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#VVideos: Sierra León nos llevó por su Laberinto de Espejos

Por: Abel Casillas

Sierra León es una banda de Nayarit formada en 2009 por: Manuel Castellón (guitarra y voz), Seiji Hino (secuencias y sintetizadores) Juan Zavala (guitarra), Mario Bustamante (bajo) y Kenji Hino (batería), quienes la están rompiendo en el país desde hace ya unos cinco años. Su música los ha llevado hasta Beijing, China al Meet In Beijing Arts Festival 2015 y recientemente los vimos en el Friendstival 2k16.

La música de Sierra León es bastante enérgica, con arreglos rítmicos bien logrados, distorsiones con el drive a tope que contrastan con pasajes melódicos/armónicos muy emocionales y con letras abstractas que siguen una narrativa, como es el caso de su último sencillo “Laberinto de Espejos”, tema que da inicio a su álbum No Somos Los Mismos (2015), para el cual están estrenando video que da por terminada la promoción de dicho material.

Platicamos con Manuel de cómo el cine y la poesía influyen en su lírica, del verdadero origen del nombre Sierra León y de lo que viene para ellos lo que resta del año.

¿Cómo fue la realización del video de “Laberinto de Espejos”?

M: La dirección la llevó a cabo Roberto Celis un chavo bastante talentoso que vive en guadalajara y la producción fue a cargo de Teller Media. Realmente fue un trabajo bastante chido, nos vibró bastante que haya sido en Guanajuato, porque somos fans de la ciudad en primer lugar, y en segundo porque el lugar se adapta perfecto a la metáfora de la canción, que tiene que ver con los laberintos mentales. Guanajuato tiene esa esencia, al ser una ciudad de muchos laberintos, muy obscura, pero que a la vez brilla mucho. Realmente nosotros estuvimos a la distancia del video, como no aparecemos nada más fue estar en contacto. Definitivamente fue una muy grata experiencia y estamos muy felices con el resultado.

¿Cómo es su proceso de composición? ¿Estudiaron música?

M: Todos somos líricos, bueno Mario y yo fuimos los únicos que estudiamos música formalmente, pero hasta determinada edad, la mejor escuela que hemos tenido nosotros fue escuchar un buen de música, todos hemos tenido esa formación. El proceso de composición varía mucho, mas que nada porque cada quien tiene sus influencias y sus ideas. A veces alguien puede llegar con algo y empezamos a desarrollar eso, esa parte es como muy libre a la hora de componer. A mi me toca la onda de las letras, y hasta este último disco, Seiji se animó a aventarse una letra, que es la de “Cuatro Paredes”. Algo que nos caracteriza es que en el proceso creativo no estamos cerrados a ningún tipo de idea, ni existe como una cabecilla, simplemente es como ir alimentando al proyecto, si alguien tiene una idea que la plasme y empezamos a desarrollarla. Es muy interesante también, pues nos gusta influenciarnos de muchas cosas, desde películas, libros, experiencias, platicas, todo tipo de cosas.

¿Qué películas o bandas serían su influencia? Igual, ¿qué autores los influyen líricamente? 

M: De películas, últimamente me he  interesado mucho por el cine mexicano de la época de oro, por ejemplo El Indio Fernández. También me gustan mucho las películas de Paul Thomas Anderson y de la parte lírica me gusta mucho las cosas que escribió Hermann Hesse, José Agustín, Fernando de Paso, Murakami, y por supuesto Amado Nervo, gran poeta nayarita. Va por etapas, pero para este disco estas fueron las influencias, siempre estamos ahí, buscando qué otras cosas ver, qué otras cosas leer y cómo podemos seguir nutriéndonos.

¿Han hecho cambios en la alineación de la banda?

M: Tuvimos un bajista anterior que era Miguel Ahumada, este chavo decidió dedicarse de tiempo completo a su onda que eran los audiovisuales, eso fue cuando vivíamos en Guadalajara hace cuatro años. Ahí fue donde entró Mario, a él yo lo conocía desde Tepic y en ese entonces coincidimos en la escuela, platicamos y se dio bastante bien el cotorreo, por esos tiempos teníamos unas fechas acá en el entonces DF y le dije: “Oye, ¿por qué no nos echas la mano para sacar esas fechas?”. Las hizo súper chingón y a partir de ese momento se puso la playera, desde entonces seguimos juntos en el camino estos cuatro años. Ese ha sido el único cambio en la alineación.

