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#NuevosRuidos Conoce a Ashura, metal mexicano del más fino

Ashura, la banda de metal originaria de Oaxaca, ha regresado con un nuevo sencillo, “La Flor Que Desgarro”, que se desprende de su próximo EP, titulado Apotegma(s), el cual recopila los mejores aspectos compositivos de los tres miembros que conforman esta banda.

“La Flor Que Desgarro” es una canción con elementos sonoros que recuerdan a géneros como el post-metal y al nu-metal, gracias a las guitarras con downtune y las composiciones con bastante espacio. Todo con una potencia indiscutible que los deja bien posicionados en la escena de metal mexicana.

El video que acompaña a este sencillo se encuentra disponible ya, y cuenta con una dirección realizada por Joshua Cantú, con fotografía de Paola Baltazar, en un entorno urbano post-apocalíptico que viste de manera perfecta a la canción.

Puedes estar al pendiente de la banda a través de sus redes: Facebook e Instagram.

Mutek: creatividad visual hecha magia

Cuando la imaginación se fusiona con la tecnología suceden cosas sorprendentes, y MUTEK México llega con su edición 16 junto a los sonidos de Apparat Live, Max Cooper, entre otros, fusionando su talento con los visuales de Daito Manabe, Sougwen Chung, Joanie Lemercier y Vincent Houzé + Dave & Gabe.

Como cada año la propuesta de este festival llega con lo más fino de innovación plasmada en creatividad y pensamiento de vanguardia, a través de las infinitas posibilidades del sonido y el arte digital, inspirando a más de un artista presente con la energía creativa que transmite.

Entre los artistas para este 2019 encontramos a Deena Abdelwahed, Mathew Jonson & Sebastian Mullaert, Frank Wiedemann,  Ali M. Demirel, Apparat Live, Caterina Barbieri, DJ Lag, Freedom Engine, James Place, Joanue Lemercier and Joshua Sabin, Pétra, Tomás Urquieta, por mencionar algunos.

Aquí puedes conocer los horarios para no perderte de todas las actividades:

¿Dónde serán los Nocturnos? Como cada año la Fabrica es ese espacio que se transforma con luces, colores y sonidos para recibir a los asistentes. 

Este año el festival se llevará a cabo del 18 al 24 de noviembre, donde podrás encontrar el Pasaporte y Abono  a través de Boletia.

Andrés Volkov estrena una balada para la frustración

“Conflicto de Interés” es el nombre del nuevo sencillo de Andrés Volkov, un joven compositor de la CDMX, que con su combinación de ritmos latinos, rock y folk se está ganando un lugar en la escena de música independiente, con una base de seguidores en rápido crecimiento.

Este nuevo lanzamiento se centra en aquel momento reflexivo de no conocer las intenciones reales de una persona; llegando a sentimientos de ira y frustración, los cuales descarga Andrés Volkov a través de una balada con guitarras acústicas y armonías de voz creadas entre el propio Volkov y Antonia Suillerot, que lo acompaña en coros.

El video que le da vida a este sencillo fue realizado de manera casera, dirigido por Cristina Thurston y filmado en el garaje de Andrés Volkov, aunque con un gran sentido artístico, principalmente por el trabajo de Tizha Shi con su arte corporal, mientras las imágenes nos narran de manera visual varios fragmentos de la canción.

Próximamente podremos disfrutar del EP completo, del que se desprende “Conflicto de Interés”, y que llevará el mismo título de este lanzamiento. Para enterarte de todo lo nuevo que está preparando Andrés Volkov, no olvides seguirlo en sus redes sociales: Facebook, Instagram y Youtube.

#Audiovvisual: neu punk mexa, Liozn estrena “Kraftbanshee”

Si hablamos de proyectos originales y honestos en la escena nacional no podemos pasar por alto el nombre de Liozn; una de las bandas con más propuesta en el post-punk en años recientes.

El estilo y esencia de esta banda originaria de Toluca es muy particular, su sonido está inspirado en el krautrock, género poco explorado en nuestro país y que tuvo su auge en la Europa del siglo pasado con bandas como Amon Düül II, Neu! y Kraftwerk, en sus primeros álbumes

Los chicos de Liozn experimentan con texturas electrónicas, aludiendo al darkwave y al cyberpunk, a esta peculiar mezcla de sonidos la prefieren llamar neu punk o sød musik. El año pasado estrenaron su primer álbum de estudio titulado Sellics, grabado en Akusma Lab y que puedes escuchar en todas las plataformas digitales.

De este material se desprende “Kraftbanshee”, un enérgico tema con esencia punk que ya cuenta con video oficial. En el audiovisual nos retratan un viaje por las oscuras calles de la ciudad, quizá influenciado por alguna droga como éxtasis o una tacha, por el manejo de la cámara.

Al ser grabado en pocos fotogramas, el video simula seguir el ritmo electrónico de la canción de manera dinámica y agresiva, lo cual te mantiene atento al desarrollo del mismo, aunque historia no diga mucho.

