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#VVideos: Sierra León nos llevó por su Laberinto de Espejos

Por: Abel Casillas

Sierra León es una banda de Nayarit formada en 2009 por: Manuel Castellón (guitarra y voz), Seiji Hino (secuencias y sintetizadores) Juan Zavala (guitarra), Mario Bustamante (bajo) y Kenji Hino (batería), quienes la están rompiendo en el país desde hace ya unos cinco años. Su música los ha llevado hasta Beijing, China al Meet In Beijing Arts Festival 2015 y recientemente los vimos en el Friendstival 2k16.

La música de Sierra León es bastante enérgica, con arreglos rítmicos bien logrados, distorsiones con el drive a tope que contrastan con pasajes melódicos/armónicos muy emocionales y con letras abstractas que siguen una narrativa, como es el caso de su último sencillo “Laberinto de Espejos”, tema que da inicio a su álbum No Somos Los Mismos (2015), para el cual están estrenando video que da por terminada la promoción de dicho material.

Platicamos con Manuel de cómo el cine y la poesía influyen en su lírica, del verdadero origen del nombre Sierra León y de lo que viene para ellos lo que resta del año.

¿Cómo fue la realización del video de “Laberinto de Espejos”?

M: La dirección la llevó a cabo Roberto Celis un chavo bastante talentoso que vive en guadalajara y la producción fue a cargo de Teller Media. Realmente fue un trabajo bastante chido, nos vibró bastante que haya sido en Guanajuato, porque somos fans de la ciudad en primer lugar, y en segundo porque el lugar se adapta perfecto a la metáfora de la canción, que tiene que ver con los laberintos mentales. Guanajuato tiene esa esencia, al ser una ciudad de muchos laberintos, muy obscura, pero que a la vez brilla mucho. Realmente nosotros estuvimos a la distancia del video, como no aparecemos nada más fue estar en contacto. Definitivamente fue una muy grata experiencia y estamos muy felices con el resultado.

¿Cómo es su proceso de composición? ¿Estudiaron música?

M: Todos somos líricos, bueno Mario y yo fuimos los únicos que estudiamos música formalmente, pero hasta determinada edad, la mejor escuela que hemos tenido nosotros fue escuchar un buen de música, todos hemos tenido esa formación. El proceso de composición varía mucho, mas que nada porque cada quien tiene sus influencias y sus ideas. A veces alguien puede llegar con algo y empezamos a desarrollar eso, esa parte es como muy libre a la hora de componer. A mi me toca la onda de las letras, y hasta este último disco, Seiji se animó a aventarse una letra, que es la de “Cuatro Paredes”. Algo que nos caracteriza es que en el proceso creativo no estamos cerrados a ningún tipo de idea, ni existe como una cabecilla, simplemente es como ir alimentando al proyecto, si alguien tiene una idea que la plasme y empezamos a desarrollarla. Es muy interesante también, pues nos gusta influenciarnos de muchas cosas, desde películas, libros, experiencias, platicas, todo tipo de cosas.

¿Qué películas o bandas serían su influencia? Igual, ¿qué autores los influyen líricamente? 

M: De películas, últimamente me he  interesado mucho por el cine mexicano de la época de oro, por ejemplo El Indio Fernández. También me gustan mucho las películas de Paul Thomas Anderson y de la parte lírica me gusta mucho las cosas que escribió Hermann Hesse, José Agustín, Fernando de Paso, Murakami, y por supuesto Amado Nervo, gran poeta nayarita. Va por etapas, pero para este disco estas fueron las influencias, siempre estamos ahí, buscando qué otras cosas ver, qué otras cosas leer y cómo podemos seguir nutriéndonos.

¿Han hecho cambios en la alineación de la banda?

M: Tuvimos un bajista anterior que era Miguel Ahumada, este chavo decidió dedicarse de tiempo completo a su onda que eran los audiovisuales, eso fue cuando vivíamos en Guadalajara hace cuatro años. Ahí fue donde entró Mario, a él yo lo conocía desde Tepic y en ese entonces coincidimos en la escuela, platicamos y se dio bastante bien el cotorreo, por esos tiempos teníamos unas fechas acá en el entonces DF y le dije: “Oye, ¿por qué no nos echas la mano para sacar esas fechas?”. Las hizo súper chingón y a partir de ese momento se puso la playera, desde entonces seguimos juntos en el camino estos cuatro años. Ese ha sido el único cambio en la alineación.

¿Cómo le hicieron para llevar su música hasta China? ¿Qué otras toquines o conciertos han marcado su carrera?

Gracias a que  alguien escuchó la música de Sierra León, algún programador, porque en ese festival hay un pabellón latinoamericano donde llevan artistas cada año. Sí fue una gran sorpresa para nosotros y en realidad no nos la creíamos. De tocadas que nos han marcado, personalmente te puedo decir dos shows que me acuerdo ahorita, más que por el nombre del lugar, es por la gente. La primera vez que fuimos a Oaxaca fue de los shows más increíbles que hemos tenido, la respuesta de la gente, la vibra, el sudor, el baile, fue algo inolvidable; también el ultimo show que tuvimos en nuestra casa en Tepic Nayarit en el Festival Dinamita, fue un gran show, sobre todo llegar a tocar en la ciudad que nos vio nacer, jaja.

¿Qué planes tienen para lo queda de este año y para el 2017?

M: Ahorita estamos bien clavados en la composición del nuevo material. Esperen buenas cosas, porque ahora sí le estamos pegando durísimo, sobre todo creo que estamos en una etapa en la que nos sentimos muy conectados con nuestra música y con las cosas que queremos. Parte del fundamento de Sierra León es hacer la música que más nos emocione, hoy está más vivo que nunca el sentimiento y todo lo que queremos plasmar en nuestro próximo disco está súper presente, eso es algo que me emociona bastante. Tenemos un par de sorpresas antes de terminar el año, viene una sesión en vivo para que estén al pendiente de nuestras redes sociales.

Si te latió Sierra León, ¡síguelos!

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#NuevosRuidos: la revolución sonora de Protopeople

Por: @AbelCasillas

Protopeople es un proyecto de música electrónica formado en 2011, que se caracteriza por hacer líricas directas y beats agresivos, utilizando recursos de géneros como el techno, drum and bass e incluso dubstep. Con un concepto bastante propositivo, Protopeople es uno de esos proyectos que hacen más interesante el panorama musical de la CDMX.

El dúo formado por Renata Castro y Leo Moreno nos presenta en esta ocasión su nuevo video “New Mexican”, tema que refleja rabia e inconformidad contra la clase política de nuestro país y que nos invita a cuestionarnos sobre el rol que jugamos como mexicanos en la era de la hiperconectividad.

Hablamos con Leo sobre cómo las teorías de conspiración han influido en las expresiones artísticas de este siglo y también sobre lo que viene para Protopeople.

¡Denle play y dénse esta amena entrevista!

¿En qué año se formó la banda?

L: En 2011 fue cuando nos presentamos en vivo por primera vez, como dueto, bajo este formato.

¿De dónde salió el nombre?

