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#NuevosRuidos: D’arcy, la evolución de No somos marineros

Este año comencé a traer a bandas extranjeras con el fin de darlas a conocer en el país o que los pocos o muchos fans que morían por verlos alguna vez en vivo (yo incluído) tuvieran chance de presenciarlos en México. Gracias a esto me he dado cuenta de una extraña tendencia entre ellos: nadie quiere ser taggeado en el género math-rock. La cosa está así: a pesar de que sí, por la naturaleza de la música que hacen se puede encasillar en el math (género musical principalmente caracterizado por complejos ritmos y patrones instrumentales) a bandas como Delta Sleep, Totorro o Pretend, no les encanta el label de dicho género, y aunque ninguno me pudo dar una explicación tajante y completa, el punto es que en su evolución podrían dejar o cambiar algunas cosas que no van tanto con el género.

Esto mismo pasó con una de nuestras bandas favoritas del underground en México: No somos marineros, quienes claramente se hartaron de que tanto público como medios los encasillamos como la banda revelación del math en su momento. Y bueno, lo acaban de demostrar en su más reciente álbum D’arcy, lanzado apenas hace unos días a través de su plataforma de confianza Bandcamp. Donde ya no hay math, en lo absoluto, adiós tapping, adiós compases raros, ahora No somos marineros nos muestra un sonido totalmente distinto, en la misma banda, algo que rara vez hemos visto en las bandas independientes del país.

No somos marineros comenzaron por ahí de 2012 con un EP titulado Demo juvenil en vivo, tres rolas en las que claramente se veían influencias muy marcadas en el género de bandas como American Football, Storm And Stress, Sharks Keep Moving, entre otros. De ahí hubo una serie de canciones (que por cierto la mayoría casi nunca se publicaron y/o grabaron en estudio) que seguían esa misma línea, pero poco a poco, incluso en vivo su sonido fue cambiando. Según ellos me contaron por ahí de 2014 (y si la memoria no me falla tanto) que estaban grabando un álbum que seguía esos patrones, sin embargo algunos de los miembros ya no se sentían identificados con esos tapping de guitarras y compases complejos, que decidieron cambiar el rumbo de la banda.

Esto les costó eliminar todo el material que ya habían compuesto, uno de sus miembros salió para seguir su carrera en el audiovisual y empezar un nuevo álbum desde cero. Esto dio como resultado Lomas Verdes, álbum publicado en diciembre de 2014, grabado en Testa Estudio en una sola toma y en cinta magnética. El álbum fue bastante criticado tanto por los puristas y amantes del género, que porque ya no sonaba a math, que porque la calidad dejaba mucho que desear, en fin, esas cosas que pasan cuando alejas a tu público de su zona de confort. Sin embargo, otros agradecimos bastante el cambio y como opinión personal, LV es su mejor trabajo hasta el momento, mucho más allá de la calidad o el cambio (pues sí, sonaba poquito math, pero había más emo y menos tapping) ya que lo que se sentía en esas canciones era honestidad.

Ahora, tres años después de su primer álbum y totalmente alejados de, por ejemplo, una de sus primeras canciones: “Gisaról Profesales”, nos ponen sobre la mesa D’arcy, del cual Carlos (voz y guitarra) comentó en un post en Facebook: “Tres años cocinando esto; ahora es de quién lo escuche, yo puse la mayoria de mí en su realización junto con mis BBS favos Oscar Rubio, Gustavo Farfán, y Andres Gamiochipi”. Un álbum compuesto por nueve tracks en los que incluso dejaron un 90% atrás el sonido de Lomas Verdes, tanto en ejecución como en producción, esta última a cargo del venezolano Miguel Fraino (productor y guitarrista de Cardiel). No somos marineros no sólo cambió de piel, su música incluso podría dejar detrás el nombre de la banda, pero lo que lo mantiene, quisiera pensar, es la honestidad y las ganas de querer hacer la música que les gusta.

Como de costumbre, las canciones tienen títulos ambiguos a las letras y más bien reflejan situaciones muchas veces sin mucho sentido (al menos para sus seguidores) que viven en su vida diaria. Así nos recibe “Los bajos fondos”, donde nos dicen con una voz bien tenue: “olvídate de los gritos, olvídate de compases complejos, déjate llevar por el delay, y en vez de hacer slam, mejor acuéstate un rato a escuchar”. Esto se mantiene en “Je suis un basiur” nada de complejidad, música mucho más agradable para las masas, sobre todo con el revival del shoegaze, que desde hace un par de años mantiene viva la llama. A momentos suben de tono los instrumentos, pero la voz se mantiene, cómoda, sin esfuerzo, haciéndose notar mucho mejor que en Lomas Verdes, ya que allá el esfuerzo por empatar con el estruendo de los instrumentos era mucho mayor. “Andiamo vía” nos deja claro que una de las influencias quizá más grandes —aunque no lo quieran aceptar— está presente; Title Fight, quienes al igual que ellos fueron de mayor a menor, ¿no me creen? Dense el Floral Green y pasen de ahí al Hyperview y díganme si me equivoco.

“Cutlass (’96)” y “D’arcy “son los momentos más melódicos del disco, las influencias emo en las líricas son notorias, una voz a punto de quebrarse nos dice: “Quédate. Puedes verme cambiar. Quédate”. Mientras en D’arcy, el track más largo del disco es un resumen de todo lo que puedes encontrar en el álbum. La batería de Andrés es incomparable, puedes notar al momento su técnica y ejecución en cualquier rola de NSM, mientras que Farfán se queda un poco corto en el bajo con líneas bastante simples y repetitivas, sin embargo las guitarras traen todo ese filin del que les he estado hablando.

Del track seis al nueve la banda va evolucionando hasta llegar a un estruendo, donde nos encontramos con los marineros de hace tres años, enfadados, agresivos, fulminantes, nadie habría podido pedir o esperar mejor cierre en este álbum como lo hicieron con “Eurosport”, la esencia pura de la banda, un momento estás echado en la cama con tu morra escuchando el disco a todo volumen, llega este track y ya estás en medio de una multitud listo para echar el slam y gritar: “Sálvame, no harás nada mejor. Sé que no estás”.

Queridos No somos marineros, sigan haciendo lo que les gusta, evolucionen y/o cambien su sonido tanto como quieran, pero, por favor, no dejen de hacerlo.

Forever Alone Fest x WMP Pt V – A) Vitruvius

Por: @AlmaPinillo

La cabeza hacia el cielo como símbolo de apertura mental, la búsqueda de la libertad mediante los brazos abiertos, y un firme sostén en las raíces con piernas aferradas a la tierra… ¿te suena esta descripción?

Hablamos de “El Hombre de Vitruvio”, la magnífica obra de Leonardo da Vinci basada en el tratado del arquitecto Marcus Vitruvius. Representa las proporciones que podían establecerse en el cuerpo, como la proporción áurea, propiedad presente en los pentágonos.

Es así como el quinto número de la sucesión de Fibonacci llega a nuestro conteo para reunir a los grandiosos proyectos conformados por cinco integrantes. El número áureo tendrá un tratamiento propio con otros cinco equipos.

