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Moonatic presentó su álbum en formato de sencillo y es una joya

La banda capitalina Moonatic acaba de estrenar un peculiar sencillo de 48 minutos, que a la vez es su primer LP. A través de su música reflejan la dualidad que experimentamos en la ciudad día con día: el amor incondicional que tenemos hacia la cotidianidad y los edificios y el inminente deseo de huir a un lugar alejado en la naturaleza. Cada uno de los seis integrantes aporta a las canciones algo especial con su instrumento y estilo, trabajando su sonido que se ve reflejado en la evolución de sus melodías.

Conoce más sobre el proceso que los llevó a Another Sky y viaja con ellos.

¿Cómo surgió Moonatic?
Empezamos hace unos 4 años, antes nos llamábamos Gloom. Teníamos una alineación de 5 y ahora somo 6. Permanecemos 3 de los miembros originales.
Conozco a Fernando desde pequeños, empezamos tocando covers y después a construir nuestras propias rolas. Grabamos nuestro primer EP en 2015 llamado Inner y finalmente este año grabamos nuestro LP que lleva por nombre Another Sky, aunque son canciones que tienen 2 o más años y apenas las pusimos juntas.

¿Por qué un single de 48 minutos?
Todo comenzó como una broma, en primera nos gusta mucho ese sentimiento de tener un viaje al escuchar un disco por completo. No es para escucharlo en una fiesta o en una ida al baño, sino cuando te das un tiempo a solas y escuchas un álbum de principio a fin. Entonces en broma les comenté a Diego de Pedro y El Lobo y a Kevin de INTRSTLRS: “estaría chingón que el sencillo fuera todo el disco” y a ellos les emociono mucho la idea.
De ahí surgió, y está súper bien porque gente que solo iba a escuchar 2 o 3 rolas ya se echó todo el disco.

¿Cómo fue la construcción del material?
Una vez que teníamos listos los temas comenzamos a buscar la mejor manera de unirlas, a la hora de trabajar y escucharlas comentábamos “esto suena así y debe seguirle un sentimiento de este tipo” y así decidíamos como encajaba una tras otra. Por el momento solo está el single con todos los tracks unidos, ya después saldrá diseccionado.

¿Qué te provoca a ti personalmente escuchar Another Sky?
Me pasa que con las canciones que yo hago las escucho tantas veces que no las pienso. Lo que hago es apagar mi cerebro y disfrutar lo que viene, aunque ya sepa lo que va a sonar. El álbum te atrapa y te mete en un trance, es como escapar de la realidad.

Para personas que son ajenas a su trabajo ¿cómo los animarías a escucharlos?
Simplemente preguntándoles “¿hace cuánto que no te das un disco de principio a fin?”
Es ideal para cuando tienes ganas de ponerte tus audífonos e “irte un rato” por cómo está construido este un álbum. Y también por las referencias, nos gusta Grizly Bear, Explossions In The Sky, Radiohead y mucha gente nos ha dicho que sonamos como Pink Floyd, cosa que nos sorprendió pero que ahora se nos hace muy obvio.

¿Cómo recomendarías escuchar el álbum?
Con audífonos y la luz apagada, si eres alguien que en verdad ama la música es un disco que te encantará. Si eres de los que les gusta tener música nada más de fondo, no se los recomendamos mucho. Por toda la producción y trabajo sonoro no se puede escuchar en la lap porque vas a perder un 50% de todos los matices, por lo menos la primera vez, escúchenlo cómodo y con audífonos.

¿Cómo son los shows en vivo?
Siempre es de tocar rolas y acompañarlas con visuales, en el show del 22 en el Foro del Tejedor tocamos el álbum de principio a fin, pero nos dimos nuestros espacios para hacer jams y alargar o experimentar un poco con las canciones. Estamos acompañado de visuales realizados por Fero, un amigo de la banda, y será cosas muy de células, close ups e imágenes súper abstractas que sentimos que va súper bien con la banda.

