el pasado viernes y sábado. Dos bandas relativamente distintas que en esencia cargan con la misma bandera: géneros raros y clavados para un selecto porcentaje de la población.

El primer show se dio en la ciudad de las tortas ahogadas, dato curioso que mientras estaban en una rueda de prensa por aquellos lares, Shiv Mehra (guitarrista de Deafheaven) dijo que las “araras” le encantaron, acto seguido alguien gritó “¡Tortas ahogadas!” lo cual causó una carcajada colectiva. Ya entrados en varios placeres que ofrece esta ciudad, nos informaron que Deafheaven cerraría en ambos shows, algo que para algunos causó descontento pero que al final, ya cuando veías el formato del concierto —ambas bandas tenían el mismo tiempo de set—, hacía mucho sentido; ir de menor a mayor.

Arnim Aponte
Arnim Aponte
Arnim Aponte
Arnim Aponte
Arnim Aponte

Después de varios intentos fallidos de ver a los japoneses en sus visitas previas al país, estaba listo para al fin dejarme llevar en el mar de emociones que logran transmitir con su música. Abrieron con “Ashes In The Snow”, lo cual nos dejó sin aliento y a varios nos sacó una pequeña lagrimita. Ver a ese cuarteto dejarlo todo en el escenario es de las cosas más sublimes que me ha tocado presenciar, no sólo por la calidad de su ejecución, sino por la entrega hacia sus instrumentos, que son como dioses que cargan consigo para adorarlos durante todo su set.

Es difícil no quedarse con ganas de más cuando ves a una banda con tanta trayectoria y con tantos álbumes, cuando sabes que sus rolas son bastante largas. Su set estuvo compuesto por seis increíbles tracks cargados de muchas emociones encontradas. No faltaron los que comenzaban a platicar a media rola, pero tampoco faltaba el que con un “shhh” los callaba. Ver que el público comienza a entender de qué se tratan estos conciertos —ser atentos, sentir y dejarse llevar, en momentos cerrar los ojos o dejar que las lágrimas fluyan— es una grata satisfacción.

Arnim Aponte

Taka y compañía dejan el escenario muy agradecidos, el público grita “¡otra!” desesperada, pero sin éxito. Nos dimos cuenta que hubo quienes sólo iban a ver a MONO, ya que un pequeña parte del público dejó el recinto en cuanto ellos dejaron de tocar, pero eso para nada hizo un cambio significativo para recibir a Deafheaven. Clarke y compañía se apoderaron del escenario en el primer instante. George llega dando saltos, mirando fijamente al público, haciendo ademanes como diciendo “denme su energía”, la gente grita eufórica.

“Brought to the Water” da inicio a una oleada de “headbangings” con la greña de Clarke a la cabeza, lo que me hacía preguntarme si no se habrá desnucado de darle tantas vueltas a su güera cabellera. Todos quedamos perplejos, la energía que transmiten sobre todo el bajero, el baterista y George es parte fundamental de lo que ha hecho a esta banda llegar a donde está. Le siguieron con “Baby Blue” (no os confundais con el mequetrefe de Bunbury), uno de sus tracks nuevos —de su producción del año pasado, New Bermuda—, de hecho en entrevista Clarke mencionó que es la que actualmente más disfruta cantar. Seguimos en la línea de ¿por qué tienen rolas tan largas y no tocan más de horas? Su set incluyó incluso un cover a Mogwai (“Cody”) que les sale bastante bien. Éste junto a “Language Games” fue punto de quiebre para muchos, donde los gritos no dejaban de cesar y los primeros indicios de un mosh pit se podían apreciar.

Daniel Patlán
Daniel Patlán
Daniel Patlán

Clarke lo tiene todo: elegancia, presencia, energía, locura, estridencia y un toque de maldad, incitaba a todos a corear sus canciones, agradecía por acompañarlos esa noche, sobre todo a MONO, quienes veían desde un costado su presentación. Subía y bajaba del escenario a placer, a momentos nos recuerda al buen Cedric de The Mars Volta, la gente enloquece por tocar su mano o su greña, llega el momento de “Dream House” y el slam está presente justo frente al escenario, las condiciones del venue no eran las óptimas para que la ventilación soportara esa cantidad de gente, por lo que el fervor y sobre todo el sudor se hicieron presentes tanto en el público como en el stage. Se despiden, la gente no para de gritar “¡otra!” pero esta vez con más suerte, regresan, toman sus instrumentos,  George agradece la entrega del público y dice “Please join us if you know the lyrics”, para dar inicio a un brutal cierre con “Sunbather”. Se la pensó un poco, pero al final decidió lanzarse y hacer un brutal crowd surfing, cerrando el show con un climax digno de Deafheaven.

Daniel Patlán
Daniel Patlán

Recapitulando, ya que ambos shows fueron en set-list casi los mismos, voy a tratar de hacer énfasis en las diferencias de cada show. Por un lado el Foro Independencia con un aforo máximo de 600 personas estaba casi a su tope, por su parte el Plaza que aloja a poco más de mil, se veía a la mitad de su capacidad. La entrega del público en ambos shows fue muy similar, sin embargo se sentía mucho más íntimo en Guadalajara, donde la barrera entre público-banda era mínima. En resumen ambos shows marcan un parteaguas de ambas escenas en ambas ciudades, donde podemos apreciar a un público con sed de descubrir y conocer qué es lo que el género tiene que ofrecer en nuestro país.

Sólo espero que la racha de conciertos de este tipo siga creciendo y más bandas que no hemos tenido la oportunidad de ver, al fin tengan una oportunidad de tocar en nuestro país.