5.1 – The Polar Dream

La belleza de The Polar Dream (Guadalajara) radica en lo etéreo de su naturaleza. Temas como “Tótem”, “Caballos” y “1806” te conducen a un permanente estado de levitación donde reina la paz. Con tan solo dos álbumes, narran hermosos “Cuentos sin fin” armonizados por la alegría de “Los árboles cantores”. Todo es posible, incluso que una aurora se refleje en tu ventana durante el último respiro. Su colaboración con la Orquesta Sinfónica Juvenil de Zapopan es un gran logro a celebrar con ellos. Resulta difícil no emocionarse con dicho concierto en la presidencia municipal aludida en la cual brindaron una cátedra de emocionalidad creativa. Puedes apreciar su magnanimidad en el Forever Alone Fest III y en la fecha correspondiente a las tierras tapatías durante el “Tupa Tupa Tour”. Vamos a seguirlos en el bosque. Por cierto, muy pronto podremos conectar con Viva México, su tercer disco.

5.2 – Moontauk

Uno de los cuentos del “Bosque perdido” es el relativo al desarrollo de la tecnología, apreciable bajo la luz de la luna y el abrigo de Moontauk (Estado de México). ¿Seguimos siendo humanos o nos hemos convertido en “Humanoides”? Esa y otras cuestiones plantea este grupo de causales seres en su EP homónimo, quienes recrean espacios astrales para viajar en aras de encontrar respuestas. Con la cabeza hacia el cielo para develar los misterios de las estrellas, “Digital Native” te dirige en una travesía por el Cosmos. Mediante momentos de tranquilidad que progresivamente se convierten en apabullantes notas, terminarás en un colapso de emociones durante sus shows. Con cada vuelta al sol, su sonoridad evoluciona, y la exploración se amplía hacia otros confines del Universo. Esperamos develar los secretos resguardados bajo la luminiscencia de una mente cautivada por el sutil roce de “Lux”, track b-side de su siguiente material.

5.3 – By Olympic

En la naturaleza, existen ciertos patrones de simetría repetitivos, como la pentarradial, donde hay cinco ejes. Metáfora a la cual alude By Olympic (CDMX), un grupo de amigos tratando de generar su propia voz dentro del math rock. Cuentan con un Demo publicado en Soundcloud, conformado por cuatro pistas, las cuales te hacen pasar agradables instantes. “Yvetail” y “Yellow Trap” rememoran a las flores de cinco pétalos, ensamble adecuado para recibir la energía del sol. “We Are Outsiders” y “Episode II” aluden al pentamerismo de las estrellas de mar con sus ejes acoplados para dar soporte y estructura. “Open up your mind. You will see a Red Town… Red Town” es la invitación a la escucha del último sencillo que compartieron. Estaremos al pendiente este año para ver hacia donde se dirige su música.

5.4 – DJ Perro

Los brazos abiertos hacia la libertad de experimentación describen el trabajo de DJ Perro (Puebla). Una fusión de personalidades, sonidos y perspectivas son parte de esta joven propuesta. Con apenas un año de vida, se han presentado en diversos escenarios, impulsando a San Martín Texmelucan. La amistad generada entre ellos y con otras bandas, e indagar en nuevas texturas, son parte de sus características. Para conocer su armazón instrumental, tendrás que esperar a que el Instituto Tecnológico de Estudios Superiores de Monterrey (ITESM) termine la mezcla. Mientras tanto, matemáticas, ritmos alegremente latinos y más nos esperan el próximo viernes en el showcase del FAF, al lado de Aves y De Algún Tiempo a Esta Parte. El sábado acompañarán a Jean Loup en la fecha poblana del “Tour Quivira 2017”. El domingo andarán con El Toro y más en su ciudad de origen. Para finalizar la alborotada jornada, cerrarán el “Tupa Tupa Tour” en Xalapa el 19 de febrero, a lado del For Dummies, Mylets y Totorro.

5.5 – Fake Designers

La cuadratura del círculo es otro de los enigmas inmersos en la obra de Da Vinci, plasmado en la esencia de Fake Designers (CDMX). Este complejo dilema matemático tuvo una respuesta filosófica que remite a la existencia y naturaleza del hombre. Así como lo expone la potente propuesta de los diseñadores de ideas falsas. cinco espectrales figuras crean un remolino que transforma el entorno, destrozándolo para volver a construir. Álbumes conceptuales, historias detrás de cada canción. Narrativa. Es una fiesta de la imaginación. Silent Revolution (2016) es duro, directo, conciso. Rememora batallas sutilmente violentas. Y poco a poco, llega la calma, produciendo un vaivén de sensaciones. Y qué decir de On the Side of the Sky (2011), una seductora odisea por “Septiembre” hacia la persecución de mariposas, “Desde Dentro”. Si te dejas arrasar por su tornado, puedes deleitarte de su fuerza en Tlaxcala el 3 febrero, durante el showcase a cargo de Awful Traffic. Y la prefiesta del FAF en CDMX el 17 de febrero, organizada por Infinite Noises y North City Music.

Forever Alone Fest x WMP Pt IV – A) Invierno

Por: @AlmaPinillo

El ambiente gélido se ha apoderado de la ciudad, nos incita a disfrutar del fuego del hogar. La cristalización del entorno produce involuntarios movimientos: tiriteo corporal acoplado al descenso de la temperatura –resistir o ceder-. Un cambio de fase en la materia es preciso antes de llegar al sol.

El invierno está aquí. Con la muerte viene el renacimiento. Y los sonetos de las 4 estaciones de Vivaldi cobran fuerza. Es turno de los cuartetos hacer presencia en nuestro conteo.

4.1 – Olivent

El rock instrumental de Olivent (Estado de México) plantea una Batalla. Enfrentar a la constante “Invasión” de los Monstruos a los que tememos —no precisamente externos— con potencia medida en “Decibeles”. ¿Aceptas el reto? Su álbum debut decidió hacerlo. Tomó el tiempo que debía tomar producir este compilado de nueve fantásticas piezas, ensambladas para concebir historias únicas en cada canción, o enlazadas, como tu imaginación prefiera experimentarlo.

Temblar helado entre las nieves frías
al severo soplar de horrido viento,
correr golpeando el pie cada momento;
de tal frío trinar dientes y encinas.

4.2 – Endless

Bajo la promesa de una constante evolución, Endless (CDMX) seduce a su mundo post metal/post rock, dando fuerza a las palabras cuando éstas los necesitan. Recrean una ambientación emotivamente rítmica con el público. Vibras con ellos. Su más reciente lanzamiento, que forma parte del EP próximo a estrenarse, alude a aquél paseo sobre el hielo de “Eterno resplandor de una mente sin recuerdos”, inestable, proclamando The Possibility That Love Is Not Enough.

Pasar al fuego alegres, quietos días
mientras la lluvia fuera baña a ciento;
caminar sobre hielo a paso lento
por temor a caer sin energías.

4.3 – Vinnum Sabbathi

La cristalización de la nieve depende de factores tan irregulares que es extremadamente improbable existan dos copos iguales en la naturaleza. Así como lo es encontrar otro concepto doom/stoner metal similar al de Vinnum sabbathi (Estado de México). Tal cual copos de nieve, cada composición adquiere una estructura propia, lo cual se refleja en Gravity Works, su más reciente producción. Un gran compilado aludido con grandes referencias extranjeras donde se plasma el resultado de la exploración humana por el universo, hasta el colapso del mismo.

Fuerte andar, resbalar, caer a tierra,
de nuevo sobre el hielo ir a zancadas
hasta que el hielo se abra en la porfía.

4.4 – Dotzd

Por otro lado, en la noche más larga del año, cuando inicia el invierno, Dotzd (Estado de México) nos seduce a inspeccionar el maravilloso mundo de los sueños. Conducirte al inconsciente para obtener un conocimiento más profundo e íntimo de ti, es resultado de su densa dosis musical. El entramado laberinto que recrean en cada canción permite experimentar estados alterados que terminarán en una inminente calma.