¿Tienes alguna experiencia curiosa sobre la grabación?
E track 7 Blank, fue una de las primeras canciones del proyecto y se iba incluir en el primer EP, pero decidimos no hacerlo porque sentíamos que aún le faltaba. Ahora debido a los cambios personales el track evoluciono en algo totalmente diferente: primero era solo una guitarra acústica con líneas de bajo que conforme se fueron ampliando el proyecto le fuimos metiendo sintetizadores, mutó y otras cosas que desembocaron en lo que ahora es en el disco.

¿Qué representa el arte del disco?
El cuadro original se llama “Sueño de una ciudad 3”, hecho por el hermano de Santiago, Diego Narvaes. Cuando lo vi me enamoré por sus pinceladas y el grado de detalle muy cabrón que maneja, además que siempre mete algo como post apocalíptico en sus pinturas. Su arte es una combinación de ciudades que les están creciendo hielo o árboles y es algo que al menos yo veo mucho en nuestra música; la escucho y pienso en ello.

Mejores discos de Sony Music en 2017

Residente – Residente

Fecha de lanzamiento: 31 de marzo

René Pérez Joglar también conocido como Residente  se realizó una prueba de ADN para saber quiénes eran sus antepasados ​​y descubrieron que es un ciudadano del mundo por lo que emprendió un viaje por varias partes del globo terráqueo para conocer sus raíces genéticas y sonoras. Con esa premisa, decidió utilizar su identidad molecular para crear las canciones que forman su primer álbum como solista.

Rimas sobre bases tribales, beats y la guitarra frenética de  Omar Rodríguez López . El homónimo, que su creador afirma no es el más original; pero sí el más sincero, fue grabado y producido en Electric Lady Studios de Nueva York.

Musas  –  Natalia  Lafourcade

Fecha de lanzamiento: 5 de mayo

Musas es un capricho musical que permite a la cantautora mexicana volver a su intimidad, este compuesto por 12 canciones que incluyen cinco de autoría de Lafourcade y siete versiones de temas de compositores como Violeta Parra , Roberto Cantoral y Simón Díaz .

El séptimo álbum es un homenaje a la música folclórica latinoamericana donde fue producido por  Los Macorinos  (Juan Carlos Allende y Miguel Peña), el cuatro venezolano y la jarana de  Gustavo Guerrero , el percusionista  Martín Bruhn , así como  Ximena SariñanaJuan Manuel TorreblancaHéctor Castillo y Cheche Alara .

Something to Tell You –  Haim

  

Fecha de lanzamiento: 7 de julio

La mezcla de rock suave como Fleetwood Mac y The Doobie Brothers con el toque seguro de la guitarra y las percusiones, así como los destellos de R & B inundan los temas que conforman el segundo álbum del trío de California.

La producción estuvo a cargo de Ariel Rechtshaid y Rostam Batamanglij , ex miembro de Vampire Weekend.

Unpeeled –   Cage the elephant

 

Fecha de lanzamiento: 28 de julio

“Muchas veces agregas capas de sonido intentando esconder algo detrás, y lo que no ves es que esa vulnerabilidad y esa desnudez puede ser lo más irresistible e interesante de la canción”, asevera Matt Shultz sobre su quinta producción discográfica.

Unpeelded fue grabado a lo largo de una serie de espectáculos intimos en ciudades como Los Ángeles, Washington DC, Knoxville y Nashville en donde la agrupación originaria de Kentucky, Bowling Green se presentó con arreglos de cuarteto de cuerdas y percusiones adicionales. Incluye 21 pistas: 18 canciones curadas de sus cuatro álbumes pasados ​​además de tres covers en los que destacan “Instant Crush” de Daft Punk que el quinteto reversión remplazando los sintetizadores por un conjunto de cuerdas.