Date el video acá:

No olviden seguir a Liozn en sus redes sociales para estar al tanto de próximas presentaciones y lanzamientos.

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Lasitud muestra su lado más experimental en Fantasma, su nuevo EP

Desde las calurosas tierras de Villahermosa, Tabasco, llega el nuevo EP de Lasitud; una travesía de texturas cálidas que se mueven entre nubes para soñar con fantasmas y seres sobrenaturales.

Fantasma es una obra de cuatro canciones que exploran géneros como el shoegaze, dream pop y post-rock, llevándote por un recorrido atmosférico que comienza con la instrumental “¡Cazamos Cometas!”, para seguir con una excelente demostración de shoegaze y dream pop en las canciones “Fantasma” y “Álveo”, para cerrar con la densa “Tremens”, que explora el lado más pesado de la banda, con inspiraciones del post-metal.

La profundidad de Lasitud no se queda solo en el sonido, ya que las letras exploran temas de pérdida y la aceptación de la muerte, con los recuerdos de una persona persiguiendo al protagonista que aún no supera la ausencia.

Este lanzamiento ya se encuentra disponible en plataformas digitales, así como el video oficial para la canción que da título al EP, el cual puedes checar aquí abajo:

No olvides seguir a Lasitud en sus redes sociales para estar al pendiente de sus siguientes lanzamientos y no perderte su sonido en vivo.

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La Fuerza Ancestral de Reyno regresa al Metropolitan

Tras un año de presentar en el Pepsi Center WTC su último disco Fuerza Ancestral, los chicos de Reyno regresan al Teatro Metropolitan este 18 de octubre, donde además de seguir cautivándonos con sus éxitos nos presentarán su nuevo sencillo “Ríos”. 

Christian Jean y Pablo Cantú nos preparan un show lleno de emoción, amor y mucha melancolía a través de “Viaje por lo eterno”, “Rayo de Luz”, “No Olvide”, “Hasta el último día”, entre muchos otros de sus éxitos. 

¡Escucha aquí su más reciente disco!

¡Recuerda! La cita es este 18 de octubre en el Teatro Metropolitan, y los precios son: 

Preferente A: $800 MXN
Preferente AA: $700 MXN
Preferente B: $550 MXN
Preferente BB: $400 MXN
Balcón C: $600 MXN
Balcón D: $350 MXN
Balcón E: $250 MXN

Conoce a Lasitud, shoegaze mexicano para tus fantasmas

Directos desde Villahermosa, Tabasco, llega Lasitud, una nueva propuesta en la creciente escena mexicana de música etérea con tintes de shoegaze, dream pop y post-rock. Su nuevo sencillo, “Fantasma”, te dará una probada de su potencial.

A pesar de contar únicamente con dos años de existencia, el sonido de Lasitud ya ha mostrado una clara progresión desde el lanzamiento de su EP homónimo, que fue creado en el 2018 y los llevó a varias presentaciones, gracias a su fino sonido dentro de la casa vez más extensa escena de shoegaze mexicano.

“Fantasma” representa una clara madurez en el sonido de la banda, adentrándose más en las melodías pop, pero manteniendo intactas sus distorsiones y atmósferas de ensueño, complementadas a la perfección por una letra que hace referencia a una noche de agobio experimentada por un protagonista que extraña a un alma que ya no se encuentra con él.

Esta mezcla de nostalgia y atmósferas oníricas nos deja deseando más lanzamientos de Lasitud, quienes seguramente nos estarán entregando más músicas a lo largo del año. Para estar pendiente de lo que viene, no olvides seguir a Lasitud en sus redes.

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#NuevosRuidos: baila y llora con lo nuevo de In Veils

In Veils es una banda chilanga que inició en 2015 con un sonido rock electrónico bastante anglosajón. No es hasta 2018 que se mete al estudio para lanzar lo que a la larga resultó en Nude Noir, su primer EP que fue producido en RK Studios en Estocolmo, Suiza, lo que terminó por darle un sonido impecable.

Con este EP In Veils se dispuso a salir de gira por México, y en octubre llegaron a Force Fest donde compartieron cartel con bandas de la talla de System Of a Down y Slayer. Además, de ahí se desprendió el que hasta ahora ha sido su sencillo más exitoso: “Animals”.

A pesar de que las cosas parecen caminar bien, In Veils no quiso quedarse en una zona de confort y decidió explorar otros estilos cambiando a un concepto más cercano al pop y eligiendo cantar en español en lugar de inglés, que fue el idioma con el que se dieron a conocer.

Para presentar esta nueva faceta la banda decidió lanzar un nuevo sencillo: “Atado” una canción llena de contrastes. Por un lado la música te invita a bailar, mientras que la letra toca temas de desamor que sin duda te harán soltar la lagrimita, al tiempo que mueves cada músculo de tu cuerpo con el ritmo movido de la canción.

