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#WMPCapital: Tu teen punk interior quiere ver a Green Day en el #CC17

¿Qué clase de 2004 es este? Han pasado 14 años desde que Green Day pisó tierra Azteca para promocionar su séptima producción discográfica. Tal vez ya hagas atrás los estoperoles y el delineador o el sistema no ha podido contra ti (¡sí!). Cual sea el caso tu punk adolescente interior quiere ver a Billie Joe, Tré Cool y Mike Dirnt en acción porque Dookie fue el soundtrack de tu pubertad o naciste junto a él y American Idiot narra tu juventud subversiva.

Uno nueve nueve cuatro
Dookie dio voz a los rebeldes que hasta ese entonces coreaba temas de sus antecesores, pero buscaban sus propios himnos. Es un álbum que habla de la sexualidad, psicología y drogas con un estilo punk rock similar al de Sex Pistols . Los 14 temas que los catapultaron a la fama rescataron la escena grunge moribunda y fueron punta de lanza para una nueva movida en la que se encontraban The Offspring , Rancid o NOFX . Billie Joe , Tré Cool y Mike Dirnt no inventaron el punk, pero fueron líderes de la escena Neo Punk.

El tercer material discográfico del trío estadounidense, que en febrero cumplió 23 años, llegó en el momento preciso, después del Unplugged de Nirvana y antes de la muerte de Kurt Cobain, como si su propósito fuera intentar dar alivio y llenar el vacío de una generación que se quedaría sin héroe. Fue lanzado bajo el sello Reprise, subsidiaria de Warner Bros, y producido por Rob Cavallo.

Con 20 millones de copias, es el disco más vendido en la historia de la banda. En 1995 ganó el Grammy como “Mejor disco de música alternativa” y pertenece a “Los mejores 500 discos de la historia”, según Rolling Stone. También está incluído en la “Colección definitiva de 200 álbumes de rock”, según el Salón de la Fama del Rock and Roll.

The Sons of rage and love

En 2004 una mano en alto sosteniendo una granada en forma de corazón adornaba playeras, billeteras, mochilas y los fondos de los celulares más modernos. La portada American Idiot disco de Green Day, hasta el momento su obra maestra en la que se deshicieron de la producción grunge para realizar una más pulida, era un estandarte que los adolescentes usaban “en contra del sistema”, aunque no sabían exactamente qué significaba eso.

El LP que en septiembre cumplió 14 años, fue de gran impacto para los estadounidenses por su crítica al gobierno de George Bush. Narra la historia de un adolescente llamado “Jesus Of Suburbia” (2º tema del álbum) que quiere hacer un cambio radical en su vida por lo que se va de la ciudad, entonces se transforma en “St. Jimmy” (4º tema del álbum) que es un combatiente de la libertad y conoce a “Whatsername” (9º tema del álbum), una mujer revolucionaria. En 2010 el álbum tuvo su propio musical en Broadway que contaba la historia de los tres personajes.

“Bueno, no importa lo que pase siempre tendrás a alguien para ti. Nunca te voy a dejar”, el delineador negro recorría las mejillas al oír la promesa de Evan Rachel Wood al final de “Wake me up when September ends”.

Libera al punk adolescente que llevas dentro y desempolva tus converse/vans viejos porque el domingo el trío californiano de Neo Punk te hará evocar tus años mozos y presentará Revolution Radio, su decimosegunda placa, cerrando con estoperoles el escenario Corona. ¿Estás listo?

¿Listos para Wild Belle en el #CC17? Aquí sus mejores presentaciones

El año pasado los hermanos Elliot y Natalie Bergman visitaron nuestro país para presentar su segundo material largo, Dreamland.

Ahora Wild Belle, llega por tercera vez a nuestro país para formar parte de la siguiente edición del Festival Corona Capital 2017. Aquí en WMP, les presentamos sus mejores live acts para ir calentando motores.

  •  Honda Stage

Este venue en Los Angeles ha recibido a talentos como Ed Sheeran, Ariana Grande, Imagine Dragons, entre otros. Aquí Wild Belle presentó su material ‘Dreamland’.

  • Hollywood Hills

En el 2013 la banda fue parte del Hollywood Hills festival junto a Sunrise Avenue.

  • WKFUV

Una de sus sesiones más representativas fue la que tuvieron con la emisora de radio de los Estados Unidos, WKFUV. ¡Disfruten!

  • Lunario, CDMX

Obvio su show en la CDMX fue épico para todos su fans mexicanos, mismos que con ansias esperan su participación en el Corona Capital.

¿Ya están listos para disfrutar el talento de Wild Belle?

#WMPCapital: Las rolas que no pueden faltar de Foo Fighters en el #CC17

Con 23 años de historia Foo Fighters se ha convertido en una de las bandas más importantes en la escena grunge, originarios de Seattle ya cuentan con nueve discos bajo el brazo.

La agrupación liderada por Dave Grohl, ex baterista de Nirvana y Scream, forma parte de la próxima edición del Corona Capital.

Hicimos un repaso por su trayectoria y te dejamos esta lista de rolas que segurísimo estarán tocando en su show:

1.- “The Pretend”
En el 2007 nos presentaron Echoes, Silence, Patience & Grace y fue en este año cuando tuvieron la nominación al Grammy por Disco del Año. Obvio no puede faltar en su setlist.

2.- “Walk”
Este tema tuvo la nominación de Billboard Music Award a la Mejor Canción Rock en el 2011. ¿Listos para escucharla en vivo?

3.- “All my life”
A 15 años del estreno de One by One,  “All my life” sigue siendo uno de los éxitos más representativos de la carrera de Foo Fighters. 

4.- “Best Of You”
En 2015 lanzaron In Your Honor, álbum del que se desprende “Best Of You”, la cual fue escrita por Nate Mendel, Taylor Hawkins, Chris Shiflett y Dave Grohl.

5.- “Everlong”
Una de las primeras canciones de Foo Fighters y un gran éxito de la banda, obvio no puede faltar en su presentación el próximo Corona Capital. ¿Se la saben?

Este es el setlist que Foo Fighters ha estado tocando en sus shows. ¿Qué otras canciones les gustaría escuchar en vivo?