 Ayo – Bomba Estéreo 

 

Fecha de lanzamiento: 11 de agosto

Ayo , que en lenguas arhuacas es el nombre de la hoja de coca, fue producido por Chris Castagno  y  Ricky Reed  en Minca, un caserío de la Sierra Nevada de Santa Marta, y Los Ángeles. En él se mezcla la cumbia, la champeta, el pop y el reguetón.

Su quinto material discográfico está formado por 10 cortes. Su primer single “Duele”, cuyo video tiene más de 2,2 millones de reproducciones en YouTube desde su lanzamiento a mediados de junio, es un crudo himno de despecho, que fusiona sus características con sonidos electrónicos y caribeños con ritmos del Medio Oriente.

Pained Ruins –  Grizzly Bear 

Fecha de lanzamiento: 18 de agosto

Texturas, evocaciones, términos cinematográficos y paisajes surrealistas. Pained Ruins es un toque de sobrecarga sensorial en la instrumentación que crea canciones que no son caminos rectos, sino series de zigzags. 

El quinto álbum de estudio del cuarteto de Brooklyn, producido por Chris Tylor y compuesto por una vez canciones, fue principalmente en Allaire Studios y en algunos lugares de Los Ángeles como Terrible Studuos. La mezcla corrió una carga de Sawn Everett y la pasterización de Joe LaPorta en Sterling Sound.

American Dream – LCD Soundsystem

Fecha de lanzamiento: 1 de septiembre

Siete años después de su vencimiento LCD Soundsystem regresa con una mirada al pasado de toques dance setenteros, sintetizadores ochenteros y guitarras chillantes desde su más recóndita esencia punk.

El cuarto álbum de estudio de los originarios de Brooklyn, Nueva York está conformado por 10 canciones y está grabado en varios estudios como DFA Studios, Strongroom Church, Lanark Studios y B-Side Studios.

Concrete and Gold   –  Foo Fighters

Fecha de lanzamiento: 17 de septiembre

El noveno álbum del quinteto de Seattle, que está conformado por una vez canciones, fue producido por Greg Kurstin y grabado en los estudios EastWest de Hollywood.

Rasgueos de guitarras distorsionadas, sintetizadores, autotune, gritos post-hardcore y los estribillos épicos, de esos que nos gustan corear a todo pulmón en un concierto, crean la “versión la Sgt Pepper hecha por Motorhead”, afirma Dave Grohl .

Momentos Corona Capital 2017

Se mira tan cercana y lejana a la vez nuestra experiencia en la última edición del Corona Capital. En la que personalmente y a nivel team WMP disfrutamos sobremanera. Ya sea por los increíbles actos que vimos por primera vez o repetimos, o simplemente por la fórmula Ocesa que siempre termina por funcionar.

A manera de recuerdos de cómo las personas involucradas en este medio mágico musical vivimos estos dos días de caminatas, chelas, Dulces Vero, frío, experiencias ultra sensoriales y demás, les hicimos un recuento más personal de nuestras vivencias. Seguro alguno de nuestros lectores se identificará con más de una. Los aportes son de Bere, Gisela, Monce y Kevin y los ubican por sus iniciales. 😉

SÁBADO

K: Como podrán notar la puntualidad no es una de nuestras cualidades, y aunque intentamos llegar temprano, el primer acto que tuvimos oportunidad de presenciar fue Joseph, unas morritas muy bien arregladitas de Oregón que se robaron bastantes miradas en su presentación. Nos deleitaron con un folk bastante agradable con el que pudimos darle un buen inicio a nuestra aventura.

En el recinto ya conocido podíamos caminar por las curvas y disfrutar de una exposición de carteles (de mis favoritas) de varios artistas gráficos de todo el mundo, encabezada por los ya conocidos Mercadorama (quienes tuvimos en todo momento presente en el festival ya que no faltaron los que vestían la controversial sudadera de “Mexico Is The Shit”).