¿Cómo le hicieron para llevar su música hasta China? ¿Qué otras toquines o conciertos han marcado su carrera?

Gracias a que  alguien escuchó la música de Sierra León, algún programador, porque en ese festival hay un pabellón latinoamericano donde llevan artistas cada año. Sí fue una gran sorpresa para nosotros y en realidad no nos la creíamos. De tocadas que nos han marcado, personalmente te puedo decir dos shows que me acuerdo ahorita, más que por el nombre del lugar, es por la gente. La primera vez que fuimos a Oaxaca fue de los shows más increíbles que hemos tenido, la respuesta de la gente, la vibra, el sudor, el baile, fue algo inolvidable; también el ultimo show que tuvimos en nuestra casa en Tepic Nayarit en el Festival Dinamita, fue un gran show, sobre todo llegar a tocar en la ciudad que nos vio nacer, jaja.

¿Qué planes tienen para lo queda de este año y para el 2017?

M: Ahorita estamos bien clavados en la composición del nuevo material. Esperen buenas cosas, porque ahora sí le estamos pegando durísimo, sobre todo creo que estamos en una etapa en la que nos sentimos muy conectados con nuestra música y con las cosas que queremos. Parte del fundamento de Sierra León es hacer la música que más nos emocione, hoy está más vivo que nunca el sentimiento y todo lo que queremos plasmar en nuestro próximo disco está súper presente, eso es algo que me emociona bastante. Tenemos un par de sorpresas antes de terminar el año, viene una sesión en vivo para que estén al pendiente de nuestras redes sociales.

Si te latió Sierra León, ¡síguelos!

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#NuevosRuidos: la revolución sonora de Protopeople

Por: @AbelCasillas

Protopeople es un proyecto de música electrónica formado en 2011, que se caracteriza por hacer líricas directas y beats agresivos, utilizando recursos de géneros como el techno, drum and bass e incluso dubstep. Con un concepto bastante propositivo, Protopeople es uno de esos proyectos que hacen más interesante el panorama musical de la CDMX.

El dúo formado por Renata Castro y Leo Moreno nos presenta en esta ocasión su nuevo video “New Mexican”, tema que refleja rabia e inconformidad contra la clase política de nuestro país y que nos invita a cuestionarnos sobre el rol que jugamos como mexicanos en la era de la hiperconectividad.

Hablamos con Leo sobre cómo las teorías de conspiración han influido en las expresiones artísticas de este siglo y también sobre lo que viene para Protopeople.

¡Denle play y dénse esta amena entrevista!

¿En qué año se formó la banda?

L: En 2011 fue cuando nos presentamos en vivo por primera vez, como dueto, bajo este formato.

¿De dónde salió el nombre?

L: Un prototipo es el primer molde de cualquier cosa que se ha creado.  La originalidad está en peligro de extinción, y es algo que buscamos constantemente, lo único, lo diferente, lo que provoca. Así creamos este juego de palabras, Protopeople, gente única, con un mensaje distinto.

¿Cuántos discos tienen? Y ¿Cuándo los publicaron?

L: Nuestro álbum debut, Protopeople, se lanzó en 2013 a través de Discos Intolerancia. Nuestro nuevo trabajo está listo, pero estamos lanzando sencillo por sencillo.

¿”New Mexican” pertenece a un EP o un LP? ¿Cuándo sale? ¿Ya tiene nombre?

L: Sí, “New Mexican” es parte de nuestro nuevo material, un EP de 7 temas llamado “Muerte y Arte”, del cual hemos presentado ya 4 sencillos, y este es el más reciente. Todo sencillo viene acompañado de su pieza visual, videos desarrollados por Protocrisis; nuestro crew de audiovisual, en conjunto con artistas de diversas técnicas y nacionalidades. Este video de “New Mexican” fue creado en colaboración con FookedonHonix (@morgantj), artista de collage de Chicago.

