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Blade Runner. #WMiércolesDeCine, #DeCulto.

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Una de las creaciones más emblemáticas y de culto en el mundo del cine de Ciencia Ficción en  Blade Runner. Dirigida por Ridley Scott y protagonizada por Harrison Ford, se basa principalmente en la novela ‘¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?‘ del escritor Philip K Dick. Se estrenó en 1982 y fue una de las primeras precursoras del género ‘cyberpunk’ en el cine, la cual además fue nominada para dos premios de la Academia (Óscar).

En la distópica ciudad de Los Ángeles, durante el frío mes de noviembre de 2019, un grupo de androides llamados ‘réplicas’, creados con ingeniería genética por la Tyrell Corporation —que trabaja bajo el lema «more human than human»—, escapan de su esclavitud en Marte, ya que son creados para trabajos de alto riesgo en colonias de este planeta. Debido a una masacre en el planeta vecino, los Nexus-6 (su nombre de fábrica), fueron declarados ilegales en la tierra y un grupo especial llamado Blade Runners se encarga de identificar mediante métodos sofisticados de interrogatorios y exterminar o expulsar a cualquier ‘replica’ que infrinja la ley al entrar en la atmósfera terrestre. Rick Deckard (Harrison Ford) fue uno de los mejores Blade Runners y es solicitado de su retiro por sus cualidades para buscar a un grupo de Nexus-6 fugitivos en la ciudad.

A regañadientes acepta el trabajo y mientras esto ocurre se encuentra con una ‘réplica’ Rachael (Sean Young) que ignora serlo, de la cual se enamora y pretende ayudar a escapar —aunque le fue solicitado capturarla—, después de haberse enterado de que era un experimento más del Nexus-6 y decide escapar de las manos de su dueño.

Blade Runner, al igual que muchas películas de culto, no tuvo la aceptación que se merece en las salas de cine, ya que la crítica incluso la llegó a clasificar como una película que no tenía el ritmo narrativo de un filme de acción. Sin embargo, en todo el mundo fue bastante aceptada, incluso se convirtió en la favorita de cinéfilos y el mundo académico. Tal fue su éxito en los (ahora decadentes) cine clubes, que fue una de las primeras películas estrenada en el formato DVD. Por su parte, en octubre del 2012 fue re-estrenada en el formato Blu-Ray, con un lanzamiento especial del 30 aniversario del filme, en una edición especial que contiene material extra para verdaderos fanáticos.

De la filmografía de Ridley Scott recomendamos también: Alien, Hannibal y American Gangster. Así que si el final de quincena no les da para el cine, pueden darse hoy o el fin de semana una buena selección de películas.

‘Ficha técnica’
Dirección: Ridley Scott
Producción: Brian Grazer, Ridley Scott.
Guion: Hampton Fancher, David Peoples y Roland Kibbee
Música: Vangelis.
Reparto: Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Edward James Olmos y Daryl Hannah.

Fish Tacos #MartesdeMunchies

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En la Colonia Roma sobre la calle de Jalapa hay un pequeño local del lado derecho que deben conocer: Fish Tacos. Hay mesas afuera y una barra con infinitas opciones para condimentar el taco o tostada de tu elección; el local está decorado con partes de barco y pedazos de libros de buzos enmarcados. En el menú encontraras tacos de camarón capeado, tostadas de marlin, hamburguesas y burritos de pescado. La comida es servida en una pequeña canasta y puede ser acompañada con el agua del día, siempre fresca y sabrosa.

A los Fish Tacos es necesario llegar mentalizado a que vas a pedir mucho más de uno. Nuestra recomendación es el Taco Gobernador, acompañado de la salsa de chipotle y pepino con mayonesa que están en la barra.

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Como ven, los precios son accesibles. Así que si andan por el rumbo y con hambre de antojos de mar, los Fish Tacos pueden ser una gran opción.

Francisco Hinojosa y el porno: “EMMA”. #LaLámparaMaravillosa

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El autor mexicano acaba de estrenar otro integrante a su colección de libros, la mayoría de ellos cuentos infantiles. Esta nueva historia es ‘arquetípicamente’ un cuento de hadas, pero en esta ocasión no se trata de un cuento infantil, sino de su segunda novela, y el tema es de nuestros favoritos: el sexo.

Emma Brantôme es una chica huérfana que vive incómodamente con sus tíos y su prima, hasta el día que alcanza la mayoría de edad, fecha en que recibe una carta en la que se le informa de una generosa herencia monetaria por parte de sus padres -sobre quienes en la misma carta se revela la verdad-. Emma es hija de la pareja que solía ser la más importante de la industria porno, y por ello se le otorga la admisión directa a la Escuela Bataille: una universidad donde imparten el arte del sexo y la prostitución, para que siga los pasos de sus predecesores. Este hecho, aunado a su despertar sexual, descubre su potencial y su vida cambia por completo. Durante sus estudios no sólo tiene que aprender de su sexualidad y la industria porno, también se ve enredada en las demás implicaciones de su vida, pasando por momentos incluso de violencia.