Entre activaciones de sponsors (nuestro favorito fue tener Dulces Vero pa’ventar pa’rriba) y las áreas de comida (a mi parecer bastante completas) llegamos a Daugther, un acto sublime y un poco fuera de contexto por la hora y el festival per sé, pero bueno, seamos honestos, ¿de qué otra manera podríamos ver a esta chulada de morra en México? Ojalá Ocesa considere traerlos el próximo año solitos.

Ya entrados en vientos gélidos y una que otra chevechita, fui a toparme a los Mogwai, quienes a pesar de que eran una de las bandas que personalmente más esperaba, su show en vivo dejó mucho que desear. Sí, su sonido muy bonito y bien amarrado y todo, pero dónde dejan el dinamismo, ¿un jueguito de luces? ¿Unos visuales pa’contrarrestar que sean unas tablas? Bueno, de menos si cerrabas los ojos y usabas unos buenos tapones pa’los oídos podías dejarte llevar por la majestuosidad de “Rano Pano”.

B: El metro en hora pico no preparó a la gente para lo que viviría el sábado en el escenario Doritos. Minutos antes de que Metronomy subiera al escenario, las personas ya no podían mantener el equilibrio. Invadían torpe y desesperadamente el espacio personal, se mimetizaban como cardumen en olas que violentamente intentan llegar a la costa “el escenario”.

La falta de espacio no fue excusa para sacudir frenéticamente el piso al ritmo de “Back Together”, “Miami Logic”, “The Bay” y “Love Letters”. La intensidad llegó a tal nivel que Joseph Mount, incrédulo, tuvo que pedirle al público que se tranquilizara un poquito.

El cambio de backline entre los ingleses y Cage The Elephant fue un slam colosal sin música, adornado por los gritos de aquellos que se sentían prensados en la multitud. Matt Schultz salió con una bandera de México en hombros, frenético saltaba, bailaba, se revolcaba en el piso, se desprendía de la ropa, bueno, hacía suya la curva cuatro del Autódromo.

En “Ain’t No Rest for the Wicked” la última canción de su setlist, el guitarrista, Brad Schultz se aventó a la multitud, nadando entre los fanáticos. Papeles grises volaron en el escenario. Se despidieron, pero no sin antes prometer que volverían pronto. La brutalidad y entrega en la tarima reafirmó el amor de sus fans y cautivó a los neófitos del garage.

M: Siendo fan o no de los británicos The XX, el live act que traen se disfruta de principio a fin. Rommy Medley, Oliver Sim y Jamie XX se complementan en el escenario de una forma mágica. Durante su participación conmovieron a sus fans entre un viaje de temas nuevos y éxitos.