Si quieres saber más de In Veils no dudes en ir a sus redes sociales y darles like, así no te perderás niguna noticia de esta nueva pero poderosa banda: 

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“Real Love” de Rosk: dream pop para el alma

Una mezcla entre electro-pop atmosférico, rock psicodélico alternativo y algo de folk son la combinación que dio como resultado a Rosk. Sus raíces latinas se mantienen presentes en todas sus canciones, a pesar de que son un grupo muy internacional con diversas influencias y colores incrustadas a su trabajo. La banda nació como vehículo de expresión de la compositora y cantante Rosan Sashida, quien estudió en Canadá y participó en diversas experiencias musicales en NY.  Rosk, además de su EP y los sencillos que han sacado, han participado en escenarios de grandes festivales internacionales e incluso como parte de la celebración del orgullo LGBT en Madrid.

“Real Love” es el sencillo que sacan después de un rato sin nada nuevo. La rola va de la tranquilidad del pop con tintes psicodélicos y tiene una historia interesante detrás: a los 13 años Rosan se enamoró de la vulnerabilidad de la maqueta acústica de Lennon en el Antology de los Beatles y es por eso que retoman ésta canción original de los londinenses más famosos que dios, transportándola al 2019.  No es un cover, es más como una remasterización y adaptación a la actualidad con el toque de la banda.

Rosk interpreta esta canción como una cuestionamiento hacia el amor y la vida, al paralelo narra cómo encontró en Yoko el amor verdadero y comprende, a través de la experiencia, la totalidad del amor como concepto social; todo esto retomando un arreglo original del demo pero ambientándolo con dream pop y manteniendo su estilo característico.

Real Love fue lo último de autoría de Paul, George y Ringo y es traída al 2019 para darla como mensaje de esperanza en estos tiempos confusos que nos tocó vivir. Esta canción cuenta con la colaboración de la banda con la que Rosan complementa Rosk: Rodrigo Amero en el bajo, Israel Bermudez en la guitarra, Nico en sintentizadores y Alejandro en batería y percusiones.

Escúchala aquí:

Date un viaje denso con M M D, lo nuevo de Dolores

Dolores es la nueva promesa del trip-hop nacional, y lo dejan en claro con su nuevo sencillo doble, titulado M M D; un viajesote por atmósferas oscuras y voces dulces, perfecto para escapar de la realidad.

M M D incluye un par de canciones, la homónima “MMD” y “Trampa”, las cuales funcionan como contrastes sonoros que se complementan a través del trabajo visual realizado por Neurocolor, un artista visual que se encargó de resignificar imágenes de archivo a través de procesos digitales, presentadas como un grid en Instagram.

Este es el primer lanzamiento de la banda originaria de la CDMX, quienes tienen una alineación poco usual conformada por dos músicos, dos diseñadores de audio y un letrista. De esta manera, su trabajo colaborativo con artistas visuales los acerca más a la manera de operar de un colectivo, brindando muchas posibilidades a las expresiones artísticas del proyecto.

A pesar de su corta trayectoria, Dolores ya ha dejado en claro que están aquí para sobresalir y entregar algo muy fresco a la escena independiente nacional. Puedes comprobarlo escuchando su sencillo en Spotify y siguiéndolos en sus redes sociales, para estar al pendiente de sus próximos lanzamientos.

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Un poco de México en “Cataclismos” de Centavrvs

En México, al igual que en Latinoamérica existe una situación de injusticia preocupante. Por esta razón, bandas como Centavrvs expresan su inconformidad a través de la música y esto está bien marcado en “Cataclismos”. 

Un poco de México en “Cataclismos” de Centavrvs

Esta canción pide que ¡Paren los Cataclismos! y describe la pasividad en la que las redes sociales nos han hecho caer sin disfrutar de las cosas reales que están afuera de los monitores y que nos convierten en observadores de una realidad virtual.

Respecto a la nueva entrega Centavrvs expresó: “Para nosotros Cataclismos es nuestro pequeño homenaje a Charly García, a LCD Sound System y hasta Beck. Es nuestra rola más roquera por decirlo así. Es la rola que se sale de todo lo que hemos hecho con anterioridad”. 

El nuevo sonido de México tiene mucho que decir…

¡Dale play a “Cataclismos”!