Claro, a todos se nos hace familiar esta historia, sólo que invierte el concepto de la magia por sexo. No me atrevería a decir que Emma es la Harry Potter del porno, pues los problemas que enfrenta a lo largo del libro son muy diferentes; pero la similitud que tiene con el mago no es casualidad. Emma es en realidad una combinación de diferentes personajes como Harry Potter, Cenicienta y Madame Bovary, de quien saca su nombre.

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Cuando Francisco Hinojosa habla de una de las industrias más prósperas la relaciona con diferentes instituciones, las diferentes percepciones de la sociedad y la juventud. Para aterrizar la idea de una escuela erótica en un contexto lo más real posible, tuvo que tomar en cuenta qué tan funcional sería establecer una escuela de esa índole en nuestro país, pero no le pareció nada práctico, ya que la sociedad mexicana tiende mucho a la inquisición. Por eso terminó por poner la escuela en Francia: “Desde el principio me di cuenta que no, que la sociedad no era apta para recibir una escuela de ese tipo, ni en Estados Unidos, porque son sociedades más puritanas, más hipócritas, en cambio Francia es más liberal, me pareció acordé que la historia se desenvolviera en ese país europeo” – explicó Francisco en una entrevista con Conaculta.

Desde el primer renglón de esta novela corta, las palabras fluyen como el agua de un río y costará trabajo quitarle la atención. La simplicidad del lenguaje y las ocurrencias de Hinojosa hacen de esta novedad publicada bajo el sello editorial Almadía un libro interesante y divertido a la vez.

 

Agrupación Cariño en El Imperial, recomendación de #ViernesMadafakas

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El Imperial es un recinto que cobija a lo mejor de la escena independiente mexicana y en ocasiones, de otros países. Desde bandas que empiezan hasta bandas ya consolidadas dentro de la escena, parece que hoy en día es requisito tocar en ese lugar para obtener mayor credibilidad. Nuestra recomendación para este fin de semana es Agrupación Cariño en vivo, este día de las madres en dicho lugar en la Colonia Roma. La banda curiosamente se integró porque varios de su miembros se conocieron en los famosos “palomazos” que de vez en cuando se arman, y otros ya se conocían desde antes. Es curioso que muchos de sus integrantes han pisado escenarios del tamaño de un Vive Latino y participado en la escena del rock nacional. Sin embargo, ellos también tienen una pasión por la música grupera que los ha llevado a compartir escenarios con La Arrolladora Banda Limón, Banda MS, entre muchas otras. Definen su sonido como electro-cumbia, y como ellos mismos dicen: “no queríamos seguir haciendo rock, queríamos ganar dinero”, por lo que no se cierran a hacer una balada, una cumbia o lo que venga para cumplir su meta. Sin duda es una banda bastante divertida arriba del escenario y garantía para pasar un buen rato, así que, si no tienen plan después de celebrar a su mamá, vayan a El Imperial, porque seguro habrá una buena fiesta por mucho tiempo.

La fotografía de Chema Madoz #JuevesCultural

Chema Madoz podrá tener el peor nombre del mundo, pero sus fotografías callan cualquier tipo de burla.

 

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Es un reconocido fotógrafo español que tiene una increíble habilidad para tomar los objetos más cotidianos, y a partir de ellos, crear nuevos universos e historias. Sus fotografías están construidas, cuidadas y editadas de tal manera que hace de lo mínimo, lo mejor. Al ver su trabajo uno a menudo se pregunta “¿Cómo si es tan sencillo, yo jamás me había dado cuenta?”. Pues si, lo que pasa es que Madoz tiene una admirable sensibilidad de ver más allá en las pequeñas cosas que los demás tomamos desapercibidas.

 

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En sus fotografías, el tiempo y el espacio se altera; se combinan elementos que en cualquier otro encuadre no cobrarían sentido, pero a través de su cámara, todo parece flotar en armonía.  A partir de una exquisita combinación de diferentes perspectivas, nos trasladamos a un mundo surrealista en blanco y negro que solo él es capaz de crear. Nace una realidad frágil, una convivencia intangible de elementos sin violencia.

 

 

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Pareciera que podemos escuchar, oler, saborear y sentir los escenarios que se componen en sus fotografías. Eso es precisamente lo que hace de su trabajo algo prestigiado y reconocido. Sus fotografías no son un momento, son una historia. Ponen a volar la imaginación del espectador de manera involuntaria. Vemos su fotografías y en algún lugar podemos sentir que entendemos de donde viene esa imagen y a donde va. Podemos echarnos un clavado a un lugar diferente.

 

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No es tarea fácil provocar creatividad en las personas, y por ello se puede confirmar que Chema Madoz tiene un talento especial. En su país, ganó el premio nacional de Fotografía en el año 2000, además de tener numerosas exposiciones y un libro publicado. No sabemos cuales será la siguiente foto-secuencia de Madoz, pero seguro valdrá la pena verla. Después de todo, no es casualidad que tantas personas consideren su trabajo poesía visual.