Su show comenzó con “Intro” junto con “Crystalised”, adentrándonos en un ambiente que solo ellos logran crear. Siguieron con canciones de su reciente producción On Hold, como “Lips”, “Say Something Loving”, “I Dare You”, entre otras.
Su escenario estuvo acompañado de luces y lasers, mismos que contextualizaban una noche llena de suaves melodías junto a la dulce voz de Rommy y los prendidos sets de Jamie XX. Durante su acto Jamie interpretó el cover para “Loud Places” prendiendo el baile en la pista. The XX nos marcó está edición del #CC17, cautivando a todos con su gran talento.
B: Minutos antes de que dieran las once, algunas personas poco a poco comenzaron a irse al escenario Corona para ver a Foo Fighters, los verdaderos fanáticos, esos aferrados que desde Metronomy intentaban llegar hasta enfrente del escenario Doritos permanecieron hasta los últimos segundos en los que Jamie xx se adueñó de la tarima donde realizó improvisaciones repletas de beats, perfectos para doriloquear.
Domingo
G: Todos los actos tuvieron un común denominador en el escenario: la bandera tricolor de México. ¿La razón? Este año no hubo vasos de cerveza brandeados con el arte del lineup oficial, no, este año contenían la leyenda: “Siempre hemos podido”. Porque ni la gente, ni las marcas, ni el marketing olvidan que fue difícil recuperar la normalidad después de lo sucedido el 19/11/17… Volviendo a la bandera, fue muy reconfortante ver que todos los artistas tenían muy presente ese hecho que, fue digno de celebrarse con palabras de amor, unión y humildad. La vibra entre la gente se sintió más cordial, a diferencia de otros años.
K: Dua Lipa fue entre mame, una morra bien entregada y el fan enamorado de su carita toda preciosa. Una chica que a su corta edad sabe manipular un escenario, llevarse de boca a binarios y no binarios y deleitarnos con un show digno de repetirse en un futuro no muy lejano.
Acto seguido estábamos viendo a un Jonathan Pierce bastante amanerado y majadero con sus nuevos bandmates. Creo que no wa olvidar ese momento que después de terminar “Heart Basel” le gritó “¡No!” en el micrófono a su bajista que trataba de decirle algo. La tensión se comenzó a sentir durante los siguientes temas “Days”, “Money”, “Bloody Under My Belt” y no fue hasta “Best Friend” que Pierce se acercó le dio un beso en la mejilla y con ademanes le pidió disculpas a su bandmate, quien en repetidas ocasiones le hacía caras y señas mientras éste se paseaba frente a él cantando. Aún con todo esto logramos disfrutar de una presentación un tanto forzada de The Drums.
Grouplove fue un acto inesperado: una escenografía grotesca (en el buen sentido), una banda de garage con una visión muy clara de su sonido, su interacción con el público y su acto en vivo. A pesar de que sólo logramos ver el final de su presentación, quedamos bastante satisfechos con el desenfreno de su presentación y el recibimiento del público. Justo nos dejó en el mood para recibir algo más melódico y excéntrico: Grizzly Bear.
Lo de Grizzly fue algo fuera de serie. Pa’empezar logramos irnos hasta casi adelante cosa que nos hizo darnos cuenta de la destreza y el dinamismo de sus miembros, ahondaremos sobre eso un poquito más adelante. Resulta ser que estábamos a unas 20 personas de la valla de contención, delante de mí había un homie que se dio un pasón de ¿algo? Y se nos desmayó, lo ayudamos a llegar hasta en frente para que los de seguridad lo llevaran a enfermería y todo siguiera en orden. Frente a nosotros los osos grizzly ya daban muestras de su increíble acto en vivo.
Un Ed Droste muy casual (con pants y hoodie) se paseaba con bailes agradables de un lado a otro, para finalizar en el micrófono y darnos una dosis de vocales que no podemos definir de otra forma que… sublime. En ese momento comencé a valorar el poder de la voz o de un vocalista per se, algo que siempre había infravalorado. No es como que cualquiera pueda cantar y mucho menos lograr ciertos tonos, sino que tu cuerpo es tu instrumento, lo tienes que cuidar, sobre todo tu garganta, pues de otra manera podría serte imposible pararte frente a un escenario.
Mientras divagaba con la importancia de la voz en una banda, ellos ya nos habían deleitado con tracks como “Losing All Sense”, “Yet Again”, “Fine For Now” y la majestuosa “Ready, Able”. El público, en su mayoría fans de Phoenix (que esperaban su turno para cantar y bailar), dejaban a los verdaderos fans de GB cantar y moverse de un lado a otro al ritmo de estas complejas melodías.
Aún me cuesta digerir al 100% este show, cada personaje metido en sus instrumentos, sí, porque nadie se limitaba a uno. Empezando por Daniel Rossen que con guitarra, teclado y su genuina voz nos deleitó en todo el set. No sé ustedes, y quizá estoy diciendo una barbaridad, pero por la destreza, ejecución, perfección y complejidad de sus guitarras, lo podría poner a nivel de guitarristas como Robert Fripp de King Crimson.
Pero la mención especial es para Chris Taylor que en “Sun In Your Eyes” demostró la destreza y el genial manejo de sus instrumentos intercambiando entre bajo y saxofón en segundos. En ese momento pudimos observar a Ed anonadado quien a su vez observaba con risa sorpresiva los cambios que su bandmate hacía en cada parte de la rola, y es que, créanme, verlo hacer malabares con instrumentos era un deleite a la vista y al oído.
Un acto sin precedentes que fácil llega a nuestro top de los mejores del año.
G: Alt-J se queda en el top de mejores actos en vivo con respecto a producción e iluminación. Cada acorde, coro, cambio de melodía, el escenario cobraba vida de mil maneras posibles, esto gracias al perfect timing de las luces. ¿Quién será la persona encargada de esto? No lo sabemos, pero le aplaudimos. Alt-J en escenario Corona Light fue un show que nuestras pupilas no olvidarán.
K: Phoenix junto a Grizzly Bear era uno de los actos que más esperaba en este Corona. Desde Wolfgang Amadeus me convertí en fiel seguidor suyo, aunque debe confesar que antes del WAP y en el Ti Amo no les sé muy bien. El punto es que Bankrupt! es EL DISCO y Phoenix es LA BANDA. Desde que se suben al escenario comienzas a sentir una vibra súper amigable y entregada.