Oír aullar tras puertas bien cerradas
Siroco, Bóreas, todo viento en guerra.
Esto es invierno, y cuánto da alegría.

4.5 – Monoceros

Como una constelación en el nocturno cielo invernal, Monoceros (Nayarit) es el acompañante ideal para un incesante recorrido por la ciudad. A pesar del constante ruido exterior, logra penetrar los oídos para sumergirte en “Luces de catarsis”. La batería guía nuestro andar, mientras que los demás instrumentos trazan el sendero para crear un firme paso dentro de la inmensidad. 10 años de existencia se concretarán en febrero de este año, ¿la magia de los palíndromos volverá a renacer? Esperaremos pacientemente hasta descubrirlo, mientras la primavera acecha para la siguiente entrega: “Tú eres buenas noticias (para mi…)”.

#NuevosRuidos: Olivent, cerveza, amigos y rock… instrumental

Por @CrisWinters

Integrada por Francisco Jiménez, Sergio Barquet, Benjamín Antúnez y Daniel Barquet, Olivent es una banda de rock instrumental originaria del Estado México.

Su historia comenzó como un juego entre amigos, pero con el tiempo evolucionó en una agrupación profesional.

“En la secundaria conocí a Paco y a Benja. La banda se formó hace cinco años, por ahí de enero o febrero del 2013. Primero lo tomamos de relajo, pero luego comenzamos a tomarlo en serio. Nos cambiamos de nombre porque creíamos que necesitábamos algo más formal. Olivent es un anagrama de “violent”. Nos gustó que no sonaba como algo conocido. Además hay pocas bandas cuyo nombre empiece con la letra ‘o’”.

Ya que ensayaban de manera formal, iniciaron un proceso de composición también más serio. Prepararon canciones con la estructura básica y componían con el  metrónomo, pues los miembros de la banda tienen formación musical académica. Además, sus influencias son tan ricas como variadas.

Va Olivent.

“Tenemos influencia de Austin Tv porque es lo que escuchábamos en la secundaria y la prepa. Nos gusta el folk, también Minus the Bear. Sus guitarras son nuestra referencia. Además mi abuelo cantaba rancheras, escuchaba boleros. Él me enseñó a tocar la guitarra. En cuanto a la composición, todos formamos parte del proceso. Alguien trae una idea o un riff y luego lo modificamos”.

Otra de las cosas que diferencia a la banda es que su alineación es poco común. Es instrumental así que no tiene vocalista pues jamás les latió la idea del frontman famoso. No es como concibieron la banda.

Además, nada los detiene, pues al no contar con presupuesto para su primer disco, se las ingeniaron para grabar su álbum en SAE. ¿Cómo? Un amigo de los estudia ahí y fungió como productor. Pero eso implicó que tardaron literal años en terminarlo, pues a veces el estudio estaba ocupado o tenían que grabar de madrugada cuando nadie más lo usa. Otro reto fue que al inicio el público de las tocadas donde suelen tocar bandas de covers no entendía su concepto, pero ahora tienen una creciente base de fans.

Actualmente la banda espera dar a conocer su disco debut en vinyl, seguir en tocadas y deslumbrar a los asistentes de la posada de los Los Júniors, fiesta que se llevará a cabo el 15 de diciembre en el Foro Niza 40, cuyo line up conforman no sólo Olivent sino también proyectos como Hawaiian Gremlins y Mint Field.

Juan Son lanzó nueva música y el Internet no se ha vuelto loco, ¿o sí?

Desde el lanzamiento de Mermaid Sashimi en el no tan lejano 2009, el fugaz proyecto de AEIOU con Simon Pace de Blonde Readhead poco tiempo después, y la triunfal presentación junto a Porter en el Vive Latino de 2013, mucho se había especulado sobre nuestro querido Juan Son. Que si vivía en una comunidad sin acceso a Internet en Oaxaca, que si se volvió cristiano, que si Wikipedia lo declaró muerto, que si se quedó en el viaje, en fin, por ahora lo único que sabemos es que regresó, de la única y mejor manera que lo podía hacer, con música. Y sí, también se hizo cristiano (y lo deja muy en claro en este nuevo material).

Trepado en Spotify podemos encontrar el álbum 7 del grupo 7, that’s it, no hay más. Así es como Juan Son proclama su regreso, con tracks que nos recuerdan esos videos que subía a YouTube, donde con su guitarra y unos juguetes le cantaba música —que jamás estuvo en otro formato— a sus fans. Con títulos de una sola letra, Juan, Musgo o ahora 7 nos presenta 13 temas de no más de 2 o 3 minutos de duración. Cabe resaltar su devoción hacia Dios, pues al principio o al final de algunas canciones hace una pequeña oración o agradecimiento. El álbum nos da dos pequeñas pistas de lo que pasa con Juan en estos momentos, todo gracias a la numerología: para empezar el número 7 habla de la búsqueda del perfeccionamiento intelectual y espiritual, a su vez representa lo sagrado que se enlaza con lo divino y lo humano. Por otro lado el total de las canciones son 13, a nivel simbólico el XIII es el arcano de la muerte, que en esoterismo la muerte no representa  precisamente algo negativo, sino que es una evolución a un estado superior del ser.

Parece ser que Juan encontró durante estos años un nuevo camino de vida, más cerca de la divinidad y lo sagrado, y este álbum representa perfectamente esta faceta, más que musical, de vida de uno de los personajes favoritos en la música mexicana. “Espíritu bueno / dame de tu amor / llévame a lugares / todo es tu creación / tú cantas a través de mí”.

#NuevosRuidos: El adiós a la playa y el nuevo camino para LAWALL

Por Uriel Delgado (@olalloyo)

Fue hace ya dos años que las camisas hawaiianas y las guitarras melosas invadieron la escena musical mexicana. Entre el surf, el jangle pop y el repentino amor por Mac DeMarco, muchos proyectos con estas características comenzaron a surgir en nuestro país y parecía que así iba a seguir por un buen rato. Sin embargo, poco a poco se empezó a diluir ese entusiasmo y sólo unos cuantos grupos que en verdad se afianzaron en su proyecto pudieron salir adelante, y no sólo eso, sino verdaderamente comenzaron a hacer despegar su carrera. Entre ellos, están los chicos de LAWALL.

Y no podemos decir que sean los supervivientes de esa corriente, sino todo lo contrario. Fueron ellos los que le dieron vida a un movimiento que parecía no encontrar su camino más allá de una moda y comenzaron a crear una escena propia que los hiciera crecer no solamente a ellos, sino a su estado natal, Colima, y las ambiciones de muchos músicos jóvenes que creen que no se puede hacer música en nuestro país.

Ahora, dejando atrás el proceso de Playa de los 90 Vol. 1, su álbum debut, la banda formada por Tavo, Enzo, Alberto, Xavier y Oscar comienza a forjar su propio camino en busca de esa esencia que sólo el tiempo y los golpes de la vida te pueden dar. Nos sentamos a platicar con Enzo y Alberto sobre lo que ha sido su crecimiento hasta ahora y qué es lo que se viene para estos chicos de Colima, para los que muy pronto el estado más chico del país les quedará muy corto.

¿Qué es LAWALL y qué los hace diferentes a otros proyectos que existen en la actualidad?

Enzo Borja: Somos de Colima y hace tres años que estamos trabajando en este proyecto. Empezamos grabando una serie de demos que después salieron en nuestro álbum debut, La playa de los 90s, y todo empezó como un proyecto de amigos. De esta forma LAWALL fue como nuestro respiro para deshacernos de nuestros problemas, del ritmo de esta mini ciudad en la que tienes que estar estudiando, trabajando y haciendo mil cosas todo el tiempo. Entonces el entrar a un cuarto de ensayo era entrar a un mundo creativo donde el tiempo volaba y eso es lo que nos terminó uniendo. Y ese es el concepto de LAWALL, la pared que divide tu mundo creativo de tu mundo cotidiano.