Les recomendamos seguirle el paso y visitar su página oficial.

 

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The Grand Budapest Hotel – Wes Anderson. #WMiércolesDeCine.

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El mundo filmográfico de Wes Anderson tiene un sello tan propio que así veamos ‘Fantastic Mr. Fox’ (2009), ‘The Life Aquatic with Steve Zissou’ (2004), ‘Moonrise Kingdom’ (2012) o su más reciente obra ‘The Grand Budapest Hotel’ (2014) podremos notar ciertas características recurrentes en sus películas; desde un característico movimiento de cámara, los clásicos planos cuidadosamente simétricos, paletas de colores vivos, hasta la manera en que corren sus personajes, son elementos específicos con que Anderson marca de forma meticulosa sus películas.

En ‘The Grand Budapest Hotel‘ vemos a un simpatiquísimo personaje: Zero Moustafa (Tony Revolori), el cual tiene un alto grado de inocencia y nobleza que sacará más de una carcajada. Éste, tras haber perdido todo (literalmente todo) en la guerra, va en busca de un sueño: tener el puesto que sea en el mejor hotel de una ficticia república llamada Zubrowka. Tras un “exhaustivo” examen para conocer su experiencia laboral que consta de un par de preguntas mientras camina junto a su futuro jefe Gustave H. (Ralph Fiennes) -quien reduce sus cualidades a cero-, obtiene el trabajo como botones.

Sin embargo, falta mencionar que la historia no comienza ahí. Al inicio de la película, un cronista llega a un hotel desolado que alguna vez fue el Gran Hotel Budapest, donde los más excéntricos personajes de la alta sociedad se daban cita en los tiempos de guerra. Este escritor se encuentra -por mera casualidad-, en la única visita que hace el dueño del hotel al mismo; al instante, sus instintos periodísticos, pero sobre todo la angustia que observa en la cara del individuo, lo arrastran a una charla nocturna donde éste le cuenta la historia de cómo se convirtió en dueño del hotel.

Wesley Mortimer Wales Anderson se ha convertido en director de culto de esta época, con una forma característica para hacer sus filmes. Aunque tiende a repetir elementos, cada una tiene un entorno/ambiente minuciosamente planeado para que los personajes sean tanto simpáticos como conflictivos.

La película se proyecta actualmente tanto en salas comerciales como independientes en el Distrito Federal. Pueden checar la cartelera de su cine más cercano para que vayan a ver esta divertida aventura. Y si no conocen el trabajo detrás de este director, los invitamos a navegar y dar unos clicks en la red para conocer su filmografía.

Brosmind Studio #JuevesCultural

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Fundado en el 2006 por los hermanos Juan y Alejandro Mingarro, Brosmind Studio se dedica a hacer ilustraciones con mucha imaginación y sentido del humor. Desde Barcelona, han trabajado con clientes tan importantes y reconocidos como Nike, Microsoft, Virgin, Gillette, Honda, Land Rover y Volkswagen.

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Lo más interesante de su trabajo son sus proyectos personales, en los que exploran diferentes temas y hacen una colección de productos alrededor de ellos. Siempre mantienen su estilo, usan los mismos colores y el mismo tipo de trazo. Con las ilustraciones de Brosmind, tus ojos se mantienen siempre ocupados.

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Para ellos, el humor es lo más importante en su trabajo. Con ello siempre resuelven los problemas del oficio y de la vida. El humor es el elemento espontáneo que les permite romper el hielo y acercarse a su público. Brosmind Studio se construye a partir de la simpatía que provoca en las personas.

Les dejamos una entrevista donde  hablan de su trabajo:

http://vimeo.com/40586795

 

Y los divertidísimos créditos que hicieron para una conferencia:

http://vimeo.com/35661565

 

Te recomendamos visitar su página oficial y checar todo su trabajo.

 

‘En el camino’ – Walter Salles. #WMiércolesDeCine

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Desde los tiempos en que las obras literarias comenzaron a adaptarse a la pantalla grande, existe una gran polémica sobre el respeto hacia el autor y las desventajas de querer plasmar visualmente la narrativa de los libros -enriquecida por descripciones metafóricas que difícilmente una cámara puede interpretar-. Críticos, especialistas, literatos y cinéfilos debaten al “tú por tú” porqué sí y por qué no la literatura deba representarse en lo audiovisual.
“Enfrentarse a un clásico siempre es aterrador y tentador al mismo tiempo. Aterrador porque uno sabe que no sólo se enfrenta a los amplios recursos de la literatura más cimentados que los del cine, sino que se enfrenta también a la fértil imaginación de los lectores. Tentador porque los clásicos son clásicos por derecho propio”. Arturo Ripstein.