L: Un prototipo es el primer molde de cualquier cosa que se ha creado.  La originalidad está en peligro de extinción, y es algo que buscamos constantemente, lo único, lo diferente, lo que provoca. Así creamos este juego de palabras, Protopeople, gente única, con un mensaje distinto.

¿Cuántos discos tienen? Y ¿Cuándo los publicaron?

L: Nuestro álbum debut, Protopeople, se lanzó en 2013 a través de Discos Intolerancia. Nuestro nuevo trabajo está listo, pero estamos lanzando sencillo por sencillo.

¿”New Mexican” pertenece a un EP o un LP? ¿Cuándo sale? ¿Ya tiene nombre?

L: Sí, “New Mexican” es parte de nuestro nuevo material, un EP de 7 temas llamado “Muerte y Arte”, del cual hemos presentado ya 4 sencillos, y este es el más reciente. Todo sencillo viene acompañado de su pieza visual, videos desarrollados por Protocrisis; nuestro crew de audiovisual, en conjunto con artistas de diversas técnicas y nacionalidades. Este video de “New Mexican” fue creado en colaboración con FookedonHonix (@morgantj), artista de collage de Chicago.

Platícanos sobre “New Mexican” de donde surge la idea para el tema

L: ¿De qué es relevante hablar ahora, si no es de este gobierno corrupto y pútrido, uno que ofende cínicamente a todos los mexicanos día con día? No hay tema más apremiante sobre el cual expresarse a través del arte, sino este, el de la sangre dura al aire. El del circo del terror que nos invita a idealizar el materialismo y olvidar lo verdaderamente importante: tu esencia original. La matanza de ilusiones, la esperanza sofocada. La rutina necia, forzada, de la búsqueda del dinero. La persecución del poder a costa de cualquier vida. La pus de unos cuerpos más. Escenas y tendencias; digitalismo que confunde y nos empuja aún más hacia la espiral descendente de nuestra sociedad, de nuestras relaciones, de nuestros valores. La seducción del diablo que nos somete, haciéndonos siempre querer más y dar menos. Estos impuestos líderes beben la sangre maldita, regurgitan y tragan de nuevo la sangre maldita, porque no les satisface nada. Demonios menores que traemos cargando en la espalda. El fin de nuestro verdadero potencial como especie está cada vez más cerca. Así, decidimos usar nuestra voz, el arma que tenemos, para decir abiertamente lo que sentimos al respecto: el patético ser político debe morir por fuego. Y esperamos por la llegada de un verdadero mexicano que tema pero no voltee la mirada, que enfrente al minotauro socio-económico-político, que grite ¡basta! Y que, en pos del cambio, ofrezca todo lo que tiene: la vida misma.

¿Que opinan sobre las teorías de conspiración? ¿Creen en alguna en particular? ¿Han influido en su música?

L: Pienso que la realidad supera a la ficción. Es decir, hay tantas cosas que suceden en esta existencia y que es imposible que veamos por el alto número de distractores que tenemos enfrente. Creemos en la inteligencia extraterrestre, extradimensional. Creemos que existen las curas para las enfermedades, pero un paciente curado es un cliente menos. No hay un tema en nuestra música que específicamente hable sobre estos temas, pero definitivamente es una influencia cultural en nuestro desarrollo como artistas.

¿Cómo definirían su sonido? Y ¿Cuales son influencias?

L: Es industrial, potente, con mucho drum n´bass, e influencias de trip hop, blues, hardcore techno, etc. Es difícil definirnos, es una pregunta con la que regularmente nos ponen en conflicto. Recientemente en el SXSW 2016, nos catalogaron como post-industrial experimental synth pop. Influencias que vengan rápido a la mente: The Prodigy, NIN, Robert Johnson, Tricky, Pixies, Amon Tobin, Mr. Bungle, David Lynch.

¿Cómo sostienen el presupuesto de la banda? ¿A que se dedican cuando no están tocando?

L: Renata es Personal Trainer y viaja para cubrir destinos para la revista Forward. Y yo trabajo en una agencia de MKT, hago cuentas, creatividad, eventos, producción. Escribo en las revistas  Esquire y Forward y colaboro en Ibero 90.9.

¿Están de gira? ¿Cuándo son sus próximas fechas? y ¿Qué planes tienen a futuro?

L: Ahora, nada. Estamos creando nueva música, trabajando en nuestro próximo video-sencillo “Nada es lo que parece” y con la preproducción de un short film que se filmará a principios de 2017, con Protocrisis. Adam Rains (@@frinothajino ‬), parte fundamental del crew, vendrá de EUA para llevarlo a cabo. Y si sale algo interesante para presentarnos en vivo, por supuesto lo hacemos.

¿Dónde podemos encontrar su música? Y ¿Cómo podemos seguirlos en redes sociales?

L: En www.protopeople.com pueden ver todo nuestro concepto audiovisual. Les recomendamos ver nuestro canal de Youtube, protopeoplemx, para que chequen las piezas visuales. Estamos en Spotify, iTunes, Facebook, Twitter, Instagram, Vine… Todo como protopeople.

Si les gustó el video de Protopeople no duden en seguirlos en sus redes sociales, acá les dejamos más música de éste dúo chilango.

#NuevosRuidos: El divertido sonido de Monster Waves

¿Qué ha pasado con el surf en esta época? Al hablar de este género lo primero que se nos viene a la mente son bandas como: Los Esquizitos, Los ElásticosLost Acapulco y más, pero no todo el surf en México son ellos, aunque sí sean los pioneros.

Ahora en la  CDMX está sonando una nueva banda llena de sonidos tropicales, diversión y mucha actitud,  aparte de innovadora porque dejan a un lado las máscaras de luchador para transformar el escenario en una playa, ellos son Monster Waves.

¿Qué onda con ellos?

Todo su trip está súper divertido. En primera, su nombre no tiene ninguna historia, sólo un día se les ocurrió y así se quedó; en segunda, su historia comenzó de broma, pues cada uno de ellos tocaba diferentes géneros,  un día se vieron y dijeron: “¿por qué no hacemos una banda de surf?”

Así fue como nació esta propuesta, por eso ellos nos dicen: “salió de chiste hacer una banda de surf, pero al hacer las primeras tocadas y ver que a la gente le gustaba,  nos hizo tomar las cosas muy en serio”.

Apoco sí muy divertidos, ¿pues cómo son sus shows?

Hacen cosas súper ocurrentes y extrovertidas, aquí lo que nos dijeron:  “somos cuatro en la banda, y un amigo “El Pato” que mide 2 m,  él canta y baila con la gente y al combinar sus locuras con la música, todos la pasamos muy bien, nosotros nos disfrazamos y ya tenemos una coreografía, llevamos pelotas de playa y pistolas de agua, el punto es divertirnos con el público.”

¿Están bien loquitos, verdad?  (risas)

A ellos les gusta mucho convivir con sus fans y  nos platicaron que un día hicieron un reto con “El Pato”,  lanzaron una encuesta donde preguntaban: ¿cuántos tacos se puede comer este wey? Entonces grabaron un streaming, por aquí puedes ver los 25 taquitos que se dio.