La oscuridad musical de Ali Masare en su nuevo video para “Perderte”

Ali Masare es un productor, compositor y DJ mexicano con más de 10 años de trayectoria. Se ha consolidado como uno de los más crecientes dentro de la escena musical, a lo largo de su trayectoria ha colaborando con artistas como Jessy Bulbo, Dr. Shenka, (Panteón Rococo), JotDog, entre otros más.
Su trabajo consiste en explotar todas las posibilidades, tendencias, géneros y técnicas a través de las tornamesas y los vinilos para crear una composición musical fresca y agradable para que todo público goce un buen momento musical.
Escucha el sencillo “Perderte” en:

Ahora, después de lanzar a finales del año pasado su primer sencillo “Tú Me Gustas”, Ali Masare nos presenta un segundo sencillo como interprete titulado “Perderte”, tema que propone un sonido oscuro, urbano y con un estilo trap/hip-hop con sus particulares influencias.
“Perderte” ya se encuentra disponible en todas las plataformas musicales, bajo el sello de Masare Records.
Acompaña a Ali Masare en la oscuridad de “Perderte”, un visual que se vive en la noche, justo con el mood del track:

 

#NuevosRuidos: FoeMe, sus Incendios y álbumes conceptuales

FoeMe ha crecido con la escena independiente de México. Estos morros llevan ya una trayectoria de 13 años, en los cuales han pisado diferentes escenarios de México e incluso de Europa y están próximos a estrenar su EP Incendios II. En esta entrevista con Arturo Waldo (guitarrista), nos contó de cómo fue que nació este proyecto y del desarrollo de la banda a través de estos años.

¿De dónde nace la idea de formar Foeme?

Formamos FoeMe en la secundaria. Mi amigo Pratt (bajista) y yo decidimos componer canciones a partir de una historia que inventamos, acerca de un niño que encontraba un instrumento musical, hecho de cristal, en forma de espiral que se tocaba con los ojos. Así grabamos nuestro primer EP llamado Félix.

En 2005 apareció Foeme. ¿Cómo ha progresado el sonido de la banda desde hace 13 años a hoy en día?

Nuestro sonido ha progresado mucho. Al inicio no estudiábamos música y éramos un power trio. Conforme pasó el tiempo comenzamos a incluir a más integrantes en la banda, todos somos músicos profesionales, egresados de alguna escuela.

¿Qué diferencia encuentran en la escena actual independiente en México a la que existía en el 2005?

Hay una diferencia importante. Me parece que comienza a haber más estructura. Hay más sellos independientes que promueven a los proyectos emergentes y los músicos comenzamos a ocuparnos de ser más formales.

Ustedes que han tocado en diferentes escenarios de Europa ¿Cómo fue el recibimiento por parte del público europeo? Y por otro lado, ¿existe apertura e interés por parte del medio europeo hacia el rock independiente que se hace en México?

Nuestra experiencia en Europa fue muy afortunada. La gente fue muy receptiva con nuestra música. De entrada, les llamaba mucho la atención ver a 5 greñudos de piel morena con instrumentos musicales. Me parece que salir de contexto nos hizo muy atractivos, en general. Allá todos son güeros. Vendimos alrededor de mil copias de nuestro álbum Buenos días, fuimos a varios medios y a ellos les llamaba la atención que hubiéramos tomado la temeraria decisión de ir para allá, sin un contacto. Les llamaba la atención la historia de nuestro viaje, además de la música. La referencia del rock mexicano para todos los medios en Europa era Molotov.

Rock con corno francés, sintetizadores y glockenspiels, o como lo han catalogado sus fans: rock divertiprogresivo. Esto y más es FoeMe.

El nuevo EP Incendios II, estará disponible muy pronto en todas las plataformas, pero, ya han sacado a la luz su sencillo titulado “Tres”, que se desprende de este material. Dénselo por acá y no les pierdan la pista: 

#NuevosRuidos: Los colores neón de Malibú Club

El amor puede estar choteado, pero sigue siendo la principal inspiración para escribir canciones. Cuando la distancia es el enemigo a vencer, muy pocas parejas lo logran. Bajo la premisa de que se puede luchar por mantener una relación a pesar de cualquier obstáculo nos llega lo nuevo de Malibú Club.

Adrián, José, Fredy y Jorge conforman esta fresca banda de Chetumal que hacía rock alternativo, pero después de escuchar a bandas como como Last Dinosaurs y Tame Impala se dieron cuenta que realmente ese era el tipo de música que querían hacer: una guitarra haciendo adornos marcando el ritmo, un bajo muy dinámico y letras con las cuales la gente se pudiera identificar.

Dos años fue el tiempo que se dieron para la elaboración de su EP, Colores de neón. Durante este proceso la banda sufrió muchos cambios de alineación y también musicales. “Se trató de que cada canción tuviera algo que la distinguiera. Cada persona que ha pasado por el proyecto ha aportado algo en ellas”, nos cuentan los de Quintana Roo.

El tema de presentación es “Distancia” y curiosamente fue la última que compusieron. “Es una canción en la cual se le dio prioridad al uso de los sintetizadores para marcar un sonido más retro y con una letra que demuestra los sentimientos de una pareja que, a pesar de la distancia que llegue a existir, luchan por lo que sienten entre ellos”, comentan.

Atentos a Malibú Club pues estrenan EP en abril y buscarán presentarlo en distintas ciudades del país.