Esto se tradujo a grabar el Vol. 1 de La playa con Aldo Muñoz, que fue el productor de Siddhartha, Caloncho, entre otros, y lo que hizo que comenzara a haber un poco más de ruido en torno a la banda, que los medios comenzaran a buscarnos, que pudiéramos poco a poco salir de gira y eso es lo que nos tiene aquí. Ahorita ya vamos cerrando ese proceso, que va a terminar con el video de “Años 90”, el último que nos faltaba, y empezaremos a promover el nuevo material que estamos preparando. Hasta ahora, eso es LAWALL.

¿En qué influyó el que sean de Colima con la perspectiva que tienen de las cosas? Más allá de reflejar la tranquilidad de la playa, con todo lo que han hecho pareciera que eso mismo los motivó a hacer más, tanto con LAWALL como otros proyectos que han llevado por allá, como el Artney Festival.

Alberto Herrera: Tiene congruencia que tengamos un disco que se llama La playa de los 90’s con el lugar en el que vivimos, porque realmente es un paraíso en el que nos podemos concentrar para componer. Y también es un punto de oportunidad ya que el que no haya mucho movimiento o una escena musical definida nos permite, en este caso a Enzo que es quien organiza el Artney Festival, llevar nuevos sonidos a Colima y también hacer amistad con otras agrupaciones para nosotros también poder movernos a otros lados. Bandas que difícilmente podrías encontrarte en Colima por casualidad. Por eso Enzo empezó a desarrollar este festival para poder llevar estas bandas para allá y empezar a crecer una escena que en realidad no existía. Entonces nunca lo vimos como algo negativo, sino como un punto de oportunidad para crecer.

¿Y ustedes han visto que sí ha continuado creciendo después de estos esfuerzos individuales?

Enzo: Definitivamente. Nosotros siempre nos hemos clasificado como una banda amiga, que tenemos conocidos en muchos lados y que procuramos seguir trabajando con la gente que nos apoyó en algún momento. Justo ahorita estamos trabajando con Diego Rangel, el bajista de Porter, para producir nuestro siguiente material, eso siempre es algo que hacemos. Nos volvemos amigos de la gente y después los invitamos a que le caigan a Colima y que ayuden a que crezca. Es el estado más pequeño del país, no sólo en tamaño sino en muchas cosas, entonces para nosotros ha sido un gran reto el hacer eventos, el venir a la Ciudad de México, pero todo nos ha ayudado a crecer. Lo notamos cada que venimos acá, porque cuando nos presentamos y vemos a la gente cantando, sabemos que todo el trabajo finalmente está germinando.

Alberto: Y también ese esfuerzo genera una energía que atrae a otras personas. Por ejemplo, nuestro próximo video, “Años 90”, lo estamos trabajando con un amigo de Colima que está haciendo algo muy parecido a LAWALL pero en la parte de cine independiente. Él hace cortometrajes, el último ha pegado mucho, se llama El ocaso de Juan, y entonces estamos haciendo una sinergia en la que personas de Colima o de otros estados se van sumando. Y creo que para eso es el arte, para compartirlo y poder trabajar en conjunto con otras personas.

Enzo: Y que de alguna forma al final el éxito del artista no es la venta de discos o cuanta gente te va a ver, sino el hecho de poder compartir tu trabajo con personas con las que estás orgulloso de trabajar. Para nosotros antes Porter era uff, inalcanzable, y ahora estamos trabajando directamente con ellos. Entonces creo que esas son justo las cosas que van surgiendo de esas sinergias que fuimos creando.

¿En algún momento les ha llegado a pesar ese papel de ser una especie de estandarte para este movimiento en Colima?

Enzo: Pesar no, porque ha sido muy padre el poder darle un alcance más grande a esto. El secretario de cultura nos ha estado apoyando mucho con viajes, transporte, y vemos que eso hace que mucha gente vea que sí se puede. Entonces más bien para nosotros ha sido una motivación porque llegan muchos chavitos y nos preguntan cosas y les ayudamos. O igual, en Colima nunca había conciertos, hasta la fecha es difícil, pero haciendo los nuestros creo que se han dado cuenta que sí se puede, pero hay que chambearle.

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Estos pasos que ha tomado la carrera de LAWALL, ¿los han hecho querer dejar todo atrás e irse a otro lado a buscar su sueño o más bien quieren seguir haciendo crecer su lugar de origen?

Alberto: Yo creo que de alguna forma sí estamos persiguiendo ese sueño, de algún día poder movernos a otro lado con nuestra música, porque a fin de cuentas siempre vas a querer llegar a más gente. Por eso ahorita estamos trabajando mucho en la parte artística. Enzo ha funcionado mucho como un mentor de la banda y nos motiva mucho a crecer. Todo el tiempo nos está picando las costillas diciéndonos que hay que leer, hay que ser artistas, hay que conocer la escena en la que estamos pero no sólo la música, sino voltear a ver la pintura, la danza, el cine, y eso es un crecimiento personal. Al final, si nos vamos a estar moviendo en el arte creo que tenemos que conocer al menos lo básico de otras disciplinas porque eso al final va a generar que nuestra persona crezca.

Enzo: Y también hay que recordar que estamos en un mundo globalizado en el que el internet y los medios nos hacen pensar que estamos muy lejos de Coachella y no. Realmente yo creo que cualquier banda de cualquier estado, si sabe trabajar un poco, puede lograr cosas muy grandes. Y yo le tengo mucha fe a eso. Mucho tiempo estuvimos pensando en irnos a vivir a Guadalajara o a la CDMX para subirnos a ese ritmo de trabajo, pero al final creo que podemos estar muy tranquilos en la playa sólo sin dejar de tomar en cuenta qué es lo que queremos, que es mejorar nuestra música y nuestra obra. Seguimos trabajando en dominar mejor el escenario, en nuestros visuales, y en general en llevar a LAWALL a una etapa más profesional para comenzar con todo lo que será el Flores y Leones, que es nuestro nuevo disco, y que queremos que refleje todos estos cambios que hemos tenido.

Justo hablando de lo que viene para la banda, ¿por qué línea irá este nuevo disco? ¿Seguirán con el sonido que ya conocíamos o van a explorar nuevos caminos?

Enzo: Creo que este disco sí va a ser mucho más… No quiero decir oscuro, porque no es gótico (risas), pero sí tiene un sentimiento diferente a nuestro trabajo anterior. La banda vivió un suceso medio gacho, o muy importante aunque nos haya afectado, porque un ser querido falleció. Entonces para nosotros Flores y Leones fue un viaje que nos hizo sentir ese proceso de muerte. Al final la muerte te marca, te da una experiencia como persona, te enseña, y creemos que este disco es eso, una enseñanza a nosotros mismos, un disco muy introspectivo, pero a la vez muy ruidoso y lleno de energía. Es rockerote. No es indie pop ni un sonido playerón, sino que sí le metimos más sonidos oscuros, más experimentales. Sí tiene un rollo más grande y más teatral.

Alberto: También hubo esas ganas del grupo de querer comunicar algo más allá de lo que hicimos en La playa. Recuerdo una vez a Tavo, nuestro vocalista, que en un ensayo dijo que el ya no quería seguir cantando uoouoo (risas), porque él no podía decir nada con ello. Que él ya tenía más cosas en la cabeza que quería sacar más allá de un coro de dos letras. Entonces este disco también viene con un nivel de maduración en las letras y en la música. Porque la música de La playa estaba hecha a base de regla prácticamente.