Platícanos sobre “New Mexican” de donde surge la idea para el tema

L: ¿De qué es relevante hablar ahora, si no es de este gobierno corrupto y pútrido, uno que ofende cínicamente a todos los mexicanos día con día? No hay tema más apremiante sobre el cual expresarse a través del arte, sino este, el de la sangre dura al aire. El del circo del terror que nos invita a idealizar el materialismo y olvidar lo verdaderamente importante: tu esencia original. La matanza de ilusiones, la esperanza sofocada. La rutina necia, forzada, de la búsqueda del dinero. La persecución del poder a costa de cualquier vida. La pus de unos cuerpos más. Escenas y tendencias; digitalismo que confunde y nos empuja aún más hacia la espiral descendente de nuestra sociedad, de nuestras relaciones, de nuestros valores. La seducción del diablo que nos somete, haciéndonos siempre querer más y dar menos. Estos impuestos líderes beben la sangre maldita, regurgitan y tragan de nuevo la sangre maldita, porque no les satisface nada. Demonios menores que traemos cargando en la espalda. El fin de nuestro verdadero potencial como especie está cada vez más cerca. Así, decidimos usar nuestra voz, el arma que tenemos, para decir abiertamente lo que sentimos al respecto: el patético ser político debe morir por fuego. Y esperamos por la llegada de un verdadero mexicano que tema pero no voltee la mirada, que enfrente al minotauro socio-económico-político, que grite ¡basta! Y que, en pos del cambio, ofrezca todo lo que tiene: la vida misma.

¿Que opinan sobre las teorías de conspiración? ¿Creen en alguna en particular? ¿Han influido en su música?

L: Pienso que la realidad supera a la ficción. Es decir, hay tantas cosas que suceden en esta existencia y que es imposible que veamos por el alto número de distractores que tenemos enfrente. Creemos en la inteligencia extraterrestre, extradimensional. Creemos que existen las curas para las enfermedades, pero un paciente curado es un cliente menos. No hay un tema en nuestra música que específicamente hable sobre estos temas, pero definitivamente es una influencia cultural en nuestro desarrollo como artistas.

¿Cómo definirían su sonido? Y ¿Cuales son influencias?

L: Es industrial, potente, con mucho drum n´bass, e influencias de trip hop, blues, hardcore techno, etc. Es difícil definirnos, es una pregunta con la que regularmente nos ponen en conflicto. Recientemente en el SXSW 2016, nos catalogaron como post-industrial experimental synth pop. Influencias que vengan rápido a la mente: The Prodigy, NIN, Robert Johnson, Tricky, Pixies, Amon Tobin, Mr. Bungle, David Lynch.

¿Cómo sostienen el presupuesto de la banda? ¿A que se dedican cuando no están tocando?

L: Renata es Personal Trainer y viaja para cubrir destinos para la revista Forward. Y yo trabajo en una agencia de MKT, hago cuentas, creatividad, eventos, producción. Escribo en las revistas  Esquire y Forward y colaboro en Ibero 90.9.

¿Están de gira? ¿Cuándo son sus próximas fechas? y ¿Qué planes tienen a futuro?

L: Ahora, nada. Estamos creando nueva música, trabajando en nuestro próximo video-sencillo “Nada es lo que parece” y con la preproducción de un short film que se filmará a principios de 2017, con Protocrisis. Adam Rains (@@frinothajino ‬), parte fundamental del crew, vendrá de EUA para llevarlo a cabo. Y si sale algo interesante para presentarnos en vivo, por supuesto lo hacemos.

¿Dónde podemos encontrar su música? Y ¿Cómo podemos seguirlos en redes sociales?

L: En www.protopeople.com pueden ver todo nuestro concepto audiovisual. Les recomendamos ver nuestro canal de Youtube, protopeoplemx, para que chequen las piezas visuales. Estamos en Spotify, iTunes, Facebook, Twitter, Instagram, Vine… Todo como protopeople.

Si les gustó el video de Protopeople no duden en seguirlos en sus redes sociales, acá les dejamos más música de éste dúo chilango.

Siddhartha y el legado del pez que voló (entrevista)

Fotografía: Edwin Lopez.

El camino para un músico nominado al Grammy podría parecer fácil. Lejos quedó el tiempo en que Siddhartha se separaba de su etapa como baterista para comenzar a forjar su carrera y buscar su propio público. Ahora, después de años de trabajo, podría pensarse que finalmente llega la etapa de descanso en la que uno se puede relajar y sentarse a disfrutar del éxito. Sin embargo, para el músico tapatío el camino nunca ha ido por ahí.