En los últimos años se ha vislumbrado una decadencia de esta industria, con adaptaciones que se alejan mucho ser un producto de calidad ulterior o, en su defecto, la situación con el marketing hollywoodense que produce adaptaciones de un libro dividido en tres películas: ¡vaya treta! “Publiqué la novela A Clockwork Orange en 1962, lapso que debería haber bastado para borrarla de la memoria literaria del mundo. Sin embargo se resiste a ser borrada, y de esto la versión cinematográfica de Stanley Kubrick es la principal responsable. De buena gana la repudiaría por diferentes razones, pero eso no está permitido”. Anthony Burgess.

Después de todo este preámbulo nada prometedor, entramos a una pequeñísima parte de estas adaptaciones, que, a diferencia de sus contemporáneos, sí lograron captar mejor la esencia del libro. Tal es el caso de Fight Club (1999), Schindler’s List (1993), Apocalypse Now (1979) y The Shining (1980), por mencionar algunos.

El caso particular que hoy recomendamos es la primera adaptación a la pantalla grande de una de las novelas más populares del Beat norteamericano. Así es ‘On the road (En el camino)’ de Jack Kerouac, dirigida por Walter Salles y estrenada en 2012. Estuvo nominada en Cannes a la Palma de Oro, y la crítica la definió como: “Salles ha elaborado cuidadosamente una versión delicada, poética y dolorosamente romántica del libro de Kerouac que capta la fugacidad de la existencia de sus personajes y la pureza de sus rebeldes ganas de encontrar la esencia de la vida”.

Sinopsis:
Poco después de la muerte de su padre, Sal Paradise, quien aspira a convertirse en escritor en Nueva York, conoce a Dean Moriarty, un brillante ex convicto casado con la liberada y seductora Marylou. Sal y Dean encajan de inmediato. Dispuestos a no recluirse en una vida limitada y común, los dos amigos cortan sus lazos con la ciudad y se someten al destino de un viaje por carretera al lado de Marylou.

La película se encuentra proyectándose actualmente en las salas de la Cineteca Nacional y esperamos verla en algunos cines comerciales.

Ashkan Honarvar. #JuevesArtístico

Ashkan Honarvar

 

La palabra collage significa “pegar” en francés. Algunos dicen que el creador del collage fué Pablo Picasso, al añadir a sus cuadros ciertos objetos para darles volumen. Después, el collage tomó fuerza durante la época de guerras. Los artistas no tenían recursos suficientes para expresarse, por lo que optaron por recortar o recolectar imágenes y objetos, para juntar y pegar dentro de una composición. Sin embargo, hubo un momento donde el collage fue menospreciado. Pasó de moda y la gente lo olvidó.

Hoy presenciamos un renacimiento del collage. Artistas contemporáneos han decidido retomar la técnica y volver a darle el valor que se merece. Ashkan Honarvar es un reconocido artista experto en ésta técnica. A prueba y error, el artista iraní sigue su intuición y saca de contexto las imágenes, únicamente para reubicarlas en el imaginario y darles un nuevo significado.

 

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El constraste es un concepto que constantemente encontramos en la obra de Honarvar. Orgánico y mecánico, adelante y atrás, vida y muerte. Pretende hacer una mezcla entre la realidad y la mente inconsciente, hablar a través de una composición, respecto a sentimientos que no son claros o que no son hablados. Menciona en una entrevista, que una constante en su obra es “La búsqueda de la belleza en los lugares donde menos te lo esperas…”

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Su serie “Ubakagi” es una de sus favoritas. Habla sobre las violaciones en el Congo debido por abuso del poder. La palabra Ubakagi significa cortar la carne de un animal muerto: Después de violar a las mujeres, las matan, las mutilan y las queman. Algunos de la región creen que las cenizas de los organos reproductivos femeninos tienen poderes mágicos cuando las usan para hacerse tatuajes.

 

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Para ver más trabajo de Ashkan Honarvar, haz click aqui

Nymphomaniac Vol. 1; la visión de von Trier sobre el sexo. #WMiércolesDeCine

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Por: @KevinFripp

Lars von Trier regresó para sorprender y causar controversia en el cine. ‘Nymophomaniac Vol. 1’ es un viaje inagotable donde las analogías y metáforas coexisten con el sexo en su faceta más cruda. La pesca deportiva y la busqueda de sexo se entrelazan en medio de una charla en una pequeña habitación con un escucha (Stellan Skarsgård) y un narrador (Charlotte Gainsbourg) que beben té con toda calma, mientras cada uno toma su rol en el juego de la pesca… de sexo desenfrenado.

Mientras Seligman escucha la historia de Joe, quien se culpa por tan atroces crímenes contra la integridad de quienes se cruzaron en su camino, se teje una telaraña de sucesos crudos que, vistos desde el punto de vista de Seligman, no son más que fugas inocentes de erotismo que, incluso, pudieron haber ayudado a quienes se vieron involucrados.