  1. All My Life

    Play Video

  2. Learn to Fly

    Play Video

  3. The Pretender

    Play Video

  4. The Sky Is a Neighborhood

    Play Video

  5. Walk

    Play Video

  6. Rope

    Play Video

  7. My Hero

    Play Video

  8. Monkey Wrench

    Play Vide

  9. Times Like These

    Play Vide

  10. Run

    Play Video

  11. Best of You

    Play Vide

  12. Under Pressure

    Play Vid

  13. Everlong

Arma tus tickets de #CC17 aquí.

#WMPGigs: Llega el fin de semana Fascinoma

La segunda edición del Festival Fascinoma promete saciar a toda la comunidad electrónica con beats frescos y talentos que son una leyenda. En está ocasión el festival se hará en dos destinos distintos, mismos que prometen ser el ambiente que todo amante del dancefloor necesita.

El primero sucederá en Mooi Collective ubicado en Dr. Vertiz 86, un espacio que nos hará vibrar con las frecuencias de A MADE UP SOUND, LOEFAH, MARIA W HORN, TRR Y DJ FIASCO.
El segundo continúa con el mood de la primera edición, ECTÁGONO- A puente, 2do Parque las Águilas, CDMX. Un poco de bosque y aire fresco en conjunto de beats y frecuencias que crearán la vibra perfecta para un sábado inolvidable.

El sábado será un día de fiesta continua a cargo de BALTRA, CALL SUPER, DJRUM, ETAPP KYLE, SASSY J, PEANUT BUTTER WOLF, KINETIC ELECTRONIX: HASHMAN DEEJAY B2B NEO IMAGE, DJ BRENDAN, MORELOS y TROPICAZA.

Los curadores del line up del Fascinoma son expertos en el tema de las tornas legendarias y por eso que no te puedes perder esta edición.

Si te consideras un sabio del mundo de la electrónica o simplemente esta música te hace vibrar como ninguna en el dancefloor, este festival es para ti.

El Fascinoma tiene boletos disponibles en el siguiente link: https://fascinoma.boletia.com/

Además todas las ganancias de este año se destinarán a un proyecto de reconstrucción de Metepec-Atlixco, Puebla en colaboración con Comunal, un taller de arquitectura.

#NuevosRuidos: Conoce el dulce sabor musical de Holbox

El sur de la CDMX vio nacer a Holbox, una nueva banda mexa integrada por Andrea Martínez (voz y guitarra), Rodrigo Villagrán (guitarra), Alejandro Gutiérrez (bajo) y David Díaz (batería), quienes presentaron su primer LP titulado Altamar, mismo que produjo su guitarrista Rodrigo Villagrán.  

Al conocer la propuesta musical de cada uno, fusionaron sus talentos para darle vida a Holbox y por eso Andrea nos cuenta: “Como ya habíamos tocado juntos en otras bandas, nos dimos cuenta que no funcionaban y entonces me puse a pensar en qué elementos quería para un proyecto más serio,  y los invité porque ya conozco su trabajo y justo era el estilo de músicos que quería para una nueva agrupación”.

Salieron a la luz con su primer álbum Altamar, mismo que corrió bajo la producción de Rodrigo y por eso él nos cuenta su experiencia: “Los sencillos se estrenaron cuando ya teníamos todo el disco, lo primero que hicimos fueron las bases, después armamos las letras y comenzamos a grabar, esto lo hicimos como en tres meses,  pues trabajamos en conjunto y ya sabíamos el sonido al que queríamos llegar.  Lo más largo fue el proceso de mastering y mezcla, ya que no somos productores o ingenieros de audio”.

Por otra parte Andrea nos dice cómo fue el proceso de trabajar el disco con un integrante y no con un productor: “Me gustó que un elemento de la banda hiciera la producción del LP, ya que al ser un integrante entiende a lo que quiere sonar la banda y conoce los elementos que nos gustan en los ritmos, composición, tonos, etc”.

Para escuchar su música por primera vez ellos recomiendan total concentración y con audífonos, para así lograr admirar el dinamismo en tonos que encuentran en cada uno de sus temas.

¡Pasen a escuchar completo Altamar!

¿Les gustó? ¡A nosotros sí y mucho! Las canciones van dirigidas a las experiencias de amores pasados, pues para ellos es muy importante identificarse con el mensaje que están expresando a través de su música, plasmando amor, sinceridad, intimidad y transparencia en cada una de sus canciones.

Aparte de ser compañeros de banda, Holbox comparte gustos musicales. ¿Cuáles se imaginan que serían?  Nos dijeron que antes de producir Altamar, escuchaban mucho Mac DeMarco, ya en el proceso se clavaron más con The Whitest Boy Alive y Toro y Moi, siendo estos su influencia al momento de crear sonidos.

Al tener un año y medio en la escena musical, nos platicaron un poco de cómo ha sido la interacción con sus fans: “Tratamos de mantenernos activos en las redes sociales y tener una gran conexión con el público. Ya hicimos tres videos oficiales y aunque no somos expertos en el social media, no descuidamos nuestros seguidores”.

¡Denle play a “Neón”!

A partir de ahora no duden en sumar a Holbox a sus playlists favoritas.

¿Quieren saber más acerca de sus próximas presentaciones y noticias?

Síguelos en FB y TW

#NuevosRuidos: Maw, los gatos ruidosos de Chihuahua regresan

Cuando ya habíamos casi dado por hecho que dejaron de existir, nos topamos con que Maw, cuarteto ruidoso proveniente de la misma ciudad que los Apolo (sí, Chihuahua), está lanzando un nuevo material después de su bien logrado EP, que justo salió hace ya tres años en estas mismas fechas.

Por ahí de 2014 fue que esta banda comenzó a hacer bastante ruido (literal) con el lanzamiento bastante honesto de su EP, el cual sólo consta de apenas una tercia de tracks, pero que con empeño y un muy buen recibimiento por parte de algunos clavados y medios lograron expandir sus horizontes y, sobre todo, hacernos voltear a la ciudad que en ese entonces tenía una efervescente escena con bandas como Sr AmableET y Coma Pony.

Para irónicamente celebrar que aún no están muertos, MAW nos presenta su primer LP compuesto de ocho tracks que van del garage al shoegaze con altibajos y crescendos, que te mantienen despierto y eufórico hasta el final.

La travesía comienza con “Gallina”, siete minutos donde nos dicen “Ey, aquí estamos, no hemos muerto, siéntate un rato y escucha”. Guitarras exquisitas con una buena reverberación van enramándose con baterías lentas y precisas, mientras la voz te va guiando por este melódico inicio “Tengo el alma llena de ballenas y gallinas”.