#NuevosRuidos: Malos Modales, la gran familia regia

En 2014 un grupo de amigos decidió que les gustaba el rocknroll, ahí se encontraban integrantes de bandas consolidadas como División Minúscula y She’s a Tease. El resultado se llama Malos Modales y después de dos EPs y presentaciones en importantes festivales como el NRMAL, la banda está de regreso con su primer álbum de estudio, Cosas ocultas (Buen Día Records).

Se trata de un material que como indica el título— esconde referencias, sobre todo de influencias o cosas que disfruta la banda. Además comparte nombre con el primer sencillo, el cual les parece una buena transición de los EPs pasados al disco, pues tiene un poco del sonido anterior y mucho de su nuevo estilo.

#NuevosRuidos: Malos Modales, la gran familia regia

La estética noventera es una constante en Cosas ocultas, fue una época que definiría a Scrap (guitarra/voz), Johny (guitarra), Chank (bajo) y Kiko (batería). “Hubo mucho rock y grandes discos, películas y videos que nos marcaron, desde grandes producciones hasta cosas más indies y punk, fue un gran momento para ser adolescente.

Algo que nos gusta es el hecho de que se usaba sacar discos completos, y que la gente los compraba y escuchaba. Ahora es un poco distinto con toda la cantidad de música que se encuentra disponible. Muchos artistas optan por ir sacando sencillos en vez de producciones completas y todo se vuelve un poco desechable”, mencionan.

Esta es la razón por la que se tomaron muy en serio la grabación, para entregar una producción completa y de calidad. “Darle a la gente que nos escucha, un disco como los que nos gusta escuchar a nosotros”, nos comentan.

“La grabación del álbum fue un momento único en la historia del grupo, que seguro va marcar mucho del futuro de la banda. Fue un proceso largo, desde la composición hasta la producción, pero en el camino conocimos a mucha gente e hicimos muy buenas amistades”, dicen. Entre ellas podemos mencionar a los Buen Día Records, así como a Maurizio Terracina (Zurdok), quien estuvo a cargo de la mezcla del álbum y Memo sobre la luna, músico invitado.

Esta gran familia regia ve un panorama prometedor en la tierra del broncowave. “La escena en Monterrey está muy activa, hay muchas bandas tocando y cada vez salen más venues y festivales donde tocar. Hubo un rato que estuvo medio apagada por cuestiones de la inseguridad que se vivía, pero ahora otra vez está muy activa, todos los fines hay shows que ver y a cada rato salen grupos nuevos”.

Con el 2018 a punto de comenzar, Malos Modales ya sabe sus propósitos: “Promocionar el disco, salir a tocarlo en todas partes, y trabajar en un nuevo material para tenerlo listo lo más pronto posible”.

Mientras llegan a la CDMX, despidan este año al ritmo de Cosas Ocultas.

#NuevosRuidos: Maw, los gatos ruidosos de Chihuahua regresan

Cuando ya habíamos casi dado por hecho que dejaron de existir, nos topamos con que Maw, cuarteto ruidoso proveniente de la misma ciudad que los Apolo (sí, Chihuahua), está lanzando un nuevo material después de su bien logrado EP, que justo salió hace ya tres años en estas mismas fechas.

Por ahí de 2014 fue que esta banda comenzó a hacer bastante ruido (literal) con el lanzamiento bastante honesto de su EP, el cual sólo consta de apenas una tercia de tracks, pero que con empeño y un muy buen recibimiento por parte de algunos clavados y medios lograron expandir sus horizontes y, sobre todo, hacernos voltear a la ciudad que en ese entonces tenía una efervescente escena con bandas como Sr AmableET y Coma Pony.

Para irónicamente celebrar que aún no están muertos, MAW nos presenta su primer LP compuesto de ocho tracks que van del garage al shoegaze con altibajos y crescendos, que te mantienen despierto y eufórico hasta el final.

La travesía comienza con “Gallina”, siete minutos donde nos dicen “Ey, aquí estamos, no hemos muerto, siéntate un rato y escucha”. Guitarras exquisitas con una buena reverberación van enramándose con baterías lentas y precisas, mientras la voz te va guiando por este melódico inicio “Tengo el alma llena de ballenas y gallinas”.

De ahí le sigue “Luces”, otro track extenso y contemplativo. Estos muchachos no escatiman en tiempos, así pueden tener un track conciso de tres minutos como “Sinestesia”, a cada uno le dan su espacio ya sea para el debraye o la experimentación, Nos encontramos con crescendos, voces y compases que van mutando conforme avanzan los minutos; sonidos que crecen naturalmente entre acordes, delays y platillazos, hasta transformarse en un monstruo del ruido del que, aunque quieras, no podrás escapar.

Como ya mencionaba anteriormente, hay otros tracks más concisos como “Sinestesia” y “Víctima de las Sombras”, los cuales nos mantienen despiertos con coros y ritmos más neutrales, canciones que no deberían faltar en sus playlists de shoegaze mexa.