El afamado y controversial director danés logra captar una buena cantidad de sensaciones en esta primera entrega no incidental (ya que por problemas de metraje tuvo que ser dividida), que giran entre la comedia rebotando en el delirio y la angustia, y se ven reflejadas en la pantalla con diferentes matices para cada capítulo. Un sublime encuentro de elementos fílmicos que hacen de esta entrega un exquisito platillo para los ojos y oídos.

Ninfomanía Vol. 1 (su título en español), estuvo disponible en la 55 muestra de la Cineteca hasta el domingo 20 de abril, pero no dudamos que después vuelva a ser re-estrenada para el deleite de los seguidores del director. Incluso les recomendamos que sean pacientes, porque la taquilla —para este filme en particular— se vendió como pan caliente los primeros días en que fue anunciada su proyección. Así qué habrá que esperar que sea puesta en cartelera próximamente.

Frutos Prohibidos

Esta propuesta sana y deliciosa tiene sucursales alrededor de toda la ciudad. Frutos Prohibidos es una deliciosa opción para una comida completa y sana. Su menú es variado y exótico, cuentan con wraps, sandwiches, ensaladas, desayunos, jugos y aguas frescas. El objetivo de Frutos Prohibidos es vender más que comida, pretenden ofrecer una experiencia y lo logran con mucho éxito. El servicio es rápido, la dinámica es eficiente y la calidad inigualable.

Les recomendamos el agua de sandía con albahaca y sandwich “Amor”( Salmón ahumado, queso crema, alcaparras y limón)

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La Lámpara Maravillosa presenta: “Ojos de perro azul”

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Sabemos que en estos últimos días lo has visto mencionado hasta en las revistas de telenovelas y estados en Facebook de personas que a duras penas han escuchado hablar de “Cien años de soledad”. Pero nosotros también queremos aprovechar nuestra oportunidad de hablar de este escritor indispensable y compartir una de sus obras secundarias que valen la pena ser leídas y recomendadas: “Ojos de perro azul”.

Para muchos escritores el tema de la muerte es tan importante como el del amor. Con este primero es difícil de lograr que los lectores se identifiquen, ya que ninguno de ellos ha experimentado en carne propia esa transición, y es justo por eso que es igual de fascinante. Los misterios que nos depara aquel fenómeno frío imposible de burlar. García Márquez anticipó el momento de su muerte e intentó desentrañar algunos de esos misterios en el prólogo de “Doce cuentos peregrinos”, donde narra un sueño sobre su propio funeral, pero es con “Ojos de perro azul” que se adentra por completo a este mundo, si podemos llamarlo así, y a través de diferentes personajes -desde su punto de vista limitado y subjetivo, aunque narrado en tercera persona- diferentes hipótesis de la vida después de la muerte y algunas fábulas que usan como eje este tema para reflexionar de la vida.
Este libro amerita ser leído por toda clase de personas con todo tipo de gustos. Recordemos con él a Gabriel García Márquez que no por estar actualmente trillado deja de ser genial.

Llega la 56 muestra internacional de cine de la Cineteca. #WMiércolesDeCine

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Por: @KevinFripp

Llegan las dos semanas más relevantes de cine mundial al Distrito Federal, y regresan al formato de dos ediciones anuales. La Quincuagésima Sexta Muestra Internacional de Cine presenta una programación llamativa, que incluye a importantes directores del cine no comercial y sus más recientes obras, que vienen acompañadas de la séptima edición de la Feria del Libro y DVD.

El controversial Lars Von Trier, el místico Alejandro Jodorowsky, el pintoresco Wes Anderson y el ahora retirado Hayao Miyazaki -acompañados de otros 10 directores provenientes de Argentina, Alemania, Brasil , Francia, Islandia, Italia y México-, serán los encargados de llenar las salas de la Cineteca y sus sedes alternas del 11 al 22 de abril. Para que el público no pierda detalle de los filmes, la Cineteca proyectará cada uno durante seis días en las dos semanas de la exhibición. Con el programa digital o físico, se puede armar un calendario propio para disfrutar de la exhibición.

Para conmemorar el centenario del nacimiento -y décimo segundo aniversario de su muerte-, de “La Doña”, María Félix, la muestra será inaugurada con el filme La diosa arrodillada (1947) de Roberto Gavaldón, rindiendo tributo a la cinematografía mexicana. Ninfomanía vol. 1 al fin llega a las salas de cine mexicanas, después de su polémico estreno el año pasado. Esta parte relata la travesía de una ninfómana (Charlotte Gainsbourg) después de haber sido recogida de la calle por un hombre. La versión completa dura cinco horas y media y sólo se presentará en ciertos actos culturales; lamentablemente en México no hay ninguno planeado hasta el momento.