De ahí le sigue “Luces”, otro track extenso y contemplativo. Estos muchachos no escatiman en tiempos, así pueden tener un track conciso de tres minutos como “Sinestesia”, a cada uno le dan su espacio ya sea para el debraye o la experimentación, Nos encontramos con crescendos, voces y compases que van mutando conforme avanzan los minutos; sonidos que crecen naturalmente entre acordes, delays y platillazos, hasta transformarse en un monstruo del ruido del que, aunque quieras, no podrás escapar.

Como ya mencionaba anteriormente, hay otros tracks más concisos como “Sinestesia” y “Víctima de las Sombras”, los cuales nos mantienen despiertos con coros y ritmos más neutrales, canciones que no deberían faltar en sus playlists de shoegaze mexa.

La fórmula no falla, y siempre es bueno toparte con discos que se haya planeado o no, te van guiando con la posición en que se acomodaron los tracks, en este caso, justo antes de llegar al climax nos encontramos con un declive en “Zafiro”, un beat un poco más lento y más relajado que nos da un respiro para recibir con fuerza el final.

Llegamos a “Ave María”, punto climático del disco donde el bajo nos abre las puertas a una voz sombría con líricas agresivas: “Dices que vienes de lo alto, que no sabes a dónde ir y que no tienes nada bajo control porque no paras de sufrir”. Sólo para seguir con quizá un homenaje a Cobain en su rola “Kurt”, que a momentos nos recuerda a esas guitarras grunge de Nirvana “¿Sí estás aquí o es un eco que resuena en mi memoria para siempre?”.

Todo muere y Maw están conscientes de ellos, pues se despiden con “Nos vamos a morir”, quizá un presentimiento, una corazonada metafórica del futuro de la banda, por ahora no sabemos qué les depara el destino, si saldrán a tocar este disco en vivo a algunas partes del país o se quedará en las plataformas digitales. Pero de lo que sí estamos seguros es que deberían darle play disfrutarlo, mientras puedan.

Fe de erratas: el autor del texto recibió el material por separado y el orden de las canciones cambiaron en el álbum ya publicado. Sin embargo, el ejercicio puede servir para darle un par de escuchadas con el acomodo anterior. 😉

Spotify te dice qué personaje de Stranger Things eres

No tiene ni una semana que se estrenó la segunda temporada de  Stranger Things y Spotify ya hizo de las suyas. La plataforma tan querida por todos, lanzó un test para saber qué personaje eres de acuerdo a la personalidad musical según tu cuenta.

¿Suena cool? Pues eso no es todo, cuando logeas tu cuenta de Spotify te aparece la respuesta al test y te regalan una playlist curada especialmente de acuerdo al personaje que te tocó. La puedes descargar y darte un viaje al pasado e incluso al futuro, con canciones que ni estaban en tu radar. Será una especie de regalo mágico que te hará sentirte parte de la serie.

¿Listo para saber tu destino? Vas, conoce aquí qué mouthbreather de Stranger Things eres, musicalmente hablando, que quede claro.

¡Gracias Netflix!

 

6 cosas que quizá no habías notado en “TQM”, el nuevo video de Little Jesus

Recién, la consagrada Little Jesus lanzó uno de nuestros videos favoritos en lo que va del año. Nos clavamos tanto con este audiovisual que encontramos varias curiosidades y nos gustaría compartirlas con ustedes. ¡Dense!

1. El presentador
Una fácil, el actor Manuel Bueno, quien además de ser carnal de sangre de Fernando Bueno (guitarra en LJ), nos sacó varias sonrisas con su participación en “Norte”. En esta ocasión caracteriza a un personaje ficticio llamado Pierre Olivier, quien conduce un programa (también ficticio) titulado Quelle Soirée ! Que significa: ¡Qué noche!

2. El “Dragón”
Si alguna vez han tocado o estado involucrado en algún show en El Imperial, este mítico bar/venue de la Roma, se podrán haber topado con este peculiar stage manager, bien conocido por tener un carácter bastante pesado. Lo que no quita que sea uno de los mejores que hay en México, ¿no me creen? Pregúntenle a los LJ, pues también estuvo de stage manager en su concierto en El Plaza en agosto del año pasado en la presentación de su disco Río Salvaje. En el video aparece casi al inicio en un cameo donde le entrega su guitarra a Santi.

Dato curioso, el Dragón ya no trabaja más en El Imperial. #Quésad.

3. One Take
Si pudieron observar con atención, el video (a excepción de cuando todo se oscurece, lo cual no está muy claro, porque quizá la cámara sólo se aleja) está filmado a una sola toma, como lo hizo recientemente Iñárritu en su film Birdman. Quizá, al igual que en Birdman, se usaron algunos trucos para hacer que esto pareciera así, pero está interesante ver el resultado.

4. La Alien de “La Magia”
Gran detalle el cameo de la chica que se transforma en alien en el video de “La Magia” tocando una guitarra bastante espacial.

5. Orquesta de guitarras
Una de nuestras partes favoritas es cuando aparecen un buen de guitarristas tocando en una grada al fondo. Pero ¿quiénes son estos personajes? Traté de investigarlos a todos, ahí les van la mayoría, avisen cuál se me escapó:

Fernando Heftye – Fishlights
Se presentó en el Friendstival de este año.

Andru Martínez – Holbox
Hace poco lanzó con su banda su disco Altamar. También toca la guitarra con los Vaya Futuro.

Daniel Patlán – Fotógrafo
Uno de los cracks de la foto en México, quien también tiene su productora RaRaRa Films. Dato curioso, la cámara con la que saca una foto en el video es una Canon Autoboy Luna de 35mm.

Daniel Patlán @Noisey

Julio Muñóz – RaRaRa Films
También perteneciente a esta otra productora de videos. Julio en su momento participó como guitarrista en Hello Seahorse! y después en No Somos Marineros.

Alanity – ex Vicente Gayo
El antiguo vocal y guitarrista de la extinta banda Vicente Gayo.

Gerber – Románticos de Zacatecas

Wachadafunk – No canta mal las rancheras
Este personaje de la escena ha trabajado como redactor, mánager, y otras vainas de la música independiente. Acá véanlo en el video que le dedicó LNG/SHT:

Daniela Spalla – Ella, pus quién más

Armando Aguilar – Vaya Futuro
El en sí es tecladista de los Vaya, pero también toca la lira y canta en un proyecto que no ha tenido mucha continuidad llamado SWIM. Es zurdo, pero como no encontraron una guitarra zurda, “tocó” con una Stratocaster al revés, gg.