De entrada el increíbles escenario que se montaron fue algo surreal, una pantalla a sus pies proyectaba unos visuales INCREÍBLES que se reflejaban en un espejo enorme encima de ellos colocado como entre 60 y 70 grados para que el público lo pudiera observar en todo su esplendor. Hubo personas que incluso no entendían cómo funcionaba este “proyector” y pensaban que la pantalla era lo de arriba.

Pero bueno, lo mejor viene después. Número uno, nunca había visto a Phoenix, punto número dos, no sabía realmente qué esperar. Pero ellos ya saben bien qué pedo “A ver, Corona Capital, necesito que me des hora y media de show, me pongas a cerrar un escenario y me pagues mi producción enorme pa’darle un show increíble a los mexas que tanto queremos”. Y así fue. Desde “J Boy” y “Lazo” el frío se nos olvidó y al menos hasta donde mi vista alcanzaba a llegar todo mundo gritaba, cantaba y bailaba frenéticamente. En “Entertainment” de mis tracks favoritos del Bankrupt! la emoción recorría todo el cuerpo, no imaginaba que tocarían tantas canciones de ese disco.

La magia de Thomas reside en que canta y medio rapea, sus canciones son de líricas largas y con una increíble métrica y juegos de palabras, eran una cura ver a la gente washawasheando sus letras y tratando de seguir la letra. El piso/pantalla seguía dando de qué hablar, no sé qué onda con el wey que armó los visuales, pero cada canción tenía un juego de luces que empataba con los sonidos de los instrumentos y la voz de Thomas, una de mis partes favoritas fue cuando empezó “Trying To Be Cool”, todo estaba apagado y empezaron a sonar los primeros acordes hasta que llega el sintetizador y su logo se prende al ritmo de éste, no sé si fue por los psicotrópicos que traía encima, pero se me hizo mágico ese momento. Pero mi sorpresa más grande fue cuando tocaron “Drakkar Noir”, mi rola favorita del mentado disco y que jamás creí que escucharía en vivo.
Les decía, Phoenix es esa banda que se puede dar ciertos lujos, o mejor dicho, los que ellos quieran, pues a medio set se aventaron un medley de sus canciones instrumentales “Love Like a Sunset 1” y “Bankrupt!” es como cuando ves a tu banda clavada y esperas que toquen una de las rolas que menos te imaginas, pero nunca llega. Phoenix lo hizo y aunque la gente estaba medio sacada de onda, los que sabían que pedo se balanceaban al ritmo de estos sonidos más atmosféricos. ¡Qué delite!
La fiesta siguió con varias del Ti Amo para terminar la primera parte del set con un “Rome” un tanto atropellada, pero estos weyes saben manejar bien las crisis, y en todo momento involucraron al público con las fallas de sonido para que fuéramos nosotros quienes les diéramos la última palabra de si la viz de Thomas sonaba bien.