Enzo: Sí, era muy básico. Muy bonito y rítmico, pero en ese sí quisimos dar algo más.

Alberto: Y fue inocente porque se dio en un momento en el que estábamos con nuestra bandita de rock y queríamos tocar y ser cool. Y salió un buen disco. Nunca creímos que fuéramos super musicazos, pero nos dimos cuenta que éramos buenos y podíamos seguir mejorando.

Enzo: Exacto, fue muy inocente la visión hace dos años. Pero ahora ya nos cambió mucho el panorama con todos estos sucesos que nos pasaron como banda, desde el entrar con una disquera, entrar a festivales de música, el hecho de ya nosotros mismos financiarnos, como todos estos procesos de músicos sí nos inspiraron a hacer un nuevo disco pero que este disco ya tenga todo lo que somos. Y creo que va a ser un gran, gran disco en el que vamos a apostarle toda nuestra energía y nuestro tiempo.

Sigan pendientes a todo lo que se viene para los chicos de LAWALL y no le pierdan la pista a Flores y Leones, que se estrenará el próximo año, en sus redes sociales: Facebook y Twitter.

#NuevosRuidos: el sonido electro-pop de Dasha

 

Por: @AbelCasillas

Dasha es un dúo de electro-pop de la CDMX formado por los hermanos Eliseo Gayosso (guitarra y voz) y Bruno Gayosso (batería, sintetizadores y secuencias) quienes están comenzando a abrirse paso en la competida y efervescente escena musical de la ciudad.

Con un demo (Tú & Yo , 2015) en su haber y próximos a estrenar su primer EP, Dasha tiene un sonido bien definido y lleno de texturas sintéticas, además de líneas vocales pegajosas y beats sólidos que nos recuerdan al pop electrónico de principios de los 90.

Platicamos con Eliseo, quien nos contó un poco de la historia de la banda y los planes que tienen a futuro.

¿En qué año se formó la banda?
Iniciamos en 2014 como Dasha, pero ya llevábamos ocho años tocando.

¿Quién fue el que dio el primer paso para formar la banda?
Yo comencé componiendo canciones electropop en un DAW. Al principio todo era MIDI y VST’s hasta que se me ocurrió incluir instrumentos reales, comenzando por las guitarras para darle un toque más “rock” y fue así como todo amarró finalmente.

¿De dónde salió el nombre?
El nombre tiene connotación hacia lo femenino, pues nos gustó mucho comenzar a hacer música “cherry”. Además es un nombre fácil de identificar y no es necesaria una adaptación lingüística, su fonética sigue sonando “sensual” sea cual sea el idioma que hables.

¿Cómo definirían su sonido? Y ¿Cuáles son sus influencias?
Prácticamente nos definimos como Electro Pop All-stars. Nuestras influencias van de Gustavo Cerati, The New Division, Fármacos, Tesla Boy a Pommez Internacional.

¿Cómo componen los temas?
Generalmente imaginamos la canción, texturas y colores en nuestra cabeza (aunque suene muy ridículo), de ahí mi hermano Bruno comienza a programar baterías y secuencias con sintetizadores virtuales y otros VST’s, para posteriormente armar todo en batería y bajo real. Después continuamos añadiendo melodías, guitarras, voces y letra hasta que logramos el mood que necesita la canción.

¿Salió algún video de su demo Tú & Yo?
Sí, para nuestra canción “Contigo nada es fácil” y otro para un proyecto de Cineminuto con el tema “Amor Eléctrico”, ambos ejercicios realizados por Selma Cervantes Aguilar, Tere Viñas y alumnos del CUEC UNAM.

¿Cómo sostienen el presupuesto de la banda? ¿A qué se dedican, cuando no están tocando?
Con nuestro trabajo y sueldos mantenemos la banda, desde los instrumentos con los que tocamos, nuestro home studio, hasta las sesiones de grabación en estudio (actualmente estamos grabando nuestro EP debut) y horas en cuartos de ensayo. Todo. Yo trabajo para la empresa que todo “rocker” por ley conoce: Dr. MartensMi hermano Bruno es Ingeniero en Sistemas en una compañía que trabaja para la aduana del Aeropuerto Benito Juárez.

¿Cuándo son sus próximas fechas? ¿Qué viene para Dasha?
Como te comentaba, ahorita estamos grabando las tres primeras canciones de nuestro EP, pero lanzaremos el primer single de éste a finales de noviembre. ¡Estén atentos!

Próximas fechas las estaremos anunciando en nuestras redes sociales.

¿Dónde podemos encontrar su música? Y ¿Cómo podemos seguirlos en redes sociales?

Nuestro primer demo Tú & Yo, lo encuentran en Bandcamp y SoundCloud, ¡en descarga gratuita!

  • Dashaoficial.bandcamp.com
  • Soundcloud.com/dashaoficial

Y nuestras redes sociales son:

  • Facebook.com/dashaoficial
  • Twitter.com/dashaoficial
  • Instagram.com/dashaoficial

Si les gustó la onda de Dasha no olviden seguirlos en sus redes sociales para que estén al pendiente de sus fechas y lanzamientos.

#VVideos: Sierra León nos llevó por su Laberinto de Espejos

Por: Abel Casillas

Sierra León es una banda de Nayarit formada en 2009 por: Manuel Castellón (guitarra y voz), Seiji Hino (secuencias y sintetizadores) Juan Zavala (guitarra), Mario Bustamante (bajo) y Kenji Hino (batería), quienes la están rompiendo en el país desde hace ya unos cinco años. Su música los ha llevado hasta Beijing, China al Meet In Beijing Arts Festival 2015 y recientemente los vimos en el Friendstival 2k16.

La música de Sierra León es bastante enérgica, con arreglos rítmicos bien logrados, distorsiones con el drive a tope que contrastan con pasajes melódicos/armónicos muy emocionales y con letras abstractas que siguen una narrativa, como es el caso de su último sencillo “Laberinto de Espejos”, tema que da inicio a su álbum No Somos Los Mismos (2015), para el cual están estrenando video que da por terminada la promoción de dicho material.

Platicamos con Manuel de cómo el cine y la poesía influyen en su lírica, del verdadero origen del nombre Sierra León y de lo que viene para ellos lo que resta del año.

¿Cómo fue la realización del video de “Laberinto de Espejos”?

M: La dirección la llevó a cabo Roberto Celis un chavo bastante talentoso que vive en guadalajara y la producción fue a cargo de Teller Media. Realmente fue un trabajo bastante chido, nos vibró bastante que haya sido en Guanajuato, porque somos fans de la ciudad en primer lugar, y en segundo porque el lugar se adapta perfecto a la metáfora de la canción, que tiene que ver con los laberintos mentales. Guanajuato tiene esa esencia, al ser una ciudad de muchos laberintos, muy obscura, pero que a la vez brilla mucho. Realmente nosotros estuvimos a la distancia del video, como no aparecemos nada más fue estar en contacto. Definitivamente fue una muy grata experiencia y estamos muy felices con el resultado.

¿Cómo es su proceso de composición? ¿Estudiaron música?