Más allá de dormirse en sus laureles, cada que uno de sus discos termina su etapa, es una nueva oportunidad para volver a ponerse retos creativos que lleven su exploración un paso más allá. El vuelo del pez fue un impacto que no muchos esperaban, y más que quedarse admirando la que podría ser su obra maestra, Siddhartha inmediatamente se puso a pensar en cómo superarlo de la mejor forma posible: no preocupándose en hacerlo, sino trabajando como siempre lo hace.

Con un sencillo estrenado hasta el momento, “Tarde”, su séquito de náufragos se muere de ansias por conocer más de su nuevo material. Mientras tanto, Siddhartha está tranquilo de que el fruto de su trabajo seguirá llegando al público que tenga que llegar, y esperando a que este periodo concluya para volverse a aislar en alguna cabaña nueva y seguir haciendo lo que mejor sabe hacer.

Tras el enorme éxito que fue El Vuelo del Pez, la expectativa por tu nuevo material es enorme. Después de las nominaciones al Grammy, el reconocimiento general del público y todas las grandes cosas que llegaron para ti tras este proceso, ¿sientes que este nuevo material es en el que más presión ha existido por mantener esta racha?

En realidad nunca he puesto demasiada importancia en esto. Más bien la secuela que ha venido dejando cada disco es para mí una forma de también asimilar las experiencias y aprendizajes. Más que una presión, es un motivante para hacer más música que me satisfaga y me haga sentir fresco. Las cosas positivas que han traído cada disco podrían hacer pensar que siempre hay que ir un paso adelante del anterior, pero creo que al final todos se han complementado. El vuelo del pez fue lo que fue porque es un disco que tuvo un antecesor del cual también aprendí, del cual también recogí muchos frutos.

Además de ello, el nuevo álbum la verdad es que me dejó un muy buen sabor de boca, me siento muy satisfecho con el resultado. Es un disco que disfruté mucho de principio a fin y que en realidad no lo siento en competencia con ninguno de los otros discos. Sin embargo, por lo menos a nivel personal, sí creo que es un disco que tiene un sabor distinto y que sí es el resultado de los discos anteriores, con el crecimiento que cada trabajo tiene y la experiencia acumulada de los pasados. Entonces no, no me siento amenazado. Por el contrario, más bien me gusta esa sensación de hacer algo distinto. Además creo que este disco, si se tratara de ponerlos en comparativa con los demás, creo que está suficientemente preparado para ser comparado positivamente.

Hace poco leía un artículo, con recomendaciones para músicos nuevos, donde les aconsejaban hacer del proceso de creación parte de la historia que posteriormente iba a vender el trabajo final. Que fuera un proceso fuera de lo común que agregara valor a la historia y eso mismo llamara la atención de los medios. En tu caso, lo has hecho así con tus trabajos, aislándote en cabañas, yéndote a lugares paradisíacos, pero no parece para nada una estrategia de mercadotecnia, sino todo lo contrario. Parece la única forma posible de trabajar para alguien como Siddhartha. ¿A qué crees que se deba este acercamiento tan diferente que tienes con la música?

Yo lo he hecho siempre por tratar de buscar un espacio adecuado e idóneo para la creación. Que al igual que otros trabajos necesitan de una forma, de un lugar, de un estado de ánimo, y en la manera en la que yo mejor reacciono es cuando estoy concentrado o aislado o en un ambiente propicio para poder sacar las ideas y que no haya otros distractores.

En todos los discos lo he hecho y este no ha sido la excepción, también lo hice de distinta manera. Cada uno ha tenido un escenario diferente. Este disco lo hice una gran parte en la playa, otra parte la hice en un pueblito cerca del Lago de Chapala. Como que estos ambientes un poco más relajados y fuera de la tensión citadina a mí generalmente me vienen bien y no ha sido algo premeditado ni mucho menos, sino más bien me he dado cuenta que para un trabajo creativo, o por lo menos en mi caso, es el ambiente que mejor me viene para justo eso, soltar todas las ideas. Y lo he hecho de manera también inconsciente. Empezó como una necesidad porque después de todo el trabajo, los viajes, los shows y demás, como que bajar un poco el ritmo es también necesario a nivel personal.

Un poco sobre esta línea, me llama mucho la atención la perspectiva que tienes del mundo y como lo reflejas en tus letras. Creo que es justo esta temática emocional, espiritual, metafísica incluso, la que te ha hecho tan diferente a muchos otros artistas que no logran una conexión tan real como la tuya con tu público. ¿De dónde surge la necesidad de compartir ese tipo de mensajes?