Manuel Bueno – sí, el mismo presentador del video
Él es uno de los únicos dos en el elenco que usan un bajo y no guitarra. Además es el único que caracteriza dos personajes en el video.

Alejandro Archundia – Los Blenders
También ya había participado en el video de “La Magia”.

Alonso Esquinca – Nelson Y Los Filisteos

Mario Bringas – The Plastics Revolution

Daniel Ávila – Frege

Ruy – ex Contra

Set Judi – Pezsol

6. Las playeras de la orquesta de guitarras
Todas las playeras que traían los miembros de la orquesta tienen al frente a la altura del pecho las letras ‘TQM’. Esta playera fue diseñada en colaboración con el artista visual Hola Nico González y así se ve al reverso:

¿Se nos escapó algo?

GEPE, la Ciencia Exacta de la melancolía chilena

Fotografías: David Romero

“Y el viento que derriba la última ola de Valparaíso me  golpeó el pecho con un ruido roto, como si tuviera mi corazón una ventana rota”, escribió Pablo Neruda en Cuando de Chile.

Daniel Alejandro Rivero Sepúlveda a.k.a Gepe afirma que la música y en general la literatura chilena son muy nostálgicas y tienen una noción de pérdida. “Como algo que se quedó allí en el tiempo y ya no puede volver”.

“Nosotros no estamos aislados geográficamente hablando, nos aislamos mentalmente y buscamos justificaciones. Que tenemos una cordillera a un lado y no sé qué cosa, que el mar y no sé cuánto. Al chileno le gusta estar así, ‘piola’ porque muy quitado huye , como que se quiere sentir extraviado. No sé, es mi sensación, es súper subjetivo “, indica.

El cantautor chileno cuenta que hace poco visitó la Isla de Pascua ubicada a 3 mil 700 km de Caldera, ciudad de la Provincia de Copiapó. Los habitantes de la isla no se sienten chilenos y critican a sus compatriotas: “Ustedes se sienten así porque inventaron las fronteras. Inventaron su soledad. Y no debería ser así, el mar es una ventana. La cordillera es una posibilidad de”, y a Daniel le encantaría poder entenderlo de esa manera.

“No sé si lo ha dicho más gente, pero un amigo dijo que ‘Lo bonito de ser músico hoy en Chile es que se puede hacer música desde Chile pa’l mundo’. Antes pensaba que la música de Chile solo se podía escuchar en Chile , que no había posibilidades .

Hace 10 años Gepe visitó tierra mexa por primera vez. Se presentó en un pequeño acuario del Centro Cultural España. El 22 de octubre el chileno presentará su quinta producción discográfica en el Teatro Metropólitan. Por lo que afirma no sería nada sin los mexicanos, pues son un público con una cultura musical súper grande. Eufóricos y demostrativos.

“En un Vive Latino tocaba Zoé y todo el Foro Sol cantaba. Yo nunca había visto eso, en mi país no pasa. Todas las canciones, todo el tiempo. Desde la última persona que estaba arriba en la galería, hasta el que estaba en la primera fila. Fue bellísimo y lindo. Entonces, como se hace una relación bien adictiva. Es rico venir aquí porque pasan cosas bonitas “, recuerda.

El modo de cantar el folclor y la guitarra de 12 cuerdas que acompañaron a Juan Gabriel, que se presentó cinco veces en el festival Viña del mar, fueron las primeras aproximaciones de Daniel con la cultura mexicana.

“Juan Gabriel para mí no era tan novedoso. No era algo que me generara tanto misterio, aunque me parecía hermoso igual, pero Café Tacvba generaba un gran misterio. Principalmente el Re , como sorpresa. Es como cuando la equidad de un grupo te queda claro, pero existe una dimensión que no entiendes “.

Ciencia exacta, su álbum más reciente,  contiene 9 canciones escritas y compuestas por Gepe . Además de “Las Flores” cubren un  Café Tacvba, que desde hace algunos años ha presentado en vivo, pero no había encontrado “el clima acústico adecuado” para integrarse a alguna de sus discotecas. De la misma forma en que rindió tributo a una de sus bandas mexicanas favoritas, Rivero afirma que le gustaría interpretar “Te sigo amando” de Juanga.

 “Es muy difícil, sobre todo en las piruetas que hace su voz. Es difícil seguirlo, pero voy a intentar hacerlo. Armónicamente no es tan complejo, pero lo que él canta arriba … ¡Uf, era un atleta!”

“Ciencia exacta es el nombre de la carpeta que hice en la computadora para ir metiendo demos. A diferentes grupos de demos, que generalmente asocio por sonido o por tema, voy haciendo carpetas. No son títulos que tienen que ver con lo que contienen porque muchas veces no sé qué van a tener. Una de esas carpetas se llama ciencia exacta. Me atrajo el nombre, me gusta que algo se llame “ciencia exacta”. Ya lo científico me parece exactamente, pero me agregan “exactamente” me parece una redundancia súper interesante”, menciona.

El cantante chileno pensó en dejar su quinto álbum de estudio en nombre, pero Ciencia exacta le gustó porque asegura que es lo contrario a su disco anterior, Estilo libre.

“Es un disco que desde el origen hasta la grabación fue súper inexacto y poco científico o sistemático. Las canciones las grabó tal cual sucedieron. Las letras no las sometieron a ningún análisis, simplemente dejé que fluir esa parte. Estilo libre fue un disco súper científico, súper pensado, trabajado y pulido. Este sí hizo una forma más relajada “, asegura.

El estilo de “Hasta cuando con” es jazz guachaca, una mezcla de cueca, tango, bolero, corrido, fox-trot y jazz que inventó Roberto Parra -hermano de Violeta Parra– a inicios de los 70. Las letras son simples y crudas, pero con humor. A partir de eso Gepe construyó una canción sobre su visión de la barrera cultural.

 “En Chile la idea general que uno tiene es que en ciudades como Nueva York, París o Madrid uno va a encontrar la panacea para hacer su arte. Porque en su país no entienden, son todos súper incultos. Por un lado, es una crítica hacer eso y por otro es decir que en lugares como Bogotá, CDMX, Santiago o Lima pasan cosas tan culturalmente relevantes como en esas grandes ciudades”, sentencia.