La fórmula no falla, y siempre es bueno toparte con discos que se haya planeado o no, te van guiando con la posición en que se acomodaron los tracks, en este caso, justo antes de llegar al climax nos encontramos con un declive en “Zafiro”, un beat un poco más lento y más relajado que nos da un respiro para recibir con fuerza el final.

Llegamos a “Ave María”, punto climático del disco donde el bajo nos abre las puertas a una voz sombría con líricas agresivas: “Dices que vienes de lo alto, que no sabes a dónde ir y que no tienes nada bajo control porque no paras de sufrir”. Sólo para seguir con quizá un homenaje a Cobain en su rola “Kurt”, que a momentos nos recuerda a esas guitarras grunge de Nirvana “¿Sí estás aquí o es un eco que resuena en mi memoria para siempre?”.

Todo muere y Maw están conscientes de ellos, pues se despiden con “Nos vamos a morir”, quizá un presentimiento, una corazonada metafórica del futuro de la banda, por ahora no sabemos qué les depara el destino, si saldrán a tocar este disco en vivo a algunas partes del país o se quedará en las plataformas digitales. Pero de lo que sí estamos seguros es que deberían darle play disfrutarlo, mientras puedan.

Fe de erratas: el autor del texto recibió el material por separado y el orden de las canciones cambiaron en el álbum ya publicado. Sin embargo, el ejercicio puede servir para darle un par de escuchadas con el acomodo anterior. 😉

#NuevosRuidos: Expedición Humboldt está de regreso

Ahhh, la bella Morelia, pequeña ciudad colonial con su arquitectura afrancesada y sus encantos gastronómicos pa’chuparte los dedos. Además de placeres visuales y alimenticios, la antigua Valladolid también es rica en propuestas musicales, entre ellas destacan una camada de músicos muy aferrados a sus raíces compensando el folclor con toques más poperos, psicodélicos y de folk.

Hablamos de Sin Futuro Records (léanse acá una charla con su fundador), quienes albergan a bandas y solistas como Axel Catalán, Negro, Fracaso Hippie y finalmente Expedición Humboldt, quienes acaban de dar un pequeño adelanto de lo que vendrá en su nuevo material, el cual presumen estará listo antes de que termine el 2017.

Recordamos a este proyecto por su participación en el Festival Marvin de 2016 o su épico show en el Lunario como parte de las actividades de la revista Tierra Adentro con sus Mapas Sonoros del mismo año.

“Las brasas siguen vivas en la sangre que evoca este canto. «Todos Regresaremos» una canción que retoma nuestras raíces y las fusiona con el sonido de la expedición”. Así los morelianos le dan la bienvenida a este nuevo track, en el cual no podemos evitar encontrar algunas referencias a los primeros pasos de Café Tacvba, lo cual no precisamente está mal, ya que pocas bandas que realmente valgan la pena han retomado este tipo de sonidos y los fusionan con las facilidades que la amplificación y digitalización hoy en día nos permiten.

Tuba, saxores, tambora, coros y líricas pegajosas acompañados del combo bajo, batería, guitarra y uno que otro sinthe es lo que encontramos en esta odisea de cuatro minutos, en la que visitamos las raíces de una cultura que cada vez se pierde en la modernidad de nuestra vida capitalista, pero que personas o músicos como Expedición Humboldt intentan rescatar en sus creaciones. Si alguna vez desaparecen por completo, quizá podremos usarlas como pequeñas cápsulas del tiempo.

Estén al pendiente a las redes de la Expedición para la salida de este nuevo material y dense de una el track en Spotify:

#NuevosRuidos: D’arcy, la evolución de No somos marineros

Este año comencé a traer a bandas extranjeras con el fin de darlas a conocer en el país o que los pocos o muchos fans que morían por verlos alguna vez en vivo (yo incluído) tuvieran chance de presenciarlos en México. Gracias a esto me he dado cuenta de una extraña tendencia entre ellos: nadie quiere ser taggeado en el género math-rock. La cosa está así: a pesar de que sí, por la naturaleza de la música que hacen se puede encasillar en el math (género musical principalmente caracterizado por complejos ritmos y patrones instrumentales) a bandas como Delta Sleep, Totorro o Pretend, no les encanta el label de dicho género, y aunque ninguno me pudo dar una explicación tajante y completa, el punto es que en su evolución podrían dejar o cambiar algunas cosas que no van tanto con el género.

Esto mismo pasó con una de nuestras bandas favoritas del underground en México: No somos marineros, quienes claramente se hartaron de que tanto público como medios los encasillamos como la banda revelación del math en su momento. Y bueno, lo acaban de demostrar en su más reciente álbum D’arcy, lanzado apenas hace unos días a través de su plataforma de confianza Bandcamp. Donde ya no hay math, en lo absoluto, adiós tapping, adiós compases raros, ahora No somos marineros nos muestra un sonido totalmente distinto, en la misma banda, algo que rara vez hemos visto en las bandas independientes del país.