Yo creo que en realidad tampoco es una cuestión que haga con la intención de transmitir necesariamente lo que creo. Es decir, no estoy tratando de predicar absolutamente nada. Más bien, digamos que yo veo a la música como un instrumento de expresión, y sobre todo a la lírica, y lo que yo hago, e hice incluso desde antes que la gente lo escuchara, es expresar mis ideas, expresar mis pensamientos, las cosas en las que he tenido experiencias, en las que pienso, en las que simplemente intuyo, o muchas veces en las que imagino. Nada de lo que digo aseguro que sea la verdad total, simplemente a través de la música me parece que es un lenguaje de expresión universal y cada quien puede recibirlo e interpretarlo como guste.

En realidad mi motor al hacer música es expresarme, entonces la gente que se ha conectado con esa expresión es libre de aceptarla e interpretarla como quiera o bien de cuestionarla y no hacerle caso también. Agradezco que la gente se conecte con lo que hago, pero no siempre se puede con todos. Habrá quien tenga opiniones distintas y está perfecto.

¿Qué de esto podremos encontrar en tu próximo material y qué detalles podrías compartirnos? ¿De dónde estuviste agarrando para este nuevo disco?

Cada disco ha sido un reflejo de mis etapas personales, y como todas etapas hay un poco de todo. Reflejan tanto temáticas personales que son pensamientos referentes a mi estado de ánimo, a la manera en que estoy viendo las cosas en este ciclo, y abarcan todo tipo de temáticas. Si bien es la primera vez que abundo un poco más en una temática más sentimental, a nivel de compartir con otra persona parte de tu vida, también voy pasando por un montón de cosas diferentes que son en torno a reflexiones del mundo, de la naturaleza, de la vida, de la existencia, y también de mi propia persona. Creo que en ese sentido este disco sí es un poquito más personal en lo que a la lírica se refiere.

Todos han sido muy personales. Siempre han estado narrando autobiográficamente un momento de mi vida pero digamos que ahora soy menos tímido al respecto.

Sabemos que el disco está planeado para estrenarse a finales de septiembre pero, ¿hay algún otro dato del disco y su presentación que podamos conocer?

En esta ocasión vamos a empezar un poco al revés. Vamos a tener presentaciones de la mano de la salida del disco, primero en el extranjero, en Estados Unidos, después en octubre andaremos por Colombia, también en Argentina y Perú, que serán las primeras veces que estaremos por allá. Para noviembre yo creo que ya estaremos presentando el disco por México, por lo pronto en las ciudades más grandes y después nos iremos haciendo todo el recorrido por el país.

Cada que termino un disco hay cierto entusiasmo por saber qué va a pasar con él y suele convertirse en el disco que más has disfrutado y el que más te gusta. Puede parecer una frase repetida por muchos músicos, y por lo mismo procuro no utilizarla, pero sí te puedo decir que este disco, a nivel personal, es el que al terminarlo me he sentido más satisfecho. Con todos los discos he vivido muy en paz y me han gustado, pero creo que este en particular tiene para mí un sabor especial que ya me urge mostrarles.

#NuevosRuidos: Acid Waves, chill vibes desde Mérida (entrevista)

Acid Waves es un dúo yucateco formado por Orlando (sintetizadores, guitarra, voz) y Alfredo bajo eléctrico y sintétizador) quienes se unieron por amor a la síntesis.

Actualmente están dando un tour por varios estados del centro de la república, promocionando Acapulco Love su primer material, un EP que se destaca por la calidad en la síntesis, las líneas de bajo concretas, las armonías bien definidas y las buenas canciones como: “Savages”, “Oxigen” y su más reciente corte “Indian Summer”.

Con un sonido fino y fresco, que por momentos evoca a bandas como: AIR o The Radio Dept., seguramente Acid Waves estarán dando mucho de qué hablar.

Platicamos con Orlando y Alfredo quienes están promocionando su música en la CDMX.

¿Como se conocieron?

A: Pues un día entré a una tienda de música en Mérida y escuché unos sintetizadores bien perros, era el Orlando dándole a un “Moog”. Nos hablamos y dimos un click bien sabroso, desde ese momento no dejamos de tirarnos mensajes y ahí empezó.

¿Como surgió su gusto por la música?

A: Pues, como mi papá siempre estuvo escuchando rock y sus derivados, luego andaban ahí en la casa todos los vinilos, y regresando de la escuela me la pasaba viendo y escuchando LP’s.