Otro esperado estreno es El Gran Hotel Budapest (2013) de Wes Anderson, que relata la peculiar historia de un conserje de hotel después de haber sido culpado de un asesinato. De igual manera, sobresale La danza de la realidad (2013), película con la que Alejandro Jodorowsky regresa al mundo de la dirección y que fue financiada por donativos de sus seguidores en todo el mundo. El argentino Armando Bo debuta con El último Elvis (2012), mientras el nipón Shion Sono presenta Vamos a jugar al infierno (2013); una excelente combinación entre la comedia y gore.

El islandés Benedikt Erlingsson, presenta su dramático filme Historias de caballos y de hombres (2013). De Hayao Miyazaki veremos su más reciente y última producción nominada al Óscar como mejor película de animación: Se levanta el viento (2013). Memorias que me contaron (2012), es una historia donde la directora brasileña Lucía Murat, rinde homenaje a su amiga de guerrilla Vera Magallanes; Xavier Dolan estrena Tom en el granero (2013), una interesante perspectiva, que muestra cómo se desarrolla la homosexualidad entre la vida en las ciudades modernas y el campo. De la directora Maïwenn Le Besco veremos su filme Polissía (2011), que se basa en la cruda realidad de los delitos contra menores en Francia. Esta mereció el Premio Especial del Jurado en Cannes 2011.

Otro tributo es ¡Qué extraño es llamarse Federico!: Scola cuenta a Fellini (2013), Donde Ettore Scola relata la memoria de su colega Fellini.

Pueden consultar la programación visiten la página de la Cineteca Nacional, donde podrán encontrar todos los detalles de la muestra.

Les recordamos que los martes y jueves ¡todos somos estudiantes! Ya que la entrada sólo cuesta 25 pesos. Esperamos que disfruten la muestra y nos cuenten su experiencia con las películas.

La Lámpara Maravillosa presenta: “El Androide y las quimeras”

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Autor: Ignacio Padilla

Editorial: Páginas de Espuma

Año: 2008

Número de páginas: 128

 

Si estás buscando una lectura breve y sencilla pero oscura e intrigante, te recomendamos “El Androide y las quimeras” del escritor mexicano Ignacio Padilla. El autor nos muestra una cultura occidental retorcida que orilla a los humanos a trastornarse en doce cuentos cortos en los que combina realidades conocidas con mitos y fantasía. En este libro expone a personajes célebres como Thomas A. Edison en sus más turbias anécdotas, donde es difícil distinguir cuál es la parte verídica de la historia y cuál es más bien un mito. A Padilla le gusta jugar con esta confusión y la hace más enfática al añadir una lista de referencias bibliográficas que respaldan algunos datos mencionados en los cuentos al final del libro.

Más que montar una fábrica de escándalos y rumores históricos, Ignacio Padilla pretende proyectar una sociedad occidental hipócrita y enferma, donde sus integrantes fingen tener gustos políticamente correctos y un comportamiento si no ejemplar, aceptable; cuando en realidad cada uno de los personajes ocultan alguna pasión perturbadora y enfermiza. Estos cuentos, divididos en dos partes: “El androide en nueve tiempos” y “Quimeras de tres orillas”, también buscan desentrañar los trastornos de la mujer ocasionados por una cultura sexista en la que el sexo femenino es concebido como un aparato ornamental en un parte de su vida y como un actor social con la obligaciones intrínsecas en otra, y para lograr esto se vale de un juego de tragedia, intriga y horror que tejen una narrativa visceral y futurista de un ambiente gris de tiempos de antaño.

No dejes de seguir el sitio de The WMP para más recomendaciones literarias cada lunes.

RGB

RGB es un proyecto que, en base a la expresión artística, busca explorar la relación que guarda el color impreso con los colores de la luz. Carnovsky revela el misterio rellenando cuartos enteros con hermosos patrones de plantas, animales y anatomía humana. Cada pintura tiene diferentes capas y cada capa es impresa en una tinta diferente: Cyan, magenta o amarillo. Al mismo tiempo, el cuarto se ilumina por turnos  con luces de diferentes colores: Rojo, verde y azul. El resultado es impresionante, pues cada tinta se anula o se expone con una luz determinada, revelando una por una las diferentes capas de sus dibujos.

 

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¿Porqué sucede?

Las colores impresos son distintos a los colores luz. Los impresos (CMYK) son colores sustractivos, es decir que si combinas todos, los colores pierden luz y el resultado será negro. Todos hemos usado éstos colores, son los que vienen en la pintura y en las crayolas. Si sumas amarillo y azul te da verde, si sumas rojo y amarillo te da naranja y si sumas azul y rojo te da azul. Así, sumando, los colores van cambiando y se van obscureciendo. Son los colores son los que se usan en los libros, en las paredes, o en cualquier coloración impresa del planeta. Sin embargo, los colores luz, que son los que en realidad vemos, se comportan de una manera muy distinta. Estos son colores aditivos (RGB) y funcionan de manera opuesta que los sustractivos:  Cuando los sumas, la luz en el color aumenta y te da blanco. La manera más facil de comprender esto es con un prisma de vidrio que divida la luz, como el del disco de Dark Side Of The Moon. Cuando los colores luz está sumados, la luz es blanca. Sin embargo, cuando la luz se difracta, se ven todos los diferentes colores usados para formarla. Entonces, al combinar colores luz con colores impresos, se dejan de ver (o se ven más) algunos colores que otros, provocando que parezca que solo hay un color pintado en la pared cuando en realidad hay 3.