La canción también habla sobre una problemática que existe en la educación chilena. A finales de 2014, el Foro Chileno por el Derecho a la Educación señaló que Chile es el país con el sistema educativo más privatizado y segregado entre los 65 que utilizan el Programa Internacional para la Evaluación de Estudiantes (PISA, por sus siglas en inglés) . En abril de este año La Confederación de Estudiantes de Chile (Confech) rechazó el proyecto de reforma educativa impulsada por el Gobierno de Michelle Bachelet porque no responde a sus demandas.

“La problemática que hay en la educación chilena es súper dura y esta llegando un momento muy crítico. Todo el mundo reconoce que nuestra educación es  obsoleta. En Chile, se trata de la educación como un bien y no como un derecho. La educación se mercantilizó, además de eso es de baja calidad. Hay una parte de la letra que dice ‘Las faltas de la educación que todos sabemos que es buena, hace que en esos vacíos surja el diablo de la creatividad”. Yo le digo “el diablo de la creatividad” a esa chispa que hay en la falla y crea algo relevante”, y Gepe lo ha creado. 

#VVideos: El talento mexa en 5 videos

En nuestro México existen muchos artistas que se apasionan realmente por su proyecto; pues no sólo van al estudio y graban su rola, sino también se esfuerzan en ofrecer a los fans un material visual con alta producción y creatividad.

Nuevos y no tan nuevos, nos pusimos a ver algunos videos de bandas mexicanas que realmente le dedican esfuerzo y talento a sus clips.

Así que ponte cómodo y dale play a estos films.

“Paseo Sideral” – Costera ft. León Larregui

Dicho track forma parte de su primer material largo Aliados, mismo que estrenaron este 2017 y el clip corrió bajo la dirección de León Larregui. 

“Áfrika” – Clubz

Orlando Fernández y Coco Santos nos muestran las islas y atardeceres de Costa Rica en su visual para “Áfrika”, el cual fue dirigido por Fuerzas Básicas. 

“Tú sí sabes quererme” –  Natalia Lafourcade

Sonidos tradicionales mexicanos acompañan la dulce voz de Natalia en “Tú sí sabes quererme”, tema que forma parte de Musas, álbum que estrenó este 2017.

“Vicio” – Camilo Séptimo

En cada clip de Camilo VII nos cuentan historias involucradas en amor, pero algunas no tienen un final tan feliz. La banda se estará presentando el 29 y 30 de noviembre en el Teatro Metropólitan.

“TQM” – Little Jesus ft. Ximena Sariñana & Elsa Y Elmar.

Este track se incluye en su disco Río Salvaje y cuenta con la participación de Ximena Sariñana y Elsa y Elmar. El visual fue producido por Fuerzas Básicas inspirado en el show de Pierre Olivier.
¿Cuál agregarías a nuestro listado?
PD: No dejes de apoyar a tus bandas mexas.

Las ligas menores llegan a la CDMX en su Renault Fuego

Las ligas menores viajan en su Renault Fuego desde Buenos Aires a la CDMX para hacernos vibrar y evocar las aventuras con los amigos de la adolescencia y la inocencia del primer amor (cejas).

La banda argentina integrada por Pablo KemperMicaela GarcíaNina CarraraMaría Zamtlejfer y Anabella Cartolano se presentará en tierra mexa por primera vez con el pretexto de promocionar Ni una canción más (EP lanzado en diciembre del 2016). La cita es el 13 de octubre y compartirán el escenario del Foro Indie Rocks! con Diego Puerta a.k.a Dromedarios Mágicos y Useless Youth.

Los tickets pueden adquirirse a través de Boletia con un costo de $350.00 en preventa, o en las taquillas del inmueble por $450.00, el día del evento.

Sin duda este concierto será el encargado de consagrar a Violencia River, colectivo independiente formado en 2015 bajo el DIY y creador del Burguer Revolution, ellos son los promotores que hicieron posible esto.

 

Cómo In Rainbows le partió su madre a EMI

Y cambió las reglas del juego en la industria musical.

Hablar de la pauta que marcó el In Rainbows en la industria musical es un tema complejo que podría llevarnos unas varias cuartillas o un debate con varias chelas o tazas de café. Sin embargo, es importante recalcar, a diez años de su lanzamiento, por qué Radiohead le dio la vuelta a una industria que creyó tener bien cimentado su modelo de negocio (y trataré de ser lo más breve y conciso).

Hoy en día la industria musical se encuentra en un punto bastante raro, por no decir sin pies ni cabeza, específicamente hablando del consumo de la música física y digital. Uno que está más clavado en el music business a pequeña y gran escala entiende un poco mejor esta situación y cuando puede, incluso en versión digital, se compra un álbum que en verdad vale la pena. Sin embargo, hay quienes prefieren pagar sus 99 pesos por mes en Spotify (o su plataforma de streaming de confianza), otros puristas se arman sus versiones en vinil aunque ni siquiera alcancen a escuchar esas frecuencias que te da el formato; hay quienes prefieren a que Tenemos un papá pirata los suba a su grupo en Facebook, en fin las opciones sobran.

Así mismo, las opciones sobran cuando una banda decide lanzar un nuevo álbum. Dependiendo del género y cómo tu público consume tu música, tienes desde Soundcloud (¿neta, aún existe?), Bandcamp, Spotify, Deezer, iTunes, casete, CD, vinil, etc. Todo esto llegó en parte por comodidad, en parte nostalgia, en parte economía, en parte los weyes que se atrevieron a darle la vuelta al sistema y arriesgarlo todo por no seguir las reglas establecidas por décadas.

Tenemos por un lado a Napster, quienes con su atractivo sistema de compartir colecciones de música en mp3, en pleno año 2000 revolucionaron el consumo de música y al mismo tiempo las compañías discográficas tuvieron fuertes golpes en su mercado, lo que los llevó a tomar decisiones drásticas y unas cuantas demandas. Más tarde llegó el invaluable y arriesgado “pay what you want” de Radiohead, lanzado hoy hace diez años. Después de un hiato de cuatro años, la banda incluso llegó a preguntarse “¿realmente a alguien le va a interesar?”, “¿neta a alguien le va a importar?”, al final el veredicto lo dio la revista Time: “Sin pedos el lanzamiento más importante en la reciente historia de la industria musical”.