Regresaron con “Telefono”, “Flor Di Latte”, “1901” y cerraron la noche con “Ti Amo Di Piu”, para mí el Corona Capital había terminado en ese momento y no pudo haber tenido mejor cierre.

G: para muchos fue un acto digno de headliner, pero para otros fue una presentación exagerada (dos horas y media de show). Billie Joe Armstrong tiene la actitud, eso no se cuestiona, sin embargo, conforme pasaban los minutos, se le veía agotado, sin voz. Eso sí, lograron que el público explotara, cantara y hasta lagrimeara. Lo interesante: tres fans cantaron y tocaron junto a Billie en el escenario. Lo más importante: las palabras de Billie, habló del poder de las mujeres, que son capaces de conquistar el futuro político y social; mencionó la fuerza que tiene México y, lo último, le tiró mierda a Trump. ¡Medallita de oro a Green Day!

#NuevosRuidos: Grizzly Bear – Four Cypresses

Desde que Grizzly Bear anunció la llegada de su quinto álbum, Painted Ruins, el próximo 18 de agosto vía RCA Records y Sony Music, no han dejado de darnos sorpresas que nos quitan el aliento. Primero escuchamos “Mourning Sound” y “Three Rings”. Pues bien, Chris Bear, Ed Droste, Daniel Rossen y Chris Taylor hicieron de las suyas el viernes al soltar un track más: “Four Cypresses”.

Tras dos años escribiendo y grabando once nuevas composiciones sobre Painted Ruins, Taylor produjo el álbum con sesiones que tienen lugar principalmente en Allaire Studios en el norte de Nueva York, y en varios lugares alrededor de Los Ángeles, incluyendo su propio Terrible Studios (tres miembros de la banda ahora viven en Los Ángeles, Rossen vive en Santa Fe, New Mexico).

Grizzly Bear se prepara para ir de gira mundial y pisar México en la próxima edición del Corona Capital. ¡Ya queremos verlos!

Tracklist de Painted Ruins:

  1. Wasted Acres
  2. Mourning Sound
  3. Four Cypresses
  4. Three Rings
  5. Losing All Sense
  6. Aquarian
  7. Cut-Out
  8. Glass Hillside
  9. Neighbors
  10. Systole
  11. Sky Took Hold

 

Grizzly Bear entrará al estudio de grabación el próximo mes

¡Por fin noticias de nuestros compadres de Grizzly Bear! Desde unas semanas la talentosa banda han estado bastante activos, luego de que hace justo una semana ofrecieron su primer show en mucho tiempo. Todo esto se dio en el contexto de un mitin que encabezó Bernie Sanders en Brooklyn. Continue reading Grizzly Bear entrará al estudio de grabación el próximo mes

Grizzly Bear entra al estudio para grabar nuevo álbum

Shields fue la última producción discográfica de Grizzly Bear, la cual fue lanzada en 2012. Después de hacerse presentes para impulsar la campaña del pre-candidato demócrata Bernie Sanders, el cuarteto neoyorquino anunció que entrará al estudio para grabar nuevo material. Respecto a la campaña de Sanders y el nuevo material comentaron que son apasionados de hacer música sorprendente, así como también lo son para cambiar el sistema político de Estados Unidos. De paso, aprovecharon en el siguiente tweet sobre la reciente paternidad del baterista Chris Bear.

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The National estrena una colaboración de lujo para el tributo a Grateful Dead

Después de mucho trabajo, The National por fin lanzará su tributo a The Grateful Dead. El álbum llevará por nombre Day of the Dead y verá la luz el próximo 20 de mayo. El set de 59 tracks contará con la participación de Wilco, Mumford & Sons, The Flaming Lips, Jim James de My Morning Jacket, Sharon Van Etten y Local Natives. Continue reading The National estrena una colaboración de lujo para el tributo a Grateful Dead