Esperen pronto la revancha navideña (risas sin parar).

Campu, Campz, Alan, Fabro y Pato tienen una amistad de 10 años, y actualmente se encuentran muy felices con Monster Waves,  pues ellos producen sus canciones, hacen sus propios videos y fotos, y su único objetivo es que la gente disfrute de su música.

Miren aquí su corte para “A la orilla del mar”.

¿Quieres más razones para escucharlos, apoyarlos y ser sus nuevos fans?

Aquí te van tres contadas por ellos:

1.- “Somos una propuesta diferente. No queremos ser unos rockstars, nosotros traemos cosas  distintas, nos gusta el surf porque es tropical, pero nuestra música igual tiene bases de punk garage y otros ritmos”.

2.- “Nuestros shows en vivo son muy divertidos, pues nos gusta que la gente se ponga a bailar en las tocadas,  quedamos muy contentos, es una gran satisfacción y al final es nuestro objetivo que a la gente le guste y la pase bien”.

3.- “Nos gusta apoyar y que apoyen a la escena local”.

¿Adivinen sus planes a futuro?

Sus locas ideas ahora los llevan a grabar su próximo video para “4:20”, esta ocasión en un cine minuto que será acerca de vaqueros. Por eso nos dicen: “para este clip varios amigos van a colaborar, un amigo será el director; ya tenemos un set de pueblo vaquero,  nosotros vamos a grabar, otros amigos serán actores y cosas así. El corte estará listo para principios de noviembre”.

Monster Waves es una propuesta que en sonidos te transporta a la playa y que te comparte música hecha con diversión.

Bailen aquí con su álbum debut:

¡Ah, por cierto!

No olvides seguirlos en sus redes: Facebook / Twitter / Instagram

AWWZ conquista México

Por @Cris Winters

Gemma, mejor conocida bajo el nombre de Awwz ha ganado fama como uno de los proyectos más atractivos de la electrónica hecha en España. Durante el 2016 se ha dedicado a presentar en vivo su más reciente EP, Glid, una colección de cinco tracks, que mantiene la esencia del slowbeat y explora los ritmos downtempo, a la vez que mantiene sus ya célebres voces R&B.

Tras su debut en el festival Sonar Barcelona, donde abrió el show de Junior Boys en la legendaria Sala Apolo y formó parte del mismo cartel que proyectos como Bob Moses, la talentosa española ha recibido críticas positivas. Se presentó en Matadero (Madrid) y Eufonic (Barcelona) entre otros importantes recintos.

Ahora, Awwz recoge el fruto de su trabajo y cosecha éxitos en México y Perú, donde tuvo un set especial en el mítico Museo del Fotógrafo Mario Testino, fotógrafo favorito de las celebridades y la realeza.

Medios tan diversos como Remezcla, El País y i-D concuerdan en que Awwz es uno de los personajes del pop electrónico a tener en cuenta y por eso te recomendamos tenerla en tu radar.

 

#SemanaFriendstiVVal: Elsa Y Elmar, una fresca propuesta colombiana

De Colombia a Boston y ahora en California, Elsa Carvajal, mejor conocida como Elsa y Elmar, nos demuestra el exponencial crecimiento que está teniendo la escena de música colombiana en el mundo.

elsayelmar

Con tan solo 23 años, Elsa dejó atrás a su familia y su Colombia para estudiar Musicoterapia en Boston. En el 2013 grabó su primer EP Sentirnos Bien. Posteriormente, con más experiencia tanto en la música como en la vida, se muda a Oakland, California para grabar su álbum debut Rey con Mateo Lewis.

Ahora, la talentosa colombiana nos sorprende con la increíble noticia de su próxima presentación el 1 de octubre en el Friendstival en la Ciudad de México y en diciembre para el Festival Trópico en Acapulco.

Tuvimos la oportunidad de charlar con ella sobre su trayectoria, sus gustos e inspiraciones y esto es lo que nos cuenta:

¿Cómo fue tu experiencia con la carrera de Musicoterapia?

Es una carrera muy linda que me ayudó mucho a crecer como persona. Trabajé con ciegos, niños con necesidades especiales, viejitos con Alzhéimer y encontré una parte muy espiritual en la música, en donde realmente ayudas y puedes hasta curar a la gente.

¿Cómo llegaste a Oakland?

¡De locos! No me interesaba ni Los Ángeles ni Nueva York. Quería algo distinto y me lancé sin conocer a nadie a Oakland, donde grabé mi disco con Mateo. Poco a poco me he ido adaptando y me encanta.

¿Cómo definirías tu música?

Pues… es lo que tiene que ser. Es libre y muy sentimental. Podría decirse que es una mezcla de synth pop y rock. En realidad no me gusta catalogar mi música. Creo que los géneros son para intentar hacerse una imagen mental de cómo suena algo, y nada más existen para ver en qué chart vas a estar en iTunes (jeje).

¿Qué artistas te inspiran musicalmente?

¡Chance The Rapper es increíblemente inspirador! Es honesto, independiente y transparente. Kevin Parker me inspira musicalmente muchísimo y la libertad al cantar de Ella Fitzgerald, también.

¿Qué opinas de la escena musical en Colombia?

Está súper fuerte y está floreciendo muchísimo. Al inicio era muy débil la escena independiente pero ahora está creciendo exponencialmente, ¡y a nivel internacional!

¿Cómo es la escena de música en San Francisco y Oakland?

¡Muy interesante! Hay mucha gente joven, con dinero, con ganas de shows y de conocer cosas nuevas. Es más alternativo que Los Ángeles, por ejemplo, en donde la escena es más showbiz.

 ¿Qué diferencia hay entre “Sentirnos Bien” y “Rey”?

El mind-set que yo tenía era muy diferente al de ahora. El sonido de antes era poco arriesgado y me daba miedo que no le gustara a la gente. “Rey” refleja una nueva etapa de mi vida mucho más madura. Al grabarlo no pertenecía a ninguna escena ni conocía a nadie, pero así es el disco: arriesgado, fuerte e inspirador.

¿Qué canción de tu disco nos recomiendas?

“Animales Distintos”

¿De qué hablan tus canciones o qué te inspira para escribirlas?

Me inspiran las ganas de conectar con la gente. Me gusta escribir de cosas con las que la gente se pueda identificar. Me encantan las típicas letras de una canción que pones en tu “status” de Facebook… o en tu “nick” o “nub-nick” en las épocas del Messenger.

¿Cuál ha sido tu mejor experiencia en un escenario?

Cuando le abrimos a Coldplay en Colombia. Fue un gran reto porque ser la banda que abre no significa que a la gente le gustes y había más de 40,000 personas, pero nos tocó echarle todas las ganas y demostrarle al público lo que traemos.

¿Qué fue lo último que escuchaste en alguna plataforma digital?

La playlist de Dancehall en Spotify.

Tres recomendaciones musicales:

The Bird and The Bee, Fleetwood Mac y Chance The Rapper.

¿Cuál es tu video favorito?

Michael Kiwanuka “Black Man In A White Wolrd”.

Les dejamos el video de “Planeando el Tiempo”.