O: Cuando estaba en la prepa, se hacía una guerra de bandas. Yo escuchaba el típico “rock “. En ese entonces acababan de darme mi primera guitarra, y cuando salió el concurso, yo estaba bien sobres con armar una banda para competir. La armé con algunos amigos, el evento estaba muy chido, escenario grandote y todo eso, mis cuates gritando un buen, jaja. Ahí me di cuenta que estaba en mí mero mole.

¿Como surgió el nombre Acid Waves? ¿Por qué decidieron conservarlo?

O: El nombre lo dio un artista visual de acá, de Mérida, que se llama Juan Diego Chávez, él es cuate nuestro, vivimos súper cerca y nos llevamos súper suave. También hizo el arte para Acapulco Love.

¿Como fue el proceso de composición y producción de Acapulco Love?

A: Las canciones fueron hechas por Orlando, en un pequeño “home studio” compuso todo el material, se armó las maquetas y las produjo a su manera. Muy DIY.

¿De qué hablan las canciones? ¿Que les gusta transmitir?

O: Los temas son variados, pero la mayoría son vivencias o temas de auto reflexión. Queremos transmitir un sentimiento “chill”, pasarla bien y fresco, con mojitos en el balcón.

¿Cómo sostienen el presupuesto de la banda?

O: La banda no tiene presupuesto, jaja, de hecho este tour que estamos dando podría ser uno de esos “realitys” de supervivencia, jaja.

¿A qué se dedican cuando no están haciendo música?

O: Yo estudio mercadotecnia.

A: Yo estudio artes visuales y también hago bastidores y soportes de arte.

¿Qué planes tiene Acid Waves para el futuro?

El plan siempre será llevar nuestra música hasta donde se pueda, que la gente la conozca, pero así pronto, es hacer más fechas por la república para promocionar Acapulco Love, y en 2017 sacar un nuevo EP.

Si les gustó la onda de Acid Waves pueden escucharlos en su plataforma de streaming de confianza. O síganlos en redes sociales como @acidwaves.

#GirlyTalk: La hermosísima Betty Who nos cuenta sobre su presentación en el Hellow Fest

Por:  @TanDorantes

Descrita por The New York Magazine como una mezcla de “la etapa temprana de Madonna, con tintes de Katy Perry y Robyn, con agallas y confianza”, y por la revista Elle como “tu próxima obsesión pop”, la cantante australiana, Betty Who, es una fuerza creciente que hay que tener en la mira.

Ha construido una base de fans sumamente leal y apasionada con sus primeros EP’s, su innegable carisma y sus emocionantes presentaciones en vivo. Who lanzó de manera independiente su primer EP titulado The Movement, en el que aparece el sencillo principal y favorito de los fans, “Somebody Loves You”, mismo que debutó en el #4 de la lista viral de Spotify. Su segundo EP, Slow Dancing, fue lanzado vía RCA Records y debutó en el #1 del chart de iTunes Pop. Posteriormente, lanzó su primer LP titulado Take Me When You Go, mismo que la llevó a participar en giras junto a Katy Perry y Kiesza.

Mientras se prepara para su segundo álbum de estudio, Betty lanzó un cover de Donna Lewis llamado “I Love You Always Forever”, demostrando la magia que tiene bajo la manga. Checa su video aquí:

El próximo 20 de Agosto se presentará en el marco del Hellow Festival en Monterrey, junto a renombradas bandas y artistas como Flaming Lips, DJ Shadow, Bomba Estéreo, Cold War Kids, entre otros.

Para empezar con el warm up, tuvimos oportunidad de charlar con ella y esto es lo que nos contó:

1) 3 palabras que describan tu música:

B- Divertida, Amorosa y Feliz.

2) ¿Cuál es tu instrumento favorito?

B- He tocado el cello toda mi vida y hasta le fecha sigue siendo mi favorito.

3) Si pudieras ser un superhéroe, ¿cuál serías?

B- El Professor X, de X Men porque conecta a la gente.

4) ¿Por qué decidiste hacer un cover de Donna Lewis?

B- He amado esa canción por tanto tiempo y me recuerda a mi infancia. Decidí hacer un cover mientras termino mi álbum y, ¡no pude pensar en ni otra canción más que esa!

5) ¿Con qué artista de los viejos tiempos te gustaría colaborar?