No somos marineros comenzaron por ahí de 2012 con un EP titulado Demo juvenil en vivo, tres rolas en las que claramente se veían influencias muy marcadas en el género de bandas como American Football, Storm And Stress, Sharks Keep Moving, entre otros. De ahí hubo una serie de canciones (que por cierto la mayoría casi nunca se publicaron y/o grabaron en estudio) que seguían esa misma línea, pero poco a poco, incluso en vivo su sonido fue cambiando. Según ellos me contaron por ahí de 2014 (y si la memoria no me falla tanto) que estaban grabando un álbum que seguía esos patrones, sin embargo algunos de los miembros ya no se sentían identificados con esos tapping de guitarras y compases complejos, que decidieron cambiar el rumbo de la banda.

Esto les costó eliminar todo el material que ya habían compuesto, uno de sus miembros salió para seguir su carrera en el audiovisual y empezar un nuevo álbum desde cero. Esto dio como resultado Lomas Verdes, álbum publicado en diciembre de 2014, grabado en Testa Estudio en una sola toma y en cinta magnética. El álbum fue bastante criticado tanto por los puristas y amantes del género, que porque ya no sonaba a math, que porque la calidad dejaba mucho que desear, en fin, esas cosas que pasan cuando alejas a tu público de su zona de confort. Sin embargo, otros agradecimos bastante el cambio y como opinión personal, LV es su mejor trabajo hasta el momento, mucho más allá de la calidad o el cambio (pues sí, sonaba poquito math, pero había más emo y menos tapping) ya que lo que se sentía en esas canciones era honestidad.

Ahora, tres años después de su primer álbum y totalmente alejados de, por ejemplo, una de sus primeras canciones: “Gisaról Profesales”, nos ponen sobre la mesa D’arcy, del cual Carlos (voz y guitarra) comentó en un post en Facebook: “Tres años cocinando esto; ahora es de quién lo escuche, yo puse la mayoria de mí en su realización junto con mis BBS favos Oscar Rubio, Gustavo Farfán, y Andres Gamiochipi”. Un álbum compuesto por nueve tracks en los que incluso dejaron un 90% atrás el sonido de Lomas Verdes, tanto en ejecución como en producción, esta última a cargo del venezolano Miguel Fraino (productor y guitarrista de Cardiel). No somos marineros no sólo cambió de piel, su música incluso podría dejar detrás el nombre de la banda, pero lo que lo mantiene, quisiera pensar, es la honestidad y las ganas de querer hacer la música que les gusta.

Como de costumbre, las canciones tienen títulos ambiguos a las letras y más bien reflejan situaciones muchas veces sin mucho sentido (al menos para sus seguidores) que viven en su vida diaria. Así nos recibe “Los bajos fondos”, donde nos dicen con una voz bien tenue: “olvídate de los gritos, olvídate de compases complejos, déjate llevar por el delay, y en vez de hacer slam, mejor acuéstate un rato a escuchar”. Esto se mantiene en “Je suis un basiur” nada de complejidad, música mucho más agradable para las masas, sobre todo con el revival del shoegaze, que desde hace un par de años mantiene viva la llama. A momentos suben de tono los instrumentos, pero la voz se mantiene, cómoda, sin esfuerzo, haciéndose notar mucho mejor que en Lomas Verdes, ya que allá el esfuerzo por empatar con el estruendo de los instrumentos era mucho mayor. “Andiamo vía” nos deja claro que una de las influencias quizá más grandes —aunque no lo quieran aceptar— está presente; Title Fight, quienes al igual que ellos fueron de mayor a menor, ¿no me creen? Dense el Floral Green y pasen de ahí al Hyperview y díganme si me equivoco.

“Cutlass (’96)” y “D’arcy “son los momentos más melódicos del disco, las influencias emo en las líricas son notorias, una voz a punto de quebrarse nos dice: “Quédate. Puedes verme cambiar. Quédate”. Mientras en D’arcy, el track más largo del disco es un resumen de todo lo que puedes encontrar en el álbum. La batería de Andrés es incomparable, puedes notar al momento su técnica y ejecución en cualquier rola de NSM, mientras que Farfán se queda un poco corto en el bajo con líneas bastante simples y repetitivas, sin embargo las guitarras traen todo ese filin del que les he estado hablando.

Del track seis al nueve la banda va evolucionando hasta llegar a un estruendo, donde nos encontramos con los marineros de hace tres años, enfadados, agresivos, fulminantes, nadie habría podido pedir o esperar mejor cierre en este álbum como lo hicieron con “Eurosport”, la esencia pura de la banda, un momento estás echado en la cama con tu morra escuchando el disco a todo volumen, llega este track y ya estás en medio de una multitud listo para echar el slam y gritar: “Sálvame, no harás nada mejor. Sé que no estás”.