Su premisa era “paga lo que quieras entre 0 y 99.99 dólares”, evidentemente hubo demasiados que no pagaron nada, pero Radiohead estaban seguros que su público le daba un valor real a la música, y así fue. Según cifras de comScore con datos de Rolling Stone, el álbum hizo más ganancias para la banda que lo que hubiesen generado bajo el contrato que ya tenían con EMI en su momento. “¿Por qué querría firmar un contrato de seis álbumes con una empresa que se está derrumbando” dijo Thom Yorke al New York Times justo un año antes de lanzar In Rainbows. Esto puso a todas las major labels vulnerables ante sus artistas consolidados, ya que su modelo viejo, desgastado y explotador no tenía más el valor y la fuerza como único modelo que genera ganancias “para sus artistas”. Esto puso en análisis comparativo las ganancias generadas al lanzar un álbum de manera independiente, así mismo contribuyó a la diversificación de sellos independientes y en parte a la apertura de plataformas de streaming.

Así fue como recordaremos el 10 del 10 como un hito en la distribución de la industria musical. ¡Tomen eso, disqueras!

#WMPGigs: Bomba Estéreo trae su AYO a México

Exactamente dos meses después del lanzamiento de AYO, el nuevo material de Bomba Estéreo, la agrupación liderada por Liliana Saumet vuelve a México para encender el baile en SALA Corona de la CDMX. La doble buena noticia es que ya es un show SOLD OUT.

Tan grande ha sido el impacto que ha tenido Bomba Estéreo como acto en vivo , que resultara motivo suficiente para que Arcade Fire los solicitara como banda de acompañamiento para la gira que realizarán durante Latinoamérica, incluida la fecha en México (29 de noviembre).

Bomba Estéreo acaba de estrenar el video para el extracto “Internacionales” de su más reciente material AYO. Se trata de una divertida aventura con gangs de skate en Hong Kong.

 

 

 

 

¡Sony Music te lleva al concierto de Sofi Tukker!

¡Gana un pase doble y M&G para el concierto de Sofi Tukker en SALA Corona este viernes 25 de agosto!

Sólo tienes que replicar con alguna prenda el graffiti que sale en el video del single “Fuck They”.  

¡Miren el video aquí!

Las prendas más originales y con el mayor número de likes, podrán ganar un pase doble y un M&G con Sofi Tukker.

*Comparte tu respuesta en el perfil de Facebook @TheWMP con el hashtag #WMPInvita. (Dile a tus amigos que le den like).

PD: Tienes hasta el viernes a las 3:00pm  para participar.

¡Suerte!

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¿Vas a viajar al Hellow en Monterrey? Acá unas recomendaciones

La ciudad de las montañas no es como la pintan, ¿o sí?

Pareciera que la raza es muy exagerada y que en Monterrey no hace tanto calor, ni los regios son tan codos, y las quesadillas sí llevan queso, pero hay cosas que deberías saber antes de planear tu viaje al Hellow Festival 2017 este finde. De entrada Monterrey es una ciudad extremista, y no, no porque la gente de allá lo sea —bueno, quizá sí un leve—, pero esto más bien se refiere al clima en el estado, cuando hace calor ¡hace un chingo de calor! y cuando hace frío ¡hace un chingo de frío! Entonces, acá te van estas recomendaciones para que tu experiencia en el Hellow no te mate de insolación o cáncer de piel.

  • De entrada el pronóstico nos marca una temperatura de 31 grados con 40% de probabilidad de lluvia, así que preparen ropa cómoda, bloqueador solar, lentes oscuros, gorra o sombrero (í’ñor), y un impermeable por si las moscas.
  • En Monterrey necesitas sí o sí estar bien hidratado. No sabemos a ciencia cierta si nos van a querer vender el agua como la poción de los dioses (Hellow, si estás leyendo esto no te pases), pero ya sea con cerveza o con agua, hay que mantenerse bien hidratado, sobre todo si van a estar hasta adelante, ya que ahí se va a sentir calor de 50 grados, 100% real no fake.
  • Una ventaja es que, a pesar de que no puedes llevar cámaras semi o profesionales, siempre está la vieja confiable GoPro, pero porfa, no abusen con sus sticks y anden estorbando a la banda, neta es súper incómodo.
  • Las mentadas drogas. El punto aquí es que si ya te las ingeniaste para pasar la sustancia de tu preferencia, nomás no se pasen. Está bien triste ver a la bandita ya bien trincada a apenas unas horas de haber iniciado el festival, vamos a divertirnos, ¿o no?
  • Si van a llevar mochilas, para su comodidad y la de los demás asistentes, procuren que no abarque mucho espacio y si sí, y se encuentran en la multitud, así como en el metro, pónganla entre sus pies. La mejor recomendación es que se lleven una tote-bag (morralito), neta no pueden llevar tantas cosas como pa’que no les quepan ahí. Aparte se ve cool, está cómoda y no estorba a nadie. 😉
  • Algo que pocos procuran y que es indispensable tanto en conciertos cerrados como abiertos, es que protejan sus oídos, está científicamente comprobado que si pasas una larga jornada escuchando música a fuerte volumen te puede causar sordera. ¿Han escuchado ese zumbidito después de algún concierto? ¡Aguas! Entonces cuiden sus oídos y ármense unos taponcitos, los encuentran en todas las farmacias por menos de 50 varitos y ya si no, pues compren un poco de algodón y pónganselo, sus tímpanos se los van a agradecer.
  • Ya pa’finalizar y no hacerles el cuento más largo, échense una vuelta por el sitio del Hellow pa’que vean los do’s and dont’s o sino, échenle un ojito a este par de imágenes:

A 15 años del Bright Lights, lo celebramos con 7 de sus mejores momentos

Qué no se ha dicho de esta joya de la música a quince años de haber sido publicada; de los mejores debuts de la historia, el revival elegante de lo que en su momento fue Closer de Joy Division, un álbum a la fecha insuperable tras 4 intentos (sólo dos de ellos bien logrados), una pieza maestra de pies a cabeza. En fin, a Interpol le ha costado cargar con esta cruz, pero no por eso deja de sorprendernos o decepcionarnos con cada nuevo lanzamiento que sacan.

Este año Interpol al fin decidió celebrar un aniversario de dichoso álbum, pudo haber sido el quinto, o el décimo, pero no, ellos decidieron que fuese el quinceavo. Para muchos fanáticos algo que se veía difícil de cumplir, de realizar, pero al fin los tendremos en buena parte del mundo disfrutando de estas piezas que nos han hecho vibrar, gritar, llorar, enamorarnos o desenamorarnos ¡en vivo!