 

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Para checar RGB has click aquí

 

TACOS POLO

Este jueves te invitamos a que te regales esta delicia para sobrevivir los últimos días antes del fin de semana.

Tacos Polo se encuentra en el entronque de Av Toluca y Desierto de los Leones, Polo es un fan de los pumas y  tiene la pared tapizada con banderas de este equipo y  fotos de sus clientes consentidos. También hay una terraza con la mejor vista, los mejores y más populares tacos son los campechanos.

Ve y disfruta del inigualable sabor de sus tacos acompañado de una chela.

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Motivos para creerle al ‘Rey’ Pharrell

​Pharrell Williams es una personificación de talento poco usual. Además de iniciarse a la temprana edad de 19 años en las listas de popularidad en labores de producción, goza de credenciales como músico, compositor, “rapero”, diseñador de modas y productor musical, y es considerado un icono de la moda, además de ser calificado como uno de los “Hombres del Año”, según la revista GQ.

A sus inmesurables 40 años de edad, Pharrell tiene más onda que muchos personajes con todas las características en el estereotipo de ‘triunfador’, sin mencionar que todo el mundo quiere un poco de su “toque de Midas”. Más allá de la envidia que pueda generar, no se puede negar que este hombre está destinado al éxito. Si por alguna razón se mantienen las dudas de su éxito, aquí viene una lista de motivos por los que podemos considerar a Williams como un verdadero “Rey Midas” contemporáneo:

– Billionaire Boys Club / Ice Cream

Tras una disputa con Reebok por el lanzamiento de la línea de ropa Ice Cream, Pharrell Williams hizo mancuerna con el icono japonés de la Moda, Nigo. La colaboración devino en una línea de ropa de poca disponibilidad y altos precios llamada “Billionaire Boys Club”. El éxito de la marca atrajo a otro magnate y músico, quien decidió integrar la línea a Rocawear, su propia marca; aquel personaje es Jay-Z. Actualmente, BBC crece y además de ser manufacturada en Japón -el único lugar donde originalmente se hacía-, se ha extendido a Corea, China, Canadá y México, sin olvidar que la marca ya está disponible para mujeres bajo el nombre “Billionaire Girls Club” (BGC).

– Los Primeros Éxitos de Justin Timberlake

Después de la negativa de Michael Jackson para varios temas sugeridos por diferentes músicos, la ex-figura de N*Sync decidió iniciar su trayectoria solista con las sobras de aquel Invincible del Rey del Pop. Entre esos rechazos figuran algunos de los nombres más importantes en cuanto a sencillos de los inicios en la trayectoria solista de Timberlake, los cuales fueron compuestos por la mancuerna de Chad Hugo y Pharrell Williams -AKA The Neptunes-. En ventas, el debut vendió más de 5 millones de copias, con créditos de Williams y Hugo en más de la mitad del álbum. JT ya tenía la disciplina de bailar y cantar bien, pero aunada tal capacidad al talento de los Neptunes, generaron incansables suspiros de mujeres que incrementaron la debilidad por el vocalista y sus pasos.

– La Producción de Sencillos Exitosos Cargados de Energía Sexual

Las colaboraciones de Pharrell/Chad Hugo en cuanto a producción tienden a cargar de tensión sexual el ambiente; los ejemplos más claros se han reflejado en diferentes voces del pop que no discriminan en género, raza, época o estilo. Desde la seductora “Milkshake” de Kelis y la provocadora “I’m a Slave 4 U” de Britney Spears, hasta la sugerente “Drop It Like It’s Hot” de Snoop Dogg o la polémica del 2013 “Blurred Lines” de Robin Thicke, las rupturas en la barrera del espacio personal son más fáciles de alcanzar con algún elemento producido por los Neptunes. Ya sea un fino toque de funk, percusiones sutiles de compás marcado, bajos recargados a precisión o una voz con atinados instantes de tonalidad aguda, no hay mejor manera para sucumbir que ceder ante el movimiento que impulsan tales canciones. Mención especial para las alusiones de época colegial en “Hollaback Girl” de Gwen Stefani o la siempre favorita de la comunidad gay Madonna con el éxito de 2008, “Give it 2 Me”.