M: Todos somos líricos, bueno Mario y yo fuimos los únicos que estudiamos música formalmente, pero hasta determinada edad, la mejor escuela que hemos tenido nosotros fue escuchar un buen de música, todos hemos tenido esa formación. El proceso de composición varía mucho, mas que nada porque cada quien tiene sus influencias y sus ideas. A veces alguien puede llegar con algo y empezamos a desarrollar eso, esa parte es como muy libre a la hora de componer. A mi me toca la onda de las letras, y hasta este último disco, Seiji se animó a aventarse una letra, que es la de “Cuatro Paredes”. Algo que nos caracteriza es que en el proceso creativo no estamos cerrados a ningún tipo de idea, ni existe como una cabecilla, simplemente es como ir alimentando al proyecto, si alguien tiene una idea que la plasme y empezamos a desarrollarla. Es muy interesante también, pues nos gusta influenciarnos de muchas cosas, desde películas, libros, experiencias, platicas, todo tipo de cosas.

¿Qué películas o bandas serían su influencia? Igual, ¿qué autores los influyen líricamente? 

M: De películas, últimamente me he  interesado mucho por el cine mexicano de la época de oro, por ejemplo El Indio Fernández. También me gustan mucho las películas de Paul Thomas Anderson y de la parte lírica me gusta mucho las cosas que escribió Hermann Hesse, José Agustín, Fernando de Paso, Murakami, y por supuesto Amado Nervo, gran poeta nayarita. Va por etapas, pero para este disco estas fueron las influencias, siempre estamos ahí, buscando qué otras cosas ver, qué otras cosas leer y cómo podemos seguir nutriéndonos.

¿Han hecho cambios en la alineación de la banda?

M: Tuvimos un bajista anterior que era Miguel Ahumada, este chavo decidió dedicarse de tiempo completo a su onda que eran los audiovisuales, eso fue cuando vivíamos en Guadalajara hace cuatro años. Ahí fue donde entró Mario, a él yo lo conocía desde Tepic y en ese entonces coincidimos en la escuela, platicamos y se dio bastante bien el cotorreo, por esos tiempos teníamos unas fechas acá en el entonces DF y le dije: “Oye, ¿por qué no nos echas la mano para sacar esas fechas?”. Las hizo súper chingón y a partir de ese momento se puso la playera, desde entonces seguimos juntos en el camino estos cuatro años. Ese ha sido el único cambio en la alineación.

¿Cómo le hicieron para llevar su música hasta China? ¿Qué otras toquines o conciertos han marcado su carrera?

Gracias a que  alguien escuchó la música de Sierra León, algún programador, porque en ese festival hay un pabellón latinoamericano donde llevan artistas cada año. Sí fue una gran sorpresa para nosotros y en realidad no nos la creíamos. De tocadas que nos han marcado, personalmente te puedo decir dos shows que me acuerdo ahorita, más que por el nombre del lugar, es por la gente. La primera vez que fuimos a Oaxaca fue de los shows más increíbles que hemos tenido, la respuesta de la gente, la vibra, el sudor, el baile, fue algo inolvidable; también el ultimo show que tuvimos en nuestra casa en Tepic Nayarit en el Festival Dinamita, fue un gran show, sobre todo llegar a tocar en la ciudad que nos vio nacer, jaja.

¿Qué planes tienen para lo queda de este año y para el 2017?

M: Ahorita estamos bien clavados en la composición del nuevo material. Esperen buenas cosas, porque ahora sí le estamos pegando durísimo, sobre todo creo que estamos en una etapa en la que nos sentimos muy conectados con nuestra música y con las cosas que queremos. Parte del fundamento de Sierra León es hacer la música que más nos emocione, hoy está más vivo que nunca el sentimiento y todo lo que queremos plasmar en nuestro próximo disco está súper presente, eso es algo que me emociona bastante. Tenemos un par de sorpresas antes de terminar el año, viene una sesión en vivo para que estén al pendiente de nuestras redes sociales.

Si te latió Sierra León, ¡síguelos!

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#NuevosRuidos: la revolución sonora de Protopeople

Por: @AbelCasillas

Protopeople es un proyecto de música electrónica formado en 2011, que se caracteriza por hacer líricas directas y beats agresivos, utilizando recursos de géneros como el techno, drum and bass e incluso dubstep. Con un concepto bastante propositivo, Protopeople es uno de esos proyectos que hacen más interesante el panorama musical de la CDMX.

El dúo formado por Renata Castro y Leo Moreno nos presenta en esta ocasión su nuevo video “New Mexican”, tema que refleja rabia e inconformidad contra la clase política de nuestro país y que nos invita a cuestionarnos sobre el rol que jugamos como mexicanos en la era de la hiperconectividad.

Hablamos con Leo sobre cómo las teorías de conspiración han influido en las expresiones artísticas de este siglo y también sobre lo que viene para Protopeople.

¡Denle play y dénse esta amena entrevista!

¿En qué año se formó la banda?

L: En 2011 fue cuando nos presentamos en vivo por primera vez, como dueto, bajo este formato.

¿De dónde salió el nombre?

L: Un prototipo es el primer molde de cualquier cosa que se ha creado.  La originalidad está en peligro de extinción, y es algo que buscamos constantemente, lo único, lo diferente, lo que provoca. Así creamos este juego de palabras, Protopeople, gente única, con un mensaje distinto.

¿Cuántos discos tienen? Y ¿Cuándo los publicaron?

L: Nuestro álbum debut, Protopeople, se lanzó en 2013 a través de Discos Intolerancia. Nuestro nuevo trabajo está listo, pero estamos lanzando sencillo por sencillo.

¿”New Mexican” pertenece a un EP o un LP? ¿Cuándo sale? ¿Ya tiene nombre?

L: Sí, “New Mexican” es parte de nuestro nuevo material, un EP de 7 temas llamado “Muerte y Arte”, del cual hemos presentado ya 4 sencillos, y este es el más reciente. Todo sencillo viene acompañado de su pieza visual, videos desarrollados por Protocrisis; nuestro crew de audiovisual, en conjunto con artistas de diversas técnicas y nacionalidades. Este video de “New Mexican” fue creado en colaboración con FookedonHonix (@morgantj), artista de collage de Chicago.

Platícanos sobre “New Mexican” de donde surge la idea para el tema

L: ¿De qué es relevante hablar ahora, si no es de este gobierno corrupto y pútrido, uno que ofende cínicamente a todos los mexicanos día con día? No hay tema más apremiante sobre el cual expresarse a través del arte, sino este, el de la sangre dura al aire. El del circo del terror que nos invita a idealizar el materialismo y olvidar lo verdaderamente importante: tu esencia original. La matanza de ilusiones, la esperanza sofocada. La rutina necia, forzada, de la búsqueda del dinero. La persecución del poder a costa de cualquier vida. La pus de unos cuerpos más. Escenas y tendencias; digitalismo que confunde y nos empuja aún más hacia la espiral descendente de nuestra sociedad, de nuestras relaciones, de nuestros valores. La seducción del diablo que nos somete, haciéndonos siempre querer más y dar menos. Estos impuestos líderes beben la sangre maldita, regurgitan y tragan de nuevo la sangre maldita, porque no les satisface nada. Demonios menores que traemos cargando en la espalda. El fin de nuestro verdadero potencial como especie está cada vez más cerca. Así, decidimos usar nuestra voz, el arma que tenemos, para decir abiertamente lo que sentimos al respecto: el patético ser político debe morir por fuego. Y esperamos por la llegada de un verdadero mexicano que tema pero no voltee la mirada, que enfrente al minotauro socio-económico-político, que grite ¡basta! Y que, en pos del cambio, ofrezca todo lo que tiene: la vida misma.

¿Que opinan sobre las teorías de conspiración? ¿Creen en alguna en particular? ¿Han influido en su música?