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#StaffPick: Hellow con sabor latino con Neon Indian y Helado Negro

Por: @Uriel Delgado

A diferencia de otros festivales que han optado por centrar su cartel en actos internacionales, anglosajones para ser más exactos, el Hellow Festival es uno de los pocos que ha buscado un equilibrio entre actos de renombre, propuestas locales, así como actos consolidados que ponen el orgullo latino en lo más alto de la industria musical.

Y con esto no nos referimos a aquellos talentos latinoamericanos que nos han metido hasta en la sopa en cuanto festival nuevo que aparece, dígase Caloncho, Siddhartha, Mon Laferte y un largo etcétera, sino propuestas que han explorado los límites de lo que es sentirse latino y lo han llevado a fronteras que originalmente ni ellos se habrían imaginado.

Tal es el caso de Neon Indian y Helado Negro, quienes se estarán presentando este 26 de agosto en el Hellow Festival para llenar de baile y orgullo latino la Sultana del Norte. Alejándose de los sonidos tradicionales, cada uno forjó su propio camino en la música en Estados Unidos sin olvidar sus raíces, haciendo de esta combinación de culturas el lienzo ideal para generar propuestas que han dejado una marca indeleble del otro lado del río.

Por un lado, Alan Palomo, mejor conocido como Neon Indian, regresará a su ciudad natal para compartir con el público los ritmos que lo han visto triunfar en donde se ha parado. Tras el éxito que fue Vega Intl. Night School, su última producción de estudio, Palomo se tomó un descanso para enfocarse a su otra pasión, el cine, participando en la más reciente película de Terrence Malick. Sin embargo, llega a Monterrey listo para demostrar por qué es considerado una de las piezas fundamentales, si no es que el creador, del chillwave y así llenar Monterrey de vibras bailables aderezadas con sus influencias latinas presentes incluso en los samples que hizo de las canciones de su padre.

Al mismo tiempo, Roberto Carlos Lange desarrolló su carrera en Brooklyn como Helado Negro, proyecto que fusionó su legado ecuatoriano con las influencias que lo han marcado desde su nacimiento e infancia en Florida, pero que, como el nombre de uno de sus sencillos menciona, siempre se mantuvo “Young, Latin and Proud”. Con Private Energy bajo el brazo, Lange pondrá a bailar el escenario del Parque Fundidora con su synth pop tropical que combina lo mejor de ambos mundos, dejando claro que el ser latino es algo que va mucho más allá de tu apellido.

#ArteQueSuena: Grand Chamaco, la mente detrás del arte del Hellow 2017

Este año —y bueno, con esto no quiero decir que los años anteriores no lo hayan hecho— los del Hellow se preocuparon bastante por la estética de su festival. Para esto invitaron a uno o quizá al artista más representativo del 3D en México: Grand Chamaco (punto extra por seleccionar a un mexa y doble punto porque también es de Monterrey), quien desde hace ya algunos años ha logrado una buena reputación en México y le ha dado la vuelta al mundo con la estética divertida y colorida que le da a sus personajes modelados generalmente en 3D con toques humorísticos.

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Para el Hellow, el Grand Chamaco creó a tres personajes que ahora son la cara del festival: divertida, medio hipster, melómana, amigable, fiestera, rockera, en fin, exactamente algo con lo que el público se puede identificar. 

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Su trabajo ha sido tan aclamado que ha colaborado con marcas como Rayados (sí, el equipo de fútbol), Pictoline o Nickelodeon, así mismo disfruta de hacer algunos remakes muy a su estilo de personajes de la cultura pop como Star Wars, Bob Esponja, Hora de Aventura, Game of Thrones, entre otros.

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¿La mejor manera de seguir su trabajo? Su Instagram, como se pudieron haber dado cuenta. 😉

#NuevosRuidos: D’arcy, la evolución de No somos marineros

Este año comencé a traer a bandas extranjeras con el fin de darlas a conocer en el país o que los pocos o muchos fans que morían por verlos alguna vez en vivo (yo incluído) tuvieran chance de presenciarlos en México. Gracias a esto me he dado cuenta de una extraña tendencia entre ellos: nadie quiere ser taggeado en el género math-rock. La cosa está así: a pesar de que sí, por la naturaleza de la música que hacen se puede encasillar en el math (género musical principalmente caracterizado por complejos ritmos y patrones instrumentales) a bandas como Delta Sleep, Totorro o Pretend, no les encanta el label de dicho género, y aunque ninguno me pudo dar una explicación tajante y completa, el punto es que en su evolución podrían dejar o cambiar algunas cosas que no van tanto con el género.

Esto mismo pasó con una de nuestras bandas favoritas del underground en México: No somos marineros, quienes claramente se hartaron de que tanto público como medios los encasillamos como la banda revelación del math en su momento. Y bueno, lo acaban de demostrar en su más reciente álbum D’arcy, lanzado apenas hace unos días a través de su plataforma de confianza Bandcamp. Donde ya no hay math, en lo absoluto, adiós tapping, adiós compases raros, ahora No somos marineros nos muestra un sonido totalmente distinto, en la misma banda, algo que rara vez hemos visto en las bandas independientes del país.

No somos marineros comenzaron por ahí de 2012 con un EP titulado Demo juvenil en vivo, tres rolas en las que claramente se veían influencias muy marcadas en el género de bandas como American Football, Storm And Stress, Sharks Keep Moving, entre otros. De ahí hubo una serie de canciones (que por cierto la mayoría casi nunca se publicaron y/o grabaron en estudio) que seguían esa misma línea, pero poco a poco, incluso en vivo su sonido fue cambiando. Según ellos me contaron por ahí de 2014 (y si la memoria no me falla tanto) que estaban grabando un álbum que seguía esos patrones, sin embargo algunos de los miembros ya no se sentían identificados con esos tapping de guitarras y compases complejos, que decidieron cambiar el rumbo de la banda.

Esto les costó eliminar todo el material que ya habían compuesto, uno de sus miembros salió para seguir su carrera en el audiovisual y empezar un nuevo álbum desde cero. Esto dio como resultado Lomas Verdes, álbum publicado en diciembre de 2014, grabado en Testa Estudio en una sola toma y en cinta magnética. El álbum fue bastante criticado tanto por los puristas y amantes del género, que porque ya no sonaba a math, que porque la calidad dejaba mucho que desear, en fin, esas cosas que pasan cuando alejas a tu público de su zona de confort. Sin embargo, otros agradecimos bastante el cambio y como opinión personal, LV es su mejor trabajo hasta el momento, mucho más allá de la calidad o el cambio (pues sí, sonaba poquito math, pero había más emo y menos tapping) ya que lo que se sentía en esas canciones era honestidad.