– Capacidad Para Hacer un Gran Trabajo con Géneros Lejanos a su Zona de Confort

Pharrell Williams en solitario o en mancuerna con Chad, ha logrado inyectar su ‘cool’ a grupos o músicos que parecen perfectamente distantes a su afinidad con el pop o el R&B. Los coqueteos de No Doubt con el pop en su Rocksteady, Song Yet To Be Sung de Perry Farrell, el homónimo de Oh Land, los adhesivos tracks del Where Does This Door Go de Mayer Hawthorne y hasta el track acrónimo de The Hives tienen la marca de Pharrell Williams. Sus mezclas y colaboraciones relucen en tracks de Lenny Kravitz, Garbage, Rage Against the Machine, Limp Bizkit, Papa Roach o The Rolling Stones. Sin embargo, las mejores aportaciones de su talento en cuanto a estos géneros -relativamente distantes- es la electrónica; si no les parece creíble, escuchen lo que pasa cuando Williams mete mano en las creaciones de Air, Uffie, Swedish House Mafia y por supuesto, Daft Punk, para entender el gran acierto de incluirlo en los créditos.

– “Nadie Muere En Realidad”.

No (One) Ever Really Dies es el nombre del proyecto que los Neptunes y Shay Haley denominaron como N*E*R*D para promover trabajo propio. Cuatro producciones desde 2002 hasta 2010, más de un millón de copias vendidas e innegables himnos de la pista de baile confirman la química exitosa del trío. Sencillos memorables como la enérgica “Rock Star – Poser”, la cadenciosa “She Wants to Move” o la contagiosa “Everyone Nose (All The Girls Standing in the Line for the Bathroom)”, hicieron que el trío fuera aclamado a escala internacional. Tal vez no tiene el mismo impacto que las millonarias y famosas colaboraciones en su producción, pero estos tres hombres encuentran posibilidades en la música a las que los pies no pueden resistir.

– Respeto de su Comunidad

Más allá de las colaboraciones de nombres ostentosos como Jay-Z, Busta Rhymes, Prince, Ol’ Dirty Bastard, Usher, Ice Cube o Common -entre muchos nombres más-, Pharrell es considerado como un hombre de estilo. Su renombrado estilo para vestir no es ajeno al riesgo y abunda en pantalones cortos o bermudas, pero se mantiene elegante e incluye elementos de la comunidad afroamericana de los Estados Unidos. Apoya a la comunidad de su pueblo natal (Virginia) con la Fundación One Hand to Another, la cual procura a jóvenes de 7 a 20 años en comunidades riesgosas en todo el país, así como construye un centro recreativo para después de clases, valuado en 35 millones de dólares. Ama la astronomía, es fan de Star Trek y aficionado a las patinetas, sin mencionar que está casado con su novia de larga trayectoria, Helen Lasichanh… pequeños detalles que le ganan puntos de aceptación para los cánones de (casi) cualquier grupo social.

– Trayectoria Solista en Ascenso

Pharrell Williams ya sobresalía como parte de los Neptunes desde inicios de su carrera a principios de los noventa; sin embargo, el primer vestigio de su trabajo como solista en 2003 tuvo por nombre “Frontin'” y conjuntaba su estilo “funk futurista” con la colaboración de Jay-Z. Continuó con su primera producción solista, In My Mind. Para esta contó con nombres que fueron desde Gwen Stefani y Kanye West, hasta Jamie Cullum y Snoop Dogg, aunque sin alcanzar éxitos mayores. Este 2014, vio el reciente surgimiento de su segundo álbum solista de nombre G I R L, que presenta colaboraciones de Alicia Keys, Miley Cyrus, Justin Timberlake y Daft Punk. Por lo pronto, el sencillo “Happy” -perteneciente también a la banda sonora de Despicable Me 2-, fue todo un éxito y hasta logró una nominación al Óscar por Mejor Canción.

Pretextos faltan y razones sobran, pero lo más sobresaliente en la incansable trayectoria del músico/productor y diseñador, es que no importa la época en que alcanza el triunfo, cuando lo hace es en plan grande. Al igual que su atemporal apariencia física, sus capacidades musicales no parecen encontrar limitante para alcanzar admiración pública. Además de compartir grandes riquezas musicales a su público, utiliza su talento para ayudar a engrandecer la trayectoria de otras figuras -consolidadas y en ascenso-, incluso antes de sacarle provecho a su carrera solista. Su ‘Toque de Midas’ no se cuestiona desde hace muchos años y, según el 2013, se mantendrá así por varios más ¡Larga Vida al Rey Pharrell!

Flow

Flow

 

Han Hoogerbrugge es un artista holandés que se dedica a hacer animaciones y proyectos interactivos. En su trabajo, se usa a sí mismo como personaje principal, poniéndose en situaciones metafóricas que intentan describir las cosas que suceden hoy en día. Flow es un proyecto que desarrolló en el 2001 que describe los viajes imaginarios de un hombre contemporáneo. “Algunas veces sube, algunas veces baja”. Al dar clicks, provocamos que el sujeto pase por crisis de religión y fé, estrés, búsqueda de identidad, insestabilidad y muerte.
Acompañado con música de Gil Kay, el sitio se transforma en un videoclip con diferentes composiciónes musicales, que dependen de la actividad del usuario.

Para visitar Flow,  ingresa el siguiente link:

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