L: Pienso que la realidad supera a la ficción. Es decir, hay tantas cosas que suceden en esta existencia y que es imposible que veamos por el alto número de distractores que tenemos enfrente. Creemos en la inteligencia extraterrestre, extradimensional. Creemos que existen las curas para las enfermedades, pero un paciente curado es un cliente menos. No hay un tema en nuestra música que específicamente hable sobre estos temas, pero definitivamente es una influencia cultural en nuestro desarrollo como artistas.

¿Cómo definirían su sonido? Y ¿Cuales son influencias?

L: Es industrial, potente, con mucho drum n´bass, e influencias de trip hop, blues, hardcore techno, etc. Es difícil definirnos, es una pregunta con la que regularmente nos ponen en conflicto. Recientemente en el SXSW 2016, nos catalogaron como post-industrial experimental synth pop. Influencias que vengan rápido a la mente: The Prodigy, NIN, Robert Johnson, Tricky, Pixies, Amon Tobin, Mr. Bungle, David Lynch.

¿Cómo sostienen el presupuesto de la banda? ¿A que se dedican cuando no están tocando?

L: Renata es Personal Trainer y viaja para cubrir destinos para la revista Forward. Y yo trabajo en una agencia de MKT, hago cuentas, creatividad, eventos, producción. Escribo en las revistas  Esquire y Forward y colaboro en Ibero 90.9.

¿Están de gira? ¿Cuándo son sus próximas fechas? y ¿Qué planes tienen a futuro?

L: Ahora, nada. Estamos creando nueva música, trabajando en nuestro próximo video-sencillo “Nada es lo que parece” y con la preproducción de un short film que se filmará a principios de 2017, con Protocrisis. Adam Rains (@@frinothajino ‬), parte fundamental del crew, vendrá de EUA para llevarlo a cabo. Y si sale algo interesante para presentarnos en vivo, por supuesto lo hacemos.

¿Dónde podemos encontrar su música? Y ¿Cómo podemos seguirlos en redes sociales?

L: En www.protopeople.com pueden ver todo nuestro concepto audiovisual. Les recomendamos ver nuestro canal de Youtube, protopeoplemx, para que chequen las piezas visuales. Estamos en Spotify, iTunes, Facebook, Twitter, Instagram, Vine… Todo como protopeople.

Si les gustó el video de Protopeople no duden en seguirlos en sus redes sociales, acá les dejamos más música de éste dúo chilango.

GusGus llega a Guadalajara

Después de anunciar su regreso a la Ciudad de México para el próximo 11 de noviembre, GusGus también se estará presentando un día después en Guadalajara para llevar sus ritmos bailables a tierras tapatías.

El grupo formado por Biggi Veiran, Daníel Ágúst y Högni Egilsson fue fundado en 1995, y aunque sus integrantes han cambiado constantemente, su trabajo sigue siendo un referente de la música electrónica islandesa que ha logrado cruzar fronteras y llegar a los oídos de todo el mundo.

Gus Gus

La cita es el 12 de noviembre en el BMLS Showcenter: Av. Avila Camacho 1657, y los boletos ya están disponibles en Ticketmaster y las taquillas del venue.

¿Se los van a perder?

#NuevosRuidos: Sistema Sonar, psicodelia xalapeña

Por: Abel Casillas

La capital veracruzana es una ciudad con una tradición cultural impresionante, con muchos jóvenes y por lo tanto mucha música, por eso hay que poner especial atención a las propuestas musicales que de ella emanan.

En ésta ocasión platicamos con Sistema Sonar, un proyecto de rock instrumental  formado en 2013 por: Juan Carlos Sardaneta, Odguer Hernández y Matias Rozat (bajo eléctrico, guitarra y batería respectivamente) éste trío no se va por lo más común (power chords y actitud veraniega) ellos abordan la psicodelia utilizando recursos propios del funk y el jazz con una fuerte carga de rock progresivo.

Sistema Sonar tiene una base rítmica que desborda groove y la ejecución de los instrumentos es bastante limpia (se nota que estos muchachos sí practican con sus escalas y sus rudimentos). Actualmente están promocionando su primer material de estudio titulado SOL, un LP conceptual que incluye diez canciones que nos llevan a viajar por nuestro sistema solar.

Denle click mientras leen la entrevista que les hicimos a estos ilustres xalapeños:

¿Quién fue él que dio el primer paso, para formar la banda?

SS: Fue una cuestión mutua y recíproca, antes de Sistema Sonar existió Funk You. Éramos los mismos integrantes, pero con vocalista, teníamos alrededor de 15 años de edad. La banda terminó y cada quién tomó caminos distintos. Posteriormente nos vimos los tres  y pensamos que sería muy buena idea retomar el camino musical juntos. La experiencia previa ayudó a que la comunicación musical fuera bastante efectiva.

¿De dónde salió el nombre?

SS: Sale de la idea de inspirarnos a través de las impresiones de la vida cotidiana, de tener un pretexto para hacer música instrumental. Sentimos que el cosmos, los planetas  y el universo dan la posibilidad enorme para componer tanto musicalmente como visual y conceptual.

Platiquemos de el concepto del álbum, y el de la banda:

SS: Buscamos trabajar a partir del escucha, la creación y la improvisación. El concepto de Sistema Sonar llama a la interacción orgánica de los elementos. Matías trabajó el arte del disco poniendo una bocina boca arriba y en el cono colocó una superficie en la cual se integraron elementos como agua, leche, aceites y colores. Posteriormente reproduciendo cada una de los tracks el mismo sonido y sus vibraciones formaron imágenes y composiciones adecuadas para el Sistema Sonar. Después nuestro querido amigo Ian Pascal se encargó del diseño gráfico de la portada inspirado en las órbitas del sistema solar y el sol.

¿Cómo definirían su sonido?

SS: Buscamos un sonido orgánico a partir de la interacción e improvisación entre la banda. Lo definimos como rock psicodélico e instrumental, una fusión entre el funk, el rock y la improvisación.

¿Cómo ven la panorama musical en Xalapa? Recomiéndanos unas bandas:

SS: ¡Excelente! Xalapa está llena de buena música, buenas agrupaciones, buenas propuestas y movimiento. La escuela de jazz ayuda a que tengamos músicos preparados dentro del ámbito popular, la escuela clásica también aporta una preparación excelente para músicos que buscan ese camino. Lo que falta en Xalapa es infraestructura y apoyo real al trabajo cultural, es una ciudad que carece de industria y de trabajo en términos generales. Les recomendamos a:

Sonex, Hunab Ku, For Dummies, Guacamole, Aguas Aguas y Animal de Galaxia.

¿Estudiaron música?

SS: En una institución y como licenciatura, solo Juan Carlos estudió y terminó la carrera en Estudios de Jazz por parte de la Universidad Veracruzana. Aunque recientemente tuvimos el privilegio de tener tres becas por parte de Berklee Latino en el Tecnológico de Monterrey de la Ciudad de México, donde Odguer y Matías obtuvieron beca para estudiar un curso en Berklee de Boston el próximo año. Matias estudió la carrera de diseño industrial y Odguer es autodidacta.

¿A que se dedican, cuando no están tocando?

SS: Matías trabaja en su empresa de cacao orgánico CAO, también en Colosal que es en relación a diseño industrial. Odguer trabaja como solista en “Odguer Hernández” y en su agrupación alterna Animal de Galaxia. Juan Carlos trabaja como profesor de bajo en la escuela de música Ab musiq, trabaja como músico de jazz e investigador musical.

¿Qué planes tienen a futuro?

SS: Por el momento seguimos trabajando en la promoción de nuestro primer disco Sol. Planeamos hacer un videoclip de algún sencillo del disco. Trabajar en hacer nueva música e ir más a fondo en el show en vivo.