Queridos No somos marineros, sigan haciendo lo que les gusta, evolucionen y/o cambien su sonido tanto como quieran, pero, por favor, no dejen de hacerlo.

#NuevosRuidos: Olivent, cerveza, amigos y rock… instrumental

Por @CrisWinters

Integrada por Francisco Jiménez, Sergio Barquet, Benjamín Antúnez y Daniel Barquet, Olivent es una banda de rock instrumental originaria del Estado México.

Su historia comenzó como un juego entre amigos, pero con el tiempo evolucionó en una agrupación profesional.

“En la secundaria conocí a Paco y a Benja. La banda se formó hace cinco años, por ahí de enero o febrero del 2013. Primero lo tomamos de relajo, pero luego comenzamos a tomarlo en serio. Nos cambiamos de nombre porque creíamos que necesitábamos algo más formal. Olivent es un anagrama de “violent”. Nos gustó que no sonaba como algo conocido. Además hay pocas bandas cuyo nombre empiece con la letra ‘o’”.

Ya que ensayaban de manera formal, iniciaron un proceso de composición también más serio. Prepararon canciones con la estructura básica y componían con el  metrónomo, pues los miembros de la banda tienen formación musical académica. Además, sus influencias son tan ricas como variadas.

Va Olivent.

“Tenemos influencia de Austin Tv porque es lo que escuchábamos en la secundaria y la prepa. Nos gusta el folk, también Minus the Bear. Sus guitarras son nuestra referencia. Además mi abuelo cantaba rancheras, escuchaba boleros. Él me enseñó a tocar la guitarra. En cuanto a la composición, todos formamos parte del proceso. Alguien trae una idea o un riff y luego lo modificamos”.

Otra de las cosas que diferencia a la banda es que su alineación es poco común. Es instrumental así que no tiene vocalista pues jamás les latió la idea del frontman famoso. No es como concibieron la banda.

Además, nada los detiene, pues al no contar con presupuesto para su primer disco, se las ingeniaron para grabar su álbum en SAE. ¿Cómo? Un amigo de los estudia ahí y fungió como productor. Pero eso implicó que tardaron literal años en terminarlo, pues a veces el estudio estaba ocupado o tenían que grabar de madrugada cuando nadie más lo usa. Otro reto fue que al inicio el público de las tocadas donde suelen tocar bandas de covers no entendía su concepto, pero ahora tienen una creciente base de fans.

Actualmente la banda espera dar a conocer su disco debut en vinyl, seguir en tocadas y deslumbrar a los asistentes de la posada de los Los Júniors, fiesta que se llevará a cabo el 15 de diciembre en el Foro Niza 40, cuyo line up conforman no sólo Olivent sino también proyectos como Hawaiian Gremlins y Mint Field.

Juan Son lanzó nueva música y el Internet no se ha vuelto loco, ¿o sí?

Desde el lanzamiento de Mermaid Sashimi en el no tan lejano 2009, el fugaz proyecto de AEIOU con Simon Pace de Blonde Readhead poco tiempo después, y la triunfal presentación junto a Porter en el Vive Latino de 2013, mucho se había especulado sobre nuestro querido Juan Son. Que si vivía en una comunidad sin acceso a Internet en Oaxaca, que si se volvió cristiano, que si Wikipedia lo declaró muerto, que si se quedó en el viaje, en fin, por ahora lo único que sabemos es que regresó, de la única y mejor manera que lo podía hacer, con música. Y sí, también se hizo cristiano (y lo deja muy en claro en este nuevo material).

Trepado en Spotify podemos encontrar el álbum 7 del grupo 7, that’s it, no hay más. Así es como Juan Son proclama su regreso, con tracks que nos recuerdan esos videos que subía a YouTube, donde con su guitarra y unos juguetes le cantaba música —que jamás estuvo en otro formato— a sus fans. Con títulos de una sola letra, Juan, Musgo o ahora 7 nos presenta 13 temas de no más de 2 o 3 minutos de duración. Cabe resaltar su devoción hacia Dios, pues al principio o al final de algunas canciones hace una pequeña oración o agradecimiento. El álbum nos da dos pequeñas pistas de lo que pasa con Juan en estos momentos, todo gracias a la numerología: para empezar el número 7 habla de la búsqueda del perfeccionamiento intelectual y espiritual, a su vez representa lo sagrado que se enlaza con lo divino y lo humano. Por otro lado el total de las canciones son 13, a nivel simbólico el XIII es el arcano de la muerte, que en esoterismo la muerte no representa  precisamente algo negativo, sino que es una evolución a un estado superior del ser.

Parece ser que Juan encontró durante estos años un nuevo camino de vida, más cerca de la divinidad y lo sagrado, y este álbum representa perfectamente esta faceta, más que musical, de vida de uno de los personajes favoritos en la música mexicana. “Espíritu bueno / dame de tu amor / llévame a lugares / todo es tu creación / tú cantas a través de mí”.