Y no se pierdan de sus próximas presentaciones en nuestro país, que seguro pasarán un rato agradable, conociendo música propositiva.

Naces, creces, armas una banda, buscas tocadas, pagas por tocar, mueres.

Este texto es una actualización de un post que el autor publicó el 28 de marzo del 2015 en el blog de Los IMAS.

Cuando inicias en esto de la música es muy fácil que llegues a las manos equivocadas tratando de conseguir un show. Así es esto, buscas desesperadamente una tocada donde más allá de tus amigos, nuevas personas escuchen tu propuesta musical que has trabajado durante meses o quizá años. Lamentablemente, nunca faltan los vividores que buscan aprovecharse de la poca experiencia que tiene uno en cuestión de logística, booking, producción, etc, y “organizan” eventos pay to play.

Muchos, la mayoría (espero), quizá ya saben de qué trata, pero para los que no, les doy una pequeña introducción: obviamente ni la invitación, ni el flyer dirán “ven a tocar, pero tienes que pagar”, bueno, aunque a veces es cinismo rebasa esas fornteras. Estos sujetos se manejan con invitaciones en la que primero te avientan un mega choro de que su evento tendrá bastante exposición, las bandas ENOOORMES con las que compartirás escenario, los beneficios que “gozarás”, y las personas que te verán en ese conciertazo o tocada. Pero al final te dirán: “bueno, sólo tienes que vender 20 boletos de 200 pesos cada uno”, “tienes que pagar 500 pesos de renta de equipo”, “son 100 pesos por integrante”. Pura farsa.

Estos eventos tienen el único fin de echarse un varo a la bolsa a costa de bandas pequeñas con la ilusión de tocar en un buen foro o junto a una banda reconocida. Algunas veces, si no llegas a vender tus boletos, el mero día no te dejan subir a tocar; en otras, si no te cambian la locación “famosísima” que te habían prometido por extrañas circunstancias; también han llegado suceder casos en que te dan una fecha límite para liquidar tu venta de boletos, das tu dinero, al final cancelan el show, y como te dieron nombres falsos desaparecen… naturalmente se quedan tu dinero.

Estamos de acuerdo, cuando empiezas y vas a una tocada tienes que desembolsar una lanita ya sea en gasolina, comida, o cosas por el estilo. Pero al final sigue siendo una inversión para tu proyecto. Lo que está de la chingada es que otras personas abusen de tu música/talento y encima se quieran “inflar “la cartera con ello.

Por más necesitado que estés de querer exponer tu proyecto, no tienes por qué rebajarte a esos niveles y permitir que sujetos que, para empezar, ni le importa un pepino tu banda, abusen de tu banda. Muchas veces hasta son altaneros, y si no cumples con la venta de boletos te tachan de perdedor, y de lo poco que tu banda puede progresar si no puedes vender ni veinte boletos. Quién más perdedor que alguien que se quiere aprovechar del talento de otros.

Lo sabemos, tú música te ha costado horas y horas de práctica, dinero, esfuerzo y creatividad. Nadie puede llegar a prostituirse por la pura necesidad de darse a conocer. Existen muchas maneras de salir a tocar: júntate con otras bandas y busquen un foro para hacer su toquín y de ahí recaudar fondos para invertir en merch o yo-qué-sé. Hay colectivos que también van empezando y organizan tocadas para bandas pequeñas, quizá tengas que llevar un ampli, pero no te obligan a llevar gente ni a que vendas boleto alguno.

Si conoces a “organizadores” o personas que se dediquen a hacer este tipo de eventos no dudes en reportarlos, las bandas nuevas te lo agradecerán y si fuiste víctima, tú hace unos años también te lo agradecerías.

Respeta tu música. 

Acá el texto original.

#NuevosRuidos: Fuego! música llena de diversión

“La música, el amor y el fuego son tres cosas necesarias para el ser humano y no las sentimos; la música te pone a bailar, el fuego te hace emigrar y el amor te hace un imbécil. Por eso la banda se llama así, porque buscábamos un nombre con fuerza, que fuera sencillo y a la vez divertido”, eso nos platica Santiago cuando nos sentamos a charlar para conocer más sobre su proyecto.

Un grupo de amigos conformados por el productor Santiago González de Mina EstudiosEdson Gómez de Tropikal ForeverMiguel Hernández de Rey PilaMarcos Nevraumont de Elipses, David Francis de SimplefiresAldo FoyoAldo Hidalgo Jonathan Angarita conforman lo que ahora es Fuego!

Santiago, mejor conocido como “Chango” fue el primero en dar el paso para formar una banda, pues llegó con las rolas y ya después poco a poco los demás fueron poniendo de su parte, de ahí ya las llevaron a tocar en vivo, y al escucharlas ellos se divierten mucho y esa misma sensación es la que transmiten al público.

En sus canciones encontramos anécdotas que hablan de chavas que se topaban en la fiesta, experiencias que les han pasado y por eso nos dicen:

“Queremos hacer música divertida; aquí es como un recreo de otras chambas musicales y queremos que sea entretenido y especial para que al escucharnos en vivo la gente la pase bien y lo disfruten”.

#LaFiesta es el nombre de su álbum, el cual está lleno de sonidos alegres  y ellos describen su proyecto de la siguiente manera:

Fuego!  es una banda honesta, muy divertida y aunque no parezca, nos tomamos muy enserio todo lo que hacemos”.

Aparte de su álbum, la banda integra otras artes a su carrera y aquí lo explican:

“Nos gusta el arte, y ahorita estamos trabajando con Chula Records, un chavo que hace ilustraciones. Para nuestro disco decidimos trabajar con él, le pasamos las canciones y él hizo una ilustración; imprimimos 100 serigrafías. Y para la gente que es fan, compra su cuadrito y le pasamos un código de descarga en alta y así apoyas el arte de este chavo y la música nueva. Al igual cada canción tendrá su propio cuadrito”.

chularecords

En tres palabras Fuego! es alegre, euforia y felicidad; el disco suena así:

En la opinión de ellos, Fuego! es:

“Un grupo de amigos que se juntan para tocar, lo disfrutan y  se divierten”.

Sí te gustó #LaFiesta, no olviden seguir a la banda en sus redes, Facebook y Twitter.

 

 

#NuevosRuidos: Sistema Sonar, psicodelia xalapeña

Por: Abel Casillas

La capital veracruzana es una ciudad con una tradición cultural impresionante, con muchos jóvenes y por lo tanto mucha música, por eso hay que poner especial atención a las propuestas musicales que de ella emanan.

En ésta ocasión platicamos con Sistema Sonar, un proyecto de rock instrumental  formado en 2013 por: Juan Carlos Sardaneta, Odguer Hernández y Matias Rozat (bajo eléctrico, guitarra y batería respectivamente) éste trío no se va por lo más común (power chords y actitud veraniega) ellos abordan la psicodelia utilizando recursos propios del funk y el jazz con una fuerte carga de rock progresivo.

Sistema Sonar tiene una base rítmica que desborda groove y la ejecución de los instrumentos es bastante limpia (se nota que estos muchachos sí practican con sus escalas y sus rudimentos). Actualmente están promocionando su primer material de estudio titulado SOL, un LP conceptual que incluye diez canciones que nos llevan a viajar por nuestro sistema solar.

Denle click mientras leen la entrevista que les hicimos a estos ilustres xalapeños:

¿Quién fue él que dio el primer paso, para formar la banda?

SS: Fue una cuestión mutua y recíproca, antes de Sistema Sonar existió Funk You. Éramos los mismos integrantes, pero con vocalista, teníamos alrededor de 15 años de edad. La banda terminó y cada quién tomó caminos distintos. Posteriormente nos vimos los tres  y pensamos que sería muy buena idea retomar el camino musical juntos. La experiencia previa ayudó a que la comunicación musical fuera bastante efectiva.

¿De dónde salió el nombre?

SS: Sale de la idea de inspirarnos a través de las impresiones de la vida cotidiana, de tener un pretexto para hacer música instrumental. Sentimos que el cosmos, los planetas  y el universo dan la posibilidad enorme para componer tanto musicalmente como visual y conceptual.

Platiquemos de el concepto del álbum, y el de la banda:

SS: Buscamos trabajar a partir del escucha, la creación y la improvisación. El concepto de Sistema Sonar llama a la interacción orgánica de los elementos. Matías trabajó el arte del disco poniendo una bocina boca arriba y en el cono colocó una superficie en la cual se integraron elementos como agua, leche, aceites y colores. Posteriormente reproduciendo cada una de los tracks el mismo sonido y sus vibraciones formaron imágenes y composiciones adecuadas para el Sistema Sonar. Después nuestro querido amigo Ian Pascal se encargó del diseño gráfico de la portada inspirado en las órbitas del sistema solar y el sol.

¿Cómo definirían su sonido?

SS: Buscamos un sonido orgánico a partir de la interacción e improvisación entre la banda. Lo definimos como rock psicodélico e instrumental, una fusión entre el funk, el rock y la improvisación.

¿Cómo ven la panorama musical en Xalapa? Recomiéndanos unas bandas:

SS: ¡Excelente! Xalapa está llena de buena música, buenas agrupaciones, buenas propuestas y movimiento. La escuela de jazz ayuda a que tengamos músicos preparados dentro del ámbito popular, la escuela clásica también aporta una preparación excelente para músicos que buscan ese camino. Lo que falta en Xalapa es infraestructura y apoyo real al trabajo cultural, es una ciudad que carece de industria y de trabajo en términos generales. Les recomendamos a:

Sonex, Hunab Ku, For Dummies, Guacamole, Aguas Aguas y Animal de Galaxia.

¿Estudiaron música?

SS: En una institución y como licenciatura, solo Juan Carlos estudió y terminó la carrera en Estudios de Jazz por parte de la Universidad Veracruzana. Aunque recientemente tuvimos el privilegio de tener tres becas por parte de Berklee Latino en el Tecnológico de Monterrey de la Ciudad de México, donde Odguer y Matías obtuvieron beca para estudiar un curso en Berklee de Boston el próximo año. Matias estudió la carrera de diseño industrial y Odguer es autodidacta.

¿A que se dedican, cuando no están tocando?

SS: Matías trabaja en su empresa de cacao orgánico CAO, también en Colosal que es en relación a diseño industrial. Odguer trabaja como solista en “Odguer Hernández” y en su agrupación alterna Animal de Galaxia. Juan Carlos trabaja como profesor de bajo en la escuela de música Ab musiq, trabaja como músico de jazz e investigador musical.

¿Qué planes tienen a futuro?

SS: Por el momento seguimos trabajando en la promoción de nuestro primer disco Sol. Planeamos hacer un videoclip de algún sencillo del disco. Trabajar en hacer nueva música e ir más a fondo en el show en vivo.

Si les gusto Sistema Sonar pueden seguirlos aca:

Facebook: https://www.facebook.com/sistemasonarbanda/
Twitter: https://twitter.com/Sistema_Sonar
Instragram: sistema_sonar

MONO regresa con nuevo álbum: Requiem For Hell

Desde el año 2000, la banda japonesa MONO ha editado ocho producciones discográficas, siendo For my parents (2012) el motivo que los trajo al Plaza Condesa hace ya tres años, ahí descubrimos la enorme posibilidad de que nos visiten más seguido, pues tan sólo un año después (9 de mayo de 2014) el  cuarteto de post-rock más desafiante de la industria volvió a nuestra ciudad del caos.

Ahora, la banda promete un nuevo álbum titulado Requiem For Hell, que contará con la colaboración de un gran y viejo amigo, Steve Albini. Éste saldrá a la venta el próximo 14 de octubre. ¿Lo sorprendente? Hideki Suematsu, Tamaki Kunishi, Yasunori Takada y Takaakira Goto nos dan un adelanto del disco. La canción es “Ely’s Heartbeat”, y sí, tal como lo imaginan, la canción incluye la grabación del latido -in utero- del bebé de un amigo cercano de la banda.

Los álbumes de MONO son conceptuales y conflictivos, se han inspirado en el amor y la pérdida, la lucha y la esperanza, la luz y la oscuridad. Ahora, Requiem For Hell abunda en todos ellos para concluir en lo inevitable y universal: la vida; nacimiento y muerte.

La especialidad del cuarteto originario de Tokio, Japón, nos lleva por paseos conscientes del universo, sus alcances musicales en el rock experimental y una carga diferida de música instrumental hacen innecesario el proceso lírico.

Escuchen lo nuevo de MONO y hagan sus apuestas, ¿será que nos visiten pronto?

Sigue a MONO en su Facebook.

#NuevosRuidos: el “love millennial” de The Big Moon

Debo admitir que me considero fan de encontrar nuevas bandas y artistas de género femeninas emergentes que tengan “that something” que las diferencie de las demás, a pesar de llegar a ser para la mayoría solo otra girl band más, sin importar realmente como toquen, la calidad de su música, la frescura de sus canciones o el contenido visual que nos muestran en cada uno de sus videos.

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The Big Moon es un cuarteto de cuatro chicas británicas que traen toda la onda del brit rock como buena banda londinense. Soph Nathan (guitarra y vocales), Celia Archer (bajo y vocales), Juliette Jackson (guitarra y vocales) y Fern Ford (guitarra), llevan más de un año tocando juntas bajo esta atmósfera “grunge” que crean en cada show que dan.

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Se dieron a conocer con “Nothing Without You” y “Sucker” en varios festivales de las islas como Glastonbury, Bushtock, entre otros. Según para NME es una de las bandas que se deben tener bajo la mira esta 2016.  Y justo el pasado 27 de julio lanzaron un nuevo single titulado “Silent Movie Susie”, el cual acompañaron con un video simpático del que nos enamoramos.

Este video te crea una especie de nostalgia al observar a tu muñeca favorita noventera baja una historia de “amor millenial” cómica, que cualquier chica de 20 años puede experimentar en su vida, pero dentro de la doll house por la que siempre morimos de niñas.

Para todos los que son fieles fans de bandas como: Warpaint, Sunflower Bean, Elastica o Hinds, amarían verlas en vivo en México,¿no lo creen?

Puedes escuchar sus otros temas en Bandcamp, Spotify o iTunes.

O seguirlas en su Facebook e Instagram.


#NuevosRuidos: todos somos de fuera, entrevista con CAPO

Tuvimos una charla con Vicente Jáurregui, guitarrista de CAPO, un proyecto ecléctico que rockea en la Ciudad de México. Los siete años de -(no) mala suerte- de haberse conocido, han llevado lejos a “Tito”, Adrián y Vicente en el espectro de la música independiente.

En 2010 publicaron Un Corazón Se Quema y en 2013 lanzaron el EP Florecer. Ahora vuelven con su segundo LP de estudio, Navegantes, del cual ya conocemos “Gigantes” y “Laberinto“. Hablamos un poco de qué va esa nueva placa, qué opinan de la psicodelia, la unión de una banda y también sobre cómo hace falta que en México haya más proyectos audiovisuales que impulsen a la música independiente.

CAPO está conformado por Adrián Reyes en la batería, David Vargas “Tito” en la guitarra y voz, y Felipe Fidel (quien recientemente se une a ellos). “Tito” dio el primer paso para formar la banda, buscando a cada uno para materializar el proyecto. Adrián y Vicente tenían un proyecto alterno y un día, de la nada, “Tito” los visitó para hacerlos reclutas.

El nombre ya estaba definido desde que “Tito” los buscó. “Tiene que ver con que todos somos de fuera, de distintos partes de la República. Yo soy de Michoacán, “Tito” es de Tijuana y Adrián es de Veracruz, entonces hay una expresión que dice de a capo, que tiene que ver con ser de fuera”, recuerda Vicente.

Ustedes se conocieron en la Ciudad de México, dentro de esta fusión de lugares, ¿qué los llamó a crear este estilo ecléctico? ¿Les ha funcionado esta fórmula?

El folk y psicodélico se le ocurrió más a “Tito”, y sí nos ha funcionado.

¿Cuál es una banda que te guste mucho y una que digas no me pasa? Digo, siempre hemos tenido una banda muy amada y una muy odiada.

Yo personalmente amo a Radiohead y a Beach House. Y no sé si odiar a alguien, porque realmente no odio a nadie. Realmente no odio a ninguna banda. A lo mejor no me gusta tanto Panda, por ejemplo, es una banda que no me ha gustado nunca.

En ese sentido, ¿crees que todos tienen esas bandas como común denominador?

Todos tenemos gustos distintos.

Cuando ustedes crean música, ¿qué los une?

Nos une llevarnos súper bien, somos súper amigos. Tenemos siete años de conocernos.

¿Existe ese apoyo de hacer las cosas bien?, ¿alguien se ha descarrilado alguna vez?

Ha habido descarrilamientos, pero generalmente no pasa. Para solucionarlo nos tiramos la mejor buena onda que tenemos.

Digamos que no existieran las redes sociales para darte a conocer. ¿Cómo convences a una persona de que escuche a CAPO? Dinos tres cualidades de la banda.

CAPO es súper honesta.

CAPO tiene autenticidad.

En CAPO decimos las cosas de frente.

Escuché unas canciones de CAPO en inglés y unas en español. ¿Ustedes están a favor del spanglish?

Preferimos cantar más en español, es más nuestra onda. En inglés no nos late.

Ahora bien, ustedes tienen algunos rasgos de psicodelia. ¿Creen que nos regresa al pasado o que estamos dando un paso al futuro hacia nuevos sonidos?

Buena pregunta. La psicodelia es como una influencia, pero realmente no nos sentimos parte de eso, ¿sabes? Realmente somos parte de muchas cosas, la psicodelia sólo es una pequeña parte de eso.

Estamos en un revival de los sintetizadores de los ochenta. ¿CAPO ha pensado tomar parte de esa escuela o prefieren un estilo más analógico, electrónico?

CAPO tiene un chorro de sintetizadores. Siempre estamos interesados en esa parte de buscar nuevas cosas.

¿Cuál es el concepto que buscan transmitir en su nuevo material?

Navegantes saldrá en octubre, más o menos. Trae buenísimas canciones, es lo que nos interesa compartir.

Grabaron el video de “Déjame solo” con los chicos de Around the World in 80 Music Videos. Un visual a blanco y negro que tuvo como locación el callejón del aguacate en Coyoacán. ¿Cómo fue eso?

Fue una sorpresa, nos escogieron junto a Molotov, 60 Tigres y Los Románticos de Zacatecas. Nos encantó hacer ese súper video.

Sí, me pareció más ad hoc con su estilo. ¿Crees que en México hay malinchismo en la música? Muchas bandas se tiran hate. ¿Crees que hacen falta proyectos como éste que se interesen más por lo que hay aquí, lo independiente?

Prefiero no pensar en odio. Prefiero pensar en buena vibra y no clavarme en la parte negativa de nada. Pero sí, totalmente, creo que hace falta más gente que se dedique a darle apoyo al talento local. Hay veces en que hay más apoyo de bandas extranjeras (o gente) que de bandas mexicanas.

¿Qué viene para CAPO?

Se viene la Semana de las Juventudes el próximo viernes 19 de agosto en la Plaza de Santo Domingo a las 4 de la tarde. Los vemos a todos por allá.

Sigue a CAPO en sus redes: Facebook | Twitter

#NuevosRuidos: Llénense de paz con el sonido de Sol Flamingo

Si un día no sabes qué música escuchar y tienes ganas de pasar un momento tranquilo y lleno de paz, busca a Sol Flamingo, seguro ellos lo complementarán.

Su historia comenzó en el 2014, cuando Alonso y Josué se conocieron en una tocada, poco tiempo después decidieron comenzar con este proyecto, del cual Jorge y Aarón también formarían parte. El nombre de la banda se lo debemos a su gusto por la estética de los flamingos,  entonces se dieron cuenta que al voltear ‘Los’ quedaría ‘Sol’ y fue así como se creó el nombre de Sol Flamingo. Algo que les gusta disfrutar de la vida, son los viajes a la naturaleza y a la playa,  a veces suelen ocuparlos como lugar de inspiración para crear futuros acordes en sus canciones.

Actualmente es muy difícil sostener a una banda independiente, pero la forma en la que ellos lo hacen es muy entretenida. Viajan a Tepotzotlán, y como Aarón canta muy parecido a Elvis Presley, se ponen a tocar covers en algunos restaurantes y eso les ayuda un poco a los gastos. A su vez, Josué tiene un estudio independiente y ahí graba a nuevos proyectos; entre todos suman sus esfuerzos para continuar con su sueño.

Aunque sus canciones son melosas y bohemias, no todas hablan de amor, por ejemplo en “Caravana” se inspiran sobre el evento social del 2012 ( La caravana por la paz). Por otro lado, cuando conocimos su EP Vientos Eléctricos, los escuchamos más rockeros, ya que fueron producidos por Gordon Raphael, quien igual ha trabajado con The Strokes y The Libertines. Aunque sí les gustaron las canciones de esa producción, ellos no quedaron del todo contentos con el resultado.

Ahora la banda se encuentra en promoción de “Pintura”, su nuevo sencillo, con el cual regresan con ese toque más acústico y bohemio, como a ellos les gusta y como ellos son.

Caminos en la carretera, naturaleza y playa son algunas cosas que piensa la agrupación cuando escuchan sus canciones; se relajan tanto y disfrutan hacer música.

En su nueva etapa, cada uno aporta su talento a la hora de escribir, componer, tocar, producir y grabar, y es por esa razón que el resultado suele gustarles mucho. Sinceridad y naturalidad es lo que encuentras al escuchar a Sol Flamingo, ya que son una banda de amigos que buscan hacerte pasar un buen rato. Paz y felicidad son los estados de ánimo a los cuales te transportan sus sonidos, siempre acompañados de ritmos acústicos y bohemios.

Gracias a las redes sociales, ellos se han dado a conocer, pues cuando comenzaron ningún medio les quería hacer entrevistas. Síguelos aquí: Facebook / Twitter.

#NuevosRuidos: La oscura melancolía de Negrø

Hay personajes que definen el panorama de una ciudad desde su trinchera y con pequeñas labores que van moldeando la esencia de algún lugar en específico. En una época en la que se vive, vivimos, de los likes, es difícil que alguien lo haga por mero gusto o reconocimiento. Sin embargo, hay alguien que así lo ha hecho con Morelia.

Walter Esaú, siendo un crack

Entre las sombras, la figura de Walter Esaú ha dado forma a la creciente escena musical de la capital michoacana. En el camino ha ayudado a que proyectos como Expedición Humboldt o Axel Catalán se fueran convirtiendo en lo que ahora son. Todo esto como el cabecilla de Sin Futuro Records, siempre oculto y poniendo por delante el éxito de sus amigos antes que el propio, con el único objetivo de hacer de Morelia un epicentro de la creatividad a nivel nacional.

Es precisamente de ahí, desde las sombras, que nos llega Negrø, el más reciente proyecto de Walter. Aquí, finalmente se aleja de su labor de padrino y se concentra en darle fuerza a su mensaje, en una atmósfera plagada de amor, desilusión y la esperanza, en una historia ideal para el soundtrack de una película de vampiros.

Walter Esaú ha sido una especie de titiritero del panorama de Morelia durante los últimos años, pero se siente como si tus proyectos personales no hubieran sido tu prioridad, siempre buscando la exposición de otros esfuerzos sin miedo a dejar los tuyos para otro momento. Una impresión que se pierde completamente cuando escuchamos “Vampiro”, el último lanzamiento de tu proyecto Negrø que fue una muy muy grata sorpresa. ¿Tú sientes que haya en esta nueva etapa, algo que te había faltado antes?

Siempre me ha gustado más invitar a mis amigos a comer a casa, cocinar para ellos e intentar que pasen un rato chingón en lugar de yo ir a fiestas a su casas a disfrutar de la fiesta sin ser anfitrión. Yo creo que eso pasa con Sin Futuro Records, todos son mis compas de muchos años y por fin veo que vamos bajando avión de nuestras ideas pendejas de fama de cuando éramos morros.

Yo no había encontrado el lenguaje correcto para expresarlo, pero me parecía que varios de mis compas sí y por eso al principio del Sin Futuro yo me hice para un lado con mi música, pero igual me subí al barco a intentar echarlo a flote. Así anduve mirando desde la banca cómo se iban gestando nuevos proyectos, mientras encontraba la forma de tirar lo mío.

Lo único que cambio con Negrø es que ya sentí por primera vez que no le estaba mintiendo a nadie con mi discurso pero, sobre todo, que no me mentía a mí.

Para los que tal vez no estemos tan acostumbrados a la vida en Morelia, ¿cuáles sientes que fueron las circunstancias que te llevaron a hacer de Negrø, y en específico de “Vampiro”, un viaje tan denso e introspectivo?

De hecho cuando nació Negrø no vivía en Morelia. Andaba viviendo el sueño chilango con otro proyecto. Tenía una vida ya medio establecida, compartía un hogar con una mujer y hasta tenía una chamba no tan puteada. Luego un buen día todo se fue a la chingada y me quedé sin banda, sin chamba, sin morra y sin hogar. Yo creo que ese quiebre me llevó a componer “Vampiro” que, aunque suene medio fúnebre la rola, para mí es una celebración de haberme levantado de algo que creí que no iba a poder hacerlo. La neta, tampoco es nada del otro mundo. Hay gente que la pasa peor. Yo estaba escribiendo esta rola en un departamento bien culero, sin ventanas, pero de una colonia fresona y tenía varios compas que no me dejaron abajo.

Con completo riesgo de equivocarme, podría parecer que la escena independiente en Morelia creció apresuradamente para después volverse a quedar en los mismos tres o cuatro proyectos que ya conocíamos, y que precisamente habían crecido gracias al apoyo de Sin Futuro Records. ¿Qué crees que esté faltando para que más proyectos puedan llegar a tener esa exposición? ¿O yo estoy mal totalmente?

La escena en Morelia y en muchos lados es un loop: se juntan unos morros, hacen una banda, se toman unas fotos, graban con lo que pueden, tocan en todos los bares de la ciudad y cuando la cosa se empieza a poner seria, alguno o algunos abandonan el barco y no pasa nada más. Eso nos tocó a varios de los Sin Futuro con nuestros proyectos anteriores, y eso nos puede pasar todavía porque seguimos en el camino, sólo que ahora veo a toda la banda más enfocada y más consciente de que este pedo es una cosa de todos los perros días.

Tienes toda la razón con el crecimiento y luego estancamiento de la escena pero creo que es algo que ha pasado todo el tiempo y yo lo he vivido con tres proyectos distintos.

Con gente como el buen Artemio Pedraza de Salvajenada cambiando de residencia a la CDMX, no podemos evitar pensar que la cultura sigue centralizada y que de alguna forma la tirada es emigrar a la capital lo más pronto posible. Desde la trinchera de Sin Futuro Records, ¿crees que esta sea la única opción?

Conozco a Artemio (Arte, pa’ los compas), gracias a que tuve el gran placer de tocar en una banda con él. Su cambio de residencia no creo que haya sido causado en aquel momento por el trabajo que venían haciendo con Salvajenada, sino más bien tenía que seguir con sus estudios, y ya estando allá se encontraron con puertas y oportunidades para expandirse. Artemio es el más carita y famoso de Salvajenada, pero son todo un crew muy bello, haciendo cosas bien rifadas y hasta donde tengo entendido la mayoría reside en Morelia.

No voy a venir a negar que la cultura y la música en específico siguen centralizadas porque eso es una realidad, y no sólo dentro del país las bandas se centran en la Ciudad de México, sino también proyectos de todo Sudamérica emigran a la ciudad haciendo de esta su centro de operaciones y comando.

Lo que te puedo decir es que, por otro lado, aunque entendemos las oportunidades que se abren al mudarte a la Ciudad de México, también estamos convencidos que para llegar a mucha gente podemos hacerlo desde aquí. Es importante no perder de vista que hablamos de nuestra realidad y, por ahora, Michoacán es nuestra realidad. Nos gusta mucho proteger esa particularidad en un discurso que se construye a partir de lo que vivimos y que nos permite hablar, probablemente, de otras realidades diferentes a las que comparten las bandas o colectivos que están chingándole en otro lado.

Es eso y que la neta no sabemos andar tan chido en metro y que las tortillas de la CDMX no rifan, por ende sus enchiladas tampoco. Nos da el síndrome del jamaicón cada vez que nos queremos ir para allá.

¿Qué proyectos vienen en el futuro próximo, tanto para ti, para Negrø y Sin Futuro?

Yo me voy con Negrø un mes en septiembre al gabacho y ando buscando fechas por allá. Este proyecto se va construyendo diariamente y procuro no hacer muchos planes pero sí mucha música.

Con el Sin Futuro Records buscamos movernos como bloque con los cuatro proyectos que somos ahora. Ya hicimos un MiniTour todos juntos y estaría bien perrón llevar eso a muchos lados. Todos los días le pedimos a la virgencita que se recupere pronto Axel Catalán, uno de nuestros hijos pródigos que tiene un brazo fracturado, para que pueda pronto volver a los trancazos.

Pueden seguir al pendiente de Negrø y todo lo que viene para este interesante proyecto en su página de Facebook:

https://www.facebook.com/Neeeeeeeeegro/

#EnLaMira: Cucs de Llum, el secreto mejor escondido de Zacatecas

A pesar de la inmediatez de los servicios electrónicos y digitales que nos brinda la bendita Internet, y aunque muy seguido nos encontramos con muy buenas bandas de la República Mexicana, luego nos cuesta encontrar cosas verdaderamente valiosas de rinconcitos del país. Hace unas semanas, mientras navegábamos por los hashtags de géneros, nos topamos con una banda que en un principio pensamos que no eran de aquí. Vaya sorpresa que nos dimos cuando descubrimos que no sólo eran de México sino que están activos y son del estado de Zacatecas, que a muy pequeña escala ha dado vida a proyectos interesantes.

Cucs de Llum es uno, sino el  secretos mejor guardado de la ciudad. Nacidos de las cenizas de lo que alguna vez fue Expedición a las Estrellas, este proyecto alternó  un tiempo mientras aún existía EALE, ya que fue fundado en 2012. No fue sino hasta octubre de 2013 que dieron sus primeras señales de vida con su EP homónimo, que consta de 3 tracks, el cual paso inadvertido (al menos en el resto de la república). Y aunque ahora siguen en las sombras, y no han tocado mucho ni siquiera en su ciudad, cuando le entramos a su segundo EP Coccum, nos dimos cuenta del potencial que tiene la banda y lo magnífico que suenan, aunque uno de sus miembros nos contó que en vivo suenan aún más denso; habrá que comprobarlo.

Influenciados tanto por el post-rock más agresivo como el de God Is An Astronaut o This Will Destroy You, como por la luz de las luciérnagas que musicalizan e iluminan historias. El uso de máscaras para ocultar el rostro es un concepto que igual en su momento lo hizo Austin TV, sin embargo aquí el eje de esto recae en el anonimato y en la no necesidad de dar la cara porque pues lo que más peso tiene aquí es la música y su esencia sonora. Su sonido viaja entre toques experimentales, con una presencia en el bajo impresionante, las guitarras parecen que van trazando sueños al rededor de estos, mientras la batería marca la pauta para adentrarse de lleno en terrenos boscosos iluminados por la luz de las luciérnagas. Sus dos EP’s los pueden encontrar sin mucha dificultad en Bandcamp y los invitamos a seguirlos en Facebook para estar al pendientes de sus próximos shows y un nuevo álbum que probablemente salga a finales de este año.

Sotomayor le dice adiós a su álbum Salvaje con el video de “Pajarito”

No hay mejor manera de describir a Sotomayor que como una serie de coloridos contrastes tanto sonoros como visuales. Llegaron apenas desde hace poco más de un año llegaron y esperamos, para quedarse. Tras haberse iniciado en un Vive Latino, viajar por Europa cuando apenas y tenían unos meses de haber empezado y lograr entrar no sólo en grandes festivales, sino en los oídos de mucha gente que ahora los sigue a donde quiera que vayan, ya sea en sus shows o sus redes sociales. Continue reading Sotomayor le dice adiós a su álbum Salvaje con el video de “Pajarito”

Red Pilots, una muy nueva propuesta de EDOMEX que debes escuchar. #EnLaMira

El consumo de bandas a nivel local se ha convertido en un ejercicio que crece día con día, al cual se suman tanto bandas como público. Red Pilots es una propuesta bastante fresca nacida en el campus Texcoco de la UVM. Sus miembros Issain (bajo),
Roberto (voz y guitarra rítmica) y Mauricio (batería) presentan una propuesta de rock alternativo un tanto orillada al post punk, influenciada por bandas como Editors, The National o Motorama. Continue reading Red Pilots, una muy nueva propuesta de EDOMEX que debes escuchar. #EnLaMira

#EnLaMira: LE-FLY, electro pop a distancia

Sus caminos se separaron por cuestiones laborales y escolares, pero esto no fue una limitación para dejar de hacer música. Por el contrario, el lazo de amistad se hizo más fuerte y, a través de Skype, estos 3 sujetos de la Ciudad de México se reúnen cada tanto para crear melodías influenciadas por bandas como Phoenix o Chromeo. Con esta descripción es como hoy recomendamos a LE-FLY como nuestro artista #EnLaMira de la semana. Continue reading #EnLaMira: LE-FLY, electro pop a distancia

Los Pinches Fresitas estrenan “Dos, Tres Bien”

Justo hace muy poco nos echamos una entrevista con Los Pinches Fresitas sobre lo que estaban por lanzar y aquí lo tenemos recién  cocinado. Ahora “Dos, Tres Bien” ya tiene video, después de haber sido lanzado como sencillo a través de Soundcloud y plataformas digitales a principios de febrero.

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#EnLaMira: Barrio Chachín, dolor en San Luis Potosí

Tras un exitoso avance con su primer material, el cual los llevó incluso a formar parte del line up del Vive Latino del año pasado, los regiomontanos de Barrio Chachín regresan al ruedo con “Duele”. Este sencillo da paso a un nuevo material que están listos para lanzar este año. El material fue grabado en Panoram Studios con la producción de Klemp Mares de Tralalí Lalá. Continue reading #EnLaMira: Barrio Chachín, dolor en San Luis Potosí

Y los ganadores a los IMAS 2016 son…

Anoche vivimos la novena ceremonia de los premios más relevantes de la música independiente en México. El Cha! fue el presentador de esta edición, quien de manera muy amena y en ocasiones graciosa amenizó la ceremonia entre las colaboraciones y la entrega de los premios de las 20 categorías. Pasadas las ocho comenzó la entrega en el Espacio X del Centro Cultural España, donde, a diferencia de las otras ediciones, los invitados estuvimos de pie. Continue reading Y los ganadores a los IMAS 2016 son…