Si les gusto Sistema Sonar pueden seguirlos aca:

Facebook: https://www.facebook.com/sistemasonarbanda/
Twitter: https://twitter.com/Sistema_Sonar
Instragram: sistema_sonar

#Cooltura: El eterno “mexican kitsch” de JuanGa

El “Divo de Juárez” siempre fue único, ningún otro artista se le asimila hasta hoy en día con todo el concepto tanto musical y visual que mostraba a su público. Gracias a la visión que tenía sobre la vida, componía y cantaba de una manera diferente a la mayoría de los artistas dentro de su género en México –con felicidad– adjetivo al que también pudieran describirse su gran estilo elegante y lleno de color que mostraba en cada una de sus presentaciones a lo largo de todos estos años de trayectoria artística.

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A pesar de no considerarse así mismo como un fashion icon o forzarla mucho por sobresalir en ese aspecto, creo que lo recordaremos por ser todo un destello nacional en todo lo que abarca la palabra “estrella”.

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El vestuario siempre fue un elemento muy importante para Juan Gabriel en cada show que tenía. Siempre lucia trajes muy extravagantes o elaborados con corbata o sin corbata, de una manera muy peculiar, solo como él sabía lograrlo. Desde coloridos muy vibrantes, pasando por paletas sobrias, a pasteles y elementos del folklor mexicano que terminaban siendo (lo que hoy en día consideraríamos muy “mexican kitsch”, como el uso de accesorios desde gorros, rebozos, gafas o abanicos) elementales en cada una de sus presentaciones y nunca de mal gusto, ya que a él le quedaba muy bien esta tendencia y lograba transmitir su esencia mexicana.

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Algunos de sus looks más destellantes que mantenían su identidad única como artista durante todos estos años de trayectoria, fueron coloridos vestuarios con estampados y materiales llamativos como lentejuelas, brillos o terciopelo.  Tan solo para su última gira invirtió 5 mil dólares en estos looks.

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La mayoría de sus outfits durante sus primeros trece años estuvieron a cargo del diseñador Alex Peimbert.

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Siempre recordaremos al “Divo de Juárez” por el legado musical que nos heredó como mexicanos y su original sentido de la moda,  del que nunca tuvo miedo de portar.

Julieta Venegas – “Esta Vez”. #TrackDelDía

Hacía mucho tiempo que el país no despertaba con tanta decepción; Un entorno adverso, trabajos mal pagados, economía en declive, asesinatos y crímenes con frecuencia rutinaria, guerra contra el magisterio -los mismos maestros en contra de impartir por cuidar intereses políticos y sindicales-, tormentas tropicales y hasta humillaciones deportivas a equipos nacionales. No  han sido los mejores días para un país que no sólo no se recupera de sus heridas, sino que la misma población ya no le encuentra mucha esperanza. Para colmo, los días calurosos en medio de la niebla y la bruma que apenas inicia para terminar indefinidamente hasta noviembre… se necesita un pretexto fantástico para estar de buenas. Ahí es donde rescatamos las historias que valen la pena, como la de Julieta Venegas. Continue reading Julieta Venegas – “Esta Vez”. #TrackDelDía

Pink Floyd – “Shine On You Crazy Diamond”. #TrackDelDía

Roger Waters regresa a México en septiembre y todos estamos llenos de felicidad por eso. Esta vez, la leyenda británica volverá con los grandes éxitos de Pink Floyd, así que podremos esperar un concierto lleno de memorias. Quizá, hasta una que otra joya que no le hemos escuchado en vivo anteriormente. Continue reading Pink Floyd – “Shine On You Crazy Diamond”. #TrackDelDía

My Morning Jacket volverá a México con la tercera edición del One Big Holiday Festival

La electrizante banda My Morning Jacket, anunció lo que será la tercera edición de su festival One Big Holiday. Este evento se realiza en el Hard Rock Hotel de la Riviera Maya, México, y se espera que ocurra del 4 al 8 de febrero, 2017. La misma banda estará actuando los tres días, junto a bandas como Kurt Vile & The Violators, un DJ set de Merrill Garbus (Tune-Yards), The Head and the Heart, Deer Tick y Gary Clark Jr, entre muchas otras bandas más. Continue reading My Morning Jacket volverá a México con la tercera edición del One Big Holiday Festival

Explosión Latinoamericana con la presentación de ‘We Are The Grand y ‘Tourista’ en México

Después de haberse presentado en el Festival Marvin este pasado fin de semana, Tourista continúa con su visita en México. El trío peruano que comenzó como una visión de Sandro Labenita -uno de los integrantes-, es ahora un grupo de rock emergente que con su LP debut Colores Paganos ha logrado posicionarse e incorporarse en los escenarios y oídos latinoamericanos. México nunca tendrá demasiado Tourista, es por eso que hoy compartirán el escenario con una de las grandes bandas chilenas del momento We Are The Grand. Continue reading Explosión Latinoamericana con la presentación de ‘We Are The Grand y ‘Tourista’ en México

#EnLaMira Y los nominados a los IMAS 2016 son…

Desde hace nueve años, los Indie-O Music Awards se dedican a celebrar y premiar la música independiente hecha en México y en España (a través del premio UFI/MIN). Odiada por muchos, amada por pocos, es una plataforma que a pesar de esto se mantiene a flote desde hace ya casi una década (cosa que el 80% de las bandas nominadas o ganadoras no han conseguido). Su único objetivo es generar un movimiento propositivo de lo que se hace a nivel nacional en la industria musical independiente. Continue reading #EnLaMira Y los nominados a los IMAS 2016 son…

Durazno, una fresca propuesta desde Colombia

En este último año hemos recibido distintas propuestas latinas bastante disfrutables; una y la que más nos ha sorprendido son los guatemaltecos Easy Easy, quienes de haber venido a la ciudad el año pasado, este año ya se presentaron en el Vive Latino y justo ayer dieron su último show en las Pizzas del Perro Negro del Centro antes de regresar a sus tierras. Ahora llega el turno de Durazno, una promesa colombiana que llega por primera vez a México este mes de mayo. Continue reading Durazno, una fresca propuesta desde Colombia

#LatinoaméricaEnVinil Los Tres tendrán buena parte de su discografía en vinil

La influencia del rock desde la llegada de The Beatles y The Rolling Stones generó tal impacto a nivel global que ipso facto, en cada rincón del mundo, nacían bandas influenciadas por ese sonido. Tan estridente que no se podía comparar con la música que se escuchaba en aquellas épocas, dependientes de las frecuencias AM y la poca calidad de los dispositivos que la reproducían, esta música se propagaba a escalas insospechadas. Nada como los conciertos en vivo desde entonces a la fecha. Latinoamérica al estar tan cerca del principal motor del rock, ya tenía entre sus filas a un montón de fieles seguidores que, con algunos ahorros se armaban sus instrumentos y rasgueaban sus guitarras en para lograr ese sonido que había revolucionado el siglo XIX.

En Chile, varias bandas rindieron este tributo a los exponentes del rock, desde Dick Stones, Escalímetros y Los Ilegales, que de manera informal (como llaman a lo independiente en aquel país), comenzaron a hacer sus pininos en el rock chileno, sin mucho éxito; sin embargo, lo que conecta a estas tres bandas son Álvaro Henríquez y “Titae” Lindl, miembros activos hasta la fecha de una de las agrupaciones chilenas más relevantes en la historia del rock Los Tres, también conocidos como Los 3 o en más recientes fechas Los Tr3s. Continue reading #LatinoaméricaEnVinil Los Tres tendrán buena parte de su discografía en vinil