Ahora, tres años después de su primer álbum y totalmente alejados de, por ejemplo, una de sus primeras canciones: “Gisaról Profesales”, nos ponen sobre la mesa D’arcy, del cual Carlos (voz y guitarra) comentó en un post en Facebook: “Tres años cocinando esto; ahora es de quién lo escuche, yo puse la mayoria de mí en su realización junto con mis BBS favos Oscar Rubio, Gustavo Farfán, y Andres Gamiochipi”. Un álbum compuesto por nueve tracks en los que incluso dejaron un 90% atrás el sonido de Lomas Verdes, tanto en ejecución como en producción, esta última a cargo del venezolano Miguel Fraino (productor y guitarrista de Cardiel). No somos marineros no sólo cambió de piel, su música incluso podría dejar detrás el nombre de la banda, pero lo que lo mantiene, quisiera pensar, es la honestidad y las ganas de querer hacer la música que les gusta.

Como de costumbre, las canciones tienen títulos ambiguos a las letras y más bien reflejan situaciones muchas veces sin mucho sentido (al menos para sus seguidores) que viven en su vida diaria. Así nos recibe “Los bajos fondos”, donde nos dicen con una voz bien tenue: “olvídate de los gritos, olvídate de compases complejos, déjate llevar por el delay, y en vez de hacer slam, mejor acuéstate un rato a escuchar”. Esto se mantiene en “Je suis un basiur” nada de complejidad, música mucho más agradable para las masas, sobre todo con el revival del shoegaze, que desde hace un par de años mantiene viva la llama. A momentos suben de tono los instrumentos, pero la voz se mantiene, cómoda, sin esfuerzo, haciéndose notar mucho mejor que en Lomas Verdes, ya que allá el esfuerzo por empatar con el estruendo de los instrumentos era mucho mayor. “Andiamo vía” nos deja claro que una de las influencias quizá más grandes —aunque no lo quieran aceptar— está presente; Title Fight, quienes al igual que ellos fueron de mayor a menor, ¿no me creen? Dense el Floral Green y pasen de ahí al Hyperview y díganme si me equivoco.

“Cutlass (’96)” y “D’arcy “son los momentos más melódicos del disco, las influencias emo en las líricas son notorias, una voz a punto de quebrarse nos dice: “Quédate. Puedes verme cambiar. Quédate”. Mientras en D’arcy, el track más largo del disco es un resumen de todo lo que puedes encontrar en el álbum. La batería de Andrés es incomparable, puedes notar al momento su técnica y ejecución en cualquier rola de NSM, mientras que Farfán se queda un poco corto en el bajo con líneas bastante simples y repetitivas, sin embargo las guitarras traen todo ese filin del que les he estado hablando.

Del track seis al nueve la banda va evolucionando hasta llegar a un estruendo, donde nos encontramos con los marineros de hace tres años, enfadados, agresivos, fulminantes, nadie habría podido pedir o esperar mejor cierre en este álbum como lo hicieron con “Eurosport”, la esencia pura de la banda, un momento estás echado en la cama con tu morra escuchando el disco a todo volumen, llega este track y ya estás en medio de una multitud listo para echar el slam y gritar: “Sálvame, no harás nada mejor. Sé que no estás”.

Queridos No somos marineros, sigan haciendo lo que les gusta, evolucionen y/o cambien su sonido tanto como quieran, pero, por favor, no dejen de hacerlo.

#StaffPick: Kendrick Lamar y Weezer rumbo al Hellow

Se acerca la edición 2017 del Hellow en Monterrey, festival que además de nunca abandonar al público y la ciudad que lo vio nacer, poco a poco fue creciendo hasta llegar a ser el primero en México en tener a Kendrick Lamar en su line up, y vaya que no les salió nada barato. Entre un arte de cartel bastante bien cuidado (hecho ni más ni menos que por el artista visual Gran Chamaco, del cual les hablaré en el siguiente post) y un line up bastante bien curado, el Hellow es el festival más prometedor en México de lo que va del 2017. Y acá les doy dos razones para no perdérselo.

KENDRICK LAMAR
El hype que se ha generado en torno a este rapero es impresionante y ha logrado hacerse de una increíble reputación como el mejor raper contemporáneo. Esto hizo que México rogara(ya saben, nos encanta subirnos al tren del mame aunque no sepamos ni qué pedo) por tenerlo tocando ya sea en un concierto él solito o en cualquier festival dando cátedra de lo que mejor sabe hacer: rapear. Y así son sus presentaciones, si esperan un show muy muy producido, espero no los vaya a decepcionar, pues lo único que veremos en el escenario es a Kendrick con su micrófono y una pantalla a su espalda.

Tras la salida de D.A.M.N. —y ya con muy buena reputación desde To Pimp a ButterflyGood Kid, M.A.A.D. City— el hype en el público mexa ya era evidente, por lo que no dudábamos que su visita a México era inminente, y pues sí, este año el Hellow lo hará realidad.

Aunque este track no es precisamente de Lamar, sino una colaboración que hizo con FlyLo, es una de mis favoritas en su repertorio, tanto por la letra como la dinámica que se da entre beats y líricas, así como la coreografía chingona de los morritos que salen bailando.

WEEZER
Por otro lado tenemos a un clásico del rock alternativo, quienes ya tenían desde 2014 que no visitaban al país. Ya con 10 discos publicados, una trayectoria de 25 años y muchos cambios de alineación, será difícil disfrutar un show completo de estos estadounidenses dentro de un festival —tomando en cuento lo limitados que pueden ser los sets, incluso de un headliner—, pero valdrá la pena poder presenciar algunos de sus mejores éxitos como “Memories”, “Porks And Beans”, “Beverly Hills”, “My Name Is Jonas”, “Island In The Sun”, entre otras.

Jamás he tenido la oportunidad de ver a esta banda en vivo, pero según mis amigos de Delta Sleep —banda de Brigton, Inglaterra que estuvo toureando hace unos meses en México— fans de Weezer, me dijeron que es un acto increíble e  imperdible y pues yo les creo, ¿ustedes qué opinan?