B- ¡Frank Sinatra!

6) 5 características de tu próximo álbum:

B- Diferente, bailable, emocional, honesto y maduro.

7) ¿Qué te hace diferente de los demás?

B- ¡Soy MUY alta! … Te aseguro que nadie es tan alta como yo, jejeje.

8) ¿Qué es lo primero que pasa por tu cabeza cuando estás en el escenario?

B- ¡Alegría! Siento mucha emoción cuando entro al escenario y veo las caras de la gente en el público.

9) 3 palabras que te vengan a la mente cuando escuchas “México”:

B- Increíble, precioso y caliente… únicamente he estado una vez en México antes, en Los Cabos, así que no sé qué esperar.

10) De los talentos que se presentarán en el Hellow Festival, ¿cuáles te gustan o te interesaría ver?

B- Me gustan mucho los Cold War Kids, Louis the Child, y obviamente quisiera ver a The Flaming Lips pues, ¡son lo más cool del mundo!

11) ¿Qué quisieras que el público mexicano perciba de ti?

B- Quiero que sientan que me conocen, porque así me siento yo. Cuando estoy en el escenario puedo realmente conectar con la gente. Quisiera que el público perciba que soy su amiga… Digamos que soy como el “Profesor X” de la música, jejeje.

12) ¿Cuáles son tus tres artistas favoritos de todos los tiempos?

B- Beyoncé, Joni Mitchell y Ella Fitzgerald.

13) ¿Qué tres artistas o bandas del momento recomiendas?

B- Pretty Sister, Brayton Bowman y The Internet.

14) Tres canciones que te guste escuchar antes de entrar a un show:

B- “Hands to Myself”- Selena Gomez, “Greedy”- Ariana Grande y “Since You’ve Been Gone”- Kelly Clarkson.

¡No te pierdas su presentación en el Hellow Festival ni su próximo lanzamiento!

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Noel Gallagher suelta la lengua en contra de Spotify y su hermano Liam

¿Qué dice Noel Gallagher ante el crecimiento de los servicios de música en streaming? La respuesta la conocimos ayer, cuando el ex Oasis, ofreció una entrevista al diario Toronto Star. Ellos lo cuestionaron sobre su opinión sobre las plataformas musicales, a lo que  Noel respondió: Continue reading Noel Gallagher suelta la lengua en contra de Spotify y su hermano Liam

Will Butler dice que el quinto álbum de Arcade Fire saldrá en 2017

Es un tanto diferente pues todos somos más viejos, gordos y flojos, así que puede tomar más tiempo.

Reflektor llegó a nosotros en octubre de 2013, como nunca antes un álbum de Arcade Fire había llegado: una gran estrategia de marketing y colaboraciones que incluían al mismísimo David Bowie; una verdadera fiesta para darle la bienvenida a su nuevo álbum. Ya han pasado casi tres años desde entonces, recientemente escuchamos algunas cosas nuevas por parte de Will, ejemplo el Policy, que salió el año pasado en México a través de Casete, y hace muy poco lanzó un álbum en vivo llamado Friday Night. Continue reading Will Butler dice que el quinto álbum de Arcade Fire saldrá en 2017

Los Pinches Fresitas, catarsis musical para una crisis personal

Hubo un momento en el que terminé una relación, me quedé sin casa, inesperadamente falleció mi papá. Entonces te preguntas quién eres, qué haces, qué es lo que estás haciendo, si lo estás haciendo bien, si te hace falta algo. Entonces en ese momento me di cuenta que hay poco tiempo y decidí mejor hacer lo que me gusta“.

Los Pinches Fresitas, por más absurdo que suene el nombre del proyecto, por más que las canciones sean de lo más divertidas y ocurrentes, hay un trasfondo muy tanto oscuro y doloroso detrás de “Comencé a Stalkearte y No Puedo Parar” o “Bebimos, Bailamos, Cogimos, Besamos”. Pablo León supo transmutar todo esa pesadumbre, dolor, malos ratos, pérdidas y emociones desgarradoras en algo que lo ayudara a superar el duelo de todas las pérdidas que sufrió casi al mismo tiempo. Les presentamos el contenido de una conversación que tuvimos con el músico, en la que conoceremos un poco más de uno de los proyectos más interesantes que hemos escuchado en tiempos recientes. Continue reading Los Pinches Fresitas, catarsis musical